Tenemos pendientes algunos aportes de Neckwringer, que ahora nos trae ni más ni menos que a una gloria de la guitarra. En la intensa y corta vida de Steve Ray Vaughan hay que buscar en su producción sonidos de blues mezclados con rock, todo muy bien hecho y tocado. Acompañado de músicos excelentes que dan una base llena de matices y climas, que van desde la suavidad de un blues en tono menor, hasta la explosión de un rock and roll bien arriba. Aquí, una recopilación necesaria para revivir una gloria del blues que hizo brillar el estilo y lo proyectó al futuro. Otra de las sorpresitas del blog cabezón!
Artista: Stevie Ray Vaughan Álbum: Martin Scorsese Presents the Blues Año: 2003 Género: Blues / Blues rock Nacionalidad: EEUU
Un día, en pleno auge de la guitarra de Eric Clapton, llegó este violeto de nariz achatada para renovar y fortalecer al blues, que lo mostró ya muy joven como uno de los mejores guitarristas, lamentablemente muerto muy joven. Influenciado por Jimmy Hendrix, Albert y Freddie King. Y Vaughan dejó, antes de morir, una montaña de canciones y temas instrumentales que llegaron para encender eso que todo blusero busca transmitir; la pasión.
Martin Scorsese presenta el blues: "The Blues" fue un documental producido por Scorsese en 2003, declarado el "Año del Blues" en Yankilandia. Los siete capítulos que componen la serie han sido dirigidos por un cineasta quien es amante del género y en ellas se hace un repaso su origen y desarrollo a lo largo del siglo XX, desde las orillas del río Níger, en Mali, a las plantaciones de algodón y bares del delta del Mississippi se rastrean los orígenes del blues creando un excepcional material de archivo.
Martin Scorsese Presents The Blues: Stevie Ray Vaughan es un compilado producido por Bob Irwin y publicado por Sony Music en 2003 para la serie "Martin Scorsese Presents The Blues", estrenada en septiembre de 2003. Se trata de una colección de grabaciones en orden cronológica que incluye actuaciones de Vaughan en vivo, incluyendo recitales en Austin, Texas, en 1980, y Toronto, Canadá, en 1983, temas incluidos en sus álbumes de estudio, y una versión en vivo inédita de "Mary Had A Little Lamb", registrada en Filadelfia en 1987. 1. "Slide Thing" (en vivo) (Stevie Ray Vaughan) - 3:04 (Grabada en Austin, Texas, el 1 de abril de 1980 y originalmente incluida en "In The Beginning", publicada en 1992). 2. "All Your Love I Miss Loving" (en vivo) (Otis Rush) - 6:12 (Grabada en Austin, Texas, el 1 de abril de 1980 y originalmente incluida en "In The Beginning", publicada en 1992). 3. "Pride And Joy" (Stevie Ray Vaughan) - 3:39 (Grabada el 24 de noviembre de 1982 y originalmente publicada en 1983). 4. "Dirty Pool" (Stevie Ray Vaughan/Doyle Bramhall) - 5:00 (Grabada el 24 de noviembre de 1982 y originalmente publicada en 1983). 5. "Texas Flood" (L.C. Davis/J.W. Scott) - 5:21 (Grabada el 24 de noviembre de 1982 y originalmente publicada en 1983). 6. "Hug You, Squeeze You" (en vivo) (John Lee Hooker) - 3:48 (Grabada en "El Mocambo", Toronto, Canadá, el 11 de julio de 1983 y originalmente incluida en "SRV", publicada en 2000). 7. "The Things (That) I Used To Do" (Elmore James) - 4:54 (Grabada el 19 de enero de 1984 y originalmente publicada en dicho año). 8. "Honey Bee" (Stevie Ray Vaughan) - 2:42 (Grabada el 18 de enero de 1984 y originalmente publicada en dicho año). 9. "Give Me Back My Wig" (T.R. Taylor) - 4:07 (Grabada el 18 de enero de 1984 y originalmente publicada en dicho año). 10. "The Sky Is Crying" (en vivo) (Elmore James) - 7:20 (Grabada en Carnegie Hall, New York, el 4 de octubre de 1984 y originalmente incluida en "SRV", 2000). 11. "Look At Little Sister" (Hank Ballard) - 3:08 (Grabada en marzo de 1985 y publicada en dicho año). 12. "Empty Arms" (Stevie Ray Vaughan) - 3:03 (Grabada en marzo de 1985 y publicada en dicho año). 13. "Come On (Part III)" (Earl King) - 4:30 (Grabada en marzo de 1985 y publicada en dicho año). 14. "Ain't Gone 'N' Give Up On Love" (en vivo)(Stevie Ray Vaughan) - 6:35 (Grabada en el "Festival Internacional de Jazz en Montreux" el 15 de julio de 1985 y originalmente publicada en "Live At Montreux", publicada en 1986). 15. "Mary Had A Little Lamb" (en vivo) (Buddy Guy) - 6:10 (Tema Inédito). (Grabada el 30 de junio de 1987 en Filadelfia, Estados Unidos). 16. "Leave My Girl Alone" (Buddy Guy) - 4:16 (Grabada el 21 de febrero de 1989 y publicada en dicho año).
