Peter Hammill - From the Trees (2017) ---ScRaBBlE

Líder de una de las más importantes bandas de la historia del rock: Van der Graaf Generator. Uno de los grandes héroes que ha dado el rock progresivo de todos los tiempos vuelve por última vez y en forma de despedida, uno de los artistas más prolíficos del rock progresivo de todos los tiempos, Peter Hammill, de 68 años, lanza un disco donde describe sobre distintos personajes que caminan hacia su ocaso, con momentos de realización y resignación. "En el tercer acto de la vida es hora de mirar con una visión clara dónde hemos estado y hacia dónde nos dirigimos". Desde 2014 que no sacaba ningún disco en solitario y éste año ya sacó uno con Van der Graaf Generator y ahora este disco solista que nos trae el Mago Alberto, con toda la emoción, inmensas líricas y fiereza que siempre ha caracterizado a su obra, ahora inmortalizando su visión de la vida desde la tercera edad. Extraordinario Hammill en un disco que sospecho que va a quedar en el ramillete de obras selectas dentro de su inmenso legado.

Artista: Peter Hammill
Álbum: From the Trees
Año: 2017
Género: Art rock / Progresivo ecléctico
Nacionalidad: Inglaterra

El legendario músico británico y fundador de los emblemáticos Van Der Graaf Generator, el cantante, guitarrista, tecladista y compositor de 68 años, nuevamente grabó todos los instrumentos y voces, agregando que se trata de una entrega que es el reflejo del tercer acto de su vida: "es hora de mirar con un ojo claro en dónde uno ha estado y hacia dónde va". Aquí el comentario (es el primero que se hace de este disco, que es una exclusiva) del Mago Alberto que es, otra vez, quien nos trae esta maravilla...

Última producción de Peter Hammill en el ocaso mismo de su carrera y de su vida también, ¿suena cruel? si, pero es una gran verdad, y que se puede esperar de un músico que toda su vida la entregó al placer de la música y nos dió con Van der Graaf Generator y con su extensa carrera solista verdaderas joyas musicales. Y esta es otra más.
Sí cabezonas/es, esto es jamón del medio para los seguidores de Hammill, un disco solista despojado de parafernalia, su voz, su guitarra y piano, voces duplicadas en capas y capas en stereo duales, y toda su magia y poesía intacta. Intimo, desgarrador, hermoso, como si fuera despojándose de a poco de sus últimos destellos de pureza y grandeza, un disco impecable y con la magia intacta de PH.
Demos gracias a la vida por compartir con este ser impresionante este planeta perdido en la inmensidad del universo, y en este viaje compartir también estos sonidos, esta poesía, estos sentimientos y momentos intensos e inexplicables que solo te los da Hammill. ¡Gracias!
Uno de los grandes lanzamientos de este 2017 que ya termina y qué manera de terminarlo, ¡la puta madre!. Si se quieren olvidar de todos los grandes males de este mundo por un momento, recomiendo esta producción, déjense llevar, cierren los ojos y floten, de todo lo demás se encarga Peter Hammill.

Mago Alberto

Mucho no voy a escribir porque recién me estoy adentrando al disco. Y sobretodo porque es un disco de Hammill, y quien guste de la música de este extraordinario música no necesitará de mis palabras para degustarlo por sí mismo...

"Una vez más, toco y canto todas las partes en las canciones y, por supuesto, algunas de ellas ya han sido presentadas en directo (...) todos ellas están concebidas como sencillas y bastante convencionales, o al menos, lo más convencional que pueden ser".

Peter Hammill

Otra primicia del blog cabezón, que gracias a su brillante comunidad siempre está dando la nota.

Pensaba que no iba a poder volver a decir esto, pero después de mucho,demasiado tiempo, PH nos entrega un disco extraordinario, ese por el que llevaba suspirando tantos años. Y eso que el tema que sobrevuela el disco no invita al optimismo: la visión de la vida desde la tercera edad.
Los mimbres son los mismos de los últimos trabajos, pero las musas han vuelto por fin. Una colección de piezas de aparente sencillez,dirigidas indistintamente por guitarra o piano, y repletas de significativos detalles. Ahora una línea de bajo, después unos arpegios de guitarra eléctrica, más tarde unos sintetizadores, todo al servicio de diez temas inspiradisimos y llenos de adictivas melodías. No se echa en falta a la percusión para nada. Qué bien definida, qué matizada queda la paleta sonora, su mejor producción en mucho tiempo. Y en cuanto a la voz, la VOZ, pocas veces la he encontrado tan inmensa, pues el tiempo no le hace mella.
Si tuviera que emparentarlo con algún disco suyo, tal vez sería " And close as this", quizás porque los temas que más me llegan del lote son los que están dirigidos por los teclados.
Por fin , Peter, vuelta a las andadas.Hasta la omnipresente B-vox en este caso se llena de sentido para colorear las canciones. Y encima ha colocado la mejor del lote para cerrar el disco, con lo que el cuerpo pide de nuevo apretar el botón de " start " : una y otra vez. Lo dicho, nos lo debía a los seguidores más irredentos.
Extraordinario. Sospecho que, a la larga, va a quedar en el ramillete de obras selectas dentro de su inmenso legado.

Poodellanes

Maravilloso Hammill, ya viejito, nos sigue sorprendiendo. Quizás tambièn lo haga cuando pase del otro lado de la vida, a mí no me sorprendería. El fuego de las almas traspasa cualquier frontera.

Lista de Temas:
1. My Unintended
2. Reputation
3. Charm Alone
4. What Lies Ahead
5. Anagnorisis
6. Torpor
7. Milked
8. Girl to the North Country
9. On Deaf Ears
10. The Descent

Alineación:
- Peter Hammill- voz y todos los instrumentos

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Pete Sinfield - Still (1973) ---ScRaBBlE

El Mago Alberto nos trae el único disco de Pete Sinfield, el 'letrista' de Emerson Lake & Palmer, Roxy Music, la Premiata Forneria Marconi y King Crimson (que de hecho fué el primer grupo en incluir al "compositor de las letras" como miembro estable y oficial) entre otros. Un disco donde participan John Wetton, Ian Wallace, Greg Lake, Mel Collins y un montón de músicos invitados. Yo creo que no deberían perderse esta joyita perdida porque además, es muy muy difícil de conseguir! Otro regalito para el fin de semana largo, no se pueden quejar.

