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[Ornithology • 2017] Myzomela irianawidodoae • A Colourful New Species of Myzomela Honeyeater from Rote Island in eastern Indonesia ---ScRaBBlE

Myzomela irianawidodoae Prawiradilaga, Baveja, Suparno, Ashari, Ng, Gwee, Verbelen & Rheindt, 2017  photo:   Philippe Verbelen  e-journ...

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Wednesday, March 20, 2019

Charly García Protagonizó un Concierto Demoledor Ante un Teatro Gran Rex Repleto ---ScRaBBlE

Noche inolvidable en la torre de la canción: Hubo canciones de todas las épocas (salvo La Máquina) y una performance vocal mejor que la de diez años atrás. Se escuchó una banda bien ensayada, siempre en los carriles de un show contundente. Y hasta hubo un encuentro cumbre con David Lebon para dos temas de Seru Giran.



Ya terminó la poderosa versión de “Demoliendo hoteles”, y la espera por los bises se alarga. Suenan varios hits de estos tiempos: la gente canta entera “Inconsciente colectivo”, dice que “esta es la banda de Say No More”, arenga por el aborto legal y por la unidad de los trabajadores, y deja caer dos cánticos calientes, el de “Macri, basura, vos sos la dictadura” y el hitazo de todas las estaciones #MMLPQTP. En el superpullman, un muchacho pierde la paciencia: “Loco, basta, para qué mierda mezclan a Charly con la política”. Charly sale de nuevo y canta esa canción que dice que los amigos del barrio pueden desa- parecer, que la persona que amás puede desaparecer, que no se puede estar tranquilo porque un amigo está en cana. Que el mundo tira para abajo pero los dinosaurios van a desaparecer. Entre las significativas miradas de quienes lo rodean, el muchacho se llama a silencio.

Será que el universo de García puede dar cabida a tantos. A los que han hecho himno de sus canciones y se refugiaron en cosas como “Alicia en el país” y a quienes creen que el artista no debe tener dimensión política. A los que lamentan que no suene nada de La Máquina de Hacer Pájaros –aunque se consuelan con el “Instituciones” de Sui Generis– y los que le entraron por “El aguante” –apertura del show– o “Fax U”, los jóvenes de hoy y los jóvenes de ayer que van con algunas reservas porque recuerdan demasiado bien otros Gran Rex, los de los ’80 con un Charly en absoluto esplendor, y quizá fueron testigos de la debacle de La hija de la lágrima en el Opera y temen encontrarse con apenas un sucedáneo.

Pero García, qué tipo eterno, es una caja de sorpresas. Y sí, su garganta está estropeada por años de ser Charly, pero aun así canta mucho más que hace diez o quince años. Y lo que pasa en escena ya no es un caótico happening: su banda está ensayadísima, ajustada, siempre en los carriles de un show contundente y bien armado. Charly eligió el concepto de la Torre de Nikola Tesla como símbolo de la utopía, pero vuelve a construir en vivo un terreno donde lo utópico no importa mientras suenen esas canciones. Porque, he ahí el corazón del asunto, ese hombre ha compuesto algunas canciones. Cuando el combo de “No soy un extraño” y “Cerca de la revolución” hace estallar a un Gran Rex de pie, o cuando él mismo no puede evitar un “Qué temazo” al cerrar “Pasajera en trance” –sí señor, ese temazo–, o cuando la piel se eriza con el desgarramiento de “Promesas sobre el bidet” y el luminoso poptimismo de “Reloj de plastilina”, o la mención a Luis Alberto previa a “Rezo por vos” remueve los sentimientos de tantos años de gente y de música, Charly García se salta toda utopía y rellena los corazones de un público agradecido. Es la torre de Tesla y la Tower of Song de la que hablaba Leonard Cohen. El atalaya donde toda miseria parece poca cosa.

Está claro, entonces, que Charly tiene un respaldo bien sólido en su monumental obra. Random sumó un capítulo más que digno, y en la lista encajan bien cosas como “La máquina de ser feliz”, la bellísima rendición de “Lluvia” y sobre todo “Rivalidad” (tan... García) y “Otro”, sabiamente enganchada a “Fax U”. Es imposible no extrañar al Negro García López o a la base Lupano – Samalea, pero Hayashida, Silva y González conocen bien el paño. Fabián Quintiero, por supuesto, hace tiempo que juega de local en las bandas de Charly. Y Rosario Ortega, lejos de aquellos comienzos algo dubitativos, ha ganado un aplomo y una presencia que le permiten ocupar con peso propio un sitio donde han brillado leyendas como Fabi Cantilo, Hilda Lizarazu y María Gabriela Epumer. Si la noche no llega a lo perfecto es porque en los temas más potentes la batería parece algo perdida allá atrás, y el sonido pone demasiado arriba los sintes: está bien, son las teclas del protagonista, pero por momentos resultan demasiado chirriantes, le quitan claridad al ensamble y contrastan con los pasajes en los que García solea al piano y es un García auténtico y resistente al paso del tiempo.

Y la histórica cinefilia de Charly también tiene su protagonismo, porque las pantallas no sólo replican rayos eléctricos sino también escenas de 2001, de Psicosis, de King Kong, de Toro salvaje, de El increíble hombre menguante y Los productores, siempre en función de las canciones y entrelazadas con imágenes del mismo músico demoliendo escenarios o lanzándose a la pileta en Mendoza. Suena “Yendo de la cama al living” y no importa la indecisión por qué teclado usar en el solo final. “Cuchillos” habilita el recuerdo de la Negra Sosa: “Yo no me arrodillo ante nada, pero ella...”, señala Charly para otra ovación. “Influencia” tiene un final que invita al baile. “Shisyastawoman” oficia de relajado cierre para encarar un par de porciones de muzza en Corrientes con la sonrisa satisfecha de quien en realidad ya quedó bien alimentado.

Y hay un momento cumbre, un moño de regalo en la única presencia invitada, lo que hace literalmente estremecer las paredes de esa sala legendaria. Pocas emociones se comparan a ver juntos en escena a Charly y David Lebon, pedazos de historia, motores de una banda que en solo cuatro años dejó páginas gloriosas en el rock argentino. Falta Pedro y faltan los descomunales fills de batería del inolvidable Moro, pero “Peperina” es una apoteosis que pone a todo el mundo de pie a desgarrarse la garganta con “Te amo, te odio, dame más”. Y mal que le pese al muchacho preocupado por la mezcla política, “No llores por mí, Argentina” reactualiza lo de estar enfermos de frustración, de las heridas que no paran de sangrar. “Chau, gracias, hasta la próxima” se despide simplemente García, cerrando por enésima vez el telón sobre el lugar que ocupa con total naturalidad desde los años ’70. Como si rozar las utopías fuera moneda corriente, recargando de electricidad a todos y cada uno desde la cima de la torre de la canción. El modo en que la indómita luz se hace carne en nosotros, y nos hace sentir mejor.
Eduardo Fabregat




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Magma, la sinfonía del apocalipsis en Lima. ---ScRaBBlE

Magma en Lima.

Un concierto difícil tratar de describir. ¿Qué adjetivos utilizar? Majestuoso. Insuperable. Impresionante. Increíble.

Cuando nos encontramos en medio de la destrucción, lo mejor muchas veces es entregarnos y aferrarnos a él. Este parece ser un resumen justo para la sinfonía del apocalipsis que es el sonido del Magma. Extravagante incluso en el campo del rock progresivo de la década del 70, que deja a todos estupefactos en la contemporaneidad.

Magma vino a Lima para claramente dejar su marca en los fans. No faltó emoción y entrega de parte de la banda ni la calidad técnica, por el contrario.  Perfecto sonido. Perfectas canciones. Perfecta iluminación. El show que vimos aquel 19 de noviembre no tiene nada, y repito, nada que envidiar a lo que se realiza en otros países.

¿Qué puedo decirles? Apenas terminó el concierto pensé “¿Todavía quedarán tickets para el concierto en Chile?”. Es que si alguien se perdió este concierto debería considerar seriamente viajar hasta Santiago a ver la magia que algunos afortunados peruanos pudimos apreciar.

Gracias especiales a Lima Live Sessions por hacer posible todo esto.


Mekanïk Destruktïw Kommandöh


Crónica del show

Después de rebuscar y escuchar long-plays, temas sueltos, leer algunos reviews y ver innumerables grabaciones en vivo por fin había llegado el día que muchos esperábamos impacientemente, después de 45 años, Magma, la banda francesa de Zeuhl de los setenta se presentaba en Lima.

El público fue llegando sin prisa en el Auditorio de la Derrama Magisterial. El merchandising que fue traído por la banda se terminó rápidamente. El público fue mediano, alrededor del auditorio, pero estaba bastante entusiasmado con la banda.

El show comenzó en el horario anunciado, con la banda sacando la enorme "Theuz Hamtaahk". El sonido del local estaba en perfectas condiciones y el escenario cayó a medida. A pesar de la cantidad de integrantes de la banda, la organización fue muy bien hecha, haciendo que todos los miembros quedaran visibles para el público. La banda mostró toda su técnica y calidad desde el primer instante.

El trío de voces construye bien la imagen de la banda, con la diferencia que en el caso del Magma la voz es un instrumento más entre otros, constituida por Hervé Aknin, de voz mántrica, Isabelle Feuillebois, cuyo labor no es menos importante y, Stella Vander, cuya voz abarca desde lo suave al delirio mismo.

El punto alto del tema viene cuando Christian se para de la batería para tomar el micrófono y comienza a recitar versos en Kobaïano junto a Hervé  como si se tratase de una misa o un ritual. Luego de un agonizante silencio el vibráfono y el teclado se encuentran enganchados en un arpegio maravilloso, antes de que Vander pronuncie lo que suena como una sentencia: Theusz hamtaahk.

Con su fuerza proyectada en el conjunto en lugar de la performance individual, los 40 minutos de música, intermitentes sin pausa, crean una sensación de grandeza en el sonido de la banda que demuestra la pequeñez del oyente ante un poder inconmensurable, personalmente me sentí bombardeado por sonidos y progresiones a una velocidad muy rápida como para ser digerido aún por los oyentes más exquisitos. Magma, en vivo, es más que una banda, es un monstruo sónico que amenaza con destruir cerebros en cada movimiento.

Luego de un breve descanso, Stella se dirige al público en inglés y explica que la banda recibió incontables mensajes al anunciar su gira. “Nos estaban pidiendo que toquemos prácticamente todo Magma. Elegimos el Theusz Hamtaahk y esperamos que les haya gustado”.

En seguida, el Magnum Opus de Vander "Mekanïk Destruktïw Kommandöh", considerada por muchos como el gran éxito de la banda. El sonido prosigue como en la anterior, con variaciones magistrales de la empuñadura de la batería de Vander, que dirige la base de la banda magistralmente, hasta la acelerada técnica y los solos del guitarrista James McGaw. Esta música hace claramente que el público viaje, pareciendo hipnotizado o bajo el efecto de algún lisérgico, todos quedan anonadados por la excelencia de Magma que tocan el disco en su totalidad, con casi otros 40 minutos de duración.

Si no bastaran las dos canciones en su totalidad, la banda también tocó "Zombies “, con el bajo subterráneo de Dune. Aquí la base fue genial, y además de Vander, es posible destacar el excelente desempeño de Bussonnet y Alziary. Este último, especialmente, es un genio tocando el vibráfono.

En el momento en el que la banda se despide varias voces gritan: “Gracias, Christian!”. Sin duda muchas gracias Christian.


Lista de Temas:
1. Theusz Hamtaahk
2. Mekanïk Destruktïw Kommandöh
3. Zombies

Magma está compuesto por Christian Vander, Stella Vander, Isabelle Feuillebois, Hervé Aknin, Benoit Alziary, Rudy Blas, Jérôme Martineau y Philippe Bussonnet.


Crónica por Joab Basualdo. Vídeo del MDK por Paola Loyola. Foto por Fabio D. Miranda.


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Hoy en Oceanarium Monotrematic Festival: Estreno del nuevo capitulo de The Astral Platypus! ---ScRaBBlE

Hoy sábado a las 21 hs se realizará un evento progresivo donde The Astral Platypus, la parodia al rock progresivo formada por miembros de diferentes formaciones progresivas argentinas, estrenará el nuevo capítulo de su documental ficticio y su nuevo álbum en un show en vivo. Acompañando al evento habrá una clínica de batería y percusión de Jorge González, que también se presentará con su banda Pulsónica, y una charla de rock progresivo a cargo de Felipe Surkan (Viajero Inmóvil Records).


The Astral Platypus, la banda parodia al rock progresivo formada por miembros de diferentes bandas de la comunidad progresiva, estrena nuevo capitulo de su documental ficticio en una jornada progresiva inédita!

La noche contará con

- Clínica de Percusión de Jorge González (PULSONICA)
- Show en vivo de PULSONICA
- Charla sobre Rock Progresivo a cargo de Felipe Abel Surkan, gran motor del progresivo argentino a través de su Viajero Inmovil Records.
- Proyección del nuevo capitulo de The Astral Platypus, estreno.
- Show en vivo de The Astral Platypus - Parodia.

Entrada anticipada: $75 (por mensaje privado a La Resistencia Progresiva Argentina)
En puerta: $100


Adentro del post la data de como conseguir entradas 2x1!
 




Para acceder a entradas 2x1 la banda está ofreciendo una promoción especial. Solo hay que responder cualquiera de las siguientes preguntas por mensaje privado al facebook de La Resistencia Progresiva Argentina:


- ¿Cuál fue el verdadero motivo por el que Tony Banks y los miembros de Genesis se pelearon con los miembros de The Astral Platypus, separando lo que originalmente era la misma banda en dos?

Pista: la respuesta está en el primer capitulo de la serie


- ¿Dónde fue el último show de Supernova junto a The Astral Platypus - Parodia?

Pista: la respuesta está en el segundo capitulo de la serie.


- ¿Qué ganó The Astral Platypus - Parodia en el juicio al chorizo de Jimmy Page por plagiarles Stairway to Heaven?

Pista: la respuesta está en el tercer capitulo de la serie!


- ¿Por qué Robert Lynch no canta en el disco Sólido?
La respuesta se encuentra en el cuarto capitulo de la serie parodia al rock progresivo:




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The Astral Platypus es un proyecto multimedia que mezcla el humor con el rock progresivo. Está conformado por miembros de diferentes bandas de la escena progresiva argentina (Rodrigo San Martín, Plesiosaurio, La Secuela, Destino 101, Trigonal, Fernando Refay, Souls Ignite, Vanished from Earth, Tío Carne).

La banda va lanzando los supuestos discos de una banda fundadora del rock progresivo, cada uno siguiendo la moda de la época, y una serie web que narra la historia de esta banda ficticia.






   



https://theastralplatypus.bandcamp.com/





PULSONICA es un proyecto musical que combina rítmicas tradicionales afro latinas con distintas corrientes provenientes del rock progresivo, pero siempre partiendo desde un predominante trabajo percusivo, basado en el uso de poliritmias, métricas impares, unísonos y solos de percusión. En esta búsqueda se utiliza una gran variedad de instrumentos. Hay dos sets de percusión, el primero está compuesto por batería, timbales y accesorios, y el otro está compuesto por congas y accesorios. También hay instrumentos melódicos de percusión como el xilófono y el glockenspiel, guitarras eléctricas y acústicas, bajo, aerófonos y sonidos programados.
Fue creado por Jorge González en el año 2006.


 










https://pulsonica.bandcamp.com/album/fuera-de-tiempo






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Litto Nebbia en Barcelona ---ScRaBBlE

Comenzó la nueva gira española de Litto Nebbia, ese músico maravilloso que fue pionero del rock argentino, por tierras europeas. Por ello, traemos a colación una nota publicada Mellotronweb para que disfruten de una crónica del gran músico argentino Guillermo Cazenave sobre la reciente presentación del legendario Litto Nebbia en Barcelona: "“Hace tiempo tenía ganas de cantar canciones acompañandome al piano o guitarra. En lugares pequeños, con la producción natural del clima que puede darse entre la gente y uno. Algo que escapa un poco a la ley de estos tiempos. Sin invitaciones de cortesía, ni llamados a la prensa, ni notas a periodistas. Poder asi improvisar noche tras noche, reflotando canciones de diversas épocas, muchas de ellas que no interpreto hace siglos. Algo así como cuando estoy en casa y le muestro algunos temas a mis amigos. Una manera distinta que me haga un balance y matiz con las actuaciones que tambien realizo con mi nueva banda. Allí es todo más eléctrico y estructurado en base a un arreglo grupal. Aquí es llegar con una carpeta llena de canciones de todas las épocas y comenzar a tocar lo que se me va antojando. Otra experiencia interesante dentro del Mundo de la Música".

Recordando el paso de Litto Nebbia por Barcelona esta primavera y su actuación en la sala Les Enfants, muy cerca de las míticas Ramblas de la capital catalana y vanguardia en los 70s de lo mejor de la música ibérica, es un punto de referencia para entender porqué el pop-rock argentino no logró nunca establecerse en la España post-franquista, a pesar de la calidad de sus producciones.
Con algunas entrevistas en periódicos de Madrid, Barcelona y otras ciudades españolas, Litto desembarcó en Barcelona junto a su mujer Alexandra, nieta de Libertad Lamarque, y probó sonido en la sala acompañándose únicamente de guitarra y teclados.

Al concierto asistieron, como era de esperar, muchos argentinos y algunos fans de otros países latinoamericanos, pero también españoles y catalanes que conocían la música del pionero del pop-rock en español.

Sonaron canciones emblemáticas. Litto es como una fábrica de componer. Pero una factoría que ha producido material muy diferente en cada década de una monumental carrera discográfica como pocas.

Su capacidad para sintetizar un repaso de algunas de aquellas joyas que su audiencia esperaba con an

siedad, produjo que, de su galera musical, brotaran temas de Los Gatos, de su posterior etapa folklórica, de los años 80s, 90s y de su nueva cosecha musical, ya instalado como leyenda viviente que es, en este convulsionado y confuso siglo XXI, en el que no siempre se sabe quién compone una cosa o quién interpreta otra.


Litto no necesita muchos artilugios, ni demasiadas luces, ni efectos ni escenarios mastodónticos para cautivar a quienes lo vean. Le bastan una guitarra, un teclado y un micrófono. El resto (que es lo principal) lo lleva dentro, y es su inmensa capacidad para crear canciones que reflejan instantes de la vida misma, que señalan lo que está ocurriendo, que explican una situación o un desenlace. Su voz permanece vital y expresiva para un hombre que acaba de cumplir 71 años en la faz de la Tierra.

Y este gran músico y artista, conocido por especialistas del rock en español pero no bien difundido durante la España franquista que no deseaba que hubiese rock en castellano, ni por la España post franquista y democrática que tampoco deseaba que el público español conociera de verdad el pop-rock que se estaba generando en Argentina desde mediados de la década de 1960, se paseó por algunas ciudades ibéricas como si Bob Dylan recorriera la geografía británica sin que nunca los ingleses hubiesen difundido de verdad su música y su poesía.

Pues esto es lo que ha sucedido y continúa sucediendo con la España que ignora lo mejor y los orígenes del rock en castellano: una situación surrealista.
En cualquier caso, Litto hizo que volvieran a esparcirse por el éter de este sur europeo mediterráneo y crisol de culturas que pasaron por puertos tan definitivos como el barcelonés, canciones históricas que son ya tan clásicas para nosotros como lo mejor de la música anglosajona.

Cabe destacar que al llegar a Andalucía, y mientras realizaba el check-in en su hotel, a Litto le robaron su computadora, sus apuntes de canciones para los conciertos, sus libros, cds, documentación personal, etc.

Ya no caben los argumentos europeos de que únicamente Sudamérica es la peligrosa.
Guillermo Cazenave - Fotos: Rita Baudel


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El Genocidio Indígena. Eje de una jornada pública ---ScRaBBlE

¿Cuáles son los intereses que están detrás de la nueva avanzada contra los pueblos originarios? ¿Por qué nuestro país se construyó a partir de un genocidio indígena? ¿Cuáles fueron y son las prácticas genocidas desde el Estado Nacional? ¿Cómo se siguen expresando esas prácticas en la actualidad? ¿Y cuáles son las posibilidades de reparación histórica? Esos serán algunos de los disparadores de la “Jornada Genocidio Indígena en Argentina. De la violencia colonial a la criminalización actual”, que se realizará mañana jueves 23 de noviembre en la Ciudad de Buenos Aires con la presencia de expositores y expositoras de distintos puntos del país provenientes del ámbito académico, de organizaciones de militancia indígena y de otros colectivos sociales.
Una invitación a reflexionar sobre la relación Estado Argentino-Pueblos Originarios, desde los inicios de la violencia colonial a la actual criminalización de las comunidades. Habrá panreles de exposición, espacios de intercambio y una muestra artística. Será el jueves próximo (23 de noviembre) en el Centro Cultural Paco Urondo de Buenos Aires.


La actividad –en la que se entregarán certificados de asistencia- es libre, gratuita y no requiere inscripción previa, pero está sujeta a la capacidad de la sala. Se desarrollará desde las 9 hasta las 17.30 en Centro Cultural Paco Urondo de la Universidad de Buenos Aires, ubicado en 25 de Mayo 201, CABA.
La idea es compartir las nuevas líneas de investigación en torno al concepto de “genocidio indígena” y también debatir -en un encuentro abierto al público- cuestiones relacionadas a las formas de violencia estatal, las fronteras, los territorios, las memorias, las represiones, las resistencias, los medios de comunicación, las reparaciones, los desafíos y las propuestas a futuro. Entre otras, estarán presentes las universidades nacionales de Buenos Aires, del Comahue, del Centro de la Provincia de Buenos Aires y Río Negro.
El encuentro es organizado por la Red de Investigadorxs en Genocidio y Política Indígena en Argentina, una organización que reúne el trabajo de profesionales de distintas disciplinas sociales y artísticas -Antropología, Historia, Sociología, Educación, Comunicación, Cine, etc- con el objetivo de fundamentar científicamente el uso del concepto de “Genocidio” para explicar los procesos de consolidación y avance estatal de fines del siglo XIX en la naciente República Argentina y cómo operan en la actualidad.





Entre otros, expondrán Diana Lenton, Walter Delrio, Alexis Papazian, Valeria Mapelman, Luciana Mignoli, Marcelo Musante, Mariano Nagy, Pilar Pérez, Adrián Moyano, Lorena Cañuqueo, Darío Aranda, Noolé Cipriana Palomo, Enrique Mases, Carina Lucaioli, Lorena Barbuto, Sara Ortelli, Luciano Literas y Lorena Rodríguez.
Asimismo, los artistas Marcelo Bronstein, Gustavo Larsen, Ulises González, Cristina Piffer y Hugo Vidal expondrán al trabajo de hacer visible el genocidio indígena desde el arte, ya que sus obras abordan masacres indígenas, procesos históricos de sometimiento y formas actuales de intervención en el espacio público, entre otros aspectos. Por último, el payador Wilson Saliwonczyk ofrecerá un breve cierre musical donde promete improvisar desde las Campañas al Desierto, pasando por las masacres de Napalpí y Rincón Bomba, hasta el contexto actual.

¿Qué es la Red?

Desde 2004, la Red de Investigadorxs en Genocidio y Política Indígena en Argentina trabaja en  articular los esfuerzos de profesionales de diferentes disciplinas y diversos puntos del país, interesados en profundizar sobre el concepto de Genocidio aplicado al proceso que afectó y afecta a los pueblos indígenas preexistentes a la conformación del Estado argentino.
La organización nace a partir de la iniciativa conjunta de la antropóloga Diana Lenton y el historiador Walter Delrio en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA –donde tiene su sede- y hoy está compuesta por investigadores/as de disciplinas sociales y artísticas e integrantes de organizaciones indígenas que desarrollan sus tareas en distintos puntos del país buscando tener participación en diversos espacios, territorios y luchas.
La Red nació con el objetivo aportar pruebas concretas y documentadas que dieran argumento sólido a la práctica genocida llevada adelante por el Estado y el posterior proceso de invisibilización de identidades indígenas en todo el país.
En 2010, publicó el libro “Historia de la Crueldad Argentina. Julio Argentino Roca y el genocidio de los pueblos originarios”, coordinado por Osvaldo Bayer y editado por El Tugurio. Ese trabajo colectivo de divulgación -reeditado en 2012 y 2013- explica cómo se dieron las prácticas genocidas en diversos escenarios y sus consecuencias posteriores. Además ha producido diversos artículos académicos, notas periodísticas y piezas audiovisuales, así como también tiene una activa participación acciones para acompañar a comunidades en demandas por desalojos, crímenes de lesa humanidad, etc.
En pocos días, se publicará en Bariloche el segundo libro de la Red “En el país de nomeacuerdo. Archivos y memorias del genocidio del estado argentino sobre los pueblos originarios (1870-1950)” (Editorial UNRN) en el cual se profundizan algunos conceptos y se siguen generando argumentos ante los discursos hegemónicos que persisten en situar las conquistas como gestas civilizadoras.





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Baires Prog Fest XI: Premios 7/4 al Progresivo Argentino 2018 ---ScRaBBlE

Mañana viernes 21/12 se realizará la onceava edición del Baires Prog Fest, donde se entregarán también los Premios 7/4 al Rock Progesivo Argentino 2018 y tocarán en vivo Los Despejes de Insaurralde y The Astral Platypus, con su show que mezcla el humor con el Rock Progresivo.




Onceava edición del Baires Prog Fest, esta vez festejando los Premios 7/4 al Rock Progresivo Argentino 2018!

Entregaremos los premios a Disco Progresivo Argentino del Año, Show del Año y Premio a la Trayectoria. Todos votados por la propia comunidad de músicos progresivos argentinos.

Vení a juntarte con gente del palo a escuchar bandas tremendas y participar de las trivias prog y los sorteos de discos!

Presentación especial de Dino Longobardi.

Anticipada 75$ por inbox a la pagina de La Resistencia Progresiva Argentina.

En puerta $100.










The Astral Platypus






Banda parodia al rock progresivo formada por miembros de diferentes bandas de la comunidad progresiva argentina que viene "lanzando discos desde el 67, cada uno sonando como la moda de su época". Han editado sus primeros cuatro álbumes entre 2017 y 2018, junto con una serie documental parodia contando la historia ficticia de "los verdaderos padres del Rock Progresivo".









Para su show en vivo la banda contará con los músicos que grabaron el material discográfico, mas algunas nuevas adiciones: Rodrigo San Martín (solista, Vanished from Earth) , Juan Pablo Sosa (Plesiosaurio), Gervasio Prélat (Destino 101), Guido Rodríguez (La Secuela), Nicolás Jourdain (Resist) y Matias Veris (Artificio).

Se destaca especialmente el aporte inigualable de Carlos Murray Quiñones, alter ego de Dino Longobardi.










Último capitulo de la serie documental de la banda:









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Los Despejes de Insaurralde
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Los Despejes de Insaurralde





Los Despejes de Insaurralde es una banda de rock progresivo/alternativo oriunda de Ramos Mejía, Buenos Aires, Argentina, fundada en el año 2011.

Formada por dos guitarras (Agustín Imv y Gabriel Agustín Zapata), bajo (Santiago Lorenzo) y batería (Agustín Sosa Lüchter), las tres voces principales se reparten entre los instrumentos de cuerda.

La propuesta sonora de Los Despejes de Insaurralde fluctúa entre la frontalidad de las distorsiones potentes y bases macizas, y climas más espaciales, que se construyen con efectos de modulación y otras texturas.

Se nutre de influencias varias: con el rock clásico de los 60s y 70s como punto de partida, pasando por lo progresivo, la psicodelia y el rock pesado tanto de la vieja escuela como contemporáneo .

La temática lírica de la banda también pasa por la faceta experimental, usando la ambigüedad como medio para expresar distintos tópicos, desde vivencias reales hasta historias del plano imaginario. El carácter enigmático de las letras puede decantar en distintos significados según la apreciación del receptor.










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Sonido y Arte Digital en el CCK ---ScRaBBlE

El espacio permanente Sonido y Arte Digital del CCK ofrece diversas propuestas audiovisuales con el diálogo entre el arte visual y sonoro contemporáneo con la tecnología como eje en común. Aquí, difundimos dos muestras audiovisuales en el espacio del CCK dedicado a las artes electrónicas y electroacústicas, por un lado "Klang: inicios de la música electrónica y concreta en Argentina". Además, es posible visitar el ciclo ARTLAB con "Visibility", una muestra que reúne a siete artistas mujeres que trabajan en el campo audiovisual utilizando técnicas de arte generativo, data bending, síntesis analógica, animación 3D, metraje encontrado y más. Por último, en septiembre se presenta el prestigioso festival internacional de creatividad digital y música electrónica MUTEK, que desembarca una vez más en Buenos Aires, con el CCK como una de sus sedes. El jueves 13, la Sala Sinfónica servirá de escenario para la primera jornada de la sección A/VISIONS, dedicada a la relación entre imagen y sonido, donde se presentan el artista argentino Jorge Haro y el dúo canadiense artificiel, integrado por Julien Roy y Alexandre Burton. Como siempre, las actividades son gratuitas y no requieren reserva previa. 


"Klang" es una exhibición inmersiva y sensorial dedicada a los inicios de la música electrónica y concreta en la Argentina. La muestra, instalada en la sala 502 del espacio permanente Sonido y Arte Digital del CCK, cuenta con idea e investigación de Laura Novoa, conceptualización de Wustavo Quiroga y puesta y diseño de Alejandro Ros, referente internacional del diseño gráfico para música.
La exhibición toma su nombre de la palabra alemana de referencia ambigua, ya que designa tanto el sonido como el timbre, y esta elección remite al diálogo entre las experiencias de la música electrónica y concreta en Argentina y Alemania. A través de un despliegue multidisciplinario que incluye materiales y documentos inéditos, y que comprende también el rescate y el estreno mundial de obras, "Klang" busca ubicar el comienzo temprano y fructífero de estas experiencias, cuya tradición continúa reverberando en el presente, en un contexto histórico y espacial. Al mismo tiempo, el público tendrá la posibilidad de sumergirse, mediante un recorrido inmersivo y sensorial, en el sonido de una poética relevante para la música en la Argentina.

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El ciclo ARTLAB del espacio permanente Sonido y Arte Digital vuelve en mayo con "Visibility", una exhibición que reúne a siete artistas mujeres que trabajan en el campo audiovisual utilizando técnicas de arte generativo, data bending, síntesis analógica, animación 3D, metraje encontrado y más.

Curada por Milena Pafundi, "Visibility" está inspirada en la plataforma "Female Pressure", que desde 1998 difunde el trabajo de artistas mujeres, trans y no-binarias en el campo de la música electrónica y las artes digitales. Participan Blanca Rego (España), Modular Dreams (Brasil), Sol del Río (Argentina), AGF poemproducer (Alemania), Paloma Kop (Estados Unidos), Sabrina Ratté (Canadá) y VJ Um Amel (Egipto).


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El prestigioso festival internacional de creatividad digital y música electrónica MUTEK desembarca una vez más en Buenos Aires, con el CCK como una de sus sedes. La Sala Sinfónica servirá de escenario para la primera jornada de la sección A/VISIONS, dedicada a la relación entre imagen y sonido, donde se presentan el artista argentino Jorge Haro y el dúo canadiense artificiel, integrado por Julien Roy y Alexandre Burton.


A las 20, Jorge Haro presenta dos obras audiovisuales: d-music y modul+. d-music es un trabajo que alterna estructuras rítmicas regulares e irregulares, paisajes electrónicos estáticos y drones, compuestos con procesos algorítmicos determinados e indeterminados. Las piezas fueron producidas a partir de sonidos originales programados con distintos sistemas de síntesis, vibraciones de material capturadas en la acción performática y por conversión de imágenes coreográficas en sonido. El álbum digital de la obra será editado en 2019.

modul+ es una serie de composiciones de música electrónica abstracta y una investigación sobre las características complejas y evolutivas del sonido generado y procesado con sistemas modulares analógicos y digitales. El material básico para estas composiciones fue producido con los sintetizadores Buchla 200 y Serge Modular en los estudios EMS en Estocolmo, Suecia, en mayo de 2016. La paleta sonora se completa con grabaciones de campo hechas en el estudio y en una deriva urbana realizada en Estocolmo.
Luego, a las 21, Alexandre Burton y Julien Roy interpretan Trois pièces avec des titres (“Tres piezas con títulos”), una obra de cuarenta minutos que utiliza cámaras, sintetizadores, instrumentos acústicos, computadoras y proyectores de video. Su nombre refiere a tres movimientos distintos: “la imagen controla el sonido”, donde fotografías activan una cámara y una computadora que controla el audio; “el sonido controla la imagen”, donde un instrumento activa una cámara y una computadora que controla las fotografías; y “el sonido es la imagen es el sonido”, donde el color se vuelve sonido, la vibración acústica cambia el color y viceversa.

Acerca de Jorge Haro
Jorge Haro es artista sonoro y visual, nacido en 1963 en San Fernando, provincia de Buenos Aires, y residente en Buenos Aires y Madrid. Investiga en los aspectos estéticos y científicos del sonido y las vibraciones, con particular interés en la escucha expandida, la visualización del sonido, las relaciones audiovisuales y los procesos de transformación de datos. Sus obras tienen distintos formatos: disco, álbum digital, video, objetos, conciertos audiovisuales, instalaciones y exhibiciones que se complementan total o parcialmente en cada proyecto. Ha realizado conciertos audiovisuales, instalaciones y exhibiciones en festivales y escenarios de América y Europa. Compuso piezas de música en colaboración con Francisco López (Absolute Noise Ensamble), Zbigniew Karkowski, Mitchell Akiyama, Sergi Jordà, 1605munro y Bruno Sanfilippo, entre otros, y trabajó en colaboración con cineastas, dramaturgos y coreógrafos. Ha dictado conferencias y cursos sobre sonido, música con ordenadores, diseño y performance audiovisual en conservatorios y universidades de España, Dinamarca, Colombia, Perú y Argentina.
Acerca de artificiel
Dúo residente en Montreal, artificiel realiza performances con música, visuales y nuevas tecnologías. Integrado por Alexandre Burton, Julien Roy y colaboradores ocasionales, el grupo está activo desde 2001 realizando performances en numerosos centros y festivales. Artista electroacústico y programador, Burton construye instrumentos digitales únicos con los que produce, junto a Roy, obras de alto nivel artístico tecnológico: en su primera instalación, condemned_bulbes (“bombillas condenadas”, de 2003), convirtieron 1000 watts de bombillas incandescentes en un coro electroacústico audible y controlable. Su proyecto POWEr, por otro lado, utilizó una bobina de Tesla para crear una impactante pieza audiovisual.

Las muestras y exhibiciones pueden visitarse de miércoles a domingos y feriados, de 13 a 20. Para Mutek, las entradas también son gratuitas y estarán a disposición a partir del martes 11 de septiembre, de 12 a 19, en Sarmiento 151, hasta agotar la capacidad de la sala. Se pueden retirar hasta dos entradas por persona. También se pueden reservar a través de esta página. Las reservas deben retirarse desde el mismo martes, de 12 a 19, y hasta dos horas antes del espectáculo.

También pueden ver otras obras referidas a las artes electrónicas que se realizarán en el CCK, aquí.


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