Wikipedia
Un disco con recopilaciones que funciona muy bien como una buena introducción al trabajo del influyente guitarrista de blues. Tal vez alguien podría decir que se podrían haber incluido algunos éxitos más para hacer esto más atractivo para el curioso, pero con una versión en vivo inédita de "Mary Had a Little Lamb" y una lista de canciones que elude la mayor parte de la colección de hits, ofrecen una alternativa para los fanáticos del blues de toda la vida. Así que bienvenido sea este disco al blog cabezón.
La última canción que toco fue el clásico "Sweet home Chicago". Invitado por Eric Clapton, tocó junto a Buddy Guy, Robert Cray y su hermano Jimmie Vaughan. Se dio una de esas noches increíbles donde la leyenda invita a la leyenda para tocar Blues. Al finalizar el concierto, en la madrugada del 27 de agosto de 1990 Vaughan y otros músicos y asistentes abordaron un helicóptero. Fue su último y fugaz vuelo, cuando instantes después se estrellaba muriendo todos los tripulantes al instante. En el mejor momento de la carrera de Vaughan, a los 35 años se apagaba ese ardiente corazón dejando un legado único para el mundo de la música.
Lista de Temas: 1. Slide Thing 2. All Your Love I Miss Loving 3. Pride And Joy 4. Dirty Pool 5. Texas Flood 6. Hug You, Squeeze You 7. The Things (That) I Used To Do 8. Honey Bee 9. Give Me Back My Wig 10. The Sky Is Crying 11. Look At Little Sister 12. Empty Arms 13. Come On (Part III) 14. Ain't Gone 'N' Give Up On Love 15. Mary Had A Little Lamb 16. Leave My Girl Alone
Alineación: - Stevie Ray Vaughan / Guitarras y voces. Batería en "Empty Arms". - Reese Wynans / Teclados (Tracks 11-16). - Joe Sublett / Saxo en "Look At Little Sister". - Tommy Shannon / Bajo (excepto en los tracks 1 y 2). - Jackie Newhouse / Bajo en los tracks 1 y 2. - Chris Layton / Batería.
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Un buen día, Manal, el trío que Javier Martínez, Claudio Gabis y Alejandro Medina fundaron en 1967, volvió a los escenarios porteños para revivir las canciones de una piedra basal del rock en castellano, intentar canciones nuevas y abrir nuevamente una puerta musical para toda la cultura joven. Aquí, tres músicos enormes y talentosos que reviven esa química que se producía allá por los comienzos, que seguía intacta pese a los años transcurridos y a los egos de cada uno de ellos. Pero las épocas habían cambiado y con ello el estilo de Manal. Y así vamos cerrando una semana donde revisamos parte de la historia del rock nacional gracias a los aportes del Mago Alberto, que es quien nos presenta este disco qu ahora presentamos.