Artista: Pete Sinfield
Álbum: Still
Año: 1973
Género: Prog Related
Nacionalidad: Inglaterra


Aquí, la sorpresita de la semana... y lo presenta el propio Mago que es quien trae esta joya.

Único album del que Progarchives describe como el mejor letrista de todos los tiempos y también hace mención a obras de su autoría letrística como "In The Court Of The Crimson King", "21st Century Schizoid Man", "Epitaph", "I talk To The Wind", "Moonchild", "Islands", "Ladies Of The Road", considerado como un integrante mas de King Crimson pero que nunca participó en escena con ellos, también pintó de imagenes y fábulas algunos álbumes de Emerson Lake and Palmer y Premiata Forneria Marconi, o sea un muchacho para nada improvisado pero con una cabeza realmente admirable. Trazando un paralelismo con nuestro rock argento podríamos decir que fue en su época el Spinetta del progresivo.
Esta versión doble y remasterizada es una rareza por cuanto no hay mucha data de su publicación y no tengo idea de donde apareció, pero estoy seguro que muchos cabezones van a saber apreciar, incluye algunos outtakes y versiones distintas del álbum original, así que como advertí en alguna otra publicación guarden que no hay en cantidad, esto es como fruta de estación, así que los colgados que piden links luego de un tiempo están advertidos.
Un álbum que cuenta con varios integrantes de King Crimson, y si se toman el trabajo de googlear las letras se van a encontrar con poemas y líricas zarpadas dignas del señor Pete Sinfield, un músico con mucho estilo, con una cadencia de voz muy particular en su canto.
Still es un álbum que con el tiempo se transformó en una gema del progresivo y del cual muchos tienen referencia pero que pocos tienen acceso así que venimos en el blog cabezón a cubrir esa carencia y por partida doble. Atmósfera crimsoniana a full.
De vez en cuando se abre el arcón y saltan cosas como estas, recomiendo muy encarecidamente The Piper con un trabajo de Mel Collins, exquisito!!!.
Quizás muchos cabezones de aquella época tendrán presente este trabajo y seguro se les va a piantar un lagrimón. Una pieza importantísima de esa maquinaria gigantesca que es el progresivo.

Mago Alberto

Aclaro que se trata de la versión japonesa de dos CDs, y que esto es algo muy difícil de encontrar por cualquier lado.

Algunas cuestiones al margen, ya que estamos hablandoi de Pete: como el propio Sinfield lo reconoció, era un mal cantante y dijo que de sus canciones sólo se gusta en "The Song of the Sea Goat". Y podía haber contado con Greg Lake (que algo hizo) y Boz Burrell... Pero Pete Sinfield fue, además de músico y letrista, productor, como en el caso de Premiata Forneria Marconi y de hecho, "Still" es de la misma época de las sesiones para "Photos of Ghosts".

Bueno, no le voy a dar mucha más vuelta a esta presentación, ya lo hizo el Mago, y en definitiva quien lo conozca y le guste se va a llevar esto de cabeza.



Lista de Temas:
CD1:
1 Song of the Sea Goat
2 Under the Sky
3 Will It Be You
4 Wholefood Boogie
5 Still; Envelopes of Yesterday
6 The Piper
7 A House of Hopes and Dreams
8 The Night People.

CD2:
1 Hanging Fire (1973)
2 Still (first mix)
3 The Song of the Sea Goat (early mix)
5 Under the Sky (early mix)
6 Wholefood Boogie (early mix)
7 Envelopes of Yesterday (early mix)
8 The Piper (early mix)
9 A House of Hopes and Dreams (early mix)
10 The Night People (early mix)
11 Still (second mix)
12 Can You Forgive a Fool? (1975).

Alineación:
- Peter Sinfield / vocals, guitar (12 String), synthesizer, guitar (acoustic), guitar (producer, main performer, cover design)
- Min / drums, percussion
- Chris Pyne / trombone
- Stanley Roderick / trumpet
- W.G. Snuffy Walden / guitar
- Ian Wallace / drums, drums (Snare)
- Tim Hinckley / piano (electric), piano
- Snuffy / guitar (electric)
- Brian Flowers / synthesizer
- Don Honeywill / saxophone (Baritone)
- Keith Christmas / guitar
- Greg Lake / guitar (electric), vocals, vocals (background), associate producer, mixing, guitar
- Robin Miller / Wind, cor Anglais
- Greg Bowen / trumpet
- Richard Brunton / guitar (electric), guitar (acoustic), guitar
- Boz Burrell / bass
- B.J. Cole / guitar (Steel)
- Brian Cole / guitar (Steel), guitar
- Mel Collins / celeste, flute (Alto), flute (bass), saxophone, saxophone (Alto), saxophone (Baritone), saxophone (Tenor), Wind, brass, flute (arranger, associate producer, mixing)
- Steve Dolan / guitar (bass), bass
- Tim Hinkley / piano (electric), piano
- Don Honeywell / saxophone, saxophone (Baritone)
- Phil Jump / Glockenspiel, keyboards, organ (Hammond), piano (electric), organ, synthesizer, piano
- The Box / guitar (bass)
- John Wetton / drums, guitar (bass), Fuzz bass, bass, percussion
- Keith Tippett / guitar (bass), piano

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Crónicas de Enero - Espacios (2016) ---ScRaBBlE

Empezamos el día con una joyita desconocida del under argentino, he aquí un excelente disco que me trajo la idea del contenido del post El Rock: de la Rebelde Autenticidad a las Góndolas de la Mercadotecnia ¿El Rock ha Muerto?, sobretodo en mi reflexión de que si verdaderamente tiene un futuro será desde el under y en trabajos altamente artísticos y creativos como éste. Y cuando digo que el futuro del rock está en el under, me refiero a bandas como ésta, que si bien en su primer disco hicieron un rock alternativo aceptable, en este segundo trabajo esta banda de Lanús se desatan y dan muestras de una creatividad envidiable. Tres años llevó su composición, ensayos, arreglos, y mezcla, y el resultado es un disco de muchísimas texturas, climas, casi cinematográfico y donde no falta ni el gancho pop, ni el rock espacial, ni la mezcla de sonidos modernos y setenteros. Si bien el disco empieza a tope, va ganando en atmósferas e incluye sonidos ajenos al rock, rock más allá del rock. Innovación, técnica e influencia cinemática con un sonido general atmosférico y complejo apoyado por trabajo visual. Los invito a conocer el que para mí es un señor disco, ambicioso, experimental, un tremendo trabajo que marcó el final de esta banda, pero dejando una joya que no la pueden dejar escapar. Escúchenlo y verán porqué lo digo. Discazo!

