Jaime Torres - ElectroPlano (2007) ---ScRaBBlE

El Mago Alberto nos dice "Jaime Torres es la mejor confirmacion de que la Eternidad Existe". Y sirva este disco, que le da otra dimensión al charango, para recordar al maestro Jaime a días de su partida de este mundo. Jaime Torres ha entreverado su charango con gente del rock (Divididos), la música clásica (Camerata Bariloche), el flamenco (Paco de Lucía), el tango (Tata Cedrón), la electrónica (DJ Zuker). Y a punto de cumplir 70, el charanguista editó junto a Alejandro Seoane un CD de "música electrónica". Dijo que sabía que sería criticado, pero que lo importante es hacer. Carnavalitos, trip hop y chillout para lograr una sonoridad muy cercana a nosotros pero a la vez universal. Un disco que también evoca a Ricardo Vilca (a quien también hemos traido al blog cabezón), otro prócer de la Quebrada de Humahuaca recientemente fallecido. Y recordamos sus palabras al presentar este disco: "Tengo la suerte de poder decir que el próximo año, que cumplo 70, me encuentra vivito y coleando, en actividad y con ganas de seguir. Yo gozo de la vida, aunque sé que en un momento esto se termina. La muerte está y uno sabe que llega sin aviso. Cuando llegue, aquí la estoy esperando... pero sin apuro".

Artista: Jaime Torres
Álbum: Electro Plano
Año: 2007
Género: Folklore de proyección
Nacionalidad: Argentina


En los últimos tiempos, rodeado de charangos, balalaikas, bombos, afiches con su nombre en inglés, francés, alemán, ruso, y otros souvenirs de su carrera, Jaime hablaba de cómo ahora se respeta al charango. Y que se emocionaba cuando escuchaba ese instrumento en un concierto de rock.

"No hay tiempo para discusiones; el tiempo hace falta para meter manos a la obra. Me acuerdo de cuando se discutían huevadas como si podía existir algo como el rock nacional, o era como hablar de zamba inglesa. Yo, cuando veo a los de la Bersuit con un charango, me cago de gusto. Esto está hecho desde el llano. Llamalo como prefieras: chill out, electrónico, electrificado... Yo diría que es música hecha en libertad. Hemos trabajado con muchísimo respeto, con la mayor sencillez, sin intención de matar a nadie. Habrá algunos disconformes, pero nadie podrá decir que está hecho desde una veta comercial. Aunque ojalá la tuviera: cuando en 1964 grabamos la Misa criolla, nadie pensaba en eso, y oh sorpresa".

Jaime Torres

¿Qué le agrega la electrónica a su música? O al revés: ¿cuál es el aporte del charango a la electrónica? En todo caso se muestra al instrumento en una faz que no había tenido. Lo más importante que se puede rescatar es que el sonido del instrumento no está distorsionado de ninguna manera. Es un diálogo intimista entre la programación y el instrumento.
Aquí, el comentario del Mago Alberto, quien nos presenta este disco que sirve de homneaje a un grande que por esas casualidades no había llegado al blog cabezón estando en vida.

Hay muchísimos músicos que dejan una huella profunda, inolvidable, que se proyectan más allá del recuerdo, que navegan de la mano de nuestros sentimientos, transfieren sensaciones oportunas, complementan nuestros sueños más osados, peregrinan junto a nosotros hacia destinos inciertos, forman a su antojo sendas luminosas en nuestros genes, se pronuncian a puro grito y sonoridades, discutiendo con el lenguaje del viento, con la polvadera, con el mate, con el olor denso del cuero curtido, con el beso, con el abrazo, con la danza, con lo más bello del amor, ese es el caso de Jaime Torres, que junto a Ariel Ramirez, Domingo Cura, Jorge Cafrune, Los Chalchaleros, Los Carabajal y tantos otros moldearon a sus maneras el sentimiento de la zamba, la alegría de la chacarera, o la complejidad del huayno, y le fueron dando identidad al folklore argentino, llevándolo por el mundo como turistas de melodías, y lo fueron sembrando en muchísimos corazones.
Jaime Torres llevó el charango, ese pequeño gigante, a los límites mismos de lo incomprensible, sus dedos finos de uñas largas y poderosas coquetearon de lleno con el feeling más profundo, y la belleza de su imagen, nativa, era el perfecto complemento de toda la explosión de su musicalidad.
El Charango era Jaime Torres, una prolongación de su cuerpo, una emanación que nació con él, como regalo de la mismísima eternidad.
Todo lo que nos dejó tiene el sello imborrable de la magia misma. Esa enorme sensación que se producía cada vez que pisaba un escenario, y cerraba sus ojos para unirse con su charango, en esa unión misteriosa, infinita, emocionante, eso será hoy y siempre el mas hermoso souvenir que nos va a dar la vida cada vez que escuchemos algo de ÉL.
Murió Jaime Torres el mismo dia que falleció Osvaldo Bayer, seguro Dios los convocó para una inmensa celebración a la que seremos invitados alguna vez.
Esta obra nos presenta a un Jaime Torres totalmente distinto, proyectandose hacia Universos nuevos, coqueteando con el reggae, la electronica, el chillout, así que los cabezones atentos a los nuevos sonidos van a disfrutar este trabajo sobremanera. Lo habían pedido alguna vez por chat este trabjo, pero hoy más que nunca vale la excusa.
Jaime Torres es la mejor confirmacion de que la Eternidad Existe.

Mago Alberto

La sonrisa al cielo y los pies por sobre el suelo. Cuando Jaime tocaba, parecía sobrevolar el escenario y el gesto de felicidad se traducía en melodías que traían paisaje y atravesaban corazones. Como se puede comprobar en este disco.

Discípulo del maestro boliviano Mauro Núñez, Jaime fue reconocido a nivel mundial por su enorme calidad como intérprete del charango.
Aquí hay un protagonismo del instrumento criollo, con toda su autenticidad, rodeado de un mundo de sonidos. Pero no se puede negar la veracidad: en ningún momento estuvo ausente el universo del charango, las coplas, las tonadas, el hombre de la Puna. Habla de veracidad.

Jaime Torres (San Miguel de Tucumán, 21 de septiembre de 1938-Buenos Aires, 24 de diciembre de 2018)​ fue un destacado músico folclórico argentino, hijo de madre y padre bolivianos. Ha ganado gran repercusión mundial por su gran destreza con el charango; fue discípulo del maestro boliviano Mauro Núñez, que fue quien le construyó sus primeros instrumentos.
En 1974 el instrumentista, junto con su banda, participó en el show de apertura del campeonato mundial de fútbol en Alemania. Un año después, Torres organizó un encuentro local de instrumentistas, repitiendo la misma experiencia con niños en 1980.
En 1988 compuso la música para la película La deuda interna.
Ha tocado en toda clase de escenarios con idéntico fervor y dignidad, su extensa actuación abarca desde los modestos escenarios del Tantanakuy, (las calles de los pueblos, al pie de monumentos o bajo centenarios árboles), hasta el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, pasando por la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center.
Su primera gira por Europa, es en 1967, toca en Stuttgart, (Liederhalle); Düsseldorf, (Rheinhalle); Braunschweig, (Beethovenhalle); Berlín, (Neue Philarmonie); Hamburgo, (Musikhalle); Rotterdam, (Concertgebow) y Bruselas, (Palais de Beaux Arts).

Wikipedia

Fue el 24 de diciembre cuando Jaime, tres meses después de haber llegado a los 80, y luego de un invierno difícil para su salud, se apagó. Su familia y sus amigos convocaron a un adiós a lo Torres: con música siempre. Aquí va nuestro pequeño homenaje, de aquí a la eternidad en el universo de la música.

Y cerramos con una entrevista a Jaime sobre este disco...

Encontré un buen electricista

En combinación con Alejandro Seoane, el folklorista le dio forma a una música sorprendente, que se escapa de los lugares más comunes del chill out. “El charango ha permanecido en sombras porque durante años a nadie le hacía sentir orgullo”, dice.
“Cuando me preguntaban: ¿y usted nunca se animó a mandar el charango por línea?, yo contestaba: cuando encuentre un buen electricista, quizá lo piense. ¡Lo que necesito es un cable a tierra, no un cable para el charango!” Jaime Torres cuenta la anécdota a modo de respuesta, y resulta de lo más gráfica. Sabe que de ahora en más tendrá que cambiar la respuesta ingeniosa. Es que en su último disco, el folklorista juntó su charango con el sonido que propone Alejandro Seoane (el mismo de la exitosa colección de discos chill out Buddha sounds). El resultado es un disco que sorprende gratamente: Electroplano. Una nueva mirada, insospechada, para himnos architransitados como “El humahuaqueño” o “El cóndor pasa”. Y también un nuevo sonido para la música del norte, que puede albergar también a Las Voces de Yavi grabadas en Semana Santa, o a la coplera Sandra Peralta o al sonido del bandoneón, que no le pertenece sólo al tango.
“Cuando lo conocí a Seoane le comenté mi broma, y le dije: me parece que ese buen electricista sos vos”, sigue contando Jaime, cuyo nombre, a esta altura, se asocia inmediatamente a la figura y el sonido del charango. Quien conoce su trayectoria sabe que el suyo no debe ser leído como un gesto de ruptura, sino más bien como parte de una búsqueda natural de las posibilidades expresivas del instrumento. Es decir, que no es la primera vez que mira para otros lados para mostrar lo propio. Jaime Torres es uno de los principales responsables de hacer conocido el sonido del charango en todo el mundo, sacando al instrumento de los cercos regionales. Y también de los prejuicios que indican que éste es un instrumento menor, sin mayores posibilidades armónicas que la del acompañamiento.
Más acá y más acá de Electroplano, Jaime Torres sigue trabajando con una convicción: “Uno cree que el instrumento es bastante más de lo que se conoce. En las distintas formas de expresión que me fueron proponiendo, yo siempre traté de hacer mi música partiendo de una unidad conceptual, en libertad, y en ningún momento faltando respeto o trasgrediendo absurdamente”, aclara el músico. “Quiero decir, yo no sería capaz de tocar ‘Pájaro campana’ para lograr el aplauso. Hay cosas que son muy hondas, reminiscencias de melodías antiguas, profundas... son cosas con las que no se puede joder.”
–¿Hasta dónde influyó el prejuicio cultural en la escasa difusión del charango?
–El charango es un instrumento que no ha sido tomado en cuenta. Ha permanecido en sombras porque durante años a nadie le hacía sentir orgullo. Por eso yo pasé años con una gran necesidad como norte: que se escuchara el instrumento.
–¿Y de dónde sale Electroplano?
–Hace dos años hicimos un trabajo de ensayo experimental en Alemania, con un solo tema. Cuando llegue aquí, la gente del sello me dijo: “Master, yo no sabía que usted curtía este palo... ¡Si esto es un chill out!”. ¡Qué sé yo qué es!, les dije yo. Yo sé de bailecitos y de cuecas, nada más... Y del deseo de que el instrumento siga sonando en la música de hoy.
–¿Y cómo llegó a Seoane?
–Me lo presentaron aquí. Nos conocimos, nos entendimos enseguida y pasamos mucho tiempo juntos, trabajando. Si hubo dos años de maduración del disco, no fueron menos las horas de charla con él. Porque el instrumento es fundamental, pero detrás siempre está el ser humano. No buscábamos las rítmicas del carnavalito o de la cueca, sino de una canción honda, profunda.
El disco tiene participaciones de invitados de distintas procedencias musicales, como el flautista francés Magic Malik. “Cuando Magic Malik vino a la Argentina, escuchó el disco por casualidad, en un demo que puse en el estéreo del auto. Enseguida se interesó: ‘Pero qué es esto... Si tú quieres, estaré en ese disco’, me dijo. Así es esto: a miles de kilómetros geográficamente, nos entendimos inmediatamente. La música tiene eso de hermoso.” A Jaime Torres le esperan presentaciones por las provincias, un postergado viaje a China, otro a Francia, para terminar un trabajo con Magic Malik y Minino Garay. En noviembre llegará la presentación del disco. En enero, Suiza. Todo esto puede cambiar, aclara, y son los gajes del oficio. Eso sí: lo que por nada del mundo pospondría es el Carnaval en Humahuaca, donde junto a su familia mantiene la Casa de Tantanakuy. Allí hay música todo el año, pero el carnaval es cosa seria.

Karina Micheletto


Lista de Temas:
01. El humahuaqueño
02. Palomitay
03. Zelma
04. El condor pasa
05. Lobos
06. Ecuador
07. El angosto del Perchel
08. Ciudad blanca
09. Electroplano
10. La vida la
11. Malambo
12. Subzonda

Alineación:
- Jaime Torres / charango
- Alejandro Seoane / programaciones y bajo electrico
- Ekaterina Larchenko / violín y arreglos de cuerdas
- Laura Peralta / voz
- Magik Malik / flauta traversa

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Peteco Carabajal y Jacinto Piedra - Santiagueños Transmisión Huaucke (1987) ---ScRaBBlE

“Esto es para que lo disfrutes y te tomes el tiempo para encontrarle todo lo que contiene. Realmente conmovedor”. Así me lo presentó el Mago hace dos días y ya lo estoy escuchando por tercera vez. Una joya única, la aguja en el pajar, la presencia de una tradición folklórica que se renueva y propone una tremenda verdad: la tradición no es pasado sino futuro; transmisión huaucke / onda, hermano. Un disco directo al alma desde Santiago del Estero, gracias, nuevamente, al Mago, en exclusiva para el blog cabezón.

Artista: Peteco Carabajal y Jacinto Piedra
Álbum: Santiagueños Transmisión Huaucke
Año: 1987
Género: Fusión / folklor argentino / psicodelia
Duración: 50:32
Nacionalidad: Argentina


Como hemos mandado a Moe de vacaciones, el blog va más despacio, pero ¡acá andamos! Ahora el Mago, que anda escarbando el mundo en busca de tesoros, nos comparte un disco fabuloso. Pero vamos con su comentario que tiene un montón de historia:

Un disco MÁGICO por excelencia, una obra de arte realizada por Peteco Carabajal y Jacinto Piedra, atada a uno de los recuerdos mas hermosos y profundos que sucedieron en mi existencia, tuve la suerte y el privilegio de operarles el sonido a este trío en la época que presentaban este disco, la sensación de compartir los shows, de verlos y escucharlos en primera persona, compartir el camarín, cenar con ellos, infinitas charlas, unos seres hermosos, luminosos, repletos de anécdotas,  de sabiduría, de ovnis, de Castaneda, de rock, de Pink Floyd y de música, de muchísima música.

Guitarreaban en el hall de los hoteles, también después de almorzar en cualquier lugar, de seguir tocando en los camarines antes de las pruebas de sonido, de sesiones interminables de prueba, de shows de más de dos horas, de seguir guitarreando después de los conciertos, después de cena y en la casa de algún amigo hasta altas horas de la madrugada y al día siguiente repetir el rito, experiencias alucinantes.

Sigue el Mago, que tuvo la suerte de compartir con estos genios:

Y qué decir de las canciones del que es, sin dudas, “el mejor disco de folklore que se hizo jamás en nuestro país”, una acuarela de sonidos, de arreglos de percusión, de guitarras tocadas con arpegios deliciosos y salpicaduras de uñas, si existe una nueva clasificación de género diríamos que esto es folklore psicodélico, sencillamente inclasificable por lo que transmite.

Y no es casual tampoco que participe en batería y accesorios el inmenso Rodolfo García, ex Almendra, ex Aquelarre, quien también participó en discos sublimes e hitos de la música como el Artaud de Pescado Rabioso.

Este trabajo cierra por todos lados, comienza con la canción más psicotrópica que se le pudo haber hecho y dedicado a Diego Maradona jamás, “La Canción del Brujito”, con una cadencia estructural musical tan volada y con una lírica tan elevada que bien pudo haber sido una composición de Spinetta. Con unos arreglos de Peteco en guitarras y bajo que son de antología, y por supuesto todo el talento de Rodolfo García. No sé si alguna vez Diego pudo enterarse de este homenaje, y creo también que a Peteco, Jacinto y Juan poco les interesó si eso alguna vez sucedió o sucede. Lo que sigue después son una serie de zambas y chacareras que ya son patrimonio nacional, como “Canción para la Estrella Azul” y “Hermano Kakuy”, pero eso no es todo cabezonas/es, el disco termina con “Como Pájaros en el Aire”, un regalo del corazón para todos los corazones de los seres humanos, profundo y sentimental es poco.

El blog cabezón es visitado por muchísimos cabezones de toda Latinoamérica y del mundo, por lo cual es necesario referenciarles que la chacarera es un ritmo folklórico típico de la provincia de Santiago del Estero, y del cual la familia Carabajal son los exponentes máximos.

Ritmo con una polenta y sentimiento que rompe fronteras. Y tantas fronteras atravesaron estos tipos increíbles, que en Santiago les iban a tocar a los adolescentes en la escuelas secundarias, en los patios, en los recreos, llevándoles su música y poesía, (una buena forma de hacerles conocer a esos jóvenes otras músicas y combatir quizás tanta medriocridad radial).

Para darles una idea de lo que eran capaces estos monstruos les comento lo siguiente, en los conciertos, que compartí con ellos, había dos sets de percusión y el trío se mezclaba en ejecuciones de dos guitarras y percusión, guitarra, violín y percusión o simplemente percusión, y así es precisamente como comenzaban los shows, una serie de sonidos de campanitas, cencerros, platillos, disonantes y de pronto una sucesión de bombos legüeros entremezclados a cargo de Peteco y Jacinto rompían en un malambo infernal, dando pie a la entrada de Juan Saavedra (uno de los más grandes exponentes de la danza folklórica de Argentina), descalzo y con boleadoras; había una serie de par 36 colocados estratégicamente en línea, en el frente del escenario, que junto al cloruro de amonio, daban la sensación visual de una cortina blanca de luces, en la cual se desplazaba Juan al ritmo coordinado del malambo y las boleadoras, un paseo infernal ida y vuelta que duraba unos 5 minutos y daba pie muy lentamente a la “Canción del Brujito” ,de ahí en más, todo era un vuelo monstruoso del cual era imposible sustraerse. Una experiencia única para la gente que asistió a esos conciertos.

Este es un disco para escuchar al palo, aprenderse de memoria las canciones y transmitirlo a hijos y nietos, ponerlo en los asados, en las mañanas tomando mates, fumándose una buena flor, o tomándose un buen vino, este disco hay que disfrutarlo, cantarlo, amarlo, desmenuzarlo tranquilo y dejarlo en un buen rincón del alma.

Hacia muchísimo tiempo que tenía ganas de encontrar este material y compartirlo, y me tuve que tomar el tren hasta Ituzaingo para encontrarme con él y conocí a Daniel, de Barbarscd, quien tenía esta maravilla en medio de miles de cds que tiene a la venta y miles que no, y que también conoce el blog. Pueden comprar algunas maravillas on line acá: https://www.facebook.com/Barbascd-177614668915314/ está agotadísimo, y lo peor es que muchísima gente se pierde de conocerlo, pero para eso está el blog cabezón, para redimir este tipo de incunables.

Un proyecto espectacular que culminó con la muerte absurda de Jacinto Piedra, después de 3 años de haber grabado este disco, tenía 36 años, una multitud de gente muy joven copó las calles de Santiago en una despedida pocas veces vista, cientos de jóvenes con guitarras y bombos cantaron sus canciones, estas mismas canciones… Un abrazo infinito, Jacinto, seguro Dios te llevó mientras murmurabas una chacarera, y ahora estás con él en alguna estrella azul.

Agregué un par de bonus y también comparto en video la versión de “La Canción del Brujito” realizada por Charly García, Peteco y Bruno Arias. Dedico especialmente este posteo al Negro Ramón Altamirano ( viejo lobo de mar de aquel inolvidable Expreso Imaginario y amigo también del inolvidable Jorge Pistocchi) y por supuesto al Vampiro con quienes compartimos estas historias y tantas otras!!!. Cabezones esto no lo van a encontrar en lossless en ningún otro lugar, esto es un regalo para el espíritu, absolutamente imprescindible.

Un disco realmente hermoso que nos trae el Mago, una grabación histórica que el blog cabezón revive para la posteridad.

Lista de Temas:
1. La canción del Brujito
2. El campo te está esperando
3. Perfume de Carnaval
4. Rumicami (Soy Piedra y Raíz)
5. Te voy a contar un sueño
6. Hermano Kakuy
7. Canción para la Estrella Azul
8. Dónde quedó el cielo
9. El buen lugar
10. Como pájaros en el aire
Bonus tracks (aportes personales del Mago):
11. Transmisión Huaucke - Soy Santiagueño
12. Digo La Mazamorra

Alineación:
- Peteco Carabajal / Guitarras eléctricas y acústicas, bombos en todos los temas, violín, quenas y accesorios
- Jacinto Piedra / Guitarras acústicas, bombo y accesorios
Músico invitado:
- Rodolfo García / Batería y accesorios

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Varios artistas - Caricia urgente. Celebración a la música de Guillermo Briseño (2015) ---ScRaBBlE

La música y la trayectoria de Guillermo Briseño se merecen todos los homenajes, tributos y celebraciones que sea posible hacerles. Auténtico prócer del rock alternativo (como opción política, no como género) mexicano, Briseño construyó una obra significativa justo cuando el contexto nacional cerraba las puertas a cualquier manifestación rockera, y continúa hasta nuestros días difundiendo y formando nuevos músicos en este género ya completamente apropiado por la cultura popular latinoamericana: su autenticidad —la de Briseño— se ha extendido al género. Este es un homenaje al gran pianista y bluesero mexicano liderado por el multiinstrumentista Juan Sosa que reunió artistas de varios países y recoge temas del ya largo camino del gran Briseño.

Artista: Varios artistas
Álbum: Caricia urgente. Celebración a la música de Guillermo Briseño
Año: 2015
Género: Rock progresivo / blues / fusión / folclor mexicano
Duración: 58:07
Nacionalidad: México, Argentina

Briseño al piano en la
presentación del disco
(del kit de prensa)

Briseño ya es un viejo conocido del blog cabezón, incluso hemos logrado reforzar nuestro conocimiento sobre él gracias a aportes (incluyendo digitalizaciones de viejos LP) que diversos cabezones nos han hecho llegar. Es, en cierta medida, el gran pionero del espíritu progresivo en el rock mexicano; un universo que, aunque no le faltan, por supuesto, grandes exponentes (Jorge Reyes y Chac Mool, Iconoclasta, Cast, Cabezas de Cera, 0.720 Aleación, Gallina Negra, Banda Elástica, Culto sin Nombre, etcétera), ha sido siempre marginal y under; en México han predominado otras tendencias rockeras. Algunas de ellas están representadas aquí, como el hard blues rock de Alex Lora (El Tri), el pop alternativo de Cecilia Toussaint, las influencias postpunk alternativas de Caifanes/Jaguares (Saúl Hernández, Sabo Romo) y la onda indie de Juan Manuel Torreblanca (aunque aquí se va hacia lo experimental). También aparecen artistas relacionadas con la fusión folclórica que corrió paralela y hegemónica al blues de Briseño en los setenta y ochenta, (Eugenia León y la soprano peruana Tania Libertad), y no faltan las viejas compañeras de viaje de Briseño (la genial cantante, creadora, multiinstrumentista y pareja de Briseño, Hebe Rosell y la extraordinaria reina del blues mexicano, Betsy Pecanins, en una de sus últimas apariciones antes de su temprano fallecimiento en diciembre de 2016). También está el pop argentino de los hermanos Calamaro y el jazz contemporáneo mexicano con la voz de Iraida Noriega.

La producción y los arreglos generales de esta “celebración” (el productor prefirió esta palabra a los clásicos “homenaje” o “tributo”) corrieron a cargo de Juan Sosa, multiinstrumentista, hijo de Hebe Rosell e hijastro del propio Briseño, formado como ingeniero de sonido en gringolandia. Como para que la cosa quedara en familia (lo que le da un toque de intimidad a la producción, aunque quizá le quite la diversidad que pudo haber sido y el alcance que pudo haber tenido), Sosa invitó a participar en el proyecto a sus parientes argentinos Andrés y Javier Calamaro y Olmo Sosa. El disco se produjo con financiamiento del gobierno mexicano a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, lo que habremos de discutir un poco al final del post.

Abre Alex Lora con una versión poderosa de “La escena me traspasa (el corazón)”, gran rola sobre las vicisitudes de ser músico de rock en un país como México en los años setenta y ochenta, aparecida en el genial Está valiendo madre… el corazón (1986) de Briseño y el Séptimo Aire, uno de los mejores discos del gran Briseño. Destacan las guitarras metaleras de Jonathan Sea y Olmo Sosa y los arreglos para metales.

La característica voz de Andrés Calamaro (a mí no me gusta, en lo personal) aparece en un tema que ignoro si ha aparecido en algún disco de Briseño: “El eslabón perdido”; un rico soul con un arreglazo de vientos en el que el poeta se define como un eslabón de cierta cadena que está a punto de reventar: México.

Ya habíamos comentado en el post sobre De tripas, corazón (1993) la gran rola que es “La pobreza”: tremenda fusión del jazz rock briseñiano con el huapango arribeño. Aquí la interpreta Eugenia León con instrumentación tradicional (jaranas, arpa, zapateo, violín, guitarrón) y participan en las décimas (que no aparecían en la versión original) Betsy Pecanins y Guillermo Velázquez, un artista que es un pilar de esa tradición popular. La versión se aleja de lo que es central en la obra de Briseño, la fusión, e interpreta el tema como si fuera folclor “puro”, lo que entresaca el profundo conocimiento de Briseño sobre las tradiciones musicales mexicanas, aunque se pierde su mayor aportación. Las décimas de Velázquez son maravillosas.

Saúl Hernández, el fundador de Caifanes y Jaguares —quizá las agrupaciones más exitosas comercialmente de la escena alternativa mexicana— participa con “María de mis alquimias”, de un disco de Briseño que nos falta encontrar para el blog: El conexionista (1990). Se trata de una balada característica del tono poético de Briseño, arreglada aquí muy dulcemente en una versión de cámara (para piano, cello y voz) que recoge bien las complejas aventuras armónicas del autor. También de El conexionista, Cecilia Toussaint, la reina del alternativo mexicano, una cantante con una voz poderosa y una fuerte personalidad, interpreta “Te quiero” (originalmente “Te quiero (cómo lo vas a notar)”. Buenas guitarras (el solo de Olmo Sosa es muy bueno), gran sección de metales y una sabrosa rítmica soul.

“Caricia urgente”, la rola que da nombre al disco, la conocíamos en versión para piano y voz en el disco Nada que perder (1994) de Briseño y Betsy Pecanins. Hermosa balada romántica, aquí la interpreta el argentino Javier Calamaro en versión para banda completa, con la que se aventura a hacer algunos guiños al gospel que tanto le gusta a Briseño.

Iraida Noriega, otra vieja conocida cabezona, quizá la más importante creadora de jazz y múltiples fusiones del México de hoy, hace una gran versión de “Comparaciones” (aparecida en el genial Briseño, Carrasco y Flores de 1978) en un suave estilo jazzero con acentos latinos, acompañada del trío conformado por Roberto Blanco, Gustavo Nandayapa e Israel Cupich (con quienes tiene un discazo que habremos de traer al blog). El tema permite que Iraida explote su experimentada voz hasta límites insospechados. Claro, mi opinión está totalmente sesgada porque Iraida es una queridísima amiga mía, pero yo creo que este tema es el pico más alto de este disco.

El productor, Juan Sosa, se encarga de hacer una versión de “Aquí estoy (vámonos lejos)”, otra rola del fundamental Briseño, Carrasco y Flores. Bien instrumentada, con un claro acercamiento a lo sinfónico y excelentes guitarras, es respetuosa del original. Hay que decir que la voz de Sosa, muy producida, se queda por detrás de la personalidad de Briseño y su rasposa voz bluesera. Son interesantes los toques tecno que Sosa hace con los teclados.

De Viaje al espacio visceral (Briseño, Hebe, Carrasco y Flores, 1981), el “caifán” Sabo Romo interpreta la estupenda fusión soul “La gata hidráulica”, tema de gran complejidad por sus cambios de ritmo, tiempo y armonía. El bajo de Romo realmente la alimenta y su voz cumple: un buen homenaje a esa etapa de la trayectoria de Briseño.

Hebe Rosell interpreta “Soy el agua”, otro de esos maravillosos poemas de Briseño (desconozco si ha sido grabada en alguno de sus discos). Escuchar de nuevo a Hebe cantando el trabajo de Briseño es como volver a esos años, a principios de los ochenta, cuando la cantante argentina cruzaba la frontera del folclor hacia el jazz al lado del gran bigotón, más aún en una balada como esta, para voz y piano solo, como lo hemos visto en su colaboración con Betsy Pecanins o en aquel genial disco conceptual Ausencias e irreverencias.

Los últimos cuatro temas son una reinterpretación de la suite “Viaje al espacio visceral” (del disco homónimo de 1981), a cargo de Juan Manuel Torreblanca y Tania Libertad. En esta versión se ha dividido lo que era una pista de 15 minutos en el LP original, conceptualmente separada en “etapas”, como corresponde a un viaje, en cuatro pistas separadas. Las etapas 1, 2 y 4 son de Torreblanca (voz y glockenspiel) y Sosa (todos los demás instrumentos), mientras que la etapa 3 es de Tania Libertad en arreglo de cámara (piano y cuerdas), lo que la convierte en una rara interrupción de la suite que, en general, está bien lograda en la versión de Torreblanca y Sosa. El original de Briseño es uno de sus trabajos más progresivos, totalmente sinfónico y experimental, que incluye sus acercamientos a la fusión con el folclor mexicano al lado de su pasión por el blues, el soul, el boogie y el gospel y su extraordinario estilo pianístico; es de lo más interesante de su obra. En la “Tercera etapa” del original canta Hebe Rosell, que tiene un timbre medio (quizá entre contralto y mezzosoprano) y descansa deliciosamente sobre el piano solo de Briseño. Sin embargo, la versión de Tania Libertad incluida en esta Celebración rompe totalmente la unidad de la suite pues descontextualiza tanto su continuidad conceptual como su estructura musical.

Hebe Rosell y Guillermo Briseño en la presentación del disco (del kit de prensa)

Caricia urgente es un bello homenaje a un creador fundamental en la historia del rock mexicano y, como dice su productor en alguna entrevista, ya era raro que no se hubiese hecho antes algo así, quizá porque Briseño sigue siendo una figura viva y muy activa en la escena mexicana, tanto en la musical como en la política y la educativa: ¿para qué hacerle un homenaje si está aquí a nuestro lado en la lucha y en la música, si sigue guiándonos y enseñándonos, si es uno de nosotros? Ojalá sea el punto de partida para que haya más reinterpretaciones de su trabajo, más tributos, más homenajes y relanzamientos de sus discos. Por las mismas razones, no me sorprende que este primer homenaje, tributo, celebración o como quiera llamársele, surja dentro de su propia familia, su ámbito más cercano. Sin embargo, esto tiene elementos que hay que analizar: buena parte de quienes participan en el disco son también miembros de la familia: los Calamaro, los Sosa, Hebe, o amigos de la familia. Nos parece que hizo falta una búsqueda más amplia entre los músicos contemporáneos mexicanos para enriquecer el disco y llevarlo más allá de la sala de la casa.

Además, hay que considerar que el disco contó con el apoyo del gobierno para su realización. Es de común conocimiento en los ambientes creativos mexicanos que el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes es una argolla autoreferente dominada por encumbrados grupos y que las asignaciones de su abultado presupuesto no son precisamente imparciales, dando por resultado una producción artística convencional y nada propositiva que, aun a su pesar, termina por legitimar y fortalecer a un sistema enfermo. Tomando en cuenta que la producción de Caricia urgente tiene limitaciones (las que hemos descrito y otras como la deficiente producción del arte del disco o la selección de temas), una revisión imparcial de los jurados que se encargan de decidir quién obtiene y quién no dinero del estado para crear arte y cultura quizá no hubiese aprobado este proyecto (muy de estudio y de familia; casi toda la base instrumental realizada por el productor que además es hijo del homenajeado, en fin).

Independientemente de lo merecido del homenaje y de que se trata de un disco agradable de escuchar, hay asuntos sobre los que tenemos que discutir mucho todavía, empezando por cómo el financiamiento estatal al arte en una dictadura autoritaria como México trabaja efectivamente para desactivar su capacidad transformadora y convertirlo en vil producto de consumo. Aprovecho este post para invitar a las cabezonas y cabezones a visitar los posts anteriores sobre el gigantesco Memo Briseño.



Lista de Temas:
1. La escena me traspasa (el corazón) / Alejandro Lora
2. El eslabón perdido / Andrés Calamaro
3. La pobreza / Eugenia León, Guillermo Velázquez, Betsy Pecanins
4. María de mis alquimias / Saúl Hernández
5. Te quiero / Cecilia Toussaint
6. Caricia urgente / Javier Calamaro
7. Comparaciones / Iraida Noriega
8. Aquí estoy (vámonos lejos) / Juan Sosa
9. La gata hidráulica / Sabo Romo
10. Soy el agua / Hebe Rosell
11. Viaje al espacio visceral, primera etapa: Despegue / Juan Manuel Torreblanca
12. Viaje al espacio visceral, segunda etapa: Los pliegues de este naufragio / Juan Manuel Torreblanca
13. Viaje al espacio visceral, tercera etapa: Te digo compañera / Tania Libertad
14. Viaje al espacio visceral, cuarta etapa: La piedra y el viento (aterrizaje) / Juan Manuel Torreblanca
 
Alineación:
(en esta lista no incluimos las voces principales de cada tema, ya mencionadas en la lista anterior)
- Juan Sosa / Voz, batería, bajo, teclados, piano, percusión, programación, guitarras (1-6, 8-9, 11-12, 14)
- Jonathan Sea / Guitarras (1-2, 6-7)
- Olmo Sosa / Guitarras (1-2, 5-6, 9)
- Jaime "Jako" González Grau / Sax alto (1, 2, 5)
- Ottis Ganceda / Sax tenor (1, 2, 5)
- Delfino Tlaxcaltécatl / Sax barítono (1, 2, 5)
- Israel Blancas Tlaxcaltécatl / Trompeta (1, 2, 5)
- Esteban Martínez Rivera / Trombón (1, 2, 5)
- Irving Flores / Arreglos para vientos (1, 2, 5)
- Ernesto Anaya / Jaranas, requinto, violín, percusiones, guitarrón, arreglos (3)
- Juan Duarte / Arpas (3)
- Vincent Velázquez / Zapateado (3)
- Bozena Slawinska / Cellos (4)
- Rosina Serrano / Arreglo para cellos (4)
- Jaime de la Parra / Guitarras (5)
- Verónica Ruiz / Coros (5)
- Roberto Blanco / Piano (7)
- Gustavo Nandayapa / Batería (7)
- Israel Cupich / Contrabajo (7)
- Serge "Acid Hamelin" Meseth / Flauta (8)
- Sabo Romo / Voz, Bajo (9)
- Leonardo Sandoval / Piano (10)
- Juan Manuel Torreblanca / Voz, glockenspiel (11, 12, 14)
- Ricardo Martín / Piano, arreglo para cuerdas (13)
- Arturo Gonzales / Primer violín (13)
- Ekaterine Martínez / Segundo violín (13)
- Astrid Cruz / Viola (13)
- Mónica del Águila / Cello (13)


Otras fuentes sobre esta producción:
- Una entrevista con Juan Sosa: http://www.sinembargo.mx/23-07-2015/1423602
- Nota de Frino, que aportó unas décimas al cuadernillo del disco: http://www.milenio.com/firmas/frino/Caricia-urgente_18_537726233.html
- Nota sobre la presentación del disco que recoge testimonios de Briseño: http://www.jornada.unam.mx/2015/07/30/espectaculos/a11n1esp
- El cebollazo del gobierno mexicano al disco: https://www.gob.mx/cultura/prensa/juan-sosa-da-segundo-aire-a-la-musica-de-guillermo-briseno-a-traves-de-caricia-urgente

Registro en video de la presentación del disco en la Fonoteca Nacional:

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