Artista: Manal Álbum: Reunión Año: 1981 Género: Rock Nacionalidad: Argentina
Cada vez que se hace referencia a Manal se los menciona como "grupo fundacional" del rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. En esos años, los ’80 se vuelven a reunir las dos principales bandas del comienzo del rock en la Argentina, Almendra y Manal, en lo que fue una efímera felicidad. ¿Cómo que volvió Manal? se preguntaron varios de los que siempre soñaron con volver a ver al trío fundacional del rock argentino sobre un escenario. De ello nos comenta el Mago Alberto lo siguiente:
Luego de un impase de 10 años el trio Manal se vuelve a reunir en 1980 para dejar plasmado su tercer álbum en estudio, publicado en 1981, y dar conciertos en Buenos Aires, además de producir una gira por otras capitales de Argentina. Un disco que conserva intactas las intenciones musicales del trío con la particularidad que intervienen Medina, Gabis y Martínez en composiciones alternativas, cosa que no sucedió en los albumes anteriores donde las composiciones eran monopolizadas por Martínez. Y si, luego de 10 años el rock argentino había variado muchísimo, la tecnología no era la misma, comenzaba una década de apestosa música disco, y los tres supieron aprovechar esa amplia gama de sonidos y recursos nuevos, por eso acá van a encontrar una banda sonando con otras posibilidades, y se nota, ya no es el Manal de cuatro canales monoaurales, si durante esos diez años que estuvieron separados hubieran seguido grabando albumes no cabe ninguna duda que hubieramos caído en este mismo resultado -nos perdimos de escuchar unos 5 o 6 albumes, que nunca hicieron-, bueno, no es tan grave. "La Centuria" de Gabis te vuela el peluquín. Este disco tampoco podía faltar en el blog, y faltan unos cuantos !!!!
Mago Alberto
Ante el éxito obtenido por Almendra y su retorno tantos años después, Manal siguió el mismo camino en 1980. "Todo lo inició Almendra (recuerda Alejandro Medina) Los productores decidieron que si ellos se reunían, Manal tenía que hacer lo mismo, y así fue que nos llamaron (...) La reunión fue buena por que sirvió para levantar el movimiento del rock and roll. Demostramos muchas cosas...". Realizaron cuatro presentaciones en Obras y editaron este LP que ahora nos trae el Mago, con material nuevo. Giraron por las ciudades más importantes del interior del país para culminar nuevamente en Obras con "Chau Manal", recitales que fueron posteriormente editados como "Manal en Obras" (1981). A la derecha, la foto de tapa revista "Expreso Imaginario" de Junio de 1980.
Reunión es el tercer álbum de estudio de Manal, grupo fundacional del rock argentino. Fue grabado y publicado por la discográfica CBS en 1981, durante el breve periodo en que el trío se reunió para realizar una serie de conciertos en Buenos Aires y otras ciudades argentinas. Luego de estar diez años separados desarrollando sus propios proyectos, Alejandro Medina, Claudio Gabis y Javier Martínez regresaron con un sonido más moderno y un estilo distinto al de sus trabajos anteriores, incorporando a su tradicional base de rock y blues elementos de jazz fusión y también musica afroaméricana. Mientras que en los discos anteriores la mayoría de las composiciones pertenecían a Martínez, Reunión incluye, en igual proporción, temas de los tres componentes del grupo.
Lista de Temas: 01. Doblé en una esquina 02. Como si fuera a tocar las estrellas 03. Juega el juego, jugador 04. Te daré mi mano 05. Sacúdeme la vida 06. Nos veremos mañana 07. Tengo algo en mi mente para vos 08. La Centuria
Alineación: - Alejandro Medina / Bajo eléctrico, voz - Javier Martínez / Batería, voz - Claudio Gabis / Guitarras, teclados y arreglos Musico invitado: Román "Rulo" Rodríguez / Percusión
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El Mago Alberto está preparando los regalitos de fin de año y empieza con el primero. Esto es como un clásico del rock, pero a diferencia de otros clásicos, esto es injustamente infravalorado y dejado de lado, tanto que muchos nóveles del rock no conocen a Ten Years After y su blues rock con trazas psicodélicas, aunque "A Space In Time" es uno de los trabajos más conocidos de la banda, un imprescindible dentro del género del rock. Como siempre, este grupo es de obligada escucha, el que no lo conozca va a alucinar, seguro.
