Cellar Noise - Alight (2017) ---ScRaBBlE

Con este disco vamos a empezar una semana donde vamos a presentar varios discos muy modernos y actuales, de gente inspirada en las glorias pasadas pero lejos de hacer algo retro lo llevan al día de hoy. Una banda italiana con líricas en inglés, que gira alrededor de un neo-progresivo con toques sinfónicos (a menudo recuerda el clásico período de Génesis de Peter Gabriel) y el sentimiento del progresivo italiano, con la dirección y producción del "Steven Wilson italiano" Fabio Zuffanti. Un disco aparentemente sencillo y entrador pero que tiene su sofisticación y grandes arreglos, un álbum de moderno neo prog muy recomendado no solo para los amantes del progresivo italiano sino también para aquellos que gusten de la teatralidad de Genesis y de las buenas melodías.

Artista: Cellar Noise
Álbum: Alight
Año: 2017
Género: Neo prog sinfónico / Progresivo italiano
Duración: 49:13
Nacionalidad: Italia


Cellar Noise es un grupo de Milan que editan su álbum debut "Alight" en el 2017. La verdad que me siento feliz y emocionado cada vez que descubro nuevas y jóvenes bandas de alta calidad, como esta que presentamos ahora, por ejemplo. Esta es una banda muy prometedora, y su álbum debut es una agradable sorpresa. Incluye 9 temas y todos ellos valen la atención del oyente, y conforman un disco que si bien se basa en la crítica social, es bastante optimista y... alegre, aunque hay muchos momentos melancólicos y suaves, que cambian a partes optimistas y poderosas, incluyendo mucho piano, mellotron y guitarras. En pocas palabras, "Alight" es un álbum moderno de rock progresivo italiano, obviamente influenciado por las grandes bandas del progresivo de los 70, pero a su vez bien moderno y actual. El disco incluye algunos momentos realmente maravillosos, llevados adelante con una maravillosa maestría musical, mucho talento y una buena voz que une todo eso.
Muy lindo primer disco de una banda a la que habrá que prestar atención, que da su primer pasito y hace pensar en un futuro con muchos grandes trabajos...

El instinto visceral de Zuffanti para detectar nuevos talentos ha vuelto a dar sus frutos, ya que el debut de Cellar Noise "Alight", es un trabajo que combina perfectamente el prog-rock vintage y los sonidos actuales. Con frecuencia tienen un refrescante enfoque melódico basado en el canto que ayuda a que se te haga accesible instantáneamente. Una banda vocal que sin embargo, abre su primer disco con un instrumental de casi diez minutos, y ¡qué instrumental!
Un álbum conceptual sobre el poder de la fantasía, sobre el sentido de la existencia humana y de como la sociedad pierde ese sentido y se vive en una nube de pedo. La historia trata sobre un hombre que ingresa al metro de Londres y luego comienza a fantasear, ello sacude su parálisis cotidiana, que es el tema del álbum, sumergiéndose en el enorme laberinto del subte de Londres para descubrir el significado de la existencia, algo que se perdió por completo en el día a día.

El disco empieza con un tema instrumental. Imagínense a los majestuosos sonidos de Mellotron y la pompa de órgano de Genesis en "Watcher of the Skies" aderezada con saxo, con elegantes guitarras acústicas y un deslumbrante piano, todos creciendo juntos en la construcción cuidadosa del drama, que instantáneamente nos recuerda de las bandas progresivas más populares de Italia como Unreal City y La Coscienza di Zeno, pero además con violín, una suave flauta, oboe y elegante violonchelo crean temas casi clásicos, definitivamente lleva a la banda más cerca de al momento más puro de rock progresivo italiano puro, además de ser un tema instrumental muy bien logrado.
"Underground Ride" nuevamente trae a Genesis a la mente, con la guitarra acústica y las voces suaves, con un mellotron se une a los sintetizadores para mostrarnos que los temas vocales tampoco decepcionan, en una canción que recuerda muchísimo a Steve Hackett y con los pasajes de poesía recitada que se entrelazan una melodía preciosa y de buen gusto.
Luego vendrá el oscuro y romántico "Embankment" está protagonizado espléndidamente por un piano suavemente melancólico pero bonito, pero el track se rompe inesperadamente con rabietas de guitarra sucias y arrebatos de teclado maníacos en el medio. Le sigue "Temple" que se abre con la guitarra acompañada por un poderoso órgano, con un sonido oscuro y pesado que viene y se va, y un mellotrón que entra antes de los 4 minutos durante una sección pesada. "Temple" se destaca por la deslumbrante guitarra clásica, y los complejos arreglos vocales ofrecen más variedad al desarrollo instrumental. Pero una pesadilla más oscura late al acecho justo debajo de la superficie, y rápidamente brillantes puntas de piano eléctrico, burbujeantes trinos de Moog e intimidantes cuerdas y coros de mellotron se hacen presentes y queman el centro de la pieza con un fuego infernal antes de un exquisito clímax clásico de estilo, otra vez, de Genesis cierran un verdadero temazo.
A su vez, "Blackfriars" es como si Genesis le diera un gruñido al metal e incorporara guitarras más pesadas y una mordaz letra con comentarios sociales (ojo que todo el disco habla críticamente de temas sociales), mientras que "Move the Stone" es una balada llevada principalmente por toques de piano, cello y flauta pero con algunos momentos contenidamente poderosos. El tema más oscuro, "Monument", tiene un ímpetu constante y una urgencia sin aliento, con momentos de gran intensidad gótica y con varios muchos lugares donde el bajo brilla con sus arreglos, en otra canción que incluye cambios de ritmo como una de sus principales cualidades, y donde todo se convierte en un final esperanzador y desafiante, un sorprendente final para un álbum excelente.

Hay infinitas cosas recomendadas sobre este disco: arreglos increíbles, voces llenas de carácter, letras inteligentes y una excelente interpretación
El señor Zuffanti podría tener un buen ojo y un gran oído para tener un gran potencial cuando lo vea, pero la habilidad y el talento que Cellar Noise plasma en este álbum debut merece mucha atención.



Lista de Temas:
1. Dive with me
2. Underground Ride
3. Embankment
4. Temple
5. Blackfriars
6. Move the Stone
7. Monument

Alineación:
- Eric Bersan / drums
- Loris Bersan / bass guitar
- Niccolò Gallani / keyboards
- Francesco Lovari / lead vocals, percussions
- Alessandro Palmisano / guitar
With:
Chiara Alberti / cello
Luca Tarantino / oboe
Giulia Zanardo / flute

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Darryl Way - Vivaldi's Four Seasons In Rock (2018) ---ScRaBBlE

Nosotros hemos publicado varios discos de Darryl Way's Wolf aquí en el blog cabezón, pero aquí traemos el último disco del ex-Curved Air (¿tenemos algo de esta banda en el blog?, mierda! todo lo que nos falta traer!), y con nada más y nada una adaptación del hermosísimo "Four Seasons" de Vivaldi. El miembro fundador y vocalista de Curved Air lanza su nuevo álbum "Vivaldi's Four Seasons In Rock", donde el violinista le da a la famosa pieza clásica del siglo XVIII del compositor italiano el tratamiento de rock, y lo presentamos como se merece. Y para cerrar esta trilogía Curved Air, Darryl Way's Wolf y Darryl Way solista, nos falta traer algunas de las mejores obras de Curved Air... en cualquier momento aterrizan en el blog cabezón.

Artista: Darryl Way
Álbum: Vivaldi's Four Seasons In Rock
Año: 2018
Género: Rock sinfónico
Duración: 41:18
Nacionalidad: Inglaterra


Para conmemorar el 50 aniversario de la creación de su clásico himno de rock "Vivaldi", Darryl Way ha arreglado y grabado toda la obra maestra de Vivaldi "The Four Seasons" y le ha dado el mismo tratamiento de "rock". Bueno, por suerte no todo es como lo sintetizsa el chiste de abajo...

Si no conocen a Curved Air, fue un grupo progresivo inlés que fusionó elementos del rock con la música minimalista y sonidos electrónicos, el bueno de Darryl siempre fue capaz de hacer buen progresivo con temas llenos de matices. Curved Air se formó a finales de los sesenta por las mentes creativas de Darryl Way y Francis Monkman (teclados), ellos tomaron los dos últimos vocablos de la famosa obra minimalista de Terry Riley, "A Rainbow in Curved Air" para darle nombre al grupo. Destacar que "Vivaldi" fue una composición que aparece en "Air Conditioning", disco debut de la banda, se perciben ciertos matices minimalistas y barrocos... el que ha escuchado a Glass o a Riley notará su influencia.
Y si no conocían a Curved Air, seguramente recordarán a Darryl Way desde su trabajo como invitado en "Heavy Horses" de Jethro Tull, o los discos de Darryl Way's Wolf ue ya hemos presentado en el blog cabezón. Darryl Way es un músico educación clásica ue siempre adaptó su formación musical a grupos que se mueve por el jazz y el rock, dando por resultado música de alto nivel. Aquí lo demuestra con creces.

El violín es considerado un instrumento principalmente clásico pero en multitud de ocasiones lo podemos oír en temas netamente rockeros. Notables maestros del instrumento dentro del rock podrían ser Jerry Goodman (The Flock, Mahavishnu Orchestra), Robbie Steinhardt (Kansas), Papa John Creach (Jefferson Starship), Eddie Jobson (Jethro Tull, Roxy Music, UK, King Crimson, Frank Zappa), Jean Luc Ponty y por supuesto nuestro protagonista de hoy Darryl Way.

Darryl Way nos presentan una virtuosa mezcla de rock progresivo y música clásica. Teniendo como protagonista el violín de Darryl Way podemos escuchar siete temas donde combinan fuerza (aunque en realidad creo que en algunos temas se quedan cortos) con delicadeza de auténtica belleza.

"No se puede mejorar la perfección, lo que indudablemente es el Four Seasons, pero sentí que el Four Seasons, una pieza que ha sido una influencia seminal en mi vida, sería un terreno fértil para una reinterpretación.
Una vez dicho esto, no he cambiado ninguna de las notas, excepto en algunos de los movimientos lentos donde generalmente se acepta que las notas escritas se pueden modificar.
Acabo de agregar a la mezcla, instrumentación de rock y ritmos, texturas de sintetizador y en los movimientos lentos y algunos ritmos.
Ya tenía una buena idea de que un arreglo de rock podría funcionar con la música de Vivaldi, de mi trabajo en la pista Curved Air "Vivaldi". El desafío fue mantener el concepto original de Vivaldi de la pieza y contar la misma historia.
No me corresponde decir si he llegado a ese desafío, pero si fueras fan de mi pista Vivaldi de Curved Air, hay muchas posibilidades de que también te guste".

Darryl Way

Las canciones son instrumentales con hermosos solos de mágico violín de Darryl Way. Si hay algo para criticarle, al menos yo, son algunos sonidos sintetizados que realmente me parecen no coincidir con la música, sobretodo en la batería y percusión. Me parece que los trabajos en base a música clásica que hicieron los tanos de Premiata Forneria Marconi están mucho mejor logrados, o el "Bartok in Rock" en la versión de los húngaros Mini o los brasileros Dialeto, todo ello está publicado en el blog por si no lo han visto. pero ojo que la actuación de Darryl es magnífica, pero definitivamente para que sea un disco excelente falta una vuelta de tuerca a la sección rítmica.
Igual solamente lo he escuchado una vez y no voy a emitir grandes opiniones sobre el disco, pero no quería dejar de traerlo para que lo disfruten en el fin de semana.

No tengo datos de la alineación que acompaña al violinista, así que este post se va a ir completando a medida que vaya teniendo más datos. Esas son las contras de presentar exclusivas como esta. Pero ahora que veo Darryl Way se ocupa de todo, y claro, ese es el problema de la sección rítmica, creo que el disco sería mucho mejor con buenos músicos armando una banda que secunde al bueno de Darryl.
Impresionante "Winter" y otras piezas notablemente interpretadas, creo que es un disco que todo cabezón debe apreciar.


Lista de Temas:
Concerto No. 1 In E Major, Op. 8, RV 269, "Spring" (La Primavera)
01. Spring Allegro (3:28)
02. Spring Largo e pianissimo sempre (2:26)
03. Spring Allegro Pastorale (3:58)
Concerto No. 2 In G Minor, Op. 8, RV 315, "Summer" (L'Estate)
04. Summer Allegro non molto (5:12)
05. Summer Adagio e piano - Presto e forte (2:36)
06. Summer Presto (2:56)
Concerto No. 3 In F Major, Op. 8, RV 293, "Autumn" (L'Autunno)
07. Autumn Allegro (5:08)
08. Autumn Adagio (2:40)
09. Autumn Allegro (last movement) (3:28)
Concerto No. 4 In F Minor, Op. 8, RV 297, "Winter" (L'Inverno)
10. Winter Allegro non molto (3:52)
11. Winter Largo (2:12)
12. Winter Allegro (3:22)

Alineación:
- Darryl Way / Todos los instrumentos

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Genesis - A Trick of the Tail Outtakes (1976) ---ScRaBBlE

Una pequeña colección de rarezas adorables, estas Outtakes del Trick of the Tail de Genesis son para genesianos “duros”. Grabadas durante el proceso de cocción de ese discazo, dejan ver el proceso creativo y el modesto, casi humilde virtuosismo de los integrantes, especialmente Hackett y Banks. Un disco para disfrutar, para cantar en la ducha, para rememorar una era. Un filoso cabezón, disco de transición y crisis en el cierre de la época clásica del prog.

Artista: Genesis
Álbum: A Trick of the Tail “Ottakes” & More
Año: 1976 [1980]
Género: Rock progresivo sinfónico y crossover
Duración: 1:16:43
Nacionalidad: Inglaterra


A Trick of the Tail “Outtakes” & More es una curiosidad para genesianos. Su calidad de grabación no añade nada de gran valor para quien no conoce el disco original —el primero de la era post Gabriel—, por lo que la primera recomendación es que, en el extraño caso de que no lo conozcan, escuchen el original y se dejen envolver por esa maravilla del progresivo más puro. Pero si son, como nosotros los cabezones y cabezonas, viejos amantes de Genesis, esta curiosidad es fabulosa. Rarities entre las rarities, estas tomas extra de las sesiones de estudio de A Trick of the Tail son oro puro porque muestran el esqueleto de la música, lo que está detrás de la producción acabada, los procesos de composición y descubrimiento en un disco polémico de la trayectoria de los chicos del Charterhouse. Obviamente, el Mago Alberto ya había traído este material al blog, pero los Outtakes estaban en lossy; ahora los tenemos en mejor resolución.

Se ha hablado y escrito mucho acerca de la separación de Peter Gabriel y Genesis, allá por 1975, después del lanzamiento del increíble album conceptual doble The Lamb Lies Down On Broadway. Independientemente de los rumores y chismes sobre la “ruptura”, podemos estar seguros de que Gabriel se asomaba a una nueva etapa de creación en la que las responsabilidades de creación compartida se convertían en un obstáculo. Ahí están los cuatro álbumes sin título con los que inicia su etapa solista para probarlo. El prejuicio de los seguidores de Genesis, admiradores del frontman por excelencia, el tipo de los disfraces y el histrionismo al límite, consistía en suponer que Genesis perdía el alma. Nunca sería lo mismo, se acababa una era, se moría una fantasía.

Y no. Bajo el nuevo liderazgo (en el escenario; sabemos que en la creación Tony Banks y Steve Hackett seguían siendo ley) de Phil Collins, por sí mismo un tremendo showman y cantante, Genesis lanza A Trick of The Tail para demostrar que estaba lejos de haber agotado su caudal creativo y su propuesta inteligente, poética, profunda. Es un disco extraordinario, sin desperdicio; no hay nada en él que se pueda echar a un lado. Es también un disco de transición. Pronto abandonaría el barco también Hackett para seguir una carrera solista muy prolífica si bien no tan luminosa como la de Gabriel; sería como una segunda versión de lo sucedido con su antecesor Anthony Phillips.

A Trick está más orientado hacia la balada y la canción menos extensa que los álbumes de la era Gabriel. Aquí la experimentación musical propia del progresivo hiperintelectual se ha suavizado. Esto, obviamente, ofende a los seguidores más recalcitrantes de la primera etapa, pero ciertamente es un guiño a los nuevos tiempos que se imponen en el paisaje pop. No es que se oriente al punk, pero sí profetiza formatos que se impondrán poco después con el new wave y el post punk: la canción simple, breve y directa. A la salida de Hackett, Genesis (And Then There Were Three, se llamaría el primer disco, como en tono de berrinche, del ahora trío) abandona el sinfonismo y se acerca más y más al pop; recoge la herencia soul (ahí está su colaboración con Earth, Wind & Fire en Abacab) y termina por adoptar fórmulas completamente diferentes de lo que su historia mostraba.

Insisto: es un disco de transición. En cierta medida, los procesos creativos en contexto de transición son también procesos de descubrimiento, de novedad, de búsqueda. Hay dos tesituras muy marcadas en A Trick: unos temas más “pesados”, animosos, incluso alegres y hasta cómicos como “Dance on a Volcano”, “Squonk”, “Robbery, Assault and Battery”, alternan con otros más íntimos y suaves: “Ripples”, “Entangled”, “Mad Man Moon”. Ambas tendencias se funden en “A Trick of the Tail” y la mezcla de temas de todo el disco de “Los Endos”, que sería sello de la banda en vivo.

Los Outtakes son grabaciones de ejercicios de estudio que recogen el proceso de composición en una etapa temprana; fueron realizadas a mediados de 1975. La primera, “Beloved Summer”, no llegaría al LP original pero sería incluida como lado B del sencillo “Ripples” (y más tarde como lado B del sencillo “You Have Your Own Special Way”, la balada que inaugura la fase plenamente pop de Genesis). Lo interesante de esta versión es que concluye con los espíritus de lo que después será el inicio de “Los Endos”.

“Ripples” (presentada aquí en dos partes), “Robbery...”, “Mad Man Moon”, “Dance on a Volcano” e “Indians” son estrellas de esta etapa genesiana y las versiones raras de este disco resultan ideales para cantantes frustrados (como yo) porque están sin voces y puedes ponerte a cantar como en karaoke o en la regadera. Y claro, apreciar el trabajo de los músicos, especialmente de Hackett en “Ripples” y de Banks en “Mad Man Moon”. “Indians” se convertiría en “Squonk” —la del bicho mitológico que se derrite en lágrimas si te le acercas, el mismo que recogió Borges en su Zoología fantástica—, cuando le pusieran letra. Son versiones sin postproducción y de grabación improvisada por lo que la calidad no es óptima, pero, bueno, son para genesianos irredentos como su servidor.

El disco se completa con versiones en vivo de “Ripples” (¡fabulosa!), “Robbery...” y “Los Endos”, y cierra con una versión alternativa (distinta de la original de The Lamb) de “Carpet Crawlers” en la voz de Gabriel, como indicando que era justo el momento en que se negociaba su partida de la banda.

No se pierdan estas versiones “cantables” del primer disco del Genesis post Gabriel, una pequeña colección de rarezas adorables.

Lista de Temas:
1. Beloved Summer
2. Ripples (Part One)
3. Ripples (Part Two)
4. Robbery, Assault & Battery
5. Los Endos
6. Mad Man Moon (Piano Version)
7. A Trick of the Tail
8. Dance on a Volcano
9. Indians
10. Ripples (Live, July 20, 1980)
11. Robbery, Assault & Battery (Live, June 9, 1976)
12. Los Endos (Live, June 20, 1976)
13. Carpet Crawlers (Version 2)


Alineación:
- Phil Collins / batería, percusiones, voz
- Steve Hackett / guitarras
- Tony Banks / piano, teclados, guitarra de 12 cuerdas, coros
- Mike Rutherford / bajo, bajo de pedal, guitarra de 12 cuerdas
- Peter Gabriel / voz (13)

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The Flower Kings - Stardust We Are (1997) ---ScRaBBlE

En su tercer álbum, los Flower Kings se lanzan a un proyecto ambicioso, con un doble de más de dos horas de duración. Con la versatilidad que los caracteriza, siguen rindiendo homenajes al prog de los setenta, sin perder una personalidad propia, aunque. ¿quizás es demasiado largo?

Artista: The Flower Kings
Álbum: Stardust We Are
Año: 1997
Género: Prog sinfónico, neoprog, crossover
Duración: 2:10:14 (2cds)
Nacionalidad: Suecia


Se unieron para acompañar a Roine Stolt y se convirtieron en una banda imprescindible del prog nórdico. Para su tercer álbum de estudio sacan todo lo que estaba en el cajón y lanzan un doble que para algunos fans y críticos ha resultado demasiado largo. Pero ahí está la personalidad de los Reyes de la Flor, en esta ocasión con más presencia del genial tecladista Roine Stolt y su teatro de antiguallas (Mellotron, Hammond, Rhodes y ¡hasta un órgano de caños!), y la incursión en sonidos de la llamada world music para los momentos space. Un buen disco para seguir conociendo a los Reyes de la Flor en el blog cabezón.

El tercer álbum de estudio de The Flower Kings es un esfuerzo ambicioso. Más de dos horas de música en dos cds, en las que encontramos variedad, virtuosismo y muchísima creatividad, aunque quizás también cierta autocondescendencia porque, francamente, hay elementos que podrían haber quedado fuera. Es decir, podría haber sido un disco extraordinario de una hora; es un disco variopinto de dos. Tiene temas estupendos, incluso algunas canciones de corte pop, género que en las manos de estos músicos es filigrana.

Pero algo sobra. Aunque en muchos de los temas hay variaciones y subtemas que podríamos considerar “partes”, destacan tres que, por su longitud, serían como suites de rock sinfónico: “In the Eyes of the World” (que abre el disco), “Circus Brimstone” (tremendo tour de force instrumental) y “Stardust We Are”, el cierre. Especialmente esta última, de 25 minutos, parece tener sobrantes. Es como si se hubiesen forzado a cumplir ese tiempo y, por tanto, se vuelve cansado de oír.

La alineación es la misma que aparece en el álbum anterior, el genial Retropolis, incluyendo al sax invitado de Ulf Wallander y con la adición de otra voz, más aguda que la de Stolt (Hans Fröberg), y de sitar y tabla en “Don of the Universe”. A lo largo de todo el disco, la presencia de Tomas Bodin y sus teclados que suenan a prog “retro” (mucho mellotron y mucho Hammond) es mucho más activa que en las entregas anteriores y escuchamos una batería muy asentada, siempre precisa de Jaime Salazar.

Muchos de los temas tienen una aspiración épica, lo que afirma lo ambicioso de este trabajo. Hay elementos corales, un casi permanente desborde del espacio sonoro, como si no hubiese lugar para el silencio. Esto se contrarresta con la mesura, pues los distintos elementos estridentes o saturados se intercalan sistemáticamente con pasajes pianissimo, casi ambientales. La inteligencia melódica de Stolt está presente todo el tiempo a través de la voz tanto como de los solos y riffs de guitarra; muchos críticos lo han comparado con Andy Latimer de Camel, otros con Fripp, pero yo creo que su guitarra tiene una personalidad propia, ni tan apasionada como la de Latimer ni tan avanzada técnicamente como la de Fripp. Hay que escuchar “Poor Mr. Rain’s Ordinary Guitar”, una hermosa pieza breve para guitarra acústica.

Es quizá la voz de Stolt lo que no termina de calzar. Cierto que tiene un timbre similar al de John Wetton, pero no tiene su dramatismo. Por ello, Stolt tiende a sobreactuar las canciones (recordemos que el inglés no es su lengua materna), exagerando los suspiros y aires sueltos, como si fuera a toser al final de cada frase; una voz como cansada.

En cuanto a las letras, aunque el Rey de la Flor ya no aparece (ni en los gráficos, que esta vez están dedicados a la banda con un tratamiento neopsicodélico), las preocupaciones hippies y religiosas de Stolt siguen guiando su composición: el amor y la solidaridad siempre del lado bueno, la avaricia al otro lado, y un acercamiento poético surrealista que fortalece el mensaje psicodélico.

La suma de estos factores hace de Stardust We Are un disco con ciertas limitaciones. No por ello menos interesante: tiene momentos llenos de música emocionante y muestra una versatilidad abundante, desde el prog más clásico y el pop casi ligero, hasta momentos alucinados de space rock, jazz rock y hasta improvisaciones tipo free jazz, siempre a través de una ejecución de excelencia.

Lista de temas
CD1:
1. In the Eyes of the World
2. A Room With a View
3. Just This Once
4. Church of Your Heart
5. Poor Mr. Rain’s Ordinary Guitar
6. The Man Who Walked With Kings
7. Circus Brimstone
8. Crying Clown
9. Compassion
CD2: 
1. Pipes of Peace
2. The End of Innocence
3. The Merrygoround
4. Don of the Universe
5. A Day at the Mall
6. Different People
7. Kingdom of Lies
8. If 28
9. Ghost of the Red Cloud
10. Hotel Nirvana
11. Stardust We Are

Alineación: 
- Roine Stolt / Guitarras acústicas y eléctricas, voz líder, teclados
- Tomas Bodin / pianos, teclados, (Waldorf, Hammond, Mellotron, Rhodes, Optigan), acordeón, efectos
- Michael Stolt / Bajo
- Jaime Salazar / Batería
- Hasse Bruniusson / Percusiones
- Hans Fröberg / Voz principal, coros
Invitados:
- Ulf Wallander / Sax soprano
- Håkan Almqkvist / Sitar, tabla

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Taurus - Opus IV: Elevations (2014) ---ScRaBBlE

Y mientras va pasando una semana donde tenemos una casi exclusiva de rock argentino y chileno, nuestro querido Neck nos trae el último disco de Taurus, mientras me voy preparando para seguir trayendo varios buenos discos chilenos. Aquí, el disco que nos faltaba del proyecto llamado Taurus de Claudio Momberg, con su especial estilo de rock sinfónico que deambula entre Oldfield - Wakeman - Vangelis, otro disco de un solo tema y varios movimientos y en la misma onda de sus discos anteriores, para completar la discografía de Taurus en el blog cabezón.

Artista: Taurus
Álbum: Opus IV: Elevations
Año: 2014
Género: Rock sinfónico
Duración: 51:41
Nacionalidad: Chile


Desde 2010 ha habido cuatro registros de Taurus y en el año 2014 llegó "Opus 4: Elevations". El disco dura casi cincuenta y dos minutos y los músicos que trabajan juntos en el álbum son Claudio Momberg, Claudio Momberg y Cladio Momberg... ah, y me olvidaba también de Cladio Momberg, que tocan todos los instrumentos. El álbum consta de diez temas sinfónicos, pero creo que todo debería verse como un todo, llamado "Elevaciones"... perdón, "Elevations".

Así que Taurus ha pasado por el blog cabezón, especialmente dedicado para los amantes del rock sinfónico más clásico.

"Elevations" es un disco bien hecho y con un sonido apropiado para un estilo sinfónico. Aquí existe lo que la mayoría de los fanáticos del rock sinfónico quieren, como los teclados y los temas que van y vienen y que juntos crean un concepto que funciona bien. El álbum es instrumental, pero no aburrido. No creo que sea tan interesante tampoco, sobretodo teniendo en cuenta que los mismos elementos se comparten con los otros tres discos anteriores, pero esa es mi opinión personal. Pero para los fanáticos del rock progresivo sinfónico con tendencias a la música más pomposa y celestial debemos decir que este es uno de esos discos que tienen que escuchar porque de seguro les gustará. Escuche el álbum como un todo cuando vaya a su casa, quizás acompañado con alguna bebida espirituosa y con buena compañía, y verá que el disoc va como piña... aunque en esas condiciones casi cualquier disco va perfecto, bah, no casi, si me ponen esas canciones melódicas latinas que están de moda, fuera de joda que a mí me joden la noche!
Algo que descubrí es que este tipo de discos, para mí que no soy amante de este género, funciona mejor cuando lo ponga por la noche cuando me voy a acostar sin sueño, porque me permiten crear sinfonías en la oscuridad.
Pero seguramente a ustedes eso no les interesa, así que cerrando el tema dejo el comentario de nuesto eterno comentarista involuntario de siempre...

El proyecto chileno TAURUS, forjado por el talentoso compositor y músico chileno Claudio Momberg (también director de SETI y un tercio de QUARKS) es lo que traemos ahora a colación so pretexto de la publicación de su más reciente oferta “Opus IV: Elevations”, por vía de Mylodon Records. Últimamente ha estado ocupado el Sr. Momberg, habiendo gestado el disco anterior de TAURUS y formado un trío prog-electrónico llamado QUARKS en el transcurso del año pasado, y ahora sigue dando señas constantes de creatividad en pos de mantener andando la maquinaria de música progresiva en Sudamérica. Podemos adelantar que este nuevo disco de TAURUS refleja, al unísono, un trabajo sistemático bajo varias de las pautas centrales del prog sinfónico y una retrospectiva reconstructiva de las estrategias sonoras desarrolladas en los tres discos previos, pero mejor vayamos al repertorio mismo, ¿vale?

Ocupando los primeros 9 ½ minutos del álbum, ‘Avernuss’ comienza con un clima sigiloso donde el estándar del sinfonismo se maneja desde un esquema Floydiano: pomposo pero contenido por una serenidad ceremoniosa mientras el esquema rítmico y las capas de teclado se toman su tiempo para acomodarse y asentarse, siendo así que cuando lo hace, la cosa se pone en plan de KARMACANIC con RICK WAKEMAN. No hay variaciones dramáticas de ritmo o ambiente, pero sí un sólido trabajo de evolución de los motivos centrales. Luego sigue ‘Phlegra’, que está cargo de mostrar ambientes introvertidos en clave de un romanticismo sereno, no ajeno al estereotipo de THE ENID. Con la dupla de ‘Ceraunius’ y ‘Nepenthes’, Momberg nos lleva por más senderos musicales: el primero de estos temas se orienta hacia una extroversión colorida donde se da rienda suelta al reciclaje de los dinamismos esenciales de YES y GENESIS, mientras que el segundo se basa en una ingeniería rítmica exótica para trabajar climas etéreos y envolventes, siempre con esa majestuosidad estilizada propia del sinfonismo. Cuando llega el momento en que emerge ‘Tharsis’, disfrutamos de un medio tiempo muy común en varias de las piezas más pomposas de THE ALAN PARSONS PROJECT, aunque aquí notamos un innegable tufo Genesiano en el modo en que se arreglan las armazones instrumentales con las cuales se articula el desarrollo del cuerpo central: los solos de guitarrs eléctrica tienen mucho de STEVE HACKETT y el de sintetizador está influido por el modelo de TONY BANKS, en efecto, aunque cuando llegamos al momento del solo de órgano (demasiado breve para nuestro gusto), la cuestión se pone muy a lo WAKEMAN. Momberg sabe darse buena mañana para hacer confluir todos estos ingredientes en una sonoridad moderna y propia.
Durando poco menos de 4 minutos, ‘Ortygia’ nos lleva a un ensamblaje de órgano de fuelles, orquestaciones y corales sintetizadas, concretando así una atractiva labor de reactivación del paradigma WAKEMAN a través del modelo que el mismo TAURUS estableció en su Opus I “Dimensions”. Tras este pasaje de vibraciones reflexivas, llega la armazón rítmica de ‘Deuteronilus’, sostenida exclusivamente en secuencias de percusiones diversas que ostentan su groove de corte Latin-jazz; esta exploración sonora dura menos de 2 ¼ minutos pero sabe dejar la marca de su sensual frenesí en la mente del oyente. Luego sigue ‘Euripus’, elaborando un contrapunto de elegancia virginal frente a la pieza anterior: el talante manierista del piano y las orquestaciones solemnes que surgen para arropar a éste se acoplan a la perfección al consistente compás de 7/8. El momento de ‘Zephyris’ es uno de jolgorio rockero, no muy distinto del que disfrutamos anteriormente en ‘Ceraunius’, pero con un fragor más pronunciado en los guitarreos. Finalmente, ‘Arsia’ nos exhibe un fastuosos retrato de introspecciones melódicas donde confluyen lo sinfónico y el new-age, algo muy afín a la labor general del “Opus III: Research”. Este broche del álbum nos recuerda que el concepto global de este proyecto sigue coherentemente afianzado en su bien definido norte musical.
Todo esto fue “Elevations”, un decisivo manifiesto prog-sinfónico de TAURUS que funciona como gestor de una especial revitalización para su misión artística. Gracias a Claudio Momberg por no guardarse nada en este nuevo flujo de inspiración musical que le sobrevino y que ha plasmado en este disco que no dudamos en recomendar ampliamente a los prog-melómanos de todo el mundo.
Nota: 8,5/10

César Inca

Así que ahí va otro de los aportes de Neck que está tremendo estos últimos tiempos. Agradézcanle a él pro todo esto...



Lista de Temas:
1. Movement I - Avernuss (9:30)
2. Movement II - Phlegra (4:07)
3. Movement III - Ceraunius (6:05)
4. Movement IV - Nepenthes (4:33)
5. Movement V - Tharsis (6:13)
6. Movement VI - Ortygia (3:58)
7. Movement VII - Deuteronilus (2:13)
8. Movement VIII - Euripus (5:00)
9. Movement IX - Zephyria (6:18)
10. Movement X - Arsia (3:44)

Alineación:
- Claudio Momberg / all instruments

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Attila Kollár (Solaris) - Progrock '55 (2016) ---ScRaBBlE

Seguimos con la saga de discos húngaros, y ahora nos vamos con uno de los discos solistas del flautista de Solaris Attila Kollár (en realidad creo que es el único, porque tiene otros proyectos pero con un proyecto llamado Musical Witchcraft). En general, es un álbum interesante y seguramente les gustará a cualquier amante de Solaris. Un largo disco de 76 minutos con un héroe de la flauta como protagonista, creando música sensible sobre la base de buenas melodías, pasajes emocionales, buen gusto, buenos arreglos. Si te gusta Solaris, entonces deberías probar este álbum, repito, no es el mismo sonido, pero es similar, es innovador y tal vez un poco experimental, es una odisea instrumental donde puedes seguir disfrutando del trabajo de este gran músico llamado Attila Kollár.

