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[Ornithology • 2017] Myzomela irianawidodoae • A Colourful New Species of Myzomela Honeyeater from Rote Island in eastern Indonesia ---ScRaBBlE

Myzomela irianawidodoae Prawiradilaga, Baveja, Suparno, Ashari, Ng, Gwee, Verbelen & Rheindt, 2017  photo:   Philippe Verbelen  e-journ...

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Wednesday, March 20, 2019

Robert Johnson y el Diablo ---ScRaBBlE

Con la primera escena de la película "Encrucijada", basada en la vida del músico de blues Robert Johnson, e inspirandonos en su canción "Me and the Devil Blues", nos adentraremos en una de las más fascinantes leyendas del blues: la de un músico que vendió su alma al demonio... ¿o tal vez simplemente la de un hombre que nunca llegó a asimilar una gran pérdida?. Aquí, otra nota de nuestro amigo El Canario para nuestro blog amigo El canario en su vergel que vuelve a caer en el blog cabezón, quien a su vez agradece a Edwin Williams Orgaz Delgado y a Guillermo López Bernal pr haberle hecho conocer esta historia que lo atrapó desde el comienzo.

Son muchos los músicos de los que se ha dicho que vendieron su alma al diablo a cambio de alcanzar la fama. Algunos, que inopinadamente, de la noche a la mañana, hacían gala de un carisma del que hasta entonces habían carecido, y otros, que habiendo sido unos instrumentistas mediocres toda su vida, de repente se mostraban capaces de deslumbrar por su virtuosismo y su desbordante creatividad.

En la larga lista de músicos que se han visto envueltos en esta leyenda, figuran Niccoló Paganini -de quien se dijo que habría pactado con el príncipe de las tinieblas para llegar a ser un violinista excepcional-, Bob Dylan, Jimi Hendrix, y muchos más.

Otros, como Jimmy Page, de Led Zeppelin, y Alice Cooper, llegaron incluso a admitir abiertamente que habían realizado un pacto con el Maligno.

Finalmente, es sabido que el cantante Marilyn Manson es un miembro destacado de la iglesia satánica de Anton La Vey ( aunque a mi modo de ver, Lucifer no fue capaz de inspirarle ni siquiera una canción que valga la pena escuchar).

Pero de todas estas historias, la que más poderosamente ha llamado mi atención es la del cantante y guitarrista de blues Robert Johnson.
El Canario





Robert Leroy Johnson nació en el estado de Mississipi en el año 1911, siendo el hijo número 11 de una familia de raza negra. Desde muy pequeño se sintió atraído por la música, hasta el punto de fugarse a menudo de la escuela para irse a tocar. En la adolescencia empezó a aprender guitarra, pero, a pesar de su ilusión y de su empeño, nunca llegó a sobresalir como guitarrista.
En 1929 se casó con Virginia Travis, abriéndose para el una etapa llena de dicha que sin embargo duraría poco, pues su esposa falleció después de apenas un año de matrimonio. Esta pérdida hundió a Robert en la más profunda depresión, haciendo que se refugiara en su guitarra y en el blues.

Se dio a la vida de trotamundos, mujeriego y bebedor, tocando aquí y allá, por todo el sur de los EEUU, pero sin éxito, pués seguía siendo un pésimo guitarrista.
Hasta que ocurrió algo inexplicable: después de desaparecer misteriosamente durante varios meses, Robert regresó a los escenarios, pero esta vez tocando maravillosamente bien; estaba a la altura de los más destacados bluesmen de la época.

En su entorno, en un primer momento corrió el rumor de que lo que había ocurrido era un milagro. Pero pronto surgió la sospecha de que ese prodigio pudiera no ser obra de Dios, sino del demonio.

En efecto, se decía que Johnson tocaba y cantaba como si estuviera en un estado de trance, fuera de si, con la mirada fija, como poseído por un espíritu maligno. Que entre una canción y otra no se mostraba muy comunicativo y cuando terminaba su actuación solía desaparecer de forma repentina. Daba la impresión de estar huyendo continuamente.

La mayor parte de sus canciones hablan de su angustia espiritual; de Dios, del diablo. Un buen ejemplo es esa "Me and the Devil Blues" que pueden escuchar más arriba en la versión de Eric Clapton y en la del propio Johnson, una canción que habla de su pretendido vinculo con el diablo.




Para mi, la explicación más lógica de su comportamiento asocial y escurridizo, de su mirada fija al tocar la guitarra, y de la pasión con la que era capaz de hacer vibrar al público, fue la ya mencionada pena por la pérdida de su esposa: el blues, al igual que el cante hondo, es un género musical ideal para canalizar el dolor más visceral, y tal vez para Robert fuera algo parecido a una terapia.

Sin embargo, para la gente todo aquello apestaba a azufre, y la leyenda del pacto entre el diablo y Johnson se terminó imponiendo.
Se cuenta que Robert Johnson, desesperado por sus escasas cualidades como músico, se dirigió una noche a un cruce de caminos, lugar propicio para el encuentro con lo invisible. Se trataba en concreto del cruce de la actual autopista 61 con la 49 en Clarksdale, Mississipi (en la foto más arriba se puede ver el monumento erigido en conmemoración de esta historia). Robert esperó en medio del cruce de caminos hasta la medianoche, guitarra en mano, hasta que el diablo se le apareció.