Artista: Ten Years After Álbum: A Space In Time Año: 1971 Género: Psychedelic / Blues Rock Duración: 37:42 Nacionalidad: Inglaterra
Sensacional grupo que se inició en el blues y que sin perder nunca sus raíces supieron adentrarse con talento en otros estilos como el rock o la psicodelia. Con una producción más limpia que en sus anteriores trabajo, el grupo grabó un álbum que desprende una tónica en general más relajada de lo que en un principio cabe esperar de un disco de los Ten Years After. Alvin Lee está espléndido al igual que el resto de la banda, aunque en esta ocasión son pocas las veces que se atreven a hacer amplias incursiones instrumentales. Aquí les dejo el comentario del Mago que es quien trae este disco...
En el Festival de Woodstock hubieron tres grandes revelaciones; Santana, Ten Years After y Joe Cocker, y si luego de más de 48 años alguien mencionara dicho festival inmediatamente surgirían estos nombres, Alvin Lee lider de TYA en un set agitadísimo brillaba con su veloz digitación, un estilo vocal admirable, y un rock and roll arrollador, en aquel inolvidable festival. Luego de un par de años de aquella explosión nuclear de la música, Ten Years After edita A Space in Time, un disco con un sonido muy limpio, con muchas guitarras acústicas y hasta una sección de cuerdas, un combo que hace de este disco uno de los mejores de la banda. Una obra que no tiene despercidio, desde el primer track te atrapa y no te deja hasta el final, el típico disco "diferente" dentro de una banda, canciones elaboradas, muy prolijas, con I`d Love to Change the World un single que cosechó muchísimos aplausos en aquellos años, con un mensaje clarísimo en contra del capitalismo, la guerra y el enorme vacío que provocaba la eterna división entre ricos y pobres, cualquier parecido con la realidad actual no es coincidencia, y un rock tradicional que te eriza los pelos, como Baby Won´t you let me... son dos grandes referencias de este estupendo disco. Alvin Lee fue uno de los mas grandes violeros de la historia de la música y este disco es un digno homenaje de su paso por este mundo, TYA no fue una banda progresiva pero su música siempre deambuló por los pasillos del buen gusto, y que si bien siempre fue catalogada como una banda de blues-rock, podríamos definirla quizas como blues-rock-prog. porque siempre coquetearon con la cosa más elaborada y experimental. Un disco que marcó un antes y un despues en la trayectoria de TYA, así que si la comunidad cabezona quiere sacarse la modorra de fin de año, este es un disco ideal, denle sin miedo.
Mago Alberto
Para quien no los conozca, esta es una banda inglesa de blues-rock procedente de Nottingham. Estaba liderada por el espléndido guitarrista Alvin Lee, quien murió en España en el año 2013 a la edad de 68 años cuando estaba sometiéndose a cirugía. Muchos consideran a este disco como el último buen disco de la banda, aunque inmediatamente de éste sacaron "Rock and Roll Music to the World" que aún con sus defectos tuvo buena repercusión, quizás gracias al arrastre de sus anteriores trabajos, pero las cosas no continuarían bien, las peleas internas se acentuaron en sus largas giras y al poco tiempo Lee abandonaría la banda para su propio proyecto musical. Pero todo eso ya es otro cuento...
A Space in Time séptimo álbum de la banda de blues rock británica Ten Years After grabado y lanzado el año 1971 Este disco, fue sin duda de los más vendidos de Ten Years After, gracias a su éxito "I'd love to change the world", una canción que criticaba el capitalismo y la guerra . La placa, intentaba acercarse a los sonidos de la psicodelia y experimentan sonidos, mezclando arreglos de cuerda, como "Over the Hill". Otros temas notables: "One of these days", "Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You" o "Uncle Jam"; donde como siempre la guitarra de Alvin Lee es la que destaca en gran parte del disco, al igual que el resto de miembros de la banda.
Desde mi humilde punto de vista los británicos Ten Years After es un grupo infravalorado, quizá su aportación ha quedado diluida por el paso de los años, y sobre todo por los grandes grupos que tuvieron su momento de esplendor en la década de los setenta, pero su calidad es innegable, y sus grabaciones espectaculares, un grupazo se mire por donde se mire, una de las grandes bandas de todos los tiempos. Vayamos ahora a algunos otros comentarios del disco que nos compete ahora...