Artista: Attila Kollár
Álbum: Progrock '55
Año: 2016
Género: Prog Folk / Rock sinfónico
Duración: 76:18
Nacionalidad: Hungría

Attila Kollár es el flautista de los fabulosos Solaris. Como tal, la flauta es la pieza central de sus álbumes, con temas en su mayoría instrumentales, pero el resto de los instrumentos también son sobresalientes, en un disco que entra en una onda similar a la del disco de El Malpaís que presentamos esta semana. Es bien sabido que los miembros de Solaris no son músicos profesionales, así como pasa con la mayoría de las agrupaciones que, a pesar de su calidad, no están en el centro de la industria discográfica. El señor Attila Kollár gana su vida como médico radiólogo, pero este amante de la música de ELP, Pink Floyd, Jethro Tull, Supertramp, Dixie Dregs, Kansas, la música de Herbie Mann, Bach, Telemann y tantos otros, se las ha arreglado para tener siempre algún proyecto más que interesante, aún fuera de la agenda de Solaris.
Una mezcla de estilos muy seductora, con músicos que realmente interactúan bien juntos, con pleno conocimiento de que hay indicios de Jethro Tull debido a la configuración instrumental pero ojo que aquí no hay ningún intento abierto de plagio. Estamos ante una música al estilo Solaris pero con su flautista como casi su único protagonista. Lamentablemente no encontré ningún video ni ninguna referencia para que puedan escuchar antes de obtener el disco. Pero si les gusta lo que les he venido diciendo hasta aquí, llévenlo sin miedo.

Ampliamente conocido como el flautista de Solaris, Attila Kollár tuvo una sólida y consistente carrera como músico y después de que Solaris congelara sus actividades, actuó con el grupo de Art Pop Napoleon Boulevard junto con la mayoría de los miembros de Solaris. En 1998 Kollár emprendió su primer esfuerzo en solitario y fue titulado Musical Witchcraft apoyado por todos sus compañeros de banda, excepto Istvan Cziglan, quien lamentablemente falleció el mismo año.
Casi todos los miembros de la formación de Solaris de 1990 están en sus primeros dos álbumes. Tendría que decir que ellos serían como Solaris reencarnado. El álbum inicialmente comenzó su vida como composiciones armadas desde la guitarra acústica y la flauta, y aunque la música ha sido arreglada y ampliada para el resto de los instrumentos, esta sigue siendo su base. Obviamente, la flauta es a menudo el instrumento principal, como era de esperar, y es constante a lo largo del álbum. Eso no quiere decir que es un álbum acústico y que la flauta siempre está a la vanguardia ya que hay momentos en que la guitarra toma el control.

Pero... qué mejor presentación de este álbum que la que puede hacer el propio músico que lo hace, aquí, las palabras del propio Attila presentando su álbum:

"Elegí entre la música que vengo componiendo desde hace 36 años, son composiciones en las que trabajé como compositor en su totalidad o en parte.
La compilación de los 76 minutos de música que componen este álbum realmente no fue fácil de seleccionar, principalmente porque todas las canciones forman parte de mí. Obviamente, hay algunas composiciones imprescindibles que son hitos importantes en mi carrera musical. Por supuesto, hay canciones que quedaron fuera de este compilado que son muy valiosas personalmente.
En la secuencia del álbum, las primeras 5 composiciones son canciones completamente nuevas o composiciones transfiguradas grabadas recientemente.
Invité a amigos músicos principalmente de Solaris, pero también de mi proyecto Musical Witchcraft, formando una unión donde existe una paleta musical amplia debido a la diversidad de las canciones, mezcla de música rock, jazz, fusión, música étnica, sonidos progresivos, influencia tradicional popular, barroca y otras influencias clásicas son bien percibidos.
La mayoría de las canciones seleccionadas son grabaciones de concierto, porque en mi opinión es en el escenario donde se puede plasmar mejor al estado de ánimo, el mensaje y agradecimiento de cada una de las composiciones".

Attila Kollár

Los temas son interesantes y generalmente pegadizos, no faltan influencias sinfónicas ni populares, con interesantes piezas de flauta inspiradas junto con algunos sintetizadores sinfónicos y orquestales, con dinámicas batallas de flauta / guitarra, algunas melodías folk encantadoras. No hay mucho que decir sobre el resto del álbum, ya que sigue más o menos la misma línea. Los amantes del sonido de flauta definitivamente deberían escuchar este álbum, así como los fanáticos de Solaris. Este primer trabajo de Attila Kollár solista es en su mayoría muy agradable, todo instrumental, progresivo, un verdadero Art Rock con mucha vibración folky. Recomendado para todo el público cabezón!.



Lista de Temas:
1. Silent Towns / 2nd movement (New recording 2016)
2. Poseidon 2 (New recording 2016)
3. The Tower's Room Lost In The Fog. (New - Live In Budapest 2010)
4. Wanderers From The 15th Century (New Recording 2015)
5. Hymn No.234. - Revision (New Recording 2015)
6. M'ars Poetica (Live In Mũpa, Budapest 2014)
7. The Lion's Empire (Live In Monterrey, MX 2004)
8. Journey In The Andes (Live In Budapest 2004)
9. The Dark Middle Ages (MW I 1998)
10. If The Fog Clears Away (Live In La, Usa 1995)
11. Revival / Short Cut (Live In Budapest 1980)
12. Levitation (MW III 2006)
13. Utopia (Live in Szentendre 2014)
14. Eden (Live in LA, USA 1995)
15. La Mer. (MW III 2006)
16. Ba'rock' (MW I 1998)

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Steve Hackett - At The Edge Of Light (2019) ---ScRaBBlE

El guitarrista había publicado disco de estudio en 2017 y uno en directo en 2018. Ahora aparece nuevamente, recién salidito del horno, y acompañado por un enorme equipo de grandes músicos (entre ellos, John Hackett, Nick D'Virgilio, Simon Phillips, Jonas Reingold, Rob Townsend, Gulli Briem, Malik Mansurov, etc.) y con muchos instrumentos no convencionales (sitar, didgeridoo, duduk, clarinete, tar, violin, viola, etc.) este es un disco que no requiere mucha presentación. Un disco de aquellos que les dejo en medio de mis vacaciones...

Artista: Steve Hackett
Álbum: At The Edge Of Light
Año: 2019
Género: Rock progresivo ecléctico / Crossover prog
Duración: 54:27
Nacionalidad: Inglaterra

10 temas, donde Hackett dice que combina varios estilos musicales; hay guitarras rockeras pero también mucha orquestación sinfónica con tintes épicos, música étnica, música relajante y ambiental... Es más, ni lo voy a presentar porque ni lo escuché, pero lo quería traer al blog cabezón, esto dice la gente que escuchó este disco:

No sabemos qué comerá Mr. Hackett pero es inexpicable que sin el amor por la música, el grandísimo guitarrista lleve un ritmo frenético de composición con un nivel más que notable en sus últimos trabajos de estudio.
Ahora nos encontramos con “At the Edge of Light”, en pleno inicio de año y ya puedo resumir la review en que será uno de los mejores discos de este año para un servidor. ¡Qué carácter y qué arriesgado ha sido Steve! No hablamos de un álbum conceptual, pero es tan preciso como el engranaje del reloj, que se tiene la sensación de haber viajado por un camino de ira, rabia, desencanto y felicidad sin haberse movido del asiento.
Variedad de estilos que nos lleva desde el obvio progresivo característico, hasta el soul, el rock más puro, pinceladas de blues y el chill out. Se hace muy divertido y gratificante escuchar del tirón la decena de canciones sin apenas sentir fatiga. Con una introducción que avisa de que la carga crítica estará siempre presente, “Fallen Walls and Pedestals” da el primer golpe de timón para adentrarnos en puro universo floydiano con “Beasts in our Time”. ¡Qué maravilla esa parte final del tema!
Giramos el agua para el single elegido por el artista y quizás el más estilo Yes del álbum. “Under the Eye of the Sun” es puro remember y nacimiento del universo tan loco que nos lleva por el camino de las baldosas amarillas del progresivo. Si no valoras esta canción, quizás no sea tu género. Bajo el sol, Hackett sigue buscando con lupa otro estilo, otro borde. Nos pasamos al country y al viejo oeste. “Underground Railroad” es otra maravilla. Con las vocas de las señoritas Durga y Lorelei McBroom (¡si!) caminando por la canción en los marcos del principio y final como quien escuchar llover.
Si aún llegas a leer esto, te diré que sigo con el calificativo más hermoso que pueda usar para hablar de “Those Golden Wings“. ¡No puede ser que sigas haciendo magia! Es una matrícula de honor sin haber estudiado. ¡Qué belleza! Además, la producción le da el toque añejo con cierto ambiente a años 80’ que extrañamos por momentos. Arreglos de orquesta, una parte de interludio bestial, esa guitarra acústica en el momento clave, esa magia durante cada tramo… Esta canción es una obra maestra sin más. Por momentos me recuerda en la estructura a la obra de “Innuendo” de Queen.
Como dije anteriormente, el álbum no es conceptual pero sí muy político. Además, en la entrevista que saldrá en los próximos días, el propio Hackett contó para TNT Radio Rock que todo planea alrededor de los días actuales. Todos los temas que se tratan son contemporáneos y con alta carga de crítica como siempre es habitual por el británico. Llegamos con ello al final del álbum. Una trilogía separada por tres cortes aunque formen uno conjunto. “Descent”, “Conflict” y “Peace” viene a ser el descenso al infierno para poder salir por el rayo de luz de la grieta o como se titula el trabajo, por el borde.
Empezando la trilogía de manera militar que se va incrementando hasta llegar a una habitación vacía y túnebre. Bajamos para el conflicto. La pelea se inicia con un ritmo endiablado y propios de una persecución del detective al asesino. Llega la paz después de casi tres minutos con un tema a piano y coros a modo de góspel que dan el ambiente coral perfecto. Es increíble para acabar que Hackett se haya sacado del mástil y los dedos un trabajo perfecto y en tan poco tiempo. Hay que pensar que no ha descansado casi nada con el ritmo de giras que lleva. Mucho valor y oficio, pero como dije anteriormente, sobretodo amor por la música.

Alejandro Díaz Rodríguez

Del disco, el ex guitarrista de Genesis ha comentado:

"En estos tiempos peligrosos, las sombras profundas se sienten aún más nítidas de lo habitual y nos encontramos parados al borde de la luz. El contraste entre la oscuridad y la luz se abre paso en todo el álbum de muchas maneras, desde el sentido del bien luchando contra el mal a través de la interacción de opuestos oscuros y claros que se combinan mágicamente en culturas, incluyendo el latido del corazón de la India y los ritmos tribales primarios. En todo caso, este álbum abarca la necesidad de que todas las formas y culturas musicales se conecten y celebren la maravilla de la unidad en este mundo dividido".

Steve Hackett

Por cierto que recientemente Hackett anunció que comenzaría una gira donde interpretará otro disco de Geneis, esta vez "Selling England by the Pound". El viejito no tiene descanso, y parece que ni lo quiere ni lo necesita... mejor así.



Lista de Temas:
01 - Fallen Walls And Pedestals (00:02:17)
02 - Beasts In Our Time (00:06:20)
03 - Under The Eye Of The Sun (00:07:06)
04 - Underground Railroad (00:06:22)
05 - Those Golden Wings (00:11:19)
06 - Shadow And Flame (00:04:24)
07 - Hungry Years (00:04:34)
08 - Descent (00:04:20)
09 - Conflict (00:02:36)
10 - Peace (00:05:03)

Alineación:
- Durga / vocals
- Loreley / vocals
- Nick D'Virgilio / drums
- Simon Phillips / drums
- Sheema / sitar
- Gulli Briem / drums, percussion
- Malik Mansurov / tar
- Jonas Reingold / bass
- Paul Stillwell / didgeridoo
- Rob Townsend / sax, bass clarinet, duduk
- Amanda Lehmann / vocals
- John Hackett / flute
- Gary O'Toole / drums
- Roger King / keyboards & programming, co-producer, mixing & mastering
- Ben Fenner / keyboards
- Dick Driver / double bass
- Christine Townsend / violin, viola

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