Gazpacho - Soyuz (2018) ---ScRaBBlE

Hace poco los noruegos Gazpacho lanzaron su disco "Soyuz", que llega 3 años después de "Molok". Lleno de delicadeza, como es habitual en ellos, y de gran belleza instrumental. Es sin duda el disco más extraño de la banda, porque buscan deliberadamente darle una vuelta de tuerca a su estilo tan característico para no entrar en la monotonía, he leído bastantes opiniones diferentes tratando de explicar cómo es su música, cosa harto difícil. Pero lo que puedo decir es que es progresivo, son diferentes a la norma y les gusta desafiar realmente al oyente que se debe preparar para pasar un tiempo intentando desbloquear su música, en una música que funciona en 2 niveles o capas, una intelectual y otra emocional, pero si no lo consigue igual aún puede ser recompensado por su bellas melodías. Podrán decir que no es su mejor disco, pero también hay que recalcar que es una excelente forma de renovar su sonido sin traicionar su estilo.

Artista: Gazpacho
Álbum: Soyuz
Año: 2018
Género: Progresivo Crossover
Duración: 47:57
Nacionalidad: Noruega


El grupo dice que se han inspirado en la temática poética de que los momentos más bellos pasan y nunca podrán volverse a repetir. El título hace referencia a la nave espacial soviética Soyuz, pero los temas que encontraremos en el disco, 8 en total, habla de otros temas como el icónico capitán de la Soyuz, Vladímir Mijáilovich Komarov, pero también otros temas variados como funerales budistas-tibetanos, o la primera grabación en la Historia de una voz humana, a finales del siglo XIX.
Es agradable ver a una banda que después de 10 álbumes todavía está mezclando un poco las cosas, y no buscando el resultado fácil. Un grupo elegante, distinguido, con fuerza pero con mucho sentimiento, transitando por caminos nuevos y tratando de abrir puertas. Otra vez...

El álbum tiene una buena apertura da el puntapié para otro fascinante viaje de Gazpacho que se entrelaza suavemente con las sensaciones que provoca. Con esos maravillosos momentos pesados combinados con losy suaves que recuerdan a "Even Less" de Porcupine Tree mezclado con Radiohead, pero hecho con el sello Gazpacho.
Una de las cosas que me gusta de estos noruegos es que atacan con tres armas musicales que son la guitarra, el teclado y el violín en lugar de crear temas impulsados por alguno de esos instrumentos, lo suyo es una combinación. A menudo le dan a cada instrumento el centro de atención dentro de cada canción. Por ejemplo, en "Soyuz one", hay un solo de violín en la pista que es simplemente delicioso. Pero nuevamente esto es solo otra cosa que hace que Gazpacho se destaque y los mantenga siempre interesantes. La canción "Emperor Bespoke" es un gran ejemplo de esto, con algunos momentos enfocados en los teclados, algunos en la guitarra y por momentos la música se basa en una mezcla de ambos. Las voces simplemente completan el cuadro ya de por sí notable.
También es verdad que hay al menos dos temas qque bajan la calidad del trabajo, como "Sky Burial" y "Fleeting Things", pero no dejan de tener un concepto interesante. Pero estas 2 canciones tranquilas anuncian la epopeya de 13 minutos que es "Soyuz Out". Esta canción realmente es tremenda y muestra lo bueno que son los noruegos en la construcción de canciones largas, manteniéndolas siempre interesantes. El álbum termina con "Rappaccini", que es un buen tema para bajar la intensidad y una buena manera de terminar el álbum.

En general, este es un buen álbum con muchos momentos mágicos. Hay un par de cosas que para mí no son tan buenas, pero de alguna manera están posicionadas en el álbum de manera que encastran bastante bien, así como este trabajo encaja en el catálogo general de Gazpacho. En general, es un álbum del que vale la pena intentar desbloquear algunos de sus secretos ocultos que se encuentran en él.

El nuevo y undécimo álbum de estudio de Gazpacho, la banda de Art-Rock Progresivo de Oslo Noruega, que vuelve a cautivar almas y mentes con esta elegante obra de arte que han titulado 'Soyuz' y publicada que fue publicada el 18 de mayo por el sello británico Kscope.
Conocido por su distintivo Art Rock que equilibra arreglos tensos y hermosos con líneas melódicas siniestras y conmovedoras, 'Soyuz' promueve la producción experimental de esta banda formada en 1996. Gazpacho es una banda que está acostumbrada a apoderarse de los titulares con historias extrañas, como hizo The Independent (Reino Unido) calificando su anterior disco ('Molok') como "Un álbum que podría destruir el mundo". Tres años después aquí están de nuevo presentando nuevas canciones con las que de seguro volverán cautivaran a los fans del Art- Rock progresivo.
Pues bien con este terminaran por disolver todo la materia que ha quedado después del lanzamiento del mencionado 'Molok'. Han vuelto a crear otro hermoso mundo de ensueño, a través de 8 hermosas composiciones donde puedes perderte. Es que Gazpacho tiene un enfoque holístico del proceso de escritura del álbum, imprimiendo a cada uno un concepto cautivador, consiguiendo momentos cargados de melodrama. Los temas de 'Soyuz' nacieron de la idea de cómo transcurren los bellos momentos y el echo de que no se pueden "guardar para más adelante", por lo que dentro de 'Soyuz' hay historias interconectadas de personas y vidas "congeladas en el tiempo"
Tomando inspiración de una multitud de épocas y temas, incluida la cápsula espacial rusa condenada Soyuz y su icónico capitán Komarov; la práctica funeraria budista tibetana en "Sky Burial"; la inclusión de la grabación más antigua de la voz humana desde 1860 y la inspiración de Hans Christian Andersen en “Emperor Bespoke”.
Grabado en Krypton Planet & St. Croix Fredrikstad en Noruega, diseñado por Thomas Andersen, Kristian Torp y Mikael Kroemer, mezclado por John Rausch y masterizado por Thor Legvold de Sonovo Mastering. La obra de arte, diseñada por el pintor Antonio Seijas, está inspirada en los colores y fuentes rusos de la Guerra Fría de la era de los vuelos de Soyuz One.

Juan Raúl

Lista de Temas:
1. Soyuz One
2. Hypomania
3. Exit Suite
4. Emperor Bespoke
5. Sky Burial
6. Fleeting Things
7. Soyuz Out
8. Rappaccini

Alineación:
- Jan Henrik Ohme / vocals
- Jon-Arne Vilbo / guitars
- Thomas Andersen / keyboards
- Mikael Krømer / violin, mandolin, guitars
- Kristian Torp / bass
- Robert Risberget Johansen / drums, percussion
With:
Kristian Skedsmo

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Lebowski - Cinematic (2010) ---ScRaBBlE

Los presentamos en el día de ayer con su último trabajo, y ahora les traemos su primer disco. Simple, efectivo, bello y emocional: hacen un rock progresivo altamente etéreo, accesible y disfrutable. "Cinematic" fue su primer disco, a pesar de que la banda se fundó en 2002. El disco es conceptual, y como su título da a entender, está dedicado a los grandes directores del cine polaco. Así con el grupo polaco Lebowski. Un disco atractivo y creativo que proporciona una música con los cambios necesarios para brindar desde estado de ánimo meditaticos como aquellos más agitados. Una excelente y novedosa propuesta progresiva 100% recomendable. Dedicado a quienes les gustó la onda de "Galactica", aquí tienen otra cosa en la que tendrán el disfrute asegurado.

Artista: Lebowski
Álbum: Cinematic
Año: 2010
Género: Progresivo Crossover
Duración: 66:49
Nacionalidad: Polonia

Al parecer, este álbum fue hecho por amantes del cine. Está dedicado a 5 cineastas polacos (a los que no conozco, y no soy un especialista en dicho arte). Se llama "Cinematic" y se presenta como una banda sonora de una película inexistente. De hecho, la película se me reproduce en la mente mientras la escucho el disco, es algo así como un drama ambientado en una bulliciosa ciudad, durante un día lluvioso de invierno. La película parecería ser protagonizadas por varias personas a medida que avanzan en su rutina diaria y sus planes. Cada persona tiene algo en su mente, y cada canción describe cómo esa persona trata con su propio problema. Y si bien el álbum es instrumental, la banda agregó voces de películas, en combinaciones bien hechas que coinciden con el ambiente de las pistas en las que están ubicadas. La mayoría son en polaco, pero también hay algunas en francés e inglés.
La música es espaciosa, volumétrica y contrasta con sus momentos suaves y agresivos. El ritmo es en su mayor parte lento y pesado. De hecho, hay poca variación en esa faceta, pero eso no es un problema sino una característica, ya que otros aspectos, como el volumen y la intensidad, la suavidad y la ferocidad, exhiben bastante dinámica.
Otro disquito de estos polacos, para quienes les gustó el disco presentado ayer.

La banda crea una interesante mezcla de música, fusionando atmósferas cinematográficas en un ambiente de sensaciones y atmósferas densas de texturas compemplativas y voluminosos paisajes sonoros. Los músicos son capaces de crear sin esfuerzo atmósferas de asombrosa facilidad y adaptarlas a un magnífico sentimiento cinematográfico, generando un álbum es totalmente instrumental, excepto en "SoundBits", tomada de películas polacas, francesas y ocasionalmente en inglés.
Temas llenos de atmósferas pensadas con sintetizadores y guitarra y ambientales pero pesadas ​​y densas, con una producción extremadamente profesional para mejorar aún más esta experiencia. Las melodías que respaldan estas atmósferas son igualmente interesantes, con una espléndida majestuosidad post-rock fusionada con su estructura melódica para crear una experiencia musical verdaderamente agradable.
Este es un álbum pesado. No en el sentido de la música de un estilo similar al hard rock, no, sino en términos de la atmósfera creada. Es un álbum denso, que si bien es muy gratificante (si uno está dispuesto a dedicar el tiempo para escucharlo adecuadamente y no solo como música de fondo)  evidencia la calidad de sus cualidades.

En resumen, aunque el álbum puede durar demasiado para sus pocos cambios de tempo y su constante atmósfera pulsante, está lleno de melodías fantásticas y diversos paisajes sonoros ambientados bellamente. En algunos puntos, la música puede volverse un poco repetitiva, pero este álbum es verdaderamente placeneta tanto para cualquier amante de la música como para cualquier amante de las películas.

Y así nos vamos preparando para ir cerrando esta semana, otra llena de música y sorpresas.


Lista de Temas:
1. Trip To Doha
2. 137 Sec.
3. Cinematic
4. Old British Spy Movie
5. Iceland
6. Encore
7. Aperitif For Breakfast (O.M.R.J.)
8. Spiritual Machine
9. The Storyteller (Svensson)
10. Human Error

Alineación:
- Marcin Grzegorczyk / guitar, sampler, producing & mixing
- Marcin Luczaj / keyboards, synth
- Marek Zak / bass
- Krzysztof Pakula / drums
With:
Katarzyna Dziubak / vocals & violin (2,4)

Voices taken from the following movies:
Gangsterzy i filantropi
Hydrozagadka
Pamietnik znaleziony w Saragossie
Le pacte des loups
Bariera
2001: A Space Odyssey

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Frequency Drift - Letters to Maro (2018) ---ScRaBBlE

Hoy vamos a cambiar un poco la onda para presentar a esta banda alemana que sinceramente pensé que ya estaba en el blog cabezón, y digo que cambiamos la onda porque le entramos muy poco al estilo que esta banda hace, quizás porque a pesar de ser una banda reconocida y apreciada a los que estamos en el staff cabezón no nos gusta tanto el estilo tan cercano a la música más comercial pero ojo que no pierde calidad en el camino. Una excelente opción continuando con nuestra presentación  de buenos discos del 2018 (realmente no fue algo demasiado premeditado, se dió así) presentamos el último trabajo de Frequency Drift: "Letters to Maro", que representa uno de los puntos más altos de su ya larga carrera. Su álbum anterior fue un buen álbum oscuro y pesado, pero aquí hay menos dependencia de las guitarras, los teclados están a la orden del día al igual que la voz, apoyados por las melodías del arpa. De hecho, han cambiado su paleta musical para adaptarse a la dirección y el sonido de estas canciones actuales, modernas, con mucho pop, buen gusto, delicadezas y sensibilidad para un álbum distinto dentro del blog cabezón.

Artista: Frequency Drift
Álbum: Letters to Maro
Año: 2018
Género: Crossover Prog
Duración: 60:14
Nacionalidad: Alemania


Frequency Drift es una banda oriunda de Alemania, formada por el tecladista clásico y multiinstrumentista Andreas Hack, que lanzó su debut en 2008, seguido de una lista de otros álbumes bastante reconocidos. Su visión musical está dirigida tanto por Hack como por la otra multiinstrumentista Nerissa Schwarz y Wolfgang Ostermann en batería. Todo eso en lo que respecta a lo formal.
Los acompaña su nueva vocalista Irini Alexa. que tieneel clásico trasfondo operístico y su estilo vocal se adapta muy bien a la dirección de la música de la banda.

Las canciones aquí tienen una sensación cinematográfica y el cambio que los alejó del sonido de la guitarra les ha dado espacio para respirar, ampliando las melodías y permitiéndoles enfocarse más en canciones dulces y etéreas, temas que se concibieron originalmente como letras sueltas conectadas libremente, contando la historia de alguien que regresa a su pasado, dándose cuenta de que no puede borrar los fantasmas de las cosas perdidas. Un tema donde es fácil derivar en la melancolía total, pero hay una ligereza y positividad contenida dentro de su música que contrasta con esto. Agregue algunas buenas interpretaciones vocales e instrumentales, texturas de amplia gama en las canciones, voces bellas, temas sinceros e inquietantes, con las voces de Irini que se complementan muy bien con un arpa de hermosos sonidos de Nerissa.

Otro disco muy interesante para ir cerrando una semana llena de sorpresas y aventuras musicales. Bah, una típica semana en el blog cabezón.

Las once pistas del álbum van desde los tres a los nueve minutos, lo que da una extensión total de alrededor de sesenta minutos, y ninguno de ellos parece haberse desperdiciado. La canción de apertura, "Dear Maro" , tiene un toque brillante y positivo para empezar, y las melodías se abren antes de que las cosas se pongan un poco inquietantes, con la voz de Irini haciendo algo mágico de todo esto, y demostrando su amplio rango vocal y su exquisita sensibilidad. Hay variedad aquí, desde el inicio casi electro pop, pasando por el rock pegadizo, burbujeante e infeccioso hasta la sensación siniestra de algunos temas.

Estamos frente a una profesional banda alemana que suena de forma particularísima. Este sexteto de músicos, que cuenta en sus filas con dos integrantes femeninas, tiene a esta altura una vasta trayectoria. De lo que hemos leído surge que iniciaron su actividad hace unos doce años, en 2006, y hasta la fecha han mantenido una cierta regularidad en cuanto a las ediciones, con unos siete u ocho larga duración. La cantante, Irini Alexia, de voz y estilo muy personales, es una de las razones para que el grupo marque una diferencia en cuanto al progresivo que realiza. Agreguemos que sobre su flanco instrumental se podría decir que son ¨irreprochables¨: climas estupendos, excelentes desempeños individuales, desarrollando un progresivo muy propio, muy a lo Frequency Drift: sutil, tenue, delicado. Nerissa Schwarz, la restante integrante femenina, se encarga de brindar su toque especial en el arpa eléctrica y los synthes. Realmente es bella y hermosa la música de esta agrupación. Muestran un exquisito gusto para componer e interpretar las once canciones de este álbum recién editado: Letters to Maro, de algo más de una hora de duración. Es una de las obras más bonitas que hemos escuchado últimamente.
Imposible que pase desapercibida.

ConOpus

La música, si bien es básicamente alegre y casi despreocupada (bueno, aparentemente), por lo bajo genera cierta tensión que se ve ampliado por la voz de Irini, lo que ayuda a agregar una sensación casi de pánico sin que nos demos cuenta. El disco tiene un ritmo excelente con canciones chispeantes pero que conducen a corrientes subterráneas ominosas y siniestras.

A lo largo del disco se despliega un excelente nivel de musicalidad, los teclados proporcionan atmósfera y melodía, la batería y el bajo dan unidad y dirección, junto con el toque indiscutidamente característico del arpa de Nerissa que a veces ofrece una sensación casi etérea. La voz de Irini logra transmitir fácilmente la emoción de cada tema a través de su amplia gama.
Este es otro excelente disco de Frequency Drift, convincente, imaginativo y que a pesar de lo que parece a simple vista contiene varias capas, tanto en la instrumentación como en la emoción, la música es a la vez cinemática y casi ambiental a la vez que conserva los momentos inquietantes que la banda puede hacer tan bien. Este es un álbum cuidadosamente pensado con profundidades ocultas que dará recompensas si lo escuchás varias veces.
Vamos, que dijo que no es el estilo que más me gusta, estando solo en casa pondría muchos otros discos antes que a este, pero no por ello dejo de reconocer que esto es simplemente por una preferencia de estilos, pero la banda es excelente como cada uno de los temas de este disco.


Lista de Temas:
1. Dear Maro
2. Underground
3. Electricity
4. Deprivation
5. Neon
6. Izanami
7. Nine
8. Escalator
9. Sleep Paralysis
10. Who's Master?
11. Ghosts When It Rains

Alineación:
- Irini Alexia / vocals, vocal arrangements
- Andreas Hack / keyboards, synth, guitar, bass, mandolin, mixing & co-producer
- Nerissa Schwarz / electric harp, Mellotron, synth, co-producer
- Wolfgang Ostermann / drums, wavedrum
With:
Michael Bauer / guitar (1,10)

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Genesis - A Trick of the Tail Outtakes (1976) ---ScRaBBlE

Una pequeña colección de rarezas adorables, estas Outtakes del Trick of the Tail de Genesis son para genesianos “duros”. Grabadas durante el proceso de cocción de ese discazo, dejan ver el proceso creativo y el modesto, casi humilde virtuosismo de los integrantes, especialmente Hackett y Banks. Un disco para disfrutar, para cantar en la ducha, para rememorar una era. Un filoso cabezón, disco de transición y crisis en el cierre de la época clásica del prog.

Artista: Genesis
Álbum: A Trick of the Tail “Ottakes” & More
Año: 1976 [1980]
Género: Rock progresivo sinfónico y crossover
Duración: 1:16:43
Nacionalidad: Inglaterra


A Trick of the Tail “Outtakes” & More es una curiosidad para genesianos. Su calidad de grabación no añade nada de gran valor para quien no conoce el disco original —el primero de la era post Gabriel—, por lo que la primera recomendación es que, en el extraño caso de que no lo conozcan, escuchen el original y se dejen envolver por esa maravilla del progresivo más puro. Pero si son, como nosotros los cabezones y cabezonas, viejos amantes de Genesis, esta curiosidad es fabulosa. Rarities entre las rarities, estas tomas extra de las sesiones de estudio de A Trick of the Tail son oro puro porque muestran el esqueleto de la música, lo que está detrás de la producción acabada, los procesos de composición y descubrimiento en un disco polémico de la trayectoria de los chicos del Charterhouse. Obviamente, el Mago Alberto ya había traído este material al blog, pero los Outtakes estaban en lossy; ahora los tenemos en mejor resolución.

Se ha hablado y escrito mucho acerca de la separación de Peter Gabriel y Genesis, allá por 1975, después del lanzamiento del increíble album conceptual doble The Lamb Lies Down On Broadway. Independientemente de los rumores y chismes sobre la “ruptura”, podemos estar seguros de que Gabriel se asomaba a una nueva etapa de creación en la que las responsabilidades de creación compartida se convertían en un obstáculo. Ahí están los cuatro álbumes sin título con los que inicia su etapa solista para probarlo. El prejuicio de los seguidores de Genesis, admiradores del frontman por excelencia, el tipo de los disfraces y el histrionismo al límite, consistía en suponer que Genesis perdía el alma. Nunca sería lo mismo, se acababa una era, se moría una fantasía.

Y no. Bajo el nuevo liderazgo (en el escenario; sabemos que en la creación Tony Banks y Steve Hackett seguían siendo ley) de Phil Collins, por sí mismo un tremendo showman y cantante, Genesis lanza A Trick of The Tail para demostrar que estaba lejos de haber agotado su caudal creativo y su propuesta inteligente, poética, profunda. Es un disco extraordinario, sin desperdicio; no hay nada en él que se pueda echar a un lado. Es también un disco de transición. Pronto abandonaría el barco también Hackett para seguir una carrera solista muy prolífica si bien no tan luminosa como la de Gabriel; sería como una segunda versión de lo sucedido con su antecesor Anthony Phillips.

A Trick está más orientado hacia la balada y la canción menos extensa que los álbumes de la era Gabriel. Aquí la experimentación musical propia del progresivo hiperintelectual se ha suavizado. Esto, obviamente, ofende a los seguidores más recalcitrantes de la primera etapa, pero ciertamente es un guiño a los nuevos tiempos que se imponen en el paisaje pop. No es que se oriente al punk, pero sí profetiza formatos que se impondrán poco después con el new wave y el post punk: la canción simple, breve y directa. A la salida de Hackett, Genesis (And Then There Were Three, se llamaría el primer disco, como en tono de berrinche, del ahora trío) abandona el sinfonismo y se acerca más y más al pop; recoge la herencia soul (ahí está su colaboración con Earth, Wind & Fire en Abacab) y termina por adoptar fórmulas completamente diferentes de lo que su historia mostraba.

Insisto: es un disco de transición. En cierta medida, los procesos creativos en contexto de transición son también procesos de descubrimiento, de novedad, de búsqueda. Hay dos tesituras muy marcadas en A Trick: unos temas más “pesados”, animosos, incluso alegres y hasta cómicos como “Dance on a Volcano”, “Squonk”, “Robbery, Assault and Battery”, alternan con otros más íntimos y suaves: “Ripples”, “Entangled”, “Mad Man Moon”. Ambas tendencias se funden en “A Trick of the Tail” y la mezcla de temas de todo el disco de “Los Endos”, que sería sello de la banda en vivo.

Los Outtakes son grabaciones de ejercicios de estudio que recogen el proceso de composición en una etapa temprana; fueron realizadas a mediados de 1975. La primera, “Beloved Summer”, no llegaría al LP original pero sería incluida como lado B del sencillo “Ripples” (y más tarde como lado B del sencillo “You Have Your Own Special Way”, la balada que inaugura la fase plenamente pop de Genesis). Lo interesante de esta versión es que concluye con los espíritus de lo que después será el inicio de “Los Endos”.

“Ripples” (presentada aquí en dos partes), “Robbery...”, “Mad Man Moon”, “Dance on a Volcano” e “Indians” son estrellas de esta etapa genesiana y las versiones raras de este disco resultan ideales para cantantes frustrados (como yo) porque están sin voces y puedes ponerte a cantar como en karaoke o en la regadera. Y claro, apreciar el trabajo de los músicos, especialmente de Hackett en “Ripples” y de Banks en “Mad Man Moon”. “Indians” se convertiría en “Squonk” —la del bicho mitológico que se derrite en lágrimas si te le acercas, el mismo que recogió Borges en su Zoología fantástica—, cuando le pusieran letra. Son versiones sin postproducción y de grabación improvisada por lo que la calidad no es óptima, pero, bueno, son para genesianos irredentos como su servidor.

El disco se completa con versiones en vivo de “Ripples” (¡fabulosa!), “Robbery...” y “Los Endos”, y cierra con una versión alternativa (distinta de la original de The Lamb) de “Carpet Crawlers” en la voz de Gabriel, como indicando que era justo el momento en que se negociaba su partida de la banda.

No se pierdan estas versiones “cantables” del primer disco del Genesis post Gabriel, una pequeña colección de rarezas adorables.

Lista de Temas:
1. Beloved Summer
2. Ripples (Part One)
3. Ripples (Part Two)
4. Robbery, Assault & Battery
5. Los Endos
6. Mad Man Moon (Piano Version)
7. A Trick of the Tail
8. Dance on a Volcano
9. Indians
10. Ripples (Live, July 20, 1980)
11. Robbery, Assault & Battery (Live, June 9, 1976)
12. Los Endos (Live, June 20, 1976)
13. Carpet Crawlers (Version 2)


Alineación:
- Phil Collins / batería, percusiones, voz
- Steve Hackett / guitarras
- Tony Banks / piano, teclados, guitarra de 12 cuerdas, coros
- Mike Rutherford / bajo, bajo de pedal, guitarra de 12 cuerdas
- Peter Gabriel / voz (13)

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The Flower Kings - Stardust We Are (1997) ---ScRaBBlE

En su tercer álbum, los Flower Kings se lanzan a un proyecto ambicioso, con un doble de más de dos horas de duración. Con la versatilidad que los caracteriza, siguen rindiendo homenajes al prog de los setenta, sin perder una personalidad propia, aunque. ¿quizás es demasiado largo?

Artista: The Flower Kings
Álbum: Stardust We Are
Año: 1997
Género: Prog sinfónico, neoprog, crossover
Duración: 2:10:14 (2cds)
Nacionalidad: Suecia


Se unieron para acompañar a Roine Stolt y se convirtieron en una banda imprescindible del prog nórdico. Para su tercer álbum de estudio sacan todo lo que estaba en el cajón y lanzan un doble que para algunos fans y críticos ha resultado demasiado largo. Pero ahí está la personalidad de los Reyes de la Flor, en esta ocasión con más presencia del genial tecladista Roine Stolt y su teatro de antiguallas (Mellotron, Hammond, Rhodes y ¡hasta un órgano de caños!), y la incursión en sonidos de la llamada world music para los momentos space. Un buen disco para seguir conociendo a los Reyes de la Flor en el blog cabezón.

El tercer álbum de estudio de The Flower Kings es un esfuerzo ambicioso. Más de dos horas de música en dos cds, en las que encontramos variedad, virtuosismo y muchísima creatividad, aunque quizás también cierta autocondescendencia porque, francamente, hay elementos que podrían haber quedado fuera. Es decir, podría haber sido un disco extraordinario de una hora; es un disco variopinto de dos. Tiene temas estupendos, incluso algunas canciones de corte pop, género que en las manos de estos músicos es filigrana.

Pero algo sobra. Aunque en muchos de los temas hay variaciones y subtemas que podríamos considerar “partes”, destacan tres que, por su longitud, serían como suites de rock sinfónico: “In the Eyes of the World” (que abre el disco), “Circus Brimstone” (tremendo tour de force instrumental) y “Stardust We Are”, el cierre. Especialmente esta última, de 25 minutos, parece tener sobrantes. Es como si se hubiesen forzado a cumplir ese tiempo y, por tanto, se vuelve cansado de oír.

La alineación es la misma que aparece en el álbum anterior, el genial Retropolis, incluyendo al sax invitado de Ulf Wallander y con la adición de otra voz, más aguda que la de Stolt (Hans Fröberg), y de sitar y tabla en “Don of the Universe”. A lo largo de todo el disco, la presencia de Tomas Bodin y sus teclados que suenan a prog “retro” (mucho mellotron y mucho Hammond) es mucho más activa que en las entregas anteriores y escuchamos una batería muy asentada, siempre precisa de Jaime Salazar.

Muchos de los temas tienen una aspiración épica, lo que afirma lo ambicioso de este trabajo. Hay elementos corales, un casi permanente desborde del espacio sonoro, como si no hubiese lugar para el silencio. Esto se contrarresta con la mesura, pues los distintos elementos estridentes o saturados se intercalan sistemáticamente con pasajes pianissimo, casi ambientales. La inteligencia melódica de Stolt está presente todo el tiempo a través de la voz tanto como de los solos y riffs de guitarra; muchos críticos lo han comparado con Andy Latimer de Camel, otros con Fripp, pero yo creo que su guitarra tiene una personalidad propia, ni tan apasionada como la de Latimer ni tan avanzada técnicamente como la de Fripp. Hay que escuchar “Poor Mr. Rain’s Ordinary Guitar”, una hermosa pieza breve para guitarra acústica.

Es quizá la voz de Stolt lo que no termina de calzar. Cierto que tiene un timbre similar al de John Wetton, pero no tiene su dramatismo. Por ello, Stolt tiende a sobreactuar las canciones (recordemos que el inglés no es su lengua materna), exagerando los suspiros y aires sueltos, como si fuera a toser al final de cada frase; una voz como cansada.

En cuanto a las letras, aunque el Rey de la Flor ya no aparece (ni en los gráficos, que esta vez están dedicados a la banda con un tratamiento neopsicodélico), las preocupaciones hippies y religiosas de Stolt siguen guiando su composición: el amor y la solidaridad siempre del lado bueno, la avaricia al otro lado, y un acercamiento poético surrealista que fortalece el mensaje psicodélico.

La suma de estos factores hace de Stardust We Are un disco con ciertas limitaciones. No por ello menos interesante: tiene momentos llenos de música emocionante y muestra una versatilidad abundante, desde el prog más clásico y el pop casi ligero, hasta momentos alucinados de space rock, jazz rock y hasta improvisaciones tipo free jazz, siempre a través de una ejecución de excelencia.

Lista de temas
CD1:
1. In the Eyes of the World
2. A Room With a View
3. Just This Once
4. Church of Your Heart
5. Poor Mr. Rain’s Ordinary Guitar
6. The Man Who Walked With Kings
7. Circus Brimstone
8. Crying Clown
9. Compassion
CD2: 
1. Pipes of Peace
2. The End of Innocence
3. The Merrygoround
4. Don of the Universe
5. A Day at the Mall
6. Different People
7. Kingdom of Lies
8. If 28
9. Ghost of the Red Cloud
10. Hotel Nirvana
11. Stardust We Are

Alineación: 
- Roine Stolt / Guitarras acústicas y eléctricas, voz líder, teclados
- Tomas Bodin / pianos, teclados, (Waldorf, Hammond, Mellotron, Rhodes, Optigan), acordeón, efectos
- Michael Stolt / Bajo
- Jaime Salazar / Batería
- Hasse Bruniusson / Percusiones
- Hans Fröberg / Voz principal, coros
Invitados:
- Ulf Wallander / Sax soprano
- Håkan Almqkvist / Sitar, tabla

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Lebowski - Galactica (2019) ---ScRaBBlE

Y esto bien puede entrar en nuestra nueva sección titulada "Discos para amar o para odiar (sin términos medios)". Un trabajo muy agradable de la escuela polaca, en una onda "políticamente correcta" que no circula mucho por el blog cabezón. Viene por recomendación de nuestro amigo cabezón Pedro Manuel. Una agrupación con un estilo muy difícil de encasillar en un género musical, muy cinematográfico, con elementos de jazz contemporáneo, música clásica de vanguardia, orquestal, con mucha atmósfera y climas, también con pop y neo progresivo, con temas casi intrumentales, limpios, accesibles, cristalinos y con algunos toques de riffs duros, sensaciones de Medio Oriente y sintetizadores espaciales. Por supuesto, hay muchas influencias en su estilo, ambientes cercanos a Tangerine Dream, Ash Ra Temple o bien Mike Oldfield y con algunas reminiscencias Floydianas, pero nunca robando nada, por el contrario la agrupación desarrolla sobre las composiciones en base a una personalidad propia. Los invito a conocer algo más sobre la escena polaca, siempre presente en el blog cabezón.

Artista: Lebowski
Álbum: Galactica
Año: 2019
Género: Progresivo Crossover
Duración: 68:16
Nacionalidad: Polonia

Los discos propicios para crear atmósferas ue podrían utilizarse para filmar la banda sonoras de una película continúan su presentación en el blog cabezón, y ya tenemos varias, y aquí va una más. Todos los temas de este disco pueden encontrar el clima propicio para ambientar las diferentes escenas de un filme. Un cruce entre tipos de música, evolucionando en registros de jazz fusion / progresivo / electro / ambiental brindan una alternativa melódica diferente en este caso. A veces más clásicos, a veces suntuosos, aventureros y conmovedores, traerán un soplo de aire fresco.
Los temas desfilan uno tras otro como en una película, yuxtaponiendo los climas mientras permanecen en una continuidad estilísitica sostenida. Al mantener esta homogeneidad, Lebowski encuentra una capacidad para dotar a cada tema y a cada sección de ambientes variados y a veces sorprendentes. Entran en los oídos melodías sintéticas de estructuras bastante simples en realidad, siempre suave y encantador, como un lamento susurrado.

En 2010 lanzaron su primer álbum, que se consideró como la música de una banda sonora para una película inexistente, ya que fue inspirada por películas reales, en su mayoría películas polacas, y fue bien recibida por la crítica especializada. Ahora, casi 10 años después, la banda finalmente lanzó un segundo álbum de estudio (hubo un disco en vivo), titulado "Galactica". La formación del grupo sigue siendo la misma, con un guitarrista, un teclista, un bajista y un baterista.

Una multitud de instrumentos se hace presente en este disco, con varios invitados especiales, que completan las construcciones emocionales que pueblan el disco, y que generan un disco variado, ecléctico, de estructuras sencillas pero bien amalgamadas,
El álbum es en su mayoría basada en ritmos sencillos y con poca "progresividad", pero la música está muy bien hecha, y tiene una excelente producción. La música es accesible, pero como se hace tan bien, obtiene buenos resultados, y eso que no soy amante de este tipo de música, pero es un exponente digno de ser presentado en el blog cabezón, siendo otro de los tantos buenos discos del 2019 que ya tenemos (y me faltaron traer muchísimos discos del 2018 aún!). Hay una buena variedad aquí, con secciones pastorales, rock pesado e impresionantes secciones de jazz. Si estás buscando un buen álbum principalmente instrumental que fusione rock y jazz, este es tu álbum, sobretodo si buscas algo sencillo, pero interesante y agradable, y repito, tiene una producción espectacular.

Eso es todo, aquí tienen un lindo disco. No será de lo mejor que ha aparecido en el blog cabezón, pero quienes gusten de este estilo lo disfrutarán plenamente. Quienes sean partidarios de desarrollos más típicos dentro del rock progresivo, quizás no les guste nada, y por algo dije, al comienzo de este comentario, que este trabajo es un candidato para nuestra nueva sección de discos para amar o para odiar.

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Lista de Temas:
1. Solitude of Savant (8:22)
2. Midnight Syndrome (8:21)
3. Goodbye My Joy (5:44)
4. White Elephant (7:14)
5. The Doosan Way (10:49)
6. Galactica (6:39)
7. Slightly Inhuman (6:32)
8. Mirage Avenue (6:37)
9. The Last King (7:58)

Alineación:
- Marcin Grzegorczyk / guitars
- Marcin Łuczaj / synths
- Marek Żak / bass
- Krzysztof Pakuła / drums
With
Marek Żak – bass
Krzystof Ciesielski – double bass
Katarzyna Dziubak - vocals
Maciej Marcinkowski - clarinet
Marcus Stockhausen - flugelhorn
Dariusz Kabacinski - mandolin

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