Para unos tipos que básicamente no se andaban con florituras cuando su mayor deseo era el de tocar y punto, días tras día, demostrar de lo que estaban hechos, capitaneados por un ilustre de la escena como Alvin Lee, hoy traemos a nuestra clásica sección “A Space In Time” el séptimo disco de estudio de los británicos Ten Years After. Como uno de sus discos más vendidos, una mejor producción que transparentaba todo su estilo al máximo esplendor, este álbum llegó con los británicos ya consagrados en la escena. Buena culpa de esto fue porque en sus tres primeros años de vida, la talentosa formación tuvo un inicio explosivo y de vértigo con cuatro discos de estudios lanzados entre los años 1967 y 1969. Participaron también en festivales de renombre por aquella época como fueron el Woodstock o el de La Isla De Wight. Formados a finales de los 60 en la ciudad de Nottingham, fueron muchos los trabajos aclamados por la crítica que lanzaron a Ten Years After antes de llegar hasta este “A Space In Time”. Alvin Lee, sin duda, era el motor que hacía girar la fuerza impulsora que solo ellos eran capaces de recrear con su música, fantasías más propias de las mejores obras maestras de la música del rock en su historia. Resulta difícil escoger un disco que sobresalga ante tal discografía, he elegido este porque fue mi primera toma de contacto con ellos y evidentemente cuando le di su escucha más de una década después, quedé cautivado ante su belleza musical, pocos trabajos pueden atraerte de tal manera como si fuera la función más propia de un imán pero hay una cosa que diferencia a los británicos ya que cuando escuchas cualquiera de sus discos, no puedes imaginar que sea otra formación la que saque esas melodías de tus altavoces. Ten Years After y en particular su frontman, Alvin Lee, se mueven en lo que yo considero como un híbrido entre Steve Ray Vaughan y Eric Clapton. Con el nacimiento de muchas de las bandas blues rock de por aquel entonces fue el botón que accionó el impulso para el nacimiento de estos infravalorados de su índole. Ten Years After Live Milan 1971: Como uno de sus redondos más variados podemos ir desde el folk hasta la psicodelia pura, desde tirar de armónicas a hermosos acordes de piano, desde cortas pero mágicas jam hasta embriagarte con su gran blues. De todo y para todos, incluso ese “Baby Won’t You Let Me Rock ‘N’ Roll You” te guiará hasta las fiestas más desmadradas de los 50. Una destacada, no solo por su título sino por su gran hacer es “I’d Love To Change The World” que trae semejanzas a aquel “Wind Cries Mary” del Maestro Hendrix, pasando por la dulzura inicial que trae “Hard Monkeys” y esas letras pasadas de rosca. “Uncle Jam” es un cierre divino y las mejores muestras a los deberes marcados por Lee dando sus pinitos a un complejo estilo como el jazz. ¿Necesitas algo de blues? Pues te viene con la primera oleada, “One Of These Days” y ese refinado esfuerzo que ya marca la banda en el inicio del álbum sonando menos ásperos que anteriores ocasiones. “A Space In Time” se puede considerar como su último gran disco, un trabajo infravalorado de una banda infravalorada. Subestimaciones por todos lados pero sobre todo, directo y recomendado para el guitarrista que se precie, ya que de eso es lo que más predomina en este LP. Toda una clase particular a cargo de Mister Alvin Lee. Magia a raudales y la mejor estampa más reconocida de los Ten Years After más matizados, con mayor uso de electrónica, bajo sintetizadores más primitivos, mellotrones y un sinfín de efectos de pedal encumbrando con la larga lista de solos del mencionado y gran guitarrista que partía en su último viaje hace 2 años cuando falleció. Como una última nota, decir que tanto este disco como el “IV” de Led Zeppelin fueron lanzados prácticamente en las mismas fechas, en el caso de este, los de Nottingham demostraron con el tiempo que fueron mucho más que un destello en esta banda de blues rock que muchos los calificaban de segunda fila.
Alvin Lee demuestró que fue uno de los mejores guitarristas en ese momento, y si además le sumamos la repercusión mundial del concierto de Woodstook, tenemos a Alvin Lee en la cima junto a Clapton y Hendrix.