Artista: Crónicas de Enero
Álbum: Espacios
Año: 2016
Género: Rock alternativo / Art-rock / Experimental
Duración: 42:00
Nacionalidad: Argentina

Hoy vamos a darle una vuelta de tuerca al concepto de la música under. Una muestra de las tantas maneras que claramente han generado, y están generando, una corriente musical. Muy amplia, sí, y muy variada, también, pero con muchos puntos en común. Lamentablemente la banda se separó recientemente, porque el salto del primer disco a éste es abismal, su sonido es mucho más detallista, más atento a las necesidades de cada composición, se muestra más inteligente en el uso de la escala de grises, en su variedad. Y si la agrupación aún estuviese en actividad sería una banda a tener muy en cuenta hacia el futuro.

Un trabajo completo y bien estructurado, prolijo y sofisticado por sus climas y mixturas de estilos imposibles, con mucha lírica recitada, teatrales como una banda de progresivo francés, formando una propuesta personal e intransferible y que añade una nueva aportación al under argento.

Su música goza de un gran número de influencias, sus letras albergan importantes cargas filosóficas desarrolladas musicalmente a través de la experimentación continua, a su música le añaden ciertos elementos puntuales que dan una gran variación entre tema y tema y hacen a este trabajo muy entretenido, imagínense a Bunbury cantando un rock pop moderno muy a lo Cerati pero con atmósferas de Pink Floyd y todo apoyado por un bandoneón y órganos setenteros, como en el caso de "Visionarios".

La banda bebe de varias influencias como son el rock alternativo, psicodélico, el art-rock, el rock espacial, pero lo que vale es la actitud de experimentar y esa búsqueda es lo que les da un sonido realmente único, en el oído hay mucha elegancia en la escucha, con algunas notas de especias y una acidez equilibrada. Su sonido es variado, atmosférico e intenso, envuelto por las proyecciones que despliega la amalgama de música-lírica donde se superponen las imágenes que generan desde el comienzo del disco, pareciera que esto es más un proyecto interdisciplinar donde poesía y música se unen para generar nuevos espacios en los que la palabra deambula entre golpes de riffs psicodélicos y atmósferas evocadoras de un universo mítico de paisajes sonoros que desembocan en una secuencia de imágenes que se suceden verso tras verso, en un collage de sonidos granulados y una atmósfera y unos riffs que no da tregua al oyente.
El disco es una sucesión de temas variados, trabajados y llenos de talento, que basan su contundencia en la melodía, la sensibilidad y la ráfaga de riffs y las sensaciones que producen en todo aquel que escucha su música. El trabajo de los músicos, ahora que lo pienso, es impecable, pero de verdad cuesta ponerse a pensar en lo que hace cada uno, porque todo funciona como una unidad, todo está en el lugar perfecto. Lo que hacen instrumentalmente está muy bien, pero lo mejor es que no se nota, o mejor dicho, la unión de todo está tan buena que uno ni quiere detenerse en cada instrumento.

Otro trabajo super recomendado que solamente encontrarán en el blog cabezón. Super recontra recomendado.

https://www.facebook.com/cronicasdeenero


Lista de Temas:
1. Espejos
2. Desierto
3. Quimera
4. 1x2
5. Visionarios
6. Espacios
7. Reflejos

Alineación:
- Nicolás Gyurkovits / Batería y percusiones
- Ignacio Gyurkovits / Guitarra y coros
- Leandro Luque /Bajo
- Damián Graziano / Voz y Guitarra
- Julián Roel / Guitarra y Coros
Músicos Invitados:
María Laura Fabrizio / Saxo
Nicolás Tognola /Bandoneón
Hernán Sforzini / Percusiones
Ramiro Villamea / Teclados
Bruno Lotito / Teclados
Leandro Merli / Flugelhorn
Mauro Esposito / voz en Quimera
Karen Balchunas / Voz en Quimera

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Peter Hammill - The Future Now (1978) ---ScRaBBlE

Y en esta semana tan hammilliana aparece su disco de 1978 "The Future Now", con una instrumentación ascética, un disco , comprometido, honesto, que llega a los oídos de manera extrañamente cristalina, tan particular como la fota de su portada, dejando en claro que el arte hammilliano es único e irrepetible. Quizás el disco que más cerca estuvo de la estética de Bowie, y con influencia en ese estilo que se denomina "post-punk" que tan bien representa Joy Division, dando un nuevo giro y poniendo, otra vez, una nueva perspectiva que (otra vez) parte de lo personal para luego pasar a lo artístico. Hammill toca todos los instrumentos, haciendo un uso extensivo e inteligente de las cajas de ritmo y los sintetizadores, y hay también material acústico, lo que da a los discos una amplia paleta de sonidos en el que colaboran David Jackson y Graham Smith. Vamos cerrando esta semanita especial con el granPeter como protagonista...

Artista: Peter Hammill
Álbum: The Future Now
Año: 1978
Género: Progresivo ecléctico
Nacionalidad: Inglaterra


El séptimo álbum de estudio de Peter Hammill (guitarras, piano, teclados, canto), quien para grabar esta realización se acompañó con David Jackson y Graham Smith (violín). En realidad, este "THe Future Now" forma una trilogía con "PH7" (1979) y "A Black Box" (1980), luego de la separación de VdGG, y donde hay muchas atmosferas oscuras, frías y desoladas. Si con "Nadir’s Big Chance" abofeteó a sus semejantes y en "Over" se reconcilió consigo mismo, "The Future Now" redacta el plan de paz con un futuro con el que tendrá que convivir. Esto no quiere decir que estemos ante un disco fácil. Ninguno de Peter Hammill lo es. Su virtud está en hacer más comprensibles sus complejas estructuras e intentar contener –que no domesticar- toda tormenta que se desate de ella.

Aquí estamos, estáticos en la última mitad / del siglo veinte / pero podría ser también la Edad Media, / tendrá que haber algunos cambios / pero cómo vendrán los zorros a mí. / Quiero el futuro ahora, / quiero sostenerlo en mis manos; / todos los hombres iguales y erguidos, / quiero la tierra prometida. // Pero eso no parece estar nada muy cercano, / y Moisés tuvo su día… / la tablas de la ley están en un afiche de publicidad, / la civilización aquí para quedarse / ¿y esto es progreso? / ¡Vos debés estar bromeando! / Yo, estoy buscando alguna clase de esperanza. / Quiero el futuro ahora, / quiero verlo en la pantalla, / quiero romper los límites / que hacen nuestras vidas tan malas. // Oh, ciego, cegado, ciego odio / de raza, sexo, religión, color, país y credo, / esto grita desde las páginas de todo lo que leo. / Sólo me das opresión y tortura, / apartheid, corrupción y plaga; / sólo me das la violación del planeta / y bromas de los derechos mundiales en La Haya. / ¡Oh, algún día el Milenio! / ¿Pero cuán lejos está algún día? / Quiero el futuro ahora / soy joven, y es mi derecho. / Quiero una razón para estar orgulloso. / Quiero ver la luz. / Quiero el futuro ahora, / quiero verlo en la pantalla, / quiero romper los límites: / hacer la vida más valiosa que los sueños.

De "The Future Now", 1978

Sigue empeñado en reivindicarse ante lo que ve ahí fuera ("Pushing Thirty"), pero esta vez no deja que la rabia le alcance en lo personal. Sus shows nunca han dejado de ser experiencias incomparables, algunos dicen que la voz de Hammill es la mejor de la historia del rock, y otros dicen que es el mejor poeta del rock, y por algo Hammil ha sido reconocido como maestro por artistas como David Bowie, Peter Gabriel, Marc Almond y Fish, de Marillion.

Podríamos hacer un paralelismo entre la obra de Hammill y la de Bowie, teniendo en cuenta los tonos fríos y elegantes me acuerdo de "Station To Station"; si caigo en la aventura exótica que se marca en "Motorbike In Africa", surge "Lodger" al instante. Aunque hay detalles electrónicos aunque son una tasa mínima que Hammill asume en su reencuentro con el mundo real.

Peter Hammill demuestra con The Future Now ser un artista INDIE, que poco necesita de compañia para expresar las verdaderas intenciones acerca de lo que quiere describir, esté, es entonces el album ideal para hacerlo. "Pushing Thirty" que es una cancion desentonada, radical y libre, denota la etapa alegremente depresiva que cae de repente en "The Second Hand" una cancion imperiosamente electro-experimental, con el sonido del bajo sintetizador que aspira a convertirse en una cancion al mas puro estilo del Bowie del Young Americans... reune mezclas de las mas exquisitas sonoridades que rompen con los esquemas propuestos, incluso por el mismo en sus anteriores trabajos... En particular me parece mas que rescatable hablar de la ingenieria sonora de este album, es impresionante, correcta, pulida, sin sonar pretenciosa o fuera de lugar, le da un aire de futurismo una especie de audio-enginering-sound; sonidos electronicos, melodias que se construyen de manera progresiva; baladas como "If I Could" ensimismadas por el pundonor de el sonido estrechamente ligado a lo existencial, miran hacia el estado animico de alguien vulnerablemente abatido...

dirtymuzic

Debo decir que es uno de los compositores e intérpretes más peculiares y sorprendentes del rock, como cantante su estilo es único con matices que llegan a los extremos, por un lado su voz puede transmitir dulzura y por el otro su interpretación puede llegar a ser tan desgarradora al extremo de llegar a las deformaciones vocales, sobretodo cuando canta en vivo. Encuentro que su estilo es completamente acorde a sus composiciones, nadie mejor que él puede transmitir y perforarte el cerebro con sus canciones. Y ni hablar de su eclecticismo. Esta es otra muestra de todo ello...


Lista de Temas:
1. Pushing Thirty
2. The Second Hand
3. Trappings
4. The Mousetrap
5. Energy Vampires
6. If I Could
7. The Future Now
8. Still in the Dark
9. Mediaevil
10. A Motor-Bike in Afrika
11. The Cut
12. Palinurus (Castaway)

Alineación:
- Peter Hammill / vocals, guitar, keyboards (baby grand piano, monophonic analogue synth), harmonium, Aphex Aural Exciter (6,11), Roland beatbox, bass, harmonica (12), producer & arranger
With:
Graham Smith / violin (5,6)
David Jackson / saxophone (1,2)

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Sunday All Over The World - Kneeling At The Shrine (1991) ---ScRaBBlE

Hace mucho tiempo Artie había traído este disco al blog cabezón, y en un acto de altruísmo el Mago Alberto lo trae nuevamente a la vida: el segundo disco de Robert Fripp con su esposa, Toyah Willcox, en una aventura mucho más exitosa que "The Lady or The Tiger?", sonando muy parecido a una mezcla entre el "Discipline" (ojo, sin ser un desprendimiento de King Crimson, con Willcox cantando maravillosamente en un estilo que se ubica entre Kate Bush y Nina Hagen). Acompañados por el ex King Crimson Trey Gunn y el baterista Paul Beavis (Galahad, Andy Summers, Robert Fripp, Aleksander Mežek, Gordon Haskell y un larguísimo etcétera). No busquen aquí un sustito de King Crimson, aún cuando están presentes los patrones de guitarra que Fripp usó en el Crimson de los 80, con Gunn tejiendo y jugando a su alrededor. El resultado es un disco elegante, con la voz sexy y entrecortada de Willcox como protagonista pero con un grupazo detrás de ella.

Artista: Sunday All Over The World

Álbum: Kneeling At The Shrine
Año: 1991
Género: Art Rock
Duración: 43:40
Nacionalidad: Uk

Imaginen un álbum de King Crimson de la era "Disciplline" pero con una femenina y sensual voz soprano. La voz de Toyah es poderosa, vulnerable y hermosa, lo que hace de este álbum ideal para los fanáticos de King Crimson y Fripp y aquellos que gusten de las voces femeninas al estilo de la señorita Kate Bush, lo que lo hace un disco interesante por demás. Aquí nos lo presenta el Mago Alberto...

Uno de los proyectos mas hermosos de Robert Fripp y su señora esposa Toyah Willcox, que ya hace unos años se habia publicado aquí en el blog pero que es necesario reponer, porque hay infinidad de oídos nuevos rondando por Cabeza de Moog, y este no es un disco para dejar pasar y mucho menos que quede en el olvido.
Acá el petiso gruñón se despacha con un arsenal de arreglos y riffs con toda la onda crimsoniana y que al provenir de Fripp es muy difícil abstraerse, un trabajo excelente que cuenta también con la participación de Trey Gunn en stick y voces.
Los crimsonianos ortodoxos o puristas quizás critiquen esta obra, pero nada mas erróneo de juzgar esto como un desprendimiento de King Crimson, esto es Fripp en otro estado, en otro vuelo.
Único trabajo que luego de escucharlo te quedan ganas de mucho más, en especial por algunas cosas puntuales como el desarrollo de Robert Fripp en "Sunday All Over The World" y "Strange Girls", realmente ahí te das cuenta del genio total contenido en tan poca estatura.
Quizás con el nuevo sistema implementado en el blog esto dure un tiempo más en la net, pero eso nunca se sabe. Así que aprovechen y no duerman. Estas son joyas que al pasar los años toman una real dimensión de lo que son.

Mago Alberto

Este es un trabajo previo a la reunión de King Crimson, lo integra Robert Fripp junto a su esposa Toyah Willcox, Trey Gunn (Estudiante de la Guitar Craft y posterior miembro de King Crimson) y el Baterista Paul Beavis.
se presentan desde 1988 bajo el nombre de Fripp & Fripp hasta que en 1991 editan este excelente trabajo que marca la transición al posterior sonido de King Crimson a mediados de los 90

A collaboration between guitarist Robert Fripp and his wife, vocalist Toyah Wilcox, Sunday All Over the World is an arty, ambitious project that attempts to push the boundaries of pop music. Much of Kneeling At the Shrine is indeed intriguing. Wilcox is a daring, gifted singer, posessing a graceful, soaring soprano. Fripp proves that his reputation as one of rock's most challenging and inventive guitarists is well-earned, as he creates endless layers of highly texture soundscapes. Along with Trey Gunn (playing a Chapman Stick) and drummer Paul Beavis, the duo has created an album that is fiercely cerebral, inventive and intriguing. It is also a bit of a difficult listen, especially for listeners accustomed to regular pop and rock but those willing to put some time in, Kneeling At the Shrine can yield some unique rewards.

Lista de Temas:
01. Sunday All Over The World
02. Blood Bruise Tattoo
03. Kneeling At The Shrine
04. Don't Take It Away
05. Transient Joy
06. Open Air
07. Strange Girls
08. If I Were A Man
09. Answered With A Smile
10. Storm Angel
11. Freedom

Alineación:

- Toyah Willcox /Vocals
- Robert Fripp / Guitar
- Trey Gunn / Chapman Stick, Vocals
- Paul Beavis / Drums, Percussion

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Peter Hammill - pH7 (1979) ---ScRaBBlE

Publicar algo en un fin de semana para mi es un sacrilegio, pero ahoremos una excepción para terminar nuestra historia referida a la discografía de el Jimi Hendrix de la voz y la poesía, y ahora otra vez acompañado de David Jackson y Graham Smith. "pH7" seguro signifique algo que nos quiera decir Pedrito, ¿porqué Peter Hammill 7" si en realidad es su octavo disco solista? Yo no lo tengo muy claro pero hay algunas posibles respuestas que se disparan en el posteo. En la misma onda de "The Future Now" pero en un disco más redondo y compacto, donde Peter Hammill enfrentaba a la nueva década con una gran capacidad para modelar el lenguaje musical, a través de la electrónica y el particular uso de la voz que sigue siendo inimitable.

Artista: Peter Hammill
Álbum: pH7
Año: 1979
Género: Progresivo ecléctico / Art rock
Duración: 43:44
Nacionalidad: Inglaterra


Cerramos así una semana muy hammilliana, mientras nos vamos preparando para la próxima... ¿Qué se nos ocurrirá presentarles?. En lo referido al maestro Peter Hammill, ya hemos cumplido! No esperen un desarrollo muy grande en este posteo, recuerden que estamos en el fin de semana...

Pero ello no me impide qque vuelvan a disfrutar del maestro Hammill, cerrando esta semana.
La vida sigue en el blog cabezón y hasta en la Argentina misma, aunque el gran equipo amarillo se empecine en hacernos mierda.

Como decía antes, aquí terminamos la semana cabezona con Peter Hammill como protagonista. Y la verdad que hacía falta tenerlo más presente en nuestro blog...

Hamill titulo este disco como un recordatorio de su disco numero 7 pero en realidad es el octavo. ?Sera una explicacion que su primer disco se lo considera como de VDGG? Es un misterio. En todo caso es un disco un poco mejor que el anterior, es menos raro, mas accesible y con notables temas. Pero no llega a la calidad de los seis primeros discos. La portada no es muy espectacular: un retrato de Hammill en B/N. La duracion de disco es convencional: unos 45 min.
1.- My Favourite (2,52): Un clasico, una de las mejores canciones de Hammill y una de mis preferidas de siempre. Un tema acustico con voz aterciopelada con unos violines preciosos.
2.- Careering (4,06): Tema que reemprende el estilo propio del punk de “Nadir”,pero demasiado machancon. Hammill canta a lo largo del tema cada vez mas duro.
3.- Porton Down (3,41): Tema un poco aburrido tambien un poco duro, con guitarras estridentes.
4.- Mirror Images (3,51): Tema interesante pero u poco repetitivo, de corte dramatico con voces agudas y aire somene como tambien tragico.
5.- Handicap and Equality (3,56): Excente tema muy triste con melodia acustica con piano.
6.- Not for Keith (2,25): Tema muy bueno que se me hace corto, melodico pero no tan triste como el anterior., al piano como protagonista.
7.- The Old School Tie (5,07): Tema interesante con variedad de estilos: empieza al piano con voz solemne y luego mas energico con un estribillo machacon. Luego se tranquiliza para dar paso a unos riff guitarreros elec.
8.- Time for a Change (3,15): Un clasico de Hammill, acustico y con voz grave y triste. Hammill va haciendo los coros mientras suena la armonica.- Muy melodramatico y con interesantes juegos vocales.
9.- Imperial Walls (4,15): Tema tambien interesante, que empieza con voz dramatica y luego va sonando mas a rock convencional. Hay juegos vocales y sonidos mas experimentales. El final es extranyo: con sonido como si fueran grillos.
10.- Mr. X (Gets Tense): Tema interante de rock tempo medio con violin, empieza con sonidos estranyos.
11.- Faculty X (4,58): Empieza como en los Sounscapes de Fripp, para dar paso a la flauta y piano que van tocando de manera vibrante con cambios vocales. Muy interesante y que me recuerda al la ultima etapa de VDGG.
Disco mas interesante que el anterior y no tan raro. Mas accesible. Con algun par de clasicos y el resto son temas notables. Valoracion: 7,5

Lluis Bonet

Que lo disfruten, ya lo tenemos listo en nuestro espacio.


Lista de Temas:
1. My Favourite
2. Careering
3. Porton Down
4. Mirror Images
5. Handicap and Equality
6. Not for Keith
7. The Old School Tie
8. Time for a Change
9. Imperial Walls
10. Mr. X (Gets Tense)
11. Faculty X

Alineación:
- Peter Hammill / vocals, guitar, keyboards, percussion, arranger & producer
With:
Graham Smith / violin (1,3,10,11)
David Jackson / saxophone & flute (2,3,11)

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Peter Hammill - Nadir's Big Chance (1975) ---ScRaBBlE

Este vendría a ser algo así como el disco punk del rock progresivo. El quinto álbum oficial de estudio del maestro Peter Hammill (guitarras, piano, teclados, canto) lo encuentra acompañado otra vez de sus amigos y compañeros de VdGG Hugh Banton, Guy Evans y David Jackson, en un disco con canciones de extraña belleza, un disco protopunk con canciones que no van envolviendo ni acariciando al oyente, sino que lo sacuden de los hombros, un album de "garage" caótico y ruidoso con el estilo de las viejas bandas de rock & roll. Una síntesis de lo que había hecho pero desde la inovación de un rock ácido y precursor del punk, que si bien no es un disco muy representativo a su estilo mas homogéneo, es un trabajo excepcional y un caso aparte a su discografía. Un disco subvalorado que aquí en el blog le damos el lugar que corresponde, haciendo algo de justicia. Un disco que se adelantó a la explosión punk, un trabajo distinto, más crudo y siempre visceral, con el maestro siempre sorprendiéndonos en sus cambios de estilo y sus líricas majestuosas. Otro gran trabajo que aterriza en el blog cabezón.

Artista: Peter Hammill
Álbum: Nadir's Big Chance
Año: 1975
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 50:30
Nacionalidad: Inglaterra

En el comienzo de su carrera, todo empezo de la mano de "People You Were Going To", una alegre tonada con toques de desesperació, que Hammill más tarde regrabaría para este disco de 1975, "Nadir's Big Chance", donde Peter asume la personificacion de Rikki Nadir, un tipo vestido con campera de cuero. Este disco es un caso aparte de la primera etapa de Hammill, que se acerca mas al estilo roquero de la segunda etapa iniciada con "The future now"
A pesar de ser una figura muy conocida y una persona pública, Hammill siempre se las ingenió durante todos estos años para permanecer como un personaje enigmático y privado; un hombre que creó un estilo único de música (muchas veces) sobrecogedora, que ha inspirado y maravillado a muchos durante muchos años. Aquí con un trabajo recomendable en igual medida para los fanáticos más fieles, pero también, para quienes quieran introducirse por primera vez en la tremenda obra de este personaje, que aunque desconocido a nivel masivo, fundamental para la música popular de los últimos 40 años.

Este disco surge efecto en la comunidad musical inglesa de la época, y es seguido poco después por la explosión del punk, de la mano de figuras como John "Rotten" Lydon que admiten su pública admiración por el trabajo de Hammill, una de las pocas viejas figuras del rock que se salva de las distribas punkies. El culto de adoración hacia la figura de Hammill continuaría en los años siguientes, creciendo aldrededor del mundo. También en 1975, renace Van Der Graaf Generator en un formato que se metía más en una tendencia en clave de "proto-jazz" con explosiones de rock adheridas. Las letras de Hammill en esta época trataban de examinar a la gente y sus cosas, todo de la mano de la expresiva voz de Hammill, rodeado de sus amigotes de banda.

Aquí Hammill cambió totalmente de estilo en algunos temas, que son precursores del rock visceral cercano al punk. Si me apuran, yo les diría que "Nadir's Big Chance" tiene cierta relación, tanto por la lírica, por la temática, por el estilo, por la onda, por la época, con el "Quadrophenia" del The Who de 1973. Quizás no tengan nada que ver entre sí, pero eso en primera vista, porque si nos adentramos en el concepto de cada uno veremos algunos lazos en común, y no es que diga que Hammill se copió de "Quadrophenia" porque si uno escucha los discos no tienen nada que ver, pero marcan una época particular en su Inglaterra natal. Estéticamente quizás esté más cerca de los Sex Pistols que de The Who.

El disco comienza con "Nadir's Big Chance" en sus 3:33 minutos, y empieza el disco como un Hammill cantando como un precursor de Johny Rotten de Sex Pistols. La banda toca frenéticamente un rock tosco y distorsionado con una batería que mete redobles enérgicos. Un estilo muy diferente hasta lo hecho hasta ese momento pero que es sumamente bueno. "The Institute of Mental Health, Burning" es un tema más suave que el anterior, incluso mas alegre y épico, pero sigue siendo enérgico, con muchos redobles de batería y distorsiones por los sintetizadores y los saxos. Los coros realizados por Hammill son fantásticos, y el tema acaba de manera abrupta, dando otro excelente tema pero también muy diferente. Le sigue "Open Your Eyes" que continúa con la calidad y este estilo nuevo de rock trepidante y muy marchoso. Hay un excelente diálogo entre los sintetizadores y el saxo, que realiza un solo al final muy enérgico bien al estilo Jackson.
Y seguimos el viaje con "Nobody's Business" otro excelente tema de toque hard y voz prepunk, con un preludio espacial con los teclados y una brillante acción del bajo y el saxo. Por su parte, con "Been Alone So Long" viene el relax, pero ¡que relax! es una canciónes bellísima, más de lo que uno pueda imaginar, un tema dulcísimo con un saxo que acaricia la melodía, y que luego realiza un solo increíble.

Continuamos la travesía del disco con "Pompeii", un tema interesante, más rítmico, donde la voz canta de manera melancólica y donde el saxo también se luce. Y el tema va ganando fuerza in crescendo, subiendo la intensidad la voz hasta que culmina. Le sigue "Shingle", otro tema interesante, acústico y melancólico, donde hay momentos intrumentales y participaciones notables del saxo. Poco a poco la voz se torna más trágica, hasta que aparece "Airport" que es un tema increíble, con voz dulce de Hammill sobra la que el saxo se sube y va subiendo la intensidad, para luego llevarnos a una parte más melancólica, aunque preciosa y quizás hasta muy esperanzadora, con un cambio dinámico para volver la una parte melancólica y más bien triste. Posteriormente llegará "People You Were Going To", un excelente tema que se inicia otra vez melancólico con el piano y bajo, para luego dar un toque solemne con el saxo y la voz grave de Hammill. Luego hay un cambio enérgico y alegre, para acabar con una buena interpretación del saxo de manos del gran Jackson. En "Birthday Special" Hammill vuelve al lado más oscuro y duro de su música y nos regala un tema de puro rock duro con voces punk, con acciones tremendas de la guitarra, el saxo y una batería endiablada de un Evans loco. Me recuerda mucho el rock ácido de Lou Reed o David Bowie. Todo termina con "Two or Three Spectres" quizás no es el tema adecuado para terminar este disco porque es el tema menos brillante pero igualmente es notable, roquero y con saxos que recuerdan a VdGG de la última época. Una curiosidad es que se oye publico. El tema coge fuerza y velocidad hasta llegar a una excelente interpretación del saxo.
Y así terminamos otro disco genial del genial Hammill...

“I’ve been hanging around, waiting for my chance to tell you what I think about the music that’s gone down to which you madly dance…frankly, you know that it stinks!
I’m gonna scream, gonna shout, gonna play my guitar
until your body’s rigid and you’re seeing stars!

Look at all the jerks in their tinsel glitter suits,
pansying around! Look at all the nerks
in their leather platform boots, making with the ‘heavy sound’
I’m gonna stamp on the stardust and scream till I’m ill!
If the guitar don’t get you the drums will!

Now’s my big break – let me up on the stage…
I’ll show you what it’s all about! Enough of the fake:
bang your feet in a rage – tear down the walls and let us out!
We’re more than mere morons, perpetually conned,
so come on everybody, smash the system with the song
come on everybody, smash the system with the song
Smash the system with the song!”

“A true original” – J. Lydon on P. Hammill

Hammill, sólo o en estrecha colaboración con sus amigos, ha pergeñado algunas de las viñetas musicales más bellas y duras de las dos últimas décadas. Furia volcánica, ambiente gótico, siempre un paso más allá de sus contemporáneos, siempre inclasificable y libre de ataduras coyunturales. Canciones de sonido incisivo o relajado que hablan de sombras interiores, de amores rotos, de espíritus que se desmoronan, de miedos, y, también, de calladas esperanzas. Un legado majestuoso seguido de cerca por minorías incondicionales que ya no son tan minorías pero siguen manteniéndose incondicionales.


Lista de Temas:
1. Nadir's Big Chance
2. The Institute of Mental Health, Burning
3. Open Your Eyes
4. Nobody's Business
5. Been Alone So Long
6. Pompeii
7. Shingle
8. Airport
9. People You Were Going To
10. Birthday Special
11. Two or Three Spectres

Alineación:
- Peter Hammill / vocals, guitar, piano (7), electric piano (3,9), Hohner clavinet D6, bass (11), producer
With:
Hugh Banton / organ (3,9), electric piano (2,6,11), bass, backing vocals (2,10)
David Jackson / saxophones, flute, backing vocals (2,10)
Guy Evans / drums, tambourine, backing vocals (2,10)

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Shura Multivac - El Valle Inquietante (2017) ---ScRaBBlE

Shura (ahora Multivac) aterriza nuevamente en el blog cabezón con su rock scifi para seguir presentando sus discos, ahora con "El valle inquietante" su último y más que recomendable disco que contiene 10 canciones que continúan el concepto sonoro y lirico de "Sonidos de la Tierra" (2012), disco lanzado de manera independiente y que hace poco trajimos a colación en este blog perdido en la inmensidad del universo de Internet, pero siempre tan cerca de las cosas realmente artísticas que se hacen acá cerca y por gente amiga. Como en este caso, por ejemplo. Los temas de Shura Ruchtein siguen utilizando imágenes fantásticas para contar universos personales, con canciones que desde la base acústica casi de cantautor se despliega hacia el rock y el pop, formando una dicotomía contínua, un art rock de la mejor calidad para un muy buen disco salido el año pasado.

Artista: Shura Multivac
Álbum: El Valle Inquietante
Año: 2017
Género: Art rock
Nacionalidad: Argentina


Isaac Asimov planteaba en sus obras un futuro donde los humanos podrían dedicarse al ocio y las artes debido a que los robots nos reemplazarían en la fuerza de trabajo. Se supone que son el pie para crear un futuro más justo para todos, y que estaríamos a salvo de cualquier error gracias a las tres leyes de la robótica. Sin embargo, no solo ese momento aún está lejos, sino que está cada vez más lejos porque justamente utlizan la robótica para reducir personal, y por tanto utlizan la robótica para generar un paisaje completamente opuesto al planteado por Asimov. Convengamos, eso sí, en que la robótica (y la tecnología de idéntica manera) no es lo que genera el problema, sino que el problema es hacia donde los direccionan quienes detentan el poder.

... las sonrisas forzadas, los ojos vacíos de expresión, el factor impredecible de las nuevas tecnologías, y la ficción que nos entrenó para temerles, entre otras cosas. Una de las teorías que mejor explica el fenómeno es la de Uncanny Valley, el “valle inquietante“. Esta dibuja una función donde se relaciona el parecido de varios objetos con un humano, y el sentimiento que genera en quien lo ve. La teoría postula que esto nos genera tranquilidad sólo hasta que son demasiado parecidos, y ahí los sentimientos positivos se desvanecen. Sin embargo, si el objeto es efectivamente humano, esta sensación se invierte completamente para permitir relajación y confianza. Esta curva en la función es el “valle inquietante“, una pronunciada bajada que se acentúa aún más cuando un objeto está en movimiento.
La teoría fue postulada por el especialista en robótica Masahiro Mori en 1970, y se ve validada con el desarrollo de la tecnología de las últimas décadas. El postulado básico es que un robot claramente no-humano nos parece adorable, pero uno que simula demasiado un comportamiento humano sin ser perfecto, es perturbador.

Bueno, imagino que de ahí es que llegó la idea de este "Valle Inquietante", un disco más emotivo que inquietante, rock pop muy artístico y con algo de psicodelia. Y eso no es extraño. Musicalmente, recordemos que la psicodelia fue el sonido alumbrado por los nuevos desarrollos tecnológicos de su momento (la música electrónica concreta y el rock espacial, entre otros) y por el imaginario que traía la carrera espacial, eso sumado a la revolución sexual, por la fuerte introducción del pensamiento oriental, la vida en comunas, el ecologismo, las protestas sociales ante el escenario bélico configuró toda una época y una actitud y movilizó a los jóvenes hippies de entonces. No es raro, entonces, que esta música que si bien es un rock-pop, tenga fuertes dosis de psicodelia no solamente en su música sino también en los vuelos líricos. En este mestizaje entre rock, pop y psicodelia, Shura funda las bases de una especie de fusión que nos permite hablar de una expresión musical genuina.

Shura [Multivac] es el proyecto musical de Shura Ruchtein, oriundo de Buenos Aires, Argentina. El Valle Inquietante es su segundo disco. Es la continuación del "Sonidos de la Tierra" (2012) disco editado como Shura & Monos en Trance.
El Valle Inquietante, presenta 10 canciones originales, mezcladas y producidas por Nicolas Magistrelli y Shura Ruchtein. Ejecutado y arreglado por varios músicos de la escena local.

"El Valle Inquietante" es un excelente experimento para complacer tanto a los públicos más exigentes como a los más acostumbrados a escuchar el rock pop tradicional y comercial, en un momento donde la necesidad de dejar plasmada nuestra huella para marcar un camino se hace evidente. Otro muy interesante disco, muiy bien producido, excelentemente interpretado, con el mismo espíritu de su anterior disco pero también con vueltas de tuercas, con sonidos (sobretodo de batería) muy ochentosos,

Shura tiene, en esta oportunidad, nuevos acompañantes pero la misma alma aventurera y cantautora, una nueva plataforma de despegue para una banda que se presenta fresca, reflejando una vibra emocional especial en cada canción.

“El Valle Inquietante” (2017), es el segundo disco de Jorge Shura Ruchtein, esta vez bajo el alias de SHURA [MULTIVAC] .
Son 10 canciones que continúan el concepto sonoro y lirico de “Sonidos de la Tierra” (2012), disco lanzado de manera independiente bajo el nombre Shura & Monos En Trance (disco de buena aceptación en los medios lo que les valió ganar el MICA 2013, apadrinados por Pedro Aznar).
A diferencia de aquel proyecto aquí el énfasis esta puesto en el uso de sintetizadores, guitarras eléctricas, voces procesadas y programaciones.
El disco fue coproducido y mezclado por Shura y Nicolás Magistrelli, en el Estudio Submarino Naranja.
Las composiciones de Shura Ruchtein siguen utilizando imágenes fantásticas para contar universos personales.
Canción Retro futurista para el corazón Sci-fi. El lugar en donde la ciencia se junta con la ficción y el rock-pop con lo experimental.
Un universo marcado por grandes obras del cine y la literatura en el que conviven personalidades como Carl Sagan, La Dimensión Desconocida, David Cronenberg, John Carpenter e Isaac Asimov. Las cuales son referencias tan fuertes y palpables como las influencias sonoras de Gustavo Cerati, Charly Garcia, L.A. Spinetta, y gran parte de la música inglesa y norteamericana de la década de los 80`s.
El titulo “El Valle Inquietante” alude a una teoría científica, una metáfora para explicar la curva de las reacciones humanas en el campo de la robótica, pero los investigadores sugieren que puede ayudarnos a entender otros aspectos de la mente humana, como el funcionamiento de la empatía.
Conceptualmente, las letras abordan las dificultades de conexión real en tiempos de inmediatez y vínculos artificiales. Y los sentimientos oscuros que surgen de esa alienación.
La búsqueda entonces fue unificar ese concepto con el tratamiento sonoro adecuado. Un sonido distinto al habitual, tan característico y original como las canciones que lo conforman.
El disco fue grabado por destacados músicos de la escena independiente porteña: Eduardo Rottari (sobreviviente de Monos En trance) guitarras eléctricas y coros.
Ignacio Gaztañaga (bajo) y Emiliano Garcia Remine (batería) base rítmica de TRIOL, entre otros muchos proyectos. Santiago Szulman (PARQUE MONTAÑA) la mayor parte de los sintetizadores.
Nicolás Magistrelli en guitarras, sintetizadores, programaciones y percusión.
Shura grabo voces, guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores, programaciones y compilo los samples que se escuchan a lo largo el disco.

Que sea Rock

Un ritmo zigzagueante, letras voladoras y un cantautor para ir al espacio para un nuevo y sofisticado concepto de rock en Argentina. Bienvenido Shura al blog cabezón. Es hora de que los cabezones los conozcan!


Lista de Temas:
1. El Niño Dentro del Robot
2. Vida Artificial
3. Lovver
4. Casi un Lugar Seguro
5. Arecibo
6. Energia Oscura
7. Voz Me Dictas
8. La Ciencia No Para
9. Síntesis
10. Uróboros


Alineación:
- Shura Ruchtein / Guitarra eléctrica, Bajo Sintetizador; Sintetizador, Voz, Coros, Programación, Samples
- Emiliano Garcia Remine / Batería
- Ignacio Gaztañaga / Bajo
- Eduardo Rottari / Guitarra eléctrica.
- Santiago Szulman / Sintetizadores.
- Nicolas Magistrelli / Sintetizador, Programación
Invitado:
Leandro Pazos / Octapad

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