Lucifer tomó en sus manos la guitarra, y cuando por fin se la devolvió a Robert, este se dio cuenta de que sus dedos se deslizaban sobre las cuerdas de forma prodigiosa, sobrenatural. Sonaba como si estuviera tocando dos guitarras a la vez, no una sola.
A partir de ahí, la vida de Robert se desarrolló como ya les he contado: vagando de ciudad en ciudad, y llenando de asombro a cada público ante el cual se presentaba, por su virtuosismo y por la intensa pasión que transmitía con cada riff, con cada acorde, con cada inflexión de voz. Se decía que irradiaba algo mágico.

El sexo femenino seguiría siendo su mayor pasión después de la guitarra, y esa pasión fue la que le llevaría a la muerte: parece ser que un marido despechado le envenenó echándole estricnina en el whisky. Robert falleció el 16 de agosto de 1938 a los 27 años, casualmente en un cruce de caminos cerca de Greenwood, en Mississipi.



Al leer la letra de la canción "Blues del cruce de caminos" (Crossroad Blues), no tengo la impresión de que Robert Johnson esté hablando con el diablo, sino con Dios: ¿se habrá cometido el mismo error que con Bob Dylan cuando este dijo que había hecho un pacto con el "Gran Jefe", al interpretar que ese Jefe fuera el diablo?

De Robert Johnson se conservan únicamente dos fotografías, y llegó a grabar apenas 29 canciones. Durante las sesiones de grabación, se sentaba de cara a la pared, dándole la espalda a los asistentes. Se llegó a decir que lo hacía para que no se le vieran los ojos de endemoniado, pero la explicación más verosímil, que es la que defienden varios músicos, es que lo hacía por razones meramente acústicas.
El Canario


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Charly García Protagonizó un Concierto Demoledor Ante un Teatro Gran Rex Repleto ---ScRaBBlE

Noche inolvidable en la torre de la canción: Hubo canciones de todas las épocas (salvo La Máquina) y una performance vocal mejor que la de diez años atrás. Se escuchó una banda bien ensayada, siempre en los carriles de un show contundente. Y hasta hubo un encuentro cumbre con David Lebon para dos temas de Seru Giran.



Ya terminó la poderosa versión de “Demoliendo hoteles”, y la espera por los bises se alarga. Suenan varios hits de estos tiempos: la gente canta entera “Inconsciente colectivo”, dice que “esta es la banda de Say No More”, arenga por el aborto legal y por la unidad de los trabajadores, y deja caer dos cánticos calientes, el de “Macri, basura, vos sos la dictadura” y el hitazo de todas las estaciones #MMLPQTP. En el superpullman, un muchacho pierde la paciencia: “Loco, basta, para qué mierda mezclan a Charly con la política”. Charly sale de nuevo y canta esa canción que dice que los amigos del barrio pueden desa- parecer, que la persona que amás puede desaparecer, que no se puede estar tranquilo porque un amigo está en cana. Que el mundo tira para abajo pero los dinosaurios van a desaparecer. Entre las significativas miradas de quienes lo rodean, el muchacho se llama a silencio.

Será que el universo de García puede dar cabida a tantos. A los que han hecho himno de sus canciones y se refugiaron en cosas como “Alicia en el país” y a quienes creen que el artista no debe tener dimensión política. A los que lamentan que no suene nada de La Máquina de Hacer Pájaros –aunque se consuelan con el “Instituciones” de Sui Generis– y los que le entraron por “El aguante” –apertura del show– o “Fax U”, los jóvenes de hoy y los jóvenes de ayer que van con algunas reservas porque recuerdan demasiado bien otros Gran Rex, los de los ’80 con un Charly en absoluto esplendor, y quizá fueron testigos de la debacle de La hija de la lágrima en el Opera y temen encontrarse con apenas un sucedáneo.

Pero García, qué tipo eterno, es una caja de sorpresas. Y sí, su garganta está estropeada por años de ser Charly, pero aun así canta mucho más que hace diez o quince años. Y lo que pasa en escena ya no es un caótico happening: su banda está ensayadísima, ajustada, siempre en los carriles de un show contundente y bien armado. Charly eligió el concepto de la Torre de Nikola Tesla como símbolo de la utopía, pero vuelve a construir en vivo un terreno donde lo utópico no importa mientras suenen esas canciones. Porque, he ahí el corazón del asunto, ese hombre ha compuesto algunas canciones. Cuando el combo de “No soy un extraño” y “Cerca de la revolución” hace estallar a un Gran Rex de pie, o cuando él mismo no puede evitar un “Qué temazo” al cerrar “Pasajera en trance” –sí señor, ese temazo–, o cuando la piel se eriza con el desgarramiento de “Promesas sobre el bidet” y el luminoso poptimismo de “Reloj de plastilina”, o la mención a Luis Alberto previa a “Rezo por vos” remueve los sentimientos de tantos años de gente y de música, Charly García se salta toda utopía y rellena los corazones de un público agradecido. Es la torre de Tesla y la Tower of Song de la que hablaba Leonard Cohen. El atalaya donde toda miseria parece poca cosa.

Está claro, entonces, que Charly tiene un respaldo bien sólido en su monumental obra. Random sumó un capítulo más que digno, y en la lista encajan bien cosas como “La máquina de ser feliz”, la bellísima rendición de “Lluvia” y sobre todo “Rivalidad” (tan... García) y “Otro”, sabiamente enganchada a “Fax U”. Es imposible no extrañar al Negro García López o a la base Lupano – Samalea, pero Hayashida, Silva y González conocen bien el paño. Fabián Quintiero, por supuesto, hace tiempo que juega de local en las bandas de Charly. Y Rosario Ortega, lejos de aquellos comienzos algo dubitativos, ha ganado un aplomo y una presencia que le permiten ocupar con peso propio un sitio donde han brillado leyendas como Fabi Cantilo, Hilda Lizarazu y María Gabriela Epumer. Si la noche no llega a lo perfecto es porque en los temas más potentes la batería parece algo perdida allá atrás, y el sonido pone demasiado arriba los sintes: está bien, son las teclas del protagonista, pero por momentos resultan demasiado chirriantes, le quitan claridad al ensamble y contrastan con los pasajes en los que García solea al piano y es un García auténtico y resistente al paso del tiempo.

Y la histórica cinefilia de Charly también tiene su protagonismo, porque las pantallas no sólo replican rayos eléctricos sino también escenas de 2001, de Psicosis, de King Kong, de Toro salvaje, de El increíble hombre menguante y Los productores, siempre en función de las canciones y entrelazadas con imágenes del mismo músico demoliendo escenarios o lanzándose a la pileta en Mendoza. Suena “Yendo de la cama al living” y no importa la indecisión por qué teclado usar en el solo final. “Cuchillos” habilita el recuerdo de la Negra Sosa: “Yo no me arrodillo ante nada, pero ella...”, señala Charly para otra ovación. “Influencia” tiene un final que invita al baile. “Shisyastawoman” oficia de relajado cierre para encarar un par de porciones de muzza en Corrientes con la sonrisa satisfecha de quien en realidad ya quedó bien alimentado.

Y hay un momento cumbre, un moño de regalo en la única presencia invitada, lo que hace literalmente estremecer las paredes de esa sala legendaria. Pocas emociones se comparan a ver juntos en escena a Charly y David Lebon, pedazos de historia, motores de una banda que en solo cuatro años dejó páginas gloriosas en el rock argentino. Falta Pedro y faltan los descomunales fills de batería del inolvidable Moro, pero “Peperina” es una apoteosis que pone a todo el mundo de pie a desgarrarse la garganta con “Te amo, te odio, dame más”. Y mal que le pese al muchacho preocupado por la mezcla política, “No llores por mí, Argentina” reactualiza lo de estar enfermos de frustración, de las heridas que no paran de sangrar. “Chau, gracias, hasta la próxima” se despide simplemente García, cerrando por enésima vez el telón sobre el lugar que ocupa con total naturalidad desde los años ’70. Como si rozar las utopías fuera moneda corriente, recargando de electricidad a todos y cada uno desde la cima de la torre de la canción. El modo en que la indómita luz se hace carne en nosotros, y nos hace sentir mejor.
Eduardo Fabregat




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23 de Enero - Día Nacional del Músico (Natalicio de Luis Alberto Spinetta) ---ScRaBBlE


La Argentina celebra hoy el Día del Músico en Honor al Flaco Spinetta. El primer Día Nacional del Músico se celebró el viernes en todo el país, en conmemoración del nacimiento de Luis Alberto Spinetta, uno de los padres del rock nacional. Hacía tiempo que los músicos independientes –que impulsaron la Ley Nacional de la Música– querían instituir el Día Nacional del Músico. Sabido es que cada 22 de noviembre se celebra el día, en honor a Santa Cecilia, patrona de la música. Sin embargo, se le quiso dar un tono autóctono y, qué mejor que elegir un día que también fuera el cumpleaños de uno de los más grandes músicos de este país. Tras algunas polémicas, el proyecto avanzó y tuvo sanción en diciembre de 2014, con la aprobación del Senado.


En los últimos tiempos se han multiplicado las manifestaciones relacionadas con el arte de Luis Alberto Spinetta (1950-2012): se reeditó su libro de poemas Guitarra Negra (edición de 12.000 ejemplares en la colección Juan Gelman del Ministerio de Educación), existen proyectos de CD que lo ligan al jazz y al folclore y, en concordancia con ello, y por si fuera poco, se celebra ahora el Día Nacional del Músico en su homenaje.
Recitales, charlas, homenajes y un programa especial de televisión son algunas de las actividades que se realizan en diferentes puntos del país para festejar el primer Día Nacional del Músico, en el cual se conmemora el nacimiento de Luis Alberto Spinetta, luego de que el Congreso aprobara por unanimidad la iniciativa.

COMUNICADO DE LA FEDERACIÓN ARGENTINA DE MÚSICOS INDEPENDIENTES

DIA NACIONAL DEL MÚSICO

Por Ley Nº 27.106 se aprobó el 23 de Enero de cada año como "Día Nacional del Músico" en conmemoración al natalicio del talentoso compositor e intérprete musical, Luis Alberto Spinetta.

En diferentes provincias, las asociaciones de músicos realizaremos distintas actividades para conmemorarlo. Algunas de estas actividades, que incluyen un programa especial de televisión, música en vivo y charlas en diferentes partes del país, se detallan a continuación.