Alvin Lee ha sido uno de los guitarristas más infravalorados de la historia del rock, amén de un dotado compositor y líder absoluto de Ten Years After, sensacional formación iniciada en el blues y que sin perder nunca sus raíces supieron adentrarse con talento en otros estilos como el rock o la psicodelia. “A Space In Time” es uno de sus trabajos clave y se inicia con “One Of These Days”, vibrante interacción instrumental para este apasionado blues-rock. Cambiamos de registro en “Here They Come”, hipnótica pieza psicodélica a lo Pink Floyd. La obra maestra del disco es “I’d Love To Change The World”, espectacular single que mezcla magistralmente el blues-rock con la lisergia haciéndonos partícipes de una exhibición a las seis cuerdas por parte de su autor. Otro de los temas destacados es “Over The Hill”, hermosa balada barroco-orquestal con exuberantes arreglos de cuerda a la que sigue “Baby Won’t You Let Me Rock’n’Roll You”, entusiasta rock & roll con dejes glam a lo Slade. Alvin Lee vuelve a brillar como guitarrista en “Once There Was a Time”, estupendo blues con riff basado en el clásico “Raunchy” de Bill Justis. Es el riff de “Good Morning Little Schoolgirl” de Sonny Boy Williamson el que parece inspirar a Lee en “Let The Sky Fall”, interesante blues con variantes de tempo, excelente solo de Alvin y arreglos psicodélicos. “Hard Monkeys” es un sensible tema ácido que recuerda a algunas piezas de Traffic, mientras que “I’ve Been There Too” es una estilosa composición con destacado uso del teclado y el bajo además de una gran interpretación vocal. Este excepcional disco finaliza con “Uncle Jam”, relajante instrumental jazz de corta duración compuesto por todo el grupo que pone de manifiesto una vez más su habilidad instrumental.
Lista de Temas: 1. One of These Days 2. Here They Come 3. I'd Love to Change the World 4. Over The Hill 5. Baby Won't You Let Me Rock 'N' Roll You 6. Once There Was a Time 7. Let the Sky Fall 8. Hard Monkeys 8. I've Been There Too 10. Uncle Jam
Alineación: - Alvin Lee / Guitarra, voz - Leo Lyons / Bajo - Ric Lee / batería - Chick Churchill / órgano Hammond
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Durante la primera mitad de los ´70, Allman Brothers Band era la banda de rock más influyente en Estados Unidos, y fue redefiniendo la música rock y sus fronteras. Las poderosas e interminables improvisaciones sobre el escenario alteraron los estándares de la interpretación en vivo. Aunque otros grupos también improvisaban, cuando Allman Brothers estiraban un tema durante 30 o 40 minutos resultaban provocadores pero nunca excesivos. Imprimieron un claro tono sureño y en el proceso abrieron la puerta a una la ola de bandas muy particular. Hoy Neck nos trae "At Fillmore East" que es su primer álbum en directo y que fue un gran éxito para la banda, tanto que a menudo se cita como uno de los álbumes en vivo más conocidos de la historia, y bueno, no lo podíamos dejar afuera del blog cabezón!.
Artista: The Allman Brothers Band Álbum: At Fillmore East Año: 1971 Género: Blues rock Duración: 76:26 Nacionalidad: EEUU
"At Fillmore East" es el primer álbum en vivo de esta banda de rock estadounidense, y su tercer lanzamiento en general. Como indica el título, el registro tuvo lugar en un famoso local de música de la ciudad de Nueva York llamado justamente "Fillmore East". Fue grabado en el transcurso de tres noches en 1971 y presenta a la banda interpretando versiones con mucho jam de canciones propias de la banda. He aquí un disco con recopilaciones de este recital.
Liderada por el visionario guitarrista Duane Allman y su hermano menor Gregg, cantante y organista, la Allman Brothers Band inventó y trascendió el rock sureño. Con base en Macon, Georgia, el sexteto original también contaba con el guitarrista Dickey Betts, el bajo Berry Oakley y dos baterías, Jai Johanny Johanson y Butch Trucks. Eran famosos por sus alargadas jams en directo, una mezcla de rock, blues, country, soul y jazz. Cuando sus dos primeros álbumes de estudio fracasaron, un disco en directo pareció la respuesta evidente.El doble LP At Fillmore East fue montado por el productor Tom Dowd a partir de un par de actuaciones en marzo de 1971 en el local de Nueva York. El disco empieza con tres versiones fieles de R&B, y después se decanta por lo espectacular en la cara B: una lectura de 19 minutos del “You don’t love me” de Willie Cobbs, con varios cambios de tempo. Aquí hay más telepatía que boogie. Dad a un millón de bandas de bar un millón de actuaciones, y nunca igualarán el fluido intercambio que caracteriza los originales de Allman “Hot ‘Lanta” y “In memory of Elizabeth Reed”. Una versión de “Whipping post” que ocupa toda una cara consigue que el local se venga abajo con los aplausos. Impregnado de una tensión casi cinematográfica, este lamento gótico sureño es una de las actuaciones más grandes de todos los tiempos. At Fillmore East lanzó a los Allman y llegó al nº 13 en la lista de Billboard. Fue el típico canto del cisne de la formación. El 29 de octubre de 1971, Duane, de 24 años, murió en accidente de moto cuando iba a casa de Berry Oakley. La tragedia volvió a golpear el 12 de noviembre de 1972, cuando Oakley murió de la misma manera y a la misma edad, a solo tres manzanas de donde su mentor había fallecido.
Como dato adicional y como nota al margen, les comentamos que en 2004 el álbum fue seleccionado para su preservación en la Biblioteca Nacional del Congreso de EEUU, considerado como una obra "cultural, histórica y estéticamente importante" por el National Recording Registry de Estados Unidos.
At Fillmore East es el primer álbum en directo de la banda estadounidense de rock The Allman Brothers Band y su tercer lanzamiento en general. El disco, producido por Tom Dowd, salió a la venta en julio de 1971 a través de la compañía discográfica Capricorn Records. Como su título indica, la grabación tuvo lugar en la sala de conciertos Fillmore East de Nueva York, concretamente durante tres noches del mes de marzo de 1971 en las que la banda realizó largas improvisaciones musicales como «Whipping Post» e «In Memory of Elizabeth Reed». Cuando fue publicado por primera vez como doble LP sólo siete canciones fueron incluidas en las cuatro caras. At Fillmore East fue el primer éxito comercial del conjunto y está considerado por varios críticos como uno de los mejores trabajos en directo de la música rock. También ha sido clasificado como uno de los mejores discos en general por varias publicaciones y sigue siendo un éxito de ventas en el catálogo de la banda. En 1999 fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy y en 2004, el Registro Nacional de Grabaciones lo seleccionó para su preservación en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su «importancia cultural, histórica o estética».
Durante tres noches, Allman Brothers Band llevaron sus canciones al límite y redefinieron lo que significaba improvisar en el escenario. La versión de casi 23 minutos de "Whipping Post" que cerró la noche final del 13 de marzo marcó un hito en la tradición del rock sureño yanky. Razón más que suficiente para traer este disco al blog cabezón. Originalmente las grabaciones de The Allman Brothers Band en directo en el Fillmore se editaron en un doble LP en julio de 1971. Fue uno de los álbumes monumentales del incipiente rock sureño, y es uno de esos discos que aparecen en todas las listas de los mejores álbumes en vivo de la historia del rock. Ahora se anuncia su edición ampliada en una box-set de 6 discos, nada menos, para el próximo 29 de julio. Quizá fue ese “Live At Fillmore East” el que pavimentó el terreno para la moda, tan extendida en los años 70, del doble LP en directo. Un disco de canciones largas, dos de ellas (“You Dont Love Me”, “Whipping Post”) ocupan sendas caras enteras – cara B y C, respectivamente- en un álbum de largos desarrollos instrumentales en el que el blues, el country, el rock y el soul se dan la mano. Eso era el rock sureño, una fusión libre de las raíces americanas. El grupo originalmente recopiló el doble álbum de cuatro sesiones en directo grabadas en el Fillmore durante un fin de semana de marzo de 1971. En “The 1971 Fillmore East Recordings”, podremos escuchar esos cuatro conciertos en su integridad, además de una actuación completa grabada en el legendario lugar en junio de ese año. Una caja que incluye 15 canciones no editadas nunca anteriormente. Butch Trucks, batería de la banda, ha recordado algunos detalles de como se grabó aquel trascendental disco en directo:
“Ese fin de semana de marzo del 71, cuando grabamos ‘At Fillmore East', la mayor parte del tiempo hicimos “clic”. Estábamos al fin empezando a atrapar lo que estábamos escuchando. Habíamos vivido juntos … Tuvimos problemas juntos, todos nos movimos como unidad. Y, entonces, cuando llegamos al escenario para tocar, eso es lo que ocurrió.”
Fue Tom Dowd, el productor del segundo disco de los Allman “Idlewild South” y de “Layla” de Derek & The Dominos (el último de Eric Clapton y Duane Allman juntos), el que grabó las cuatro sesiones de marzo. Dowd y Atlantic Records decidieron sacar a la venta un disco doble con lo más granado de los shows para enseñar al mundo lo que la banda era capaz de hacer en directo. El propio Duane, muy seguro de sí mismo, se lo dijo al entrevistador Bud Scoppa el 12 de marzo, que tan sólo necesitaban un poco de poder de convocatoria porque: “sé que les gustará lo que van a escuchar”. Fue el promotor y responsable de la sala, Bill Graham, el que escogió a Allman Brothers para aquel concierto final en junio. Junto a los hermanos Allman tocaron The J. Geils Band y Albert King, con Edgar Winter Group, Mountain, Country Joe McDonald y los Beach Boys de invitados especiales. La caja se va a editar unos meses antes de los conciertos de despedida de la Allman Brothers Band los días 21, 22, 23, 24, 25, 27 y 28 de octubre en el Beacon Theatre de Nueva York.
Lista de Temas: 1 Statesboro Blues 2 Done Somebody Wrong 3 Stormy Monday 4 You Don’t Love Me 5 Hot ’Lanta 6 In Memory of Elizabeth Reed 7 Whipping Post
Alineación: - Duane Allman / guitarra principal y slide. - Gregg Allman / órgano, piano y voz. - Dickey Betts / guitarra principal. - Berry Oakley / bajo eléctrico. - Jai Johanny Johanson / batería, congas y timbales. - Butch Trucks / batería y timbales.
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La música y la trayectoria de Guillermo Briseño se merecen todos los homenajes, tributos y celebraciones que sea posible hacerles. Auténtico prócer del rock alternativo (como opción política, no como género) mexicano, Briseño construyó una obra significativa justo cuando el contexto nacional cerraba las puertas a cualquier manifestación rockera, y continúa hasta nuestros días difundiendo y formando nuevos músicos en este género ya completamente apropiado por la cultura popular latinoamericana: su autenticidad —la de Briseño— se ha extendido al género. Este es un homenaje al gran pianista y bluesero mexicano liderado por el multiinstrumentista Juan Sosa que reunió artistas de varios países y recoge temas del ya largo camino del gran Briseño.
Artista: Varios artistas Álbum: Caricia urgente. Celebración a la música de Guillermo Briseño Año: 2015 Género: Rock progresivo / blues / fusión / folclor mexicano Duración: 58:07 Nacionalidad: México, Argentina
Briseño al piano en la presentación del disco (del kit de prensa)
Briseño ya es un viejo conocido del blog cabezón, incluso hemos logrado reforzar nuestro conocimiento sobre él gracias a aportes (incluyendo digitalizaciones de viejos LP) que diversos cabezones nos han hecho llegar. Es, en cierta medida, el gran pionero del espíritu progresivo en el rock mexicano; un universo que, aunque no le faltan, por supuesto, grandes exponentes (Jorge Reyes y Chac Mool, Iconoclasta, Cast, Cabezas de Cera, 0.720 Aleación, Gallina Negra, Banda Elástica, Culto sin Nombre, etcétera), ha sido siempre marginal y under; en México han predominado otras tendencias rockeras. Algunas de ellas están representadas aquí, como el hard blues rock de Alex Lora (El Tri), el pop alternativo de Cecilia Toussaint, las influencias postpunk alternativas de Caifanes/Jaguares (Saúl Hernández, Sabo Romo) y la onda indie de Juan Manuel Torreblanca (aunque aquí se va hacia lo experimental). También aparecen artistas relacionadas con la fusión folclórica que corrió paralela y hegemónica al blues de Briseño en los setenta y ochenta, (Eugenia León y la soprano peruana Tania Libertad), y no faltan las viejas compañeras de viaje de Briseño (la genial cantante, creadora, multiinstrumentista y pareja de Briseño, Hebe Rosell y la extraordinaria reina del blues mexicano, Betsