Rhinoceronte - Las Energías del Cachirulo (EP - 2016) ---ScRaBBlE

King Crimson a full nos trae este Cachirulo de una banda llamada Rhinoceronte, con tres canciones largas de un rock enérgico y poderoso expansiva, sólida y maleable, y con una poesía sonora un tanto retorcida donde no falta ni el sarcasmo y la ironía. Otro de los grupos que más atención nos provocan por su arriesgada propuesta de moverse indepfectiblemente (por el estilo abordado) de manera independiente y por fuera de las grandes discográficas. Un power prog trío con espíritu libertario y trotamundos, un mestizaje eléctrico de aquellas influencias anglosajonas que todos conocemos y disfrutamos.

Artista: Rhinoceronte

Álbum: Las Energías del Cachirulo (EP)
Año: 2016
Género: Rock progresivo
Duración: 31:53
Nacionalidad: Argentina

Algo se está gestando en el under porteño: nuevas bandas de rock que vienen a recuperar el terreno perdido. No cuentan con el apoyo de las grandes marcas, no hay pulseritas, ni sectores vip ni promotoras y mucho de los que se hace y gestiona suele estar a cargo de los propios músicos. Uno ve los festivales grandes, mainstream, y está buenísimo que tengan ese espacio y que la gente se pueda entretener con los eventos mediáticos, pero nosotros queremos mostrar que hay otros que también pueden armar lo suyo detrás de toda esa parafernaria hueca, que se puede hacer mucho desde un lado alternativo y eso al mismo tiempo se convierte en una suerte de declaración de principios de una banda, tal el caso de este Rhinoceronte crimsoniano que promete una carrera quemando varias cabezas (más de lo que están quemadas).

Esto se suma a que en estos años creció la capacidad del público de poder entender y abrirse a otros géneros. Lo mismo para las bandas que comprendieron que no hace falta tener que tocar con tu misma escena y empezaron a armar festivales. Eso genera el cruce de públicos, hay mayor tolerancia y bandas que recién empiezan tienen la posibilidad de ganarse su lugar si es que son buenos y les da el cuero. Los Rhinoceronte vienen de allí, de ese espacio antes vacío. Eso antes, hace pocos años, no pasaba y les dio como un dinamismo a toda la escena y a las bandas para que pasen más cosas.

Actualmente, el cachirulo es una prenda tradicional y admirada por miles de aragoneses. Este pañuelo bordado con cuadros rojos y negros se ha convertido en un pequeño emblema de la comunidad que muchísimos zaragozanos lucen con orgullo cuando llegan las Fiestas del Pilar.

Muy buen trabajo inicial, muy onírico y con pasajes colgados de una música completamente generosa, rica, abierta, imaginativa y creativo como pocas. Con ustedes, señoras y señores cabezones, se muestra el under con todo el poderío de un Rhinoceronte que amenaza con demoler más de un oído.

Un día del año pasado (hablo del 2017) nos escribió el Lagarto Fleita, y nos dijo:

Hola, como va? me llamo fito soy baterísta de Rhinoceronte (trio de rock fusión instrumental) queríamos compartir con los chicos nuestro primer EP editado el año pasado para que puedas escuchar, abrazo grande!

Y bueno, aquí está, al fin presentado en sociedad. Desde ya, pido disculpas por la demora, es que las bandas que se nos presentan cada vez son más y hacemos lo que humildemente podemos, pero tratamos de siempre cumplir aunque nos tome tiempo, como ahora...

Los mastodónticos riffs e inventiva guitarrera junto a la poderosa sección rítmica se convierten en espejo básico para multitud de conjuntos surgidos a su imagen, pero ellos toman un lado muy crimsoniano y se diría que podrían ser los herederos de los mendocinos Zonda Projeckt, uno de los máximos puntos de referencia para la avanzada progresiva argentina.
Majestuosidad progresiva con armazones bien delineadas y una arquitectura rítmica que se entrelazan dentro de una ingeniería musical que produce la gozada sónica que nos brinda este EP. La pieza intrpoductoria nos mete de lleno en el mundo de Rhinoceronte claramente encuadrado dentro de un lenguaje musical donde confluyen el foco melódico donde los riffs de guitarra despliegan mucha intensidad expresiva, mientras que la dupla rítmica gesta un colorido recorrido de burbujeantes atmósferas. La primera composición es "Estampida" se prolonga por una duración de casi 6 minutos y a la que sucede "La traducción enemiga" en el repertorio de esta ópera prima, con un enfoque un poco más jazz-rockero. En realidad, lo que hay aquí es un continuum en el que se conjugan sutiles desarrollos melódicos y atmósferas a través del consistente bloque instrumental vigoroso crea un imparable clímax bajo un encuadre que permite explorar las potencialidades de las bellezas sinfónicas-rockeras que remite un poco al modelo Camel.
Vale destacar el ingenioso añadido de texturas a las que ya brindaran los músicos, con un sonido más lleno, producto aceitado de la maquinaria creativa con que los Rhinoceronte crean un trabajo lleno de una vitalidad contagiosa, con un colorido imponente dentro de una ingeniería progresiva sólida donde el último tema titulado "Candombe para Eduardo" aparece y nos da una nueva perspectiva del grupo, creando una magia irresistiblemente atractiva y con mucho swing, un tema que se beneficia con una sonoridad llena y oportunos ornamentos adicionales, robustos y enérgicos, para ir acercándonos al final de este trabajo que nos complacemos en disfrutar y presentarles. Un EP con una extrovertida vibración rockera, con unas incursiones crimsonianas genuinamente fieros y aguerridos, un exquisito viaje progresivo en el que lo cálido y lo suntuoso conviven en armonía, concluyendo de manera tremendamente efectiva.

Cerramos esta retrospectiva de "Las Energías del Cachirulo" con nuestra recomendación para que conozcan el disco y el grupo, y la verdad para que cuando puedan verlos en vivo, no se los pierdan por nada del mundo. Excelente trabajo de todos los músicos, gran trabajo y despliegue de la virtuosa batería, un ingenioso bajo que lidera cada paraje musical, una guitarra desplegando sonidos muy bien logrados, los tres logran plasmar un disco, mejor dicho, un EP realmente prometedor.
Pulgares arriba para esta ópera prima de Rhinoceronte!!!

Les dejo el espacio en Facebook de la banda y el link de su espacio en Bandcamp, desde donde podrán descargarse este lindo disquito, no sin antes felicitar a los miembros de la banda por tan lindos momentos regalados. Sigan así, chicos, espero volver a escucharlos y disfrutarlos en lo que será, en un futuro muy próximo, su primer larga duración, toda una promesa de disfrutes futuros.

Lista de Temas:
1. Estampida
2. La traducción enemiga
3. Candombe para Eduardo

Alineación:
- Juan Piñeyro / Guitarra
- Ricardo Dubatti / Bajo
- Fito Lema / Batería
Músico invitado:
María Baliño / Tambor chico en "Candombe para Eduardo"

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Nautilus - Los Viajes (2017) ---ScRaBBlE

Tercer disco de los cordobeses Nautilus, esta excelente agrupación que sorprendió a más de uno: gracia psicodélica, mugre stoner, ritmos progresivos, swings jazzeros, ganchos melódicos casi poperos, un cóctel explosivo para un disco muy interesante, una fusión extrema y experimentadora, llegando casi a veces a rozar con el Stoner rock más duro y a la par con el jazz rock psicodélico más volado. Con ustedes, el último viaje del joven Nautilus cordobés por los mares del mejor rock, un disco férreamente coherente, muy al gusto del amante del rock vanguardista con un corazoncito jazzero y grandes simpatías crimsonianas, con un pie en el math rock y otro en rock más salvaje.

Artista: Nautilus
Álbum: Los Viajes
Año: 2017
Género: Rock psicodélico / Stoner rock / Jazz rock
Duración: 49:46
Nacionalidad: Argentina

Deléitense con esta maravilla del under argentino y cordobés, déjense subyugar por la mezcla de estilos hipnotizante que te lleva al fondo del mar como si fuera el canto de las bellas sirenas, o como un viaje por el mismo Nautilus del gran Julio Verne.

El Nautilus es un submarino de ficción ideado por el escritor francés Julio Verne. Aparece en sus novelas Veinte mil leguas de viaje submarino (1871) y La isla misteriosa (1875).
El Nautilus, cuyo nombre puede estar tomado del submarino real Nautilus de Robert Fulton,[cita requerida] fue diseñado y comandado por el Capitán Nemo (del latín "nemo": "nadie"), antiguo príncipe e ingeniero hindú. Fue encargado por piezas a diferentes fábricas y astilleros de todo el mundo para no levantar sospechas, y serían ensambladas todas ellas por los propios empleados de Nemo y por la futura tripulación en una isla del Pacífico.

Wikipedia

Tenemos aquí nuevamente a estos jóvenes músicos cordobeses que se las traen y han lo posible por reventarnos la cabeza de moog. Su estilo es genial, esa mezcla entre jazz rock, progresivo, psicodelia y stoner los hace muy especiales y su sonido es identificable a kilómetros de distancia, aunque al mismo tiempo suene en el estilo de toda la movida experimental under argentina de hoy en día, tienen aspectos propios que los hace muy identificables, justamente porque mantienen su identidad como bandera y la mantienen muy alto.

Córdoba en este año que se va, nos dejo grandes discos, discos que se salen un poco de la órbita de lo previsible y uno de ellos fue "Los Viajes". Tercera produccion del trió Nautilus, en el cual Nacho Sánchez: Guitarra, Juan Cruz Ludueña: Bajo y Gonzalo Criado: Batería siguen la senda de lo instrumental al igual que los trabajos anteriores, acá el viaje ocurre en las composiciones, en como la banda se deja lleva por el libre albedrío musical en extensas zapadas y jams, donde se puede encontrar cantidad de variables, desde el Jazz al Stoner, una psicodelia que remite a nuestra visión setentera, un trabajo de búsqueda y explorar en el bagaje personal a la hora de componer. El disco se arma de siete fragmentos, cada uno con su particular existencia. "La Ciudad, los abrazos" y "Mas allá de la inundación (el océano)" tienen un claro dejo de la influencia de Invisible, en el inconfundible trabajo de guitarras y en ciertos momento de Jazz y uso de momentos mas introspectivos. "Como entre luces, largas caminatas" es un extenso y ecléctico pasaje, que va teniendo diferentes crescendo a medida que transcurre con altos momento de zapadas. "El Exilio" desborda de épica y arreglos. Cierran con todo lo que tienen a mano en "La noche, la lluvia y la sed", composición exuberante de virtuosismo, como para que uno se vaya haciendo la idea del punto fuerte en la puesta en vivo.

El Inmigrante

Aquí, el último de Nautilus en el blog cabezón, no podía faltarnos!

Nautilus es un trío cordobés con fuertes influencias del rock progresivo de los 70`s. Su discografìa esta compuesta por "Nautilus" (2014), "Bordes" (2015) y ahora "Los Viajes" (2017). Los chicos cordobeses hace rock psicodélico instrumental, y del bueno, retro pero con la incorporación de diversos elementos que lo hacen más interesante ala típica banda con sonido setentero. Vibrantes y brillantes melodías pueblan el disco lleno de buenas intenciones y que se lucen con buenos resultados.
Su estilo se enmarcaba bajo las pautas del prog psicodélico en los rasgos fundamentales, pero no se limitaban a seguir clichés melódicos propios de ese subgénero, sino que incorporan elementos de distitno corte con el fin de enriquecer sus composiciones y arreglos. Y a esta altura con bastante experiencia y madurez a pesar de su corta edad (¿llegarán a los 23 años?) pero con un estilo bien definido desde mucho antes de que tuvieran la primera oportunidad de ofrecer al mundo su material grabado.

El álbum tiene el poder totalmente seductor del canto de la sirena, sale desde lo más profundo de su corazón y según cuentan es la melodía más bella jamás escuchada. Tiene partes de mucha energía, gracias no a machacantes distorciones sino a la fuerza de sus composiciones, porque las sirenas usan su música para fines muy oscuros, ellas quieren ahogar a los hombres que enamoran bajo el hechizo de su canto.
El disco realmente es muy variado pero sorprendentemente el conjunto tiene cohesión, a pesar de la gran cantidad de elementos que los músicos ponen en juego, teniendo en cuenta la gran ambición de su trabajo, ambición y múltipes ideas en un disco que tiene elementos de alto nivel.

Casi todo lo que suena en el trajín cotidiano remite a lugares transitados más veces que demasiadas. La tierra, el amor y el desamor, el baile, la ciudad, el dolor, la lucha, el descontrol, la verdad y la mentira, Latinoamérica, “lo nuevo de” como variación módica de lo de siempre, lo comparable a los mejores de lo que ya existe, lo marginal, la poesía sonora de paisajes consabidos, las estaciones, el asfalto, lo urbano y suburbano, lo mismo y sus bemoles, sostenidos y firuletes hasta que de repente, ¡apa! un montoncito de proyectos como patadas sagradas a la descendencia.
La música de Nautilus sorprende porque parece encajar con nada. Cada pasaje de cada una de las canciones de su primer disco es una incógnita constante, un modo de viajar por los compases dinamitando banquinas, desobedeciendo cualquier insinuación de senda, convirtiendo a los infinitos desvíos en posibilidades. Lo extraordinario es esa anulación de distancias entre lo previsible y lo repentino. Todo es curiosidad, pero de la que se deja aplaudir sin la precaución de ir soltando piedritas para saber cómo volver.
Si el primer disco es una sorpresa instrumental gloriosa, el segundo, editado hace unos meses, es la colección “Elige tu propia aventura” escrita con una guitarra, un bajo y una batería.

Pablo Arietti

He aquí una oportunidad estupenda para apreciar el nuevo trabajo de una banda cuya obra es tremendamente disfrutable, jóvenes reyes de un sitial pionero que Nautilus ocupa en una escena cordobesa que ha venido generando grandes trabajos desde ya hace tiempo, con un estilo muy definido, muy propio, muy autóctono, extremadamente creativo y con momentos geniales.

Les dejo un excelente disco, otro de los discos cabezones que tienen para disfrutar a lo grande, y lo pueden escuchar desde su espacio en Bandcamp, así que no tienen excusas para no darse una panzada de un excelente jazz rock bien pero bien argentino. https://losnautilus.bandcamp.com/
En definitiva, un álbum sorprendente (otr más) que creo que tienen que escuchar. Muy recomendado!

https://www.facebook.com/nautilusono/




Lista de Temas:
1. Todo lo que deba ser cambiado
2. La ciudad, los abrazos
3. Más allá la inundación (el océano)
4. Como entre luces, largas caminatas
5. El exilio
6. La noche, la lluvia y la sed

Alineación:
- Nacho Sánchez / Guitarra
- Juan Cruz Ludueña / Bajo
- Gonzalo Criado / Batería
Invitado:
Maxi Mansur / Batería en La noche, la lluvia y la sed.

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Sensorama 19-81 - El Intérprete (2016) ---ScRaBBlE

Otra vez miramos para el under de Chile para presentar esta muy buena banda de rock electrónico experimental e instrumental, con influencias de música electroacústica para darle una nueva vuelta de tuerca a varios estilos ya muy conocidos pero que suenan aquí de un modo nuevo, envueltos dentro de un eclecticismo que abarca el ambient, la electrónica, la psicodelia, el post-rock, el rock progresivo, el krautrock y mucho más, por lo que te invito a que leas esta entrada enterita y no te pierdas detalle alguno.


Artista: Sensorama 19-81

Álbum: El Intérprete
Año: 2016
Género: Rock experimental / Atmosfético / Electrónica
Duración: 44:20
Nacionalidad: Chile

Utilizando componentes electrónicos, sintetizadores, secuencias, samples, elementos sonoros de música electroacústica, en canciones experimentales, instrumentales y ambientales, evocando atmósferas brumosas, imponentes y alucinantes, en una música electrónica de alto nivel, con capacidad para cruzar fronteras entre lo underground y lo mainstream, lo experimental y lo pop, el rock y la electrónica.

Sensorama 19-81 es el nombre con el que el músico Rafael Casanova empezó a grabar por cuenta propia en 2007, después de una breve temporada como guitarrista y tecladista invitado de la banda de pop rock Teleradio Donoso. Dedicado por su cuenta a la composición de música instrumental como guitarrista, tecladista y en diversas programaciones, Sensorama 19-81 sorprendió con las composiciones ricas en timbres y atmósferas de su primer disco, el EP de seis canciones "Sensorama 19-81" (2007), y ha reanudado el trabajo con el disco de larga duración "Retrato de un desconocido" (2008) y la serie de cuatro piezas para guitarra con interferencia electroacústica "Polaroyd" (2009): un trabajo que lo mismo incluye instrumentos convencionales, efectos de sonido y grabaciones cotidianas para el propósito de construir historias sonoras.

Es nuestro primer encuentro después de mucho tiempo con las agudas tonadas pegajosas del género electrónico, sus teclados fríos y sin vida y sin voces, pero que como por arte de magia y en combinación con guitarras, baterías y miles de elementos (cellos, violines, cornos, trombones, trompetas, etc.) le dan colorido al alma de esta expresión que ahora los invitamos a conocer. Atmósferas, climas, ritmos, este álbum más reciente expone composiciones ajustadas y bastante coherentes con elementos progresivos y algunas influencias post-rock. Esta es una música innovadora con un alto nivel de excelencia, basada en la escuela electrónica alemana y con buenas melodías reforzadas por la naturaleza progresiva de su música, que dan como resultado un lindo disco que los invitamos a conocer.

Para evistarles leer toda la entrada les voy a resumir la conclusiones que saco al final del comentario, digo, por si están apurados y no tienen tiempo de leer hasta el final.

Un disco que les recomiendo y está disponible en Bandcamp para su descarga, una banda para conocer y asombrarse. Ok, tengan en cuenta que no todos los temas del disco me gustaron, que al trabajo le falta un poco de homogeneidad y que cada estilo encastre en los demás, pero... convengamos que es un excelente ejercicio que da como resultado un disco muy pero muy bueno, con momento muy altos y tremendas melodías. Por eso, no dejo de recomendar este trabajo y esperar el próximo trabajo de Sensorama 19-81.

Se plantan con solidez y valentía en una propuesta sonora innovadora, que no busca replicar fórmulas ganadoras del rock o ser la nueva banda que suene en las discotecas. Más bien, se percibe una búsqueda artística sincera que se nutre de la tradición de David Bowie, de Kraftwerk y todo el krautrock junto con la música electrónica, la música experimental y el rock progresivo.

La música electrónica reúne a una amplia variedad de tendencias históricas y prácticas estéticas. Caso a caso por la de vanguardia occidental 1930-1950, se desarrolla a partir de la década de 1940 y principios de 1950 a dentro de los centros de investigación y estudios institucionales financiados por la radio pública o universidades.
Desde 1960, la electrónica ya no es del dominio exclusivo de esta música académica y experimental. Se entra poco a poco en el mundo de la popular como el pop, el rock, el jazz, el reggae, el funk, la disco y el hip hop, gracias a la invención y la democratización de los instrumentos y herramientas electrónicas. Es curioso, la música electronica bailable de hoy en su nacimiento fue muy muy rebelde, tanto que sus fiestas en muchos países quedaron prohibidas con leyes especificas (Rave act de Reino unido en 1992).

Así en "El Intérprete", el único disco que conozco de ellos pero desde el que seguramente escucharé y reseñaré aún más porque veo que hay más cosas disponibles, los Sensorama a veces se ponen bien rockeros con riffs que estructuran algunas canciones, mientras que en otras aparece un rock sombrío, con guitarras sórdidas y sintetizadores que acolchonan la melodía, un mantra que arrecia mientras arremete la base y su sinfón de instrumentos invitados, evidenciando su versatilidad, y donde casi siempre los sintetizadores cobran protagonismo, con melodías a veces casi de Spacerock o un rock minimalista de Ambient y sonidos algo susurrados.
No les da miedo tampoco juguetear con sonidos más pop en donde los teclados dialogan con la tradición pop y, a la vez, intercalan efectos de sintes computarizados casi como la banda sonora de una película de ciencia ficción, una experimentación que reluce algunas canciones que parecen extraídas de un ambiente denso y ralentizado a base de guitarras distorsionadas que por momentos se vuelven imperceptibles. En otro momentos estalla la psicodelia, con efectos y arreglos que dan origen a melodías para dejarse llevar en un viaje lisérgico sin retorno.

Un disco que les recomiendo y está disponible en Bandcamp para su descarga, una banda para conocer y asombrarse. Ok, tengan en cuenta que no todos los temas del disco me gustaron, que al trabajo le falta un poco de homogeneidad y que cada estilo encastre en los demás, pero... convengamos que es un excelente ejercicio que da como resultado un disco muy pero muy bueno, con momento muy altos y tremendas melodías. Por eso, no dejo de recomendar este trabajo y esperar el próximo trabajo de Sensorama 19-81.

Lista de Temas:
1. Imagen Corporativa
2. Soma
3. Cybersyn
4. Lorem Ipsum
5. Gope / Corp
6. El Constelador
7. Sin Asunto
8. El Eterno Retorno
9. La Espera
10. Humo Blanco

Alineación:
- Rafael Casanova / guitarra eléctrica y acústica, sintetizadores, secuencias, samples, efectos sonoros.
- Marcos Meza / piano acústico, rhodes.
Gonzalo Sanzana: bajo eléctrico, monotribe [track 9].
Benjamín Saiz: batería acústica [todos los temas excepto track 7], percusiones, samples [tracks 5 y 7].
Felipe Salas: batería acústica [tracks 4 y 7].
Daniella Rivera: violín I [tracks 3 y 7].
Mónica Betancourt: violín II [track 7].
Valentina Maza: viola [track 7].
Ángel Cárdenas: cello [track 7].
Mauricio Castillo: trompeta I.
Alejandro Pino: trompeta II.
Luis Lemus: corno I.
Raúl Arce: corno II.
Dominique Arenas: trombón.

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Sin Red - Quinto (2016) ---ScRaBBlE

Tenemos el agrado de presentar otra vez a la banda argentina Sin Red, una muy buena agrupación que ya hemos presentado con su disco "Náufragos Sobre un Mar Homicida" del año 2013 y que aquí hace su música y su estilo con la mezcla de blues, rock progresivo (cercano al Canterbury), psicodelia, funk, art rock y rock clásico su estilo, con una muy buen trabajo instrumental y lindas canciones básicamente instrumentales, y con el agregado de una buena voz femenina, danzando entre las secciones enérgicas y los climas, cono solos de guitarra que me suena como la mezcla perfecta entre Latimer y Hendrix, buenos colchones de teclado metiendo atmósferas y gran trabajo de la base rítmica (hay que destacar el trabajo del bajo pero la batería no se queda atrás) en una muetra de verdadera creatividad y energía expresiva dentro de la escena under argentina. Me parece extraño no saber nada de esta banda dada su gran calidad, pero eso lo podemos arreglar fácil. Con ustedes, el blog cabezón presentando a Sin Red, y empezando una semana donde trataré de hacerme el tiempo para presentarles a varias bandas que representan lo mejor del under de estas tierras.


Artista: Sin Red
Álbum: Quinto
Año: 2016
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 58:21
Nacionalidad: Argentina


Debo decir que este es un disco que me llevó bastante tiempo reseñar, principalmente porque no tiene demasiados puntos en común con ningún otro grupo, por lo tanto tuve que entrarle de lleno a las canciones como para hacer una descripción más o menos acabada (dentro de mis limitaciones) de las mismas. Desde las primeras dulces notas de piano y bajo ya se nota que este disco promete. Y a media que pasan cada una de las canciones esta aseverazión se verá confirmada. Buen gusto, potencia, garra y buen ritmo mezclados formando una unidad. se presentaron ante nosotros para mostrarnos su trabajo y no podemos hacer otra cosa que difundirlo como se merece. La verdad es que no tenemos información alguna de la banda pero les puedo decir que está liderada por una dupla rítmica de rigor más una guitarra sumamente exquisita, al que se le suma la voz para dar más acento a la expresividad del disco, con canciones pletóricas de dinamismo multicolor, ricas en tonalidades y complejidades rítmicas que eventualmente se desvían por una senda melancólica y reposada. Los invito a conocer a un grupo desconocido pero con muchísima personalidad, eclecticismo y variedad má o menos bien distribuída (lo único que le podría decir de negativo es que le falta cierta homogeneidad al trabajo en conjunto, pero individualmente cada tema es un gran valor en sí mismo). Muy buena producción, a pesar de ser un producto típicamente under, para un trabajo musical impecable que los invito a conocer sin antes decirles que les recomiendo que escuchen atentamente a esta banda llama Sin Red.

Sin Red es una banda fundada en el año 1990 en la ciudad de Buenos Aires que fusiona varios estilos pero se basa en el Rock Progresivo. El disco me resultó muy interesante desde la primera escuchada, tiene muy buenas incursiones en lo referente a lo instrumental, con buenos trabajos de guitarra y especialmente en el bajo, temas en formato canción pero que a veces se salen de todo estereotipo, y una aguerrida actitud para llenar espacios con solvencia e ingenio, siendo una iniciativa Progresiva que ha editado hasta la fecha 2 trabajos: “Sindrome “ en el año 2009 y “Náufragos sobre un mar homicida” en el 2013.

Viajero Inmóvil Records

Pueden encontrar estos dos discos en el espacio oficial de Bandcamp de la banda, no as´éste que presentamos ahora. Aunque lamentablemente no les puedo mostrar ningún video porque no lo encontré, pero... ¿a esta altura del partido van a dudar de mi palabra?. Les digo que el disco está muy bueno y vale la pena, si no me creés, te jodés.

El disco comienza espectacularmente con el instrumental "Espejismo" como apertura para desplazarnos hacia la también instrumental y majestuosa "Afesis Parvas", tremendo track de 12 minutos (el único tema realmente largo del disco, luego aparecerán también "Síndrome del Trompo" y "Un Momento Casi Ferfecto" de ocho minutos cada uno, precedido por los siete minutos de "La Llorona", siendo todos los demás tracks más cortos).
El tercer tema ya comienza con la agradable voz de Cecilia Ray metiendo melodía que son apoyadas por la banda, brindando un interesante ideal de rock artístico, con bastante pop y que, a golpe de imponente gracilidad, abre paso a la rauda instauración del motivo del tema, exhibe un rotundo lirismo bajo la dual guía de la guitarra y el canto femenino mientras el arsenal de batería y bajo organiza la base. Sin embargo, y a pesar de todo ello, quizás es uno de los temas que me cierran, quizás porque me suena algo formada y poco homogénea la inclusión de la armonía de la voz dentro del contexto instrumental, pero ojo que también por el contraste entre este tema más "ganchero" y el anterior temazo puramente instrumental. Quizás el grupo tendría que intentar hacer un mix entre ambos estilos como para darle unidad. Es mi idea, bah, no es que intente presentarme como el dueño de la razón, pero es mi apreciación: este tema es muy bueno pero quizás perfecto para otro disco.
El ritmo baja un poco con la tercer canción, titulada "Gran Paso", y donde también la voz femenina es la protagonista, muy buen tema de gran expresividad, y aquí sí el trabajo de la voz encuentra su punto exacto y su especie de nostalgia desgarrada va perfecto con la acentuación instrumental que le sirve de base, aquí la banda logra un ensamble sonoro integral que va completando su retrato musical de un sortilegio misterioso, y por cierto, muy bien logrado.
El bajo denso abre paso a "Síndrome del Trompo", un tema más dramático también guiado por la voz de Cecilia Ray. La ambientación general hace gala de su talante colorido
El funk aparece ya desde el inicio del apabullante instrumental de "Superyo", un tema corto (2 minutos) donde los músicos sacan chispas de sus instrumentos, en un track con mucho ritmo y dinámica.
Le sigue "La Llorona", tema instrumental que tiene momentos de protagonismo de cada uno de los intrumentos, un gran tema instrumental que se me hace muy Camel, este es uno de los momentos que más me agrada del disco y uno de los momentos más logrados.
En "La Huida", el séptimo track del disco, fluye a través de un torrente sonoro que deambula entre el rock pop, la buena destreza de la voz de Cecilia y una densidad casi de hard rock setentero, donde el protagonismo de la guitarra es evidente.
En "Un Momento Casi Ferfecto" aparece otro cambio de intención, dotando a la canción un ritmo más cercano al jazz rock pero con mucho amor por la melodía gracias al trabajo de la guitarra, quien es bien secundada por el bajo. Este tema instrumental y multicolor tiene muchos momentos diferentes, cambios de ritmo, distintos climas y un humor también cambiante, donde no falta ni el solo de bajo melancólico, los climáticos colchones de teclado y las explosiones rítmicas, con momentos muy logrados de parte de la guitarra.
Y llega "Boris", y con él llega también otro comienzo del bajo bien funky, acompañado por la voz y los instrumentos que se van agregando e imprimiendo potencia y solidez. Esta canción es otra muestra del poderío ecléctico de la banda, de su destreza instrumental y de la variedad que los músicos pueden introducir en una misma composición, enriqueciéndose un poco con algunos ornamentos psicodélicos que en cierto modo rayan en los estándares del hard rock psicodélico setentero.
Y así llegamos al último tema del disco, y aquí se produce una explosión instrumental de funk lleno de groove del bajo, un tema con retazos de música disco y momentos de casi puro jazz rock y de gran despliegue de cada uno de los instrumentos, donde la guitarra se explaya inconteniblemente, lo cual permite elaborar relevantes variaciones sobre el esquema armónico vibrante y movedizo, logrando momentos de enérgica soltura expresiva al trascender los estilos varios en los que está basado el tema (y porque no, también, el disco completo).


Lista de Temas:
1. Espejismo
2. Afesis Parvas
3. Gran Paso
4. Síndrome del Trompo
5. Superyo
6. La Llorona
7. La Huida
8. Un Momento Casi Ferfecto
9. Boris
10. Mi Marilyn

Alineación:
- Marcelo Braverman / Bajo, teclados, sampler
- Carlos Brandi / Guitarra
- Oscar Berro / Batería
- Juan C. Colacchio / Guitarra rítmica
- Cecilia Ray / Voz

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Hysteria Lunar - Esperando el Mensaje de la Montaña (2018) ---ScRaBBlE

Cuatro chicas y mucho rock. Nuestra fabulosa Xiim, cabezona de ley haciendo de las suyas en las áridas tierras patagónicas, nos presenta ahora una banda integrada por chicas: las Hysteria Lunar nos presentan su desgarrado y potente rock patagónico, con un Stoner de alto vuelo. Y como dice Xiim presentando a las chicas superpoderosas: "las mujeres rebeldes, las que rechazaron el rol sumiso, las que se juntaron y generaron una hermandad, fueron (y somos) las brujas. Creo que dentro del ambiente musical las chicas (en general) dejan su histórico rol de grupies y (cada vez más y para mejor) toman las salas de ensayo y los escenarios". así que sepan que en el blog cabezón amamos la brujas, y mientras más rebeldes, luchadoras y menos sumisas nos parecen más hermosas. Dicho esto, vamos con unas hermosas brujitas hystéricas (y para quitar el tilde de "histéricas" y "brujas" como algo negativo) para que embrujen con su magia al blog cabezón. y todo gracias a la brujita de Xiim! Desde la Patagonia con amor!

Artista: Hysteria Lunar
Álbum: Esperando el Mensaje de la Montaña
Año: 2018
Género: Stoner rock / Desert rock / Grunge alternative prog
Duración: 36:20
Nacionalidad: Argentina

Desde Neuquén llegan unas chicas para ponerle un poquito más de onda a la movida cabezona con un destacado rock psicodélico cortesía de magníficos músicas, un excelente stoner / desert / psych como para empezar con todo el lunes...
Hacía ya un tiempo no publicábamos nada de rock patagónico, y la verdad es que ya hace un tiempo Xiim me había pasado esta entrada para publicarla en el blog. Empezamos la semana entonces, y presentamos a estas chicas-dinamita que prometen quemarle la cabeza a más de uno.

Somos una banda de Neuquén Capital integrada por Antonela Lardani en Batería, Florencia Capua en Bajo, Sofía Ruffiner Nicolet en Primera Guitarra y Coros y Natalia Ibarroule en Segunda Guitarra y Voz. Nuestras influencias son de estilos como el Grunge, Stoner Rock, Rock Progresivo, Rock Alternativo, Desert Rock y Hard Rock entre otros. Todos los temas son de nuestra autoría.

Hysteria Lunar

Aunque si bien, en comparación con las masculinas, son pocas las bandas de rock exclusivamente de chicas, y si es en el ámbito stoner - prog, menos que menos, así que mientras escribo esto y leo las palabras de Xiim, me vinieron a la memoria las Bikini Kill, esa banda yamky de punk feminista de la década del 90 que estaba conformada por tres chicas y que fueron pioneras en lo suyo: sus conciertos se destacaban porque hacían activismo político mediante sus canciones y los panfletos que publicaban; además, lograron crear una red de bandas de chicas comprometidas con sus ideales políticos. Se dice que fue su vocalista quien inspiró el título de la archiconocida "Smells like teen spirit" de Nirvana.

A fines de los '60 estaba el movimiento W.I.T.C.H y más cercano a estos días, también Moon Church; son movimientos feministas que toman el ttérmino'brujas' como algo positivo, como un modo de reconocer que no eran las mujeres que la sociedad reconocía como 'buenas mujeres'. Se juntaban y entre aquelarres creaban una hermandad.

Xiim

En el mundo del rock siempre ha existido poca justicia a las mujeres rockeras. A ellas les cuesta mucho más trabajo abrirse camino en este estilo musical, el mástil de la guitarra es utilizado como una extensión del pene y se refieren como los grandes de la música con nombres de grandes cantantes masculinos. Las mujeres tienen más por qué protestar, porque el rock es la música ideal para hacerlo y ellas deben reivindicar el sentimiento de discriminación que han sufrido por años dentro de la industria. Deben estar furiosas y transformar la ira en letras hermosas que conecten con aquellas que sienten el mismo sentimiento de nulo reconocimiento. Imagino que algo así es lo que pasa en este primer trabajo de las brujas patagónicas. La imagen de la tapa la hizo una diseñadora que ahora ya no hace más diseño, que se llama Sty Sanguinetti. Me parece que lo mejor es empezar con la música de estas chicas, y seguimos con el comentario de Xiim...

Ahora sí, ya saben como suenan, ya saben de lo que estas chicas maravilla son capaces, ahora sí viene el comentario oportuno de nuestra querida Xiim....

Hysteria es una banda neuquina formada por cuatro integrantes Nat Ibarroule (guitarra y voz), Anto Lardani (batería), Sofía Ruffiner (guitarra y coros) y Flor Capua (bajo).
Se formaron en 2015 (con una formación diferente a la actual, pero siempre con el mismo espíritu) tocan temas de su propia autoría (rondando entre el stoner, grunge, un poco de progre y psicodélico), arman sus propias giras cordilleranas y participan en eventos (o los generan) con otras bandas locales, generando esos lazos, esos entramados, esas interconexiones y más que nada con féminas del ambiente cultural. Y a eso es a lo que voy: no considero que por mera casualidad la imagen de la banda tenga una bruja y la presencia de la luna. Las mujeres rebeldes, las que rechazaron el rol sumiso, las que se juntaron y generaron una hermandad, fueron (y somos) las brujas. Creo que dentro del ambiente musical las chicas (en general) dejan su histórico rol de grupies y (cada vez más y para mejor) toman las salas de ensayo y los escenarios. Se alejan del pop (género que tanto le gusta cederle a las mujeres el sistema comercial/musical) y van a la carga con lo que tienen. En este caso, las Hysterias se organizan y tocan en desde San Martín de los Andes hasta Esquel; compartieron escenario con Eruca Sativa, Pez, BBKid, Los Antiguos, Pil y los Violadores y Marky Ramone. No cualquiera, no? Participan en festivales de pibas y Mujeres al Frente, evento cercano al 8M que integra diferentes expresiones culturales y artísticas en el que brilla la presencia femenina y se celebra, se incentiva, se alimenta y se transmite el espíritu de la lucha feminista en un anfiteatro recuperado. Mujeres poderosas y fuertes que se mandan para adelante. Porque para responderle esa estúpida frase que tiró Cacho Castaña (cuando intentó arreglar una disculpa) diciendo ‘no sé qué le pasa a las minas, están todas histéricas’ te digo: no Cacho, no estamos histéricas, estamos hartas y el hartazgo nos sirve como combustible para juntarnos, autogestionarnos, movernos y hermanarnos. Y el resultado es una pelea desde la cultura. Cada vez más chicas en el ambiente, cada vez más pasos para adelante y cada vez más que vemos que se puede y de alguna forma nos sumamos.
Te invito que veas y escuches su bandcamp, ya actualizado y te encuentres con este sonido poderoso, y recuerdes también que ahí solamente no se quedan, si no que con su participación se está gestando algo mucho más groso desde la cultura, desde el feminismo y por sobre todo, desde la Patagonia con amor.
Orgullo ❤

Xiim


Fáciles de escuchar, rápidas y ágiles, por lo que de un momento a otro te darás cuenta de que el disco se ha acabado. Otra muestra más de puro rock patagónico, bien vivo en el blog cabezón.
El disco está disponible en Bandcamp para su descarga directa, directamente en https://hysterialunar.bandcamp.com/releases, así que no tienen excusas para no conocerlas y disfrutarlas.



Lista de Temas:
1. Esperando el Mensaje de la Montaña
2. Karma
3. Mantra
4. Morgue
5. Parálisis del Sueño
6. Rituales
7. Tornado Salem

Alineación:
- Nat Ibarroule / Guitarra y voz
- Anto Lardani / Batería
- Sofía Ruffiner / Guitarra y coros
- Flor Capua / Bajo

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Daniel Giraudo - Diente de Esquimal (2011) ---ScRaBBlE

Seguimos trayendo parte de la cultura rockera nacida en las provincias argentinas. En el 2011 Daniel Giraudo publicó "Diente de esquimal", un disco concebido 20 años atrás y distribuído por la revista cordobesa La Central. Daniel aparece en los 70 como cantante, guitarrista y compositor del grupo Martín Maguceno, en el 75 forman parte de "Rock para mis amigos Vol.2", un compilado de rock nacional editado por el sello Talent en donde también participaron Pescado Rabioso, Manal, y otros pioneros del rock argento, fueron parte de las bandas que participaron de las míticas "misas rock" que organizaba el cura Mariani, impulsor de la teología de la liberación, en la Cripta. En los 80 Giraudo vuelve a la carga con Tamboor que fue un grupo refinado pero sin perder la fuerza y esencia rockera. Este disco contiene grabaciones posteriores a Tamboor, ocho fueron grabadas en Córdoba en 1990 y 2 en Granada (España) 5 años más tarde, canciones remasterizadas en Bs. As en el 2011.

Artista: Daniel Giraudo

Álbum: Diente de esquimal
Año: 2011
Género: Rock, Rock progresivo
Duración: 44:04
Nacionalidad: Argentina (Córdoba)

Daniel Giraudo es definitivamente un imprescindible del rock cordobés. Y de Argentina según mi criterio, pero por algún motivo que nunca analicé seriamente, el rock de Córdoba no se ha proyectado a nivel nacional como el de Rosario. Un cordobés radicado en la ciudad ibérica de Málaga.
Retomo aquí una entrada que dejó inconcluso nuestro amigo Luis de Catamarca, cuando desapareció del Staff cabezón, de su participación en el blog, del país, del mundo y de esta existencia. A modo de recuerdo y homenaje trato de terminar una entrada de un disco que no escuché ni tengo, disco del que que no hay videos ni ninguna referencia, así que si algún cabezón lo tiene a mano por favor que avise, le estaremos muy agredecidos de que lo pueda compartir...

Vamos entonces al disco fantasma que el bueno de Luis no nos pudiera compartir...

La Central (http://www.revistalacentral.com.ar) es una revista cordobesa que va ya por el número 20. Está hecha por conocidos periodistas ligados históricamente al rock de Córdoba. Una historia que incluye entre sus ancestros a Los Burdos, un grupo de estudiantes-periodistas responsables de algunos de los programas humorísticos más ácidos y subversivos de los que se tenga memoria, emitidos desde la FM Galena, ochentosa experiencia de radio realmente alternativa. Alguno de Los Burdos fueron parte de la banda cordobesa Proceso a Ricutti, seguramente la que más repercusión tuvo a nivel nacional en su momento. Jorge "Droopy" Campos, activo periodista radial que pasó por muchas radios -dirigió alguna, incluso-  es el director de La Central. ¿Qué es La Central? Lo que diríamos una revista cultural de amplio espectro, pero con el rock en su centro. Pues bien, La Central desde su número 16 incluye en sus ediciones un cd de músicos cordobeses y el elegido para inaugurar la serie es "Diente de esquimal" de Daniel Giraudo.

Daniel Giraudo volvió al disco. No por propia iniciativa sino por impulso de varios amigos periodistas que editan la revista cultural La Central , quienes entendieron que Diente de esquimal , tal el título de la obra en cuestión que había quedado en suspenso hace 20 años, merecía estar a disposición del soberano. Una vez que convencieron al ex líder de Tamboor para que actualizara el repertorio, generaron las condiciones para que el disco tangible se distribuya gratuitamente con su publicación.
La tarea no fue simple: Giraudo reside en España y la reconstrucción de un disco al que todos consideraban una obra maestra demandaba de una ardua curaduría. Maremotos de e-mails con tomas primarias, respuestas con versiones alternativas, entrevistas parciales para conseguir fundamentaciones para el booklet y así. “Lo fuimos gestando con Dirty Ortiz, Lucio Carnicer, Droopy Campos… Entre idas y venidas, finalmente salió. El esfuerzo de los chicos fue impresionante”, suelta Giraudo desde su hogar ibérico, aún conmovido por ser objeto de semejante reivindicación. Pero la movida se puede entender desde el lado de la reproducción: se trata del “eslabón perdido” de una discografía de fusión con identidad cordobesa, que dialogaba de igual a igual con lo que proponían hacia mediados de los ’80 los grandes del rock nacional.
–¿Tuviste que regrabar, o apenas mejoraste el audio?
–Antes de venirme para acá, y por suerte, me agarró esa etapa en la que los arreglos se podían secuenciar. Así que esta propuesta me encontró con todo el planteo hecho. Con las músicas y poesías enfocadas. Retoqué muy poco y sólo metí voces en algunos temas. Además, me pude juntar con Camacho Cagliero, sonidista cordobés que hace siete años labura con León Gieco, quien me empujó a hacer una remasterización. Metimos todo en (el sistema de edición) Pro Tool y empezamos. Todo eso me estimuló.
–Si no aparecían tus amigos periodistas, ¿este disco quedaba en el olvido?
–Ese es el meollo de la situación. A estos temas, yo siempre los sentí más que pensarlos, así que tuve muy claro que no quedaban desvalorizados ni olvidados por no ver la luz. Hay música que tiene vida propia independientemente de que te la editen o no. Muchos compositores que admiro trabajan para engrosar su colección privada. Y en su momento, trabajé en esos términos.
–¿Música para vos solo?
–Mirá, tengo una foto de hace 20 años en la que agarro un matafuego del viejo diario Córdoba y simulo pegarle a un tecladista amigo. Había ido a la Redacción para que me entrevistara Mariana Winocur con la idea de contar que tenía este disco. Golpeé las puertas indicadas en Buenos Aires, además. Al no encontrar respuesta, lo hice para mí. Y fue producto de una libertad fulminante. Ahora el desafío pasaba por ver si tanto la música como la letra seguían aguantando el paso del tiempo. Este disco aguantó el paso de tiempo, definitivamente.
–Es decir que el material trasciende el concepto de “justicia histórica”.
–Pienso que podría haber sido un disco de hoy, claro. Hay temas míos y otros de Tamboor que son olvidables, no han resistido el paso del tiempo. O mejor dicho, tienen que ver con un determinado tiempo, refieren a un período puntual. Pero no me ha pasado eso con Diente de esquimal , que llegó bien al momento de su descongelamiento.
–En el sobre interno, hacés una analogía entre un horno de barro de Ischilín y un iglú del ártico, como si a ambos símbolos los atravesara algo en común.
–¿Eso salió en el sobre interno? ¡¡¡Droopy lo publicó!!! Es un periodista nato, tiene una dosis de traición que es formidable. Lo que me hizo escribir lo publicó… Está perfecto. Tanto como cuando me insistió “Daniel, al disco te lo publicamos por las buenas o por...” Voy a la pregunta: Conociendo al horno de pan personalmente y al iglú mediante una revista, se me revelaba un diálogo de formas; dos culturas que no se conocen apuestan por un símbolo de igual morfología aunque para distinto uso. Me alucinaba, además, la diferencia de temperatura que existe entre ellos; uno se activa a 200 grados, el otro sobrevive bajo cero.

La Voz

Lista de Temas:
1. Diente de esquimal
2. El escorpión
3. De la ribera
4. Del Caribe
5. Atado a la evolución
6. Pozo de la suerte
7. Prestidigitador (Digital)
8. Solo un candil
9. El traje del que espera
10. El arenal

Alineación:
Daniel Giraudo / Todo lo que se escucha

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Taurus - Opus IV: Elevations (2014) ---ScRaBBlE

Y mientras va pasando una semana donde tenemos una casi exclusiva de rock argentino y chileno, nuestro querido Neck nos trae el último disco de Taurus, mientras me voy preparando para seguir trayendo varios buenos discos chilenos. Aquí, el disco que nos faltaba del proyecto llamado Taurus de Claudio Momberg, con su especial estilo de rock sinfónico que deambula entre Oldfield - Wakeman - Vangelis, otro disco de un solo tema y varios movimientos y en la misma onda de sus discos anteriores, para completar la discografía de Taurus en el blog cabezón.

Artista: Taurus
Álbum: Opus IV: Elevations
Año: 2014
Género: Rock sinfónico
Duración: 51:41
Nacionalidad: Chile


Desde 2010 ha habido cuatro registros de Taurus y en el año 2014 llegó "Opus 4: Elevations". El disco dura casi cincuenta y dos minutos y los músicos que trabajan juntos en el álbum son Claudio Momberg, Claudio Momberg y Cladio Momberg... ah, y me olvidaba también de Cladio Momberg, que tocan todos los instrumentos. El álbum consta de diez temas sinfónicos, pero creo que todo debería verse como un todo, llamado "Elevaciones"... perdón, "Elevations".

Así que Taurus ha pasado por el blog cabezón, especialmente dedicado para los amantes del rock sinfónico más clásico.

"Elevations" es un disco bien hecho y con un sonido apropiado para un estilo sinfónico. Aquí existe lo que la mayoría de los fanáticos del rock sinfónico quieren, como los teclados y los temas que van y vienen y que juntos crean un concepto que funciona bien. El álbum es instrumental, pero no aburrido. No creo que sea tan interesante tampoco, sobretodo teniendo en cuenta que los mismos elementos se comparten con los otros tres discos anteriores, pero esa es mi opinión personal. Pero para los fanáticos del rock progresivo sinfónico con tendencias a la música más pomposa y celestial debemos decir que este es uno de esos discos que tienen que escuchar porque de seguro les gustará. Escuche el álbum como un todo cuando vaya a su casa, quizás acompañado con alguna bebida espirituosa y con buena compañía, y verá que el disoc va como piña... aunque en esas condiciones casi cualquier disco va perfecto, bah, no casi, si me ponen esas canciones melódicas latinas que están de moda, fuera de joda que a mí me joden la noche!
Algo que descubrí es que este tipo de discos, para mí que no soy amante de este género, funciona mejor cuando lo ponga por la noche cuando me voy a acostar sin sueño, porque me permiten crear sinfonías en la oscuridad.
Pero seguramente a ustedes eso no les interesa, así que cerrando el tema dejo el comentario de nuesto eterno comentarista involuntario de siempre...

El proyecto chileno TAURUS, forjado por el talentoso compositor y músico chileno Claudio Momberg (también director de SETI y un tercio de QUARKS) es lo que traemos ahora a colación so pretexto de la publicación de su más reciente oferta “Opus IV: Elevations”, por vía de Mylodon Records. Últimamente ha estado ocupado el Sr. Momberg, habiendo gestado el disco anterior de TAURUS y formado un trío prog-electrónico llamado QUARKS en el transcurso del año pasado, y ahora sigue dando señas constantes de creatividad en pos de mantener andando la maquinaria de música progresiva en Sudamérica. Podemos adelantar que este nuevo disco de TAURUS refleja, al unísono, un trabajo sistemático bajo varias de las pautas centrales del prog sinfónico y una retrospectiva reconstructiva de las estrategias sonoras desarrolladas en los tres discos previos, pero mejor vayamos al repertorio mismo, ¿vale?

Ocupando los primeros 9 ½ minutos del álbum, ‘Avernuss’ comienza con un clima sigiloso donde el estándar del sinfonismo se maneja desde un esquema Floydiano: pomposo pero contenido por una serenidad ceremoniosa mientras el esquema rítmico y las capas de teclado se toman su tiempo para acomodarse y asentarse, siendo así que cuando lo hace, la cosa se pone en plan de KARMACANIC con RICK WAKEMAN. No hay variaciones dramáticas de ritmo o ambiente, pero sí un sólido trabajo de evolución de los motivos centrales. Luego sigue ‘Phlegra’, que está cargo de mostrar ambientes introvertidos en clave de un romanticismo sereno, no ajeno al estereotipo de THE ENID. Con la dupla de ‘Ceraunius’ y ‘Nepenthes’, Momberg nos lleva por más senderos musicales: el primero de estos temas se orienta hacia una extroversión colorida donde se da rienda suelta al reciclaje de los dinamismos esenciales de YES y GENESIS, mientras que el segundo se basa en una ingeniería rítmica exótica para trabajar climas etéreos y envolventes, siempre con esa majestuosidad estilizada propia del sinfonismo. Cuando llega el momento en que emerge ‘Tharsis’, disfrutamos de un medio tiempo muy común en varias de las piezas más pomposas de THE ALAN PARSONS PROJECT, aunque aquí notamos un innegable tufo Genesiano en el modo en que se arreglan las armazones instrumentales con las cuales se articula el desarrollo del cuerpo central: los solos de guitarrs eléctrica tienen mucho de STEVE HACKETT y el de sintetizador está influido por el modelo de TONY BANKS, en efecto, aunque cuando llegamos al momento del solo de órgano (demasiado breve para nuestro gusto), la cuestión se pone muy a lo WAKEMAN. Momberg sabe darse buena mañana para hacer confluir todos estos ingredientes en una sonoridad moderna y propia.
Durando poco menos de 4 minutos, ‘Ortygia’ nos lleva a un ensamblaje de órgano de fuelles, orquestaciones y corales sintetizadas, concretando así una atractiva labor de reactivación del paradigma WAKEMAN a través del modelo que el mismo TAURUS estableció en su Opus I “Dimensions”. Tras este pasaje de vibraciones reflexivas, llega la armazón rítmica de ‘Deuteronilus’, sostenida exclusivamente en secuencias de percusiones diversas que ostentan su groove de corte Latin-jazz; esta exploración sonora dura menos de 2 ¼ minutos pero sabe dejar la marca de su sensual frenesí en la mente del oyente. Luego sigue ‘Euripus’, elaborando un contrapunto de elegancia virginal frente a la pieza anterior: el talante manierista del piano y las orquestaciones solemnes que surgen para arropar a éste se acoplan a la perfección al consistente compás de 7/8. El momento de ‘Zephyris’ es uno de jolgorio rockero, no muy distinto del que disfrutamos anteriormente en ‘Ceraunius’, pero con un fragor más pronunciado en los guitarreos. Finalmente, ‘Arsia’ nos exhibe un fastuosos retrato de introspecciones melódicas donde confluyen lo sinfónico y el new-age, algo muy afín a la labor general del “Opus III: Research”. Este broche del álbum nos recuerda que el concepto global de este proyecto sigue coherentemente afianzado en su bien definido norte musical.
Todo esto fue “Elevations”, un decisivo manifiesto prog-sinfónico de TAURUS que funciona como gestor de una especial revitalización para su misión artística. Gracias a Claudio Momberg por no guardarse nada en este nuevo flujo de inspiración musical que le sobrevino y que ha plasmado en este disco que no dudamos en recomendar ampliamente a los prog-melómanos de todo el mundo.
Nota: 8,5/10

César Inca

Así que ahí va otro de los aportes de Neck que está tremendo estos últimos tiempos. Agradézcanle a él pro todo esto...



Lista de Temas:
1. Movement I - Avernuss (9:30)
2. Movement II - Phlegra (4:07)
3. Movement III - Ceraunius (6:05)
4. Movement IV - Nepenthes (4:33)
5. Movement V - Tharsis (6:13)
6. Movement VI - Ortygia (3:58)
7. Movement VII - Deuteronilus (2:13)
8. Movement VIII - Euripus (5:00)
9. Movement IX - Zephyria (6:18)
10. Movement X - Arsia (3:44)

Alineación:
- Claudio Momberg / all instruments

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Nimb - Corvus Corax (2018) ---ScRaBBlE

Empezamos el día presentando una buena banda mexicana de heavy prog, un álbum rockero y pegajoso, sin dejar de lado ni la emotividad ni la potencia, muestran y demuestran que el circuito cultural está bien vivo, y forman parte de toda la nueva camada realmente interesante y por demás amplia (tanto que no hacemos tiempo de presentarlas a todas). Aquí, un disco donde destacan distintos elementos del rock y del metal progresivo, pero donde la experimentación los lleva también por el post-rock, el rock alternativo y hasta rozan alguna moderada veta psicodélica. Con ustedes, otra promesa del rock progresivo mexicano como para empezar otro día en el blog cabezón, y otro disquito del 2018 que los invito a conocer.

Artista: Nimb
Álbum: Corvus Corax
Año: 2018
Género: Heavy Progresivo
Duración: 42:34
Nacionalidad: México



Resulta que épocas de dictadura el rock fue proscrito en México, incluso, por lo que he leído y documentado, las dictaduras de casi toda latinoamérica han sido más duras con el rock que incluso la censura que las bandas han recibido en Argentina. Al parece el barrido cultural en latinoamérica fue más fuerte de que lo pensamos, y específicamente las bandas rockeras han sufrido todo tipo de represiones (incluídos secuestros, torturas y asesinatos). En los años sesenta, las autoridades lanzaban razias policíacas contra los "rebeldes sin causa" que acudían a los cafés cantantes de la época (una especie de "La Perla" de la historia del rock argento), donde la gente tomaba un café mientras escuchaban en vivo algunas agrupaciones musicales que interpretaban temas fundamentalmente rocanroleras. Más tarde, las autoridades mexicanas y los medios de comunicación satanizaron el rock al punto de hacerlo proscrito.

Eso sirve de antesala para un tema que viene al hilo, ya que el desarrollo del rock se cortó en México y en latinoamérica en particular, y por eso la historia del rock (y del rock progresivo) ha dejado relegados a los países de américa latina. Pero en algún momento la historia recomenzó y hoy en día el circuito rockero (y específicamente del rock progresivo) mexicano es pequeñísimo en cuanto a escenarios y oportunidades pero inmenso en cantidad de bandas e imaginación. Desde Chac Mool la cantidad de bandas no ha dejado de crecer hasta terminar en un listado inagotable. Nosotros vamos haciendo lo humanamente posible para presentarlas a todas pero a ellas se les suman los del infatigable e inquito circuito under argento, más las talentosas propuestas chilenas, y luego del resto de los países (ojo que nosotros tenemos poco acceso al under brasilero que parece ser muy basto e interminable, aunque desconocido desde aquí, necesitamos un cabezón brasilero que nos presente mejor a sus bandas actuales).

Es así que hoy presentamos una buena banda de heavy prog llamada Nimb que presenta su primer disco titulado "Corvus Corax", y que sirva como parte de la revancha para tanta reparar tanta injusticia cultura, y quizás desde aquí también seamos una pequeña parte de esa revancha, al igual que ustedes escuchando lo que les presentamos: el under más vivo y afilado que se rehúsa a morir y revive a la más mínima oportunidad. La vida siempre encontrará el camino.
Y ahora el camino es de Nimb. Al menos en el blog cabezón.

Me parece imprescindible escuchar con atención algunas de estas muestras musicales de todos estos grupos del progresivo latinoamericano que vamos presentando tan seguido aquí en el blog cabezón. En el caso de Nimb, el disco "Corvus Corax" lo pueden escuchar y descargar desde su espacio en Bandcamp mientras que ahora revisamos la música precisa y gratificante de esta agrupación, por un comentario de terceros...

Desde León, México, traemos el EP de Nimb titulado Corvus Corax.
Este EP se grabó entre 2016 y 2017, momento en que la banda compuesta principalmente por Franc García y Erick Martínez pasaría por distintos cambios de vocalista y bajista, quedándose con Vladimir Hernández y Fernando Tamayo, respectivamente.
Luego de mantener una alineación estable se realizaron los últimos ajutes y grabaciones de ‘Corvus Corax’, por lo que le daremos una repasada a continuación.
‘Apofenia’ entra con un piano y teclados realmente envolventes. Un intro que nos sitúa en una dimensión paralela y que da paso a ‘Propulsión Humana’. Un tema potente y muy progresivo. Su introducción es una larga progresión donde todos se conjugan hasta el 1:50, y se llega a la entrada potente de toda la banda. Un coro rockero y pegajoso, track redondo como inicio del EP.
El bajo se apodera del protagonismo en el inicio de ‘Indigo’, con una vibra media oriental. El resto de instrumentos se unen, creando una atmósfera envolvente peculiar e inusual. El tema se desarrolla en esta misma base, destacando las prolongadas notas de las voces. Muy interesante la aproximación que Nimb realizó en ‘Indigo’.
Percusión en la intro de ‘Pan y Circo’. Bajo mi punto de vista, uno de los puntos altos del EP, además de ser uno de las pistas más progresivas de este. El bajo, dirige a paso triunfante el transcurso de las diferentes secciones. En la parte final de la canción hay una sección instrumental muy buena y pesada, demostrando que Nimb también es capaz de explorar esos sectores del género. ‘Corvus Corax’, cuervo grande, es muy emotiva y potente. Calando directamente en la melancolía. Al final la canción adquiere un ritmo más rápido, con la misma progresión de acordes que ‘Pan y Circo’.
‘Pedro’ tiene una línea vocal realmente interesante, y es una buena canción. Sin embargo, creo que no destaca por sobre el resto, más allá de la línea vocal, que es lo que genera que la canción se quede grabada en la mente. El último tema del EP es ‘Azar’. Un comienzo lento y calmado. La armonía atmosférica que crean la voz y la guitarra es de lo mejor del EP. La canción se desarrolla bajo esa misma tónica, incluyendo voces femeninas que vienen de lujo.
El EP ‘Corvus Corax’ posee distintos elementos del rock y metal progresivo, pasando también a momentos por el post-rock, creando una entrega balanceada y segura. Cumple el objetivo de dar a conocer el prolijo trabajo de Nimb. Una vez más una banda latinoamericana incursiona en las turbulentas aguas del progresivo, por lo mismo, tener la oportunidad de oír de primera mano este EP es un privilegio que todos deberían poseer. Es momento de escuchar, criticar de manera constructiva y apoyar, pues Latinoamérica tiene muchísimo que entregar al mundo entero.

Rodrigo Norambuena Venegas

Ahora lo único que falta es que ustedes puedan disfrutar el disco. Como contra, nos encontramos con una producción un tanto floja (entendible para un disco del under, por supuesto), pero sobretodo con niveles de grabación demasiado altos que impiden escucharlo como se debe (maldita guerra del volumen que hace pensar que mientras más fuerte es mejor!), por lo demás, el grupo hará las delicias de cualquier amante del prog metal y de aquellos que les guste el prog y no tengan asquito a un poco de distorsión (ojo que es un poco nada más), que nadie se asuste!

https://nimb.bandcamp.com/album/corvus-corax

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Lista de Temas:
01. Apofenia
02. Propulsión Humana
03. Índigo
04. Pan y Circo
05. Corvus Corax
06. Pedro
07. Azar

Alineación:
- Vladimir Hernández / Vocals
- Franc García / Guitar, Piano Rhodes, Synths and Bass
- Fernando Tamayo / Bass on Propulsión Humana
- Erick Martínez / Drums
Sarahí Ramírez / Guest vocals on Azar

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