Ley 27.016 completa: InfoLEG - Ministerio de Economía y Finanzas Públicas - Argentina Con motivo de la fecha, los músicos leeremos el siguiente texto antes de tocar:

Soy Músico...
Hubo un tiempo en que descubrí que quería comunicarme a través de la Música...
Hubo un tiempo en que dediqué horas y horas para aprender a tocar un instrumento o cantar...
Hubo un tiempo en que tuve que decidir qué quería ser cuando fuera grande...
Hubo, y hay un tiempo, en que a la pregunta de: "¿Cuál es tu profesión?", la respuesta "Soy Músico”generaba, y aún genera, una re-pregunta: "Sí, ¿pero de qué trabajás?".
Hoy se conmemora el Día Nacional del Músico. Por primera vez los músicos tenemos un día específico para homenajear a nuestros referentes, y también para hablar de las condiciones en las que se desarrolla nuestra profesión.
Hoy, y siempre, es tiempo de trabajo colectivo.
Es tiempo de seguir construyendo, entre todos, las diferentes herramientas legislativas y operativas para que en un período no muy lejano, a la pregunta de "¿Cuál es tu profesión?", podamos responder orgullosamente sin opción a re-pregunta: "SOY MÚSICO".

ACTIVIDADES EN DIFERENTES PROVINCIAS:

CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES
19 hs: Programa especial de TV en CM-Canal de la Música, (Informes. Homenajes, Testimonios, Música en vivo )
http://www.youtube.com/watch?v=h40n8OvGwgo

MISIONES
20 horas: recital en el Anfiteatro El Brete (Posadas) con músicos de todos los géneros.
Organiza: MPM (Músicos Populares Misioneros).

SANTIAGO DEL ESTERO
19 horas: festival en Plaza Sarmiento, (Independencia y Alsina, Santiago del Estero Capital). Participarán bandas y solistas de diferentes géneros musicales.
Organiza: AMUISE (Asociación de Músicos Independientes de Santiago del Estero).

GENERAL ALVEAR, MENDOZA
Desde las 22 horas del jueves 22 de enero a las 0 horas del viernes 23 de enero: vigilia con una guitarreada familiar organizada por MAIPEC (Músicos Alvarenses Independientes Pensando Colectivamente).
23 de enero, 10.30 hs: integrantes de MAIPEC visitarán el Hospital "Enfermeros Argentinos" de General Alvear (Mendoza) para compartir música, realzar su valor curativo e inaugurar el ciclo de Arte y Salud, a cargo de la misma institución. También se llevarán a cabo charlas y debates sobre el rol de la música en distintas radios de General Alvear.

RIO GRANDE, TIERRA DEL FUEGO
Recital en Bar Mostaza Rock (Espora 741, Río Grande- Tierra del Fuego).

TANDIL, PROVINCIA DE BUENOS AIRES
A partir de 18.30 hs: charla-debate y recitales acústicos en la Glorieta de la Plaza Independencia (Avellaneda y Rondeau, Tandil- provincia de Buenos Aires).
Organiza: MITO (Músicos Independientes de Tandil Organizados).

CORDOBA
A partir de las 19 hs: SONAR (Músicos Independientes de Córdoba) realizará un charla abierta "Pensar la música y ser músico en estos tiempos" en Café del Alba (9 de Julio 482, Córdoba Capital). Cerrarán músicos que interpretarán su repertorio.

CONCEPCIÓN DEL URUGUAY, ENTRE RIOS
A partir de las 18 hs: recital en la Plaza Ramírez (de Concepción del Uruguay- Entre Ríos), con músicos de todos los géneros.
Organiza: UEMI (Unión Entrerriana de Músicos Independientes).

TRENQUE LAUQUEN, PROVINCIA DE BUENOS AIRES
A partir de las 19 hs: recital en la Plazoleta Brown (Ameghino y Ugarte, Trenque Lauquen- Provincia de Buenos Aires),con músicos de todos los géneros, y variadas actividades.
Organiza: AMI (Asociación de Músicos Independientes de la Plazoleta)

SANTA FE
A partir de las 18:30 hs: recital en Tasca Bar (San Martín 2846, Santa Fe Capital), con músicos de distintos géneros.
Organiza: S.U.ROCK (Músicos Independientes SURock)

PARANA, ENTRE RIOS
A partir de las 18:30 hs: recital en la Plaza Saenz Peña (Carbo e Hipólito Yrigoyen, Paraná-Entre Ríos), con músicos de todos los géneros.
Organiza: CIMA (Colectivo de Industrias Musicales Autogestionadas)

SALTA
A partir de las 18:30 hs: recital en el Paseo de los Poetas (Esteco y Alvarado, Salta Capital), con músicos de todos los géneros.
Organiza: MIAS (Músicos Independientes Asociados de Salta)

CIUDAD DE BUENOS AIRES
AMBA (Asociación de Músicos Bolivianos en Argentina) realizará un programa especial radial en FM América Latina 94.1 (www.americalatinafm.com) con una charla debate con invitados especiales.

PROVINCIA DE BUENOS AIRES
Sábado 24 de enero, 22 horas: en la Casa del Pueblo de Haedo (Centro cultural y militante del Socialismo para La Victoria) se homenajeará al querido Luis Alberto Spinetta con música en vivo de Walter Soria y proyecciones. La entrada es libre y gratuita (Marcos Sastre 57, Haedo).
Nota Original




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Litto Nebbia en Barcelona ---ScRaBBlE

Comenzó la nueva gira española de Litto Nebbia, ese músico maravilloso que fue pionero del rock argentino, por tierras europeas. Por ello, traemos a colación una nota publicada Mellotronweb para que disfruten de una crónica del gran músico argentino Guillermo Cazenave sobre la reciente presentación del legendario Litto Nebbia en Barcelona: "“Hace tiempo tenía ganas de cantar canciones acompañandome al piano o guitarra. En lugares pequeños, con la producción natural del clima que puede darse entre la gente y uno. Algo que escapa un poco a la ley de estos tiempos. Sin invitaciones de cortesía, ni llamados a la prensa, ni notas a periodistas. Poder asi improvisar noche tras noche, reflotando canciones de diversas épocas, muchas de ellas que no interpreto hace siglos. Algo así como cuando estoy en casa y le muestro algunos temas a mis amigos. Una manera distinta que me haga un balance y matiz con las actuaciones que tambien realizo con mi nueva banda. Allí es todo más eléctrico y estructurado en base a un arreglo grupal. Aquí es llegar con una carpeta llena de canciones de todas las épocas y comenzar a tocar lo que se me va antojando. Otra experiencia interesante dentro del Mundo de la Música".

Recordando el paso de Litto Nebbia por Barcelona esta primavera y su actuación en la sala Les Enfants, muy cerca de las míticas Ramblas de la capital catalana y vanguardia en los 70s de lo mejor de la música ibérica, es un punto de referencia para entender porqué el pop-rock argentino no logró nunca establecerse en la España post-franquista, a pesar de la calidad de sus producciones.
Con algunas entrevistas en periódicos de Madrid, Barcelona y otras ciudades españolas, Litto desembarcó en Barcelona junto a su mujer Alexandra, nieta de Libertad Lamarque, y probó sonido en la sala acompañándose únicamente de guitarra y teclados.

Al concierto asistieron, como era de esperar, muchos argentinos y algunos fans de otros países latinoamericanos, pero también españoles y catalanes que conocían la música del pionero del pop-rock en español.

Sonaron canciones emblemáticas. Litto es como una fábrica de componer. Pero una factoría que ha producido material muy diferente en cada década de una monumental carrera discográfica como pocas.

Su capacidad para sintetizar un repaso de algunas de aquellas joyas que su audiencia esperaba con an

siedad, produjo que, de su galera musical, brotaran temas de Los Gatos, de su posterior etapa folklórica, de los años 80s, 90s y de su nueva cosecha musical, ya instalado como leyenda viviente que es, en este convulsionado y confuso siglo XXI, en el que no siempre se sabe quién compone una cosa o quién interpreta otra.


Litto no necesita muchos artilugios, ni demasiadas luces, ni efectos ni escenarios mastodónticos para cautivar a quienes lo vean. Le bastan una guitarra, un teclado y un micrófono. El resto (que es lo principal) lo lleva dentro, y es su inmensa capacidad para crear canciones que reflejan instantes de la vida misma, que señalan lo que está ocurriendo, que explican una situación o un desenlace. Su voz permanece vital y expresiva para un hombre que acaba de cumplir 71 años en la faz de la Tierra.

Y este gran músico y artista, conocido por especialistas del rock en español pero no bien difundido durante la España franquista que no deseaba que hubiese rock en castellano, ni por la España post franquista y democrática que tampoco deseaba que el público español conociera de verdad el pop-rock que se estaba generando en Argentina desde mediados de la década de 1960, se paseó por algunas ciudades ibéricas como si Bob Dylan recorriera la geografía británica sin que nunca los ingleses hubiesen difundido de verdad su música y su poesía.

Pues esto es lo que ha sucedido y continúa sucediendo con la España que ignora lo mejor y los orígenes del rock en castellano: una situación surrealista.
En cualquier caso, Litto hizo que volvieran a esparcirse por el éter de este sur europeo mediterráneo y crisol de culturas que pasaron por puertos tan definitivos como el barcelonés, canciones históricas que son ya tan clásicas para nosotros como lo mejor de la música anglosajona.

Cabe destacar que al llegar a Andalucía, y mientras realizaba el check-in en su hotel, a Litto le robaron su computadora, sus apuntes de canciones para los conciertos, sus libros, cds, documentación personal, etc.

Ya no caben los argumentos europeos de que únicamente Sudamérica es la peligrosa.
Guillermo Cazenave - Fotos: Rita Baudel


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A 50 Años de Discos Míticos ---ScRaBBlE

King Crimson - In the Court of the Crimson KingSe cumplen 50 años de todos estos discos míticos del rock progresivo. Este año 2019 supone el cumplimiento de medio siglo de vida del rock progresivo, entendiendo que como movimiento musical consolidado arrancó en 1969 con grandes bandas del género como King Crimson, Yes, Van der Graaf Generator... asentando así sonidos con los que ya habían coqueteado formaciones como The Moody Blues, Pink Floyd o Led Zeppelin.

Hay 5 discos que queremos destacar sobre todo el resto de lanzamientos de 1969, los cuales consideramos fundamentales, pero que os ofrecemos organizados por fecha de publicación, no con otras intenciones de realizar rankings:


from Genesis to RevelationGenesis - 'From Genesis to Revelation'
(7 marzo 1969)

Por fecha fueron los pioneros. Una de las bandas fundamentales del progresivo setentero, Genesis, debutó con un disco grabado durante la primavera y que realmente no es progresivo al 100%, pero sí que introducía a la banda que nacía hacia orientaciones artísticas muy vanguardísticas. Formada por entonces la banda por Peter Gabriel, Anthony Phillips, Mike Rutherford, Tony Banks y John Silver, Genesis apuntaba a lo que sería poco después con el álbum 'Trespass' (1970), pero aún faltaba por pulir su estilo propio.



Yes - 'Yes'
(25 julio 1969)

Adelantándose también a otros míticos grupos como King Crimson, los primeros YES arrancaron en el verano de 1969 con un primer trabajo que tampoco se podría calificar aún como un disco de rock progresivo tal y como luego conocimos este amado género musical, pero que apuntaba a ello con temas como 'Survival'. La formación por entonces la integraban Jon Anderson, Peter Banks, Chris Squire, Tony Kaye y Bill Bruford. Este último se pasó a Crimson posteriormente.




Can - 'Monster Movie'
(Agosto 1969)

A diferencia del movimiento progresivo original, puramente inglés, en Alemania el rock de entonces evolucionó a lo que ellos llamaron como 'Krautrock', traducido como "rock repollo" porque con esa verdura era como se les conocía a los alemanes en la Guerra Mundial. Querían así poner apellido geográfico al rock nacional germánico, que sin embargo tuvo una esencia distinta al rock estandarizado, fusionándose con el rock psicodélico y creando una tendencia propia que casi a la par desarrollaron también bandas como Tangerine Dream, Amon Düül, Eloy... Este primer disco de Can es una auténtica joya y su tema 'Yoo Doo Right', de 20 minutos, supuso el tema más largo conocido por entonces en el rock, donde se ven adelantos de sonidos posteriores como el rap, el disco, el funky...



Van der Graaf Generator - 'The Aerosol Grey Machine'
(1 septiembre 1969)

Otra joya sonora que se adelanta a King Crimson por poco. El debut de los también británicos Van der Graaf Generator sí fue más precursor de lo que posteriormente conocimos como movimiento y estilo progresivo. Aquí hay que destacar que Peter Hammill siempre fue el líder de la banda y que se demuestran más si cabe porque este álbum primero del grupo fue suyo casi al 100% salvo algún tema de autoría coral. Tal es así que Hammill tenía pensado publicarlo como propio a petición del sello discográfico, Mercury Records. Por entonces la banda que acompañaba a Hammill estaba formada también por sus inseparables Hugh Banton y Guy Evans, además de Keith Ellis como bajista. David Jackson ya llegó en el siguiente disco, 'The Least We Can Do Is Wave to Each Other' (1970).



King Crimson - In the Court of the Crimson King
King Crimson - 'In the Court of the Crimson King'
(10 octubre 1969)

Publicado por los primeros Crimson, el disco no ha podido ser superado jamás por ninguna banda en cuanto a vanguardia, atrevimiento y osadía musical, además de representar a la perfección al estilo progresivo puro. Guste más o menos, 'In the Court of the Crimson King' es la esencia de todo lo que este movimiento musical fue en la década de los 1970. El melotrón fue el gran protagonista de un álbum que queda para la historia, cuya portada es ya un icono del género progresivo internacional. El quinteto fue un lujo para los oídos: Robert Fripp, Michael Giles, Greg Lake, Ian McDonald y Peter Sinfield. Piezas como 'Epitaph', '21st Century Schizoid Man' o 'The Court of the Crimson King' quedan para la eternidad...
Pablo M. Beleña





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Una Mirada al Etno Rock ---ScRaBBlE

El prog rock de Pink Floyd, Yes, Jethro Tull, Camel, Kansas, King Crimson mezclados con la música étnica precolombina en la música de Juan Carlos Portillo, un talentoso músico mexicano que realiza sus trabajos con entrega, pasión y compromiso por enaltecer la grandeza cultural de México y el placer de nuestras almas. Así es que presentamos algunas de las excelentes composiciones de un gran músico que fusiona del rock con instrumentos precolombinos, y lo hace con gran maestría y logrando un sonido único y con mucha personalidad. Encabezando una nueva generación de músicos que vienen a colsolidar el gran trabajo precursor del maestro Jorge Reyes, J.C. Portillo viene a difundir su música que fusiona elementos modernos - desde el rock a la electrónica - con sonidos provenientes de instrumentos prehispánicos.

Artista: Juan Carlos Portillo
Álbum: Fuego Nuevo / Duality / Yei Ácatl / Mezme - Omeyocan, Caminos Y Senderos
Género: Progresivo étnico
Nacionalidad: México


En México existe una labor que desde el under se le da mucha importancia a los músicos que buscan incorporar elementos musicales de géneros contemporáneos; el jazz, el rock, la electrónica o la música experimental, pero hecha con instrumentos prehispánicos.
Allí, en ese ámbito, es que surge Juan Carlos Portillo, guitarrista, compositor y productor que está dando a conocer su trabajo musical dentro del rock progresivo, sumando a su propuesta sonidos que provenían de instrumentos prehispánicos.


Su trayecto no es excepcional, pero sí su conversión. Juan Carlos Portillo tenía dieciséis años cuando empezó a tocar música andina. Dos años después formó Dama de Plata, grupo que pretendía hacer rock progresivo. A mitad de la década de los noventa se integró a Coco Wash y a fines de la misma grabó un disco de rock pop alternativo, lo que eso signifique.

Fue en el nuevo milenio cuando comenzó a estudiar y experimentar con instrumental precolombino. En paralelo compuso y produjo música para TV, radio, teatro, cabaret, etcétera. Cuenta de su transformación: “Siempre me gustó la música exótica, como la hindú, árabe, egipcia, con tintes étnicos. Cuando estaba de gira con mi grupo de rock por San Cristóbal de las Casas, Chiapas, a finales de los noventa (en pleno apogeo del movimiento zapatista), entré en contacto con tzeltales y tzotziles. Ahí es cuando adquirí mi primer teponaztli y un palo de lluvia, de fabricación indígena. Por ese entonces conocí la música de Mez-Me y, dadas las experiencias que viví cerca de estas comunidades mayas en Chiapas, descubrí que nuestras raíces étnicas, actuales y antiguas, son tan profundas, interesantes y exóticas como las de oriente”.
Hastiado de la escena del rock, Juan Carlos Portillo se concentró en su trabajo y creó su propia compañía productora. En 2011 lanzó "Fuego nuevo", una placa en formato digital que él denomina de prog rock prehispánico (recientemente se editó en formato físico por Terraza Records / Histeria Colectiva).

“No seguía el trabajo de alguien, solamente había puesto atención al álbum Guerreros de Cuahuilama (Raven, 1997) de Mez-Me. En alguna ocasión me topé en televisión con la labor de Jorge Reyes, me llamó mucho la originalidad de su concepto, pero no le di más importancia. En esos años yo intentaba ser un artista pop. Después de grabar mi primer álbum fue que conocí el trabajo de Luis Pérez y a él en persona. Más adelante es que empecé a empaparme del ambiente y de la escena de los músicos étnicos y los diferentes estilos”.

En 2013 editó, nuevamente en formato digital, "Duality", (Terraza Records /Histeria Colectiva), obra que en este 2015 se lanza físicamente. Es un álbum inscrito en una tendencia etno rock, pero en realidad mira más hacia el rock progresivo de tendencia sinfónica. Echa mano de los recursos prehispánicos (ritmos, instrumentos, voces) y deja claro esta dualidad en el corte que abre: “Duality of Gods”.
Hay composiciones breves, transiciones en las que sí se crean ambientes indígenas (“Ometiloztli”, “Barro”, aunque esta última se tiñe con algo de new age) y en las que los elementos de rock son mínimos. Portillo va a los terrenos de la fusión, hurga algo en el heavy metal como en esa mini sinfonía que se desarrolla vertiginosamente y en la que la guitarra es por momentos muy veloz (“Mitad hombre, Mitad animal”) o la también épica y cinematográfica “Ocaso”, con sus coros majestuosos. En realidad es una fusión más propia del metal, pero que se articula excelentemente con lo prehispánico, a la manera de un soundtrack.

También, en “Jaguar”, tenemos esos ambientes oscuros, selváticos, premonitorios de entrada, pero ya en su desarrollo se convierte en una pieza que combina la suavidad de una guitarra acústica, con las percusiones antiguas y habla de un felino que corre por la selva, libre; un corte muy rítmico, con una flauta transversa (a la Nuevo México) que colorea el todo.
"Duality" es un trabajo que abre nuevas veredas para el etno rock, es una obra que tiene su continuación en "Yei Ácatl", tercera producción (en formato digital) de este músico que “harto de la frivolidad de los jingles” regresó a sus gustos adolescentes, “el prog rock de Pink Floyd, Yes, Jethro Tull, Camel, Kansas, King Crimson”.

Actualmente, Juan Carlos Portillo trabaja con Mez-Me en un nuevo álbum. Pero mientras este aparece, hay que darse una vuelta por sus composiciones, esas que miran al pasado, ser alimentan de él, pero también abrevan del presente y miran al futuro.
David Cortés




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La Sacerdotisa de la Contracultura ---ScRaBBlE


Cantante, poeta y artista visual, considerada una de las artistas más influyentes de la historia del rock, Patti Smith regresó al país tras doce años. En su paso por Argentina, Patti Smith iluminó el CCK con su voz, sus poemas y sus canciones. "Podemos escribir lo más oscuro del mundo y aún así sentir alegría. Cualquiera que siga creando, no debe ser demasiado lúgubre: si todavía sigue escribiendo, tiene el deseo de vivir", decía Patti Smith el miércoles ante el auditorio colmado del CCK, en una charla surcada por las sombras más profundas y los brillos más intensos. Recuerdos, fantasmas, sueños, cielos e infiernos, la política y, sobre todo, la literatura fueron protagonistas de una velada emotiva en la que no faltaron las canciones. La noche comenzó con Patti recordando cómo en la pobreza de su infancia en Chicago solo había libros para jugar y que, lógicamente, todos les pertenecían a sus padres, así que su madre, "una camarera que solo estudió hasta décimo grado" -16 años-, le enseñó "orgullosa a leer antes de ingresar al colegio" y cómo a partir de entonces no pudo desprenderse de la lectura -desde que iba a la cama hasta cuando daba un paseo- e incluso, todavía hoy, "no puede ir al baño sin un buen libro".

Fue la primera de las dos presentaciones que brindó la "madrina del punk" en su paso esta semana por tierras argentinas en ocasión de la exhibición "Les visitants", una mirada de Guillermo Kuitca a la colección de la Foundation Cartier, que se exhibe en el imponente centro del bajo porteño hasta principios de mayo e incluye fotografías de la emblemática cantante y poeta. Ayer por la noche tenía su segunda cita con el público local en versión más recitalera.

Acompañada del guitarrista y pianista Tony Shanahan, con quien trabaja desde la época en que los dos tenían cabello oscuro según sus propias palabras, en su debut en el escenario de la ballena azul brindó un concierto íntimo de lectura de poesía y música, una conversación encauzada por Alberto Manguel, director de la Biblioteca Nacional, y con el propio Kuitca a cargo del despliegue visual. Pero fue mucho más que eso, fue una experiencia poderosa que dejó a todos hipnotizados.

Pero en el CCK no solo cantó Patti Smith. Busqué algún video del recital, y lo que Youtube me dió como resultado, sorprendentemente, no era protagonizado por la voz y presencia de Patti Smith, sino del público presente que cantó el hit del verano argentino...



Tanto odio cultivado y regado pacientemente día a día, por el brazo civil de la siniestra dictadura del 76´ que volvió al ruedo en diciembre de 2015, ha germinado con fuerza y hoy florece en una canción, que crece y se abre al mundo como la flor de loto antes del vendaval.
Pero esta entrada se refiere a Patti Smith y el Gato M en realidad entró de rebote. A continuación, una nota publicada aquí que prepoducimos integramente...


"Cuando era niña pequeña éramos pobres y no había mucho en casa salvo libros", contó Patti y dijo que le enseñó a leer su madre, que era camarera, antes de entrar al colegio. "Descubrí que no podía vivir sin leer. Ahora voy con un libro a todos lados", confesó.

La noche estuvo estructurada como un intercambio literario. Manguel le regaló uno a uno libros de autores argentinos. En el lote de ofrenda estuvieron Jorge Luis Borges, Alejandra Pizarnik, Silvina Ocampo, Cecilia Romana y María Elena Walsh, con su "Canción de cuna para un gobernante", que dejó tan deslumbrada a la cantante que prometió leerlo pronto en un evento en Estados Unidos para apoyar el movimiento juvenil que se levanta a favor del control de armas.

Con el tono intimista de sus libros "Éramos unos niños" y "M Train", Patti a su vez, regaló sus palabras, algunos poemas como The Tiger de William Blake con su legendario estilo singsonging y también canciones que hicieron estallar al auditorio. Empezó con "Wind", que escribió para su hija cuando murió el padre de la niña, el guitarrista Fred Sonic Smith. El repertorio incluyó maravillas como "Pissing in the river", uno de los más aclamados, y también temas de otros artistas como Neil Young y John Lennon.

"Si esto es un sueño es uno bueno. Escribo los sueños desde que era chica. Cuanto más los usas, más te acostumbras a moverte en un mundo paralelo", comentó la artista, que, como en esa bruma de ensueño, se adentró también en evocaciones a los que ya no están, entre ellos el escritor Sam Shepard, a quien dedicó una de sus canciones. Uno de los momentos más emocionantes fue cuando leyó una carta que le escribió a su amigo fotógrafo Robert Mappelthorpe poco antes de que él muriera, donde recordaba una visita a su casa en la que él se quedó dormido recostado en ella. "Aprendí que podía sentir infinito dolor, pero no tapaba la alegría de haberlo conocido".

La política y el activimo no estuvieron ausentes en la presentación de la autora de "Because the night". Entre aplausos recibió y alzó uno de los pañuelos verdes emblema de la lucha por la legalización del aborto, que le acercaron desde el público. "Luchen por hacer que sus gobiernos dialoguen, todos lo estamos haciendo. Es importante tener una comunicación inteligente entre nosotros, no basada en ideologías sino en hechos", dijo. Y, un poco antes, confesó: "Cuando escribí Horses estaba enojada y escribía para los poetas, para los outsiders, los que quedaban afuera por sus elecciones. Ahora no siento que necesito escribir para cierta gente: en este mundo tan corrupto somos todos outsiders".

Con sencillez y sensibilidad, la música se refirió también a su traspié en la ceremonia del premio Nobel de Literatura a Bob Dylan, cuando no pudo seguir cantando. "Me congelé. Fue uno de los momentos más horripilantes. Quería hacer un buen trabajo por Bob, a quien había admirado toda la vida. Fue humillante. Pero al día siguiente en el desayuno todos los científicos se querían sacar igual selfies conmigo", recuerdó con humor. Y hablando de las lecciones que dejan los fracasos, brindó con simplicidad una gran enseñanza: "Nada es más importante que ser humano", dijo y se lanzó a cantar "A Hard Rain's a-Gonna Fall', de Dylan.

Para el cierre, dejaría "Can't help falling in love", tema inmortalizado por Elvis Presley, que cantó con el pañuelo verde anudado en la muñeca. Una despedida ideal, vibrante, para una velada en la que todos salimos con un poco más de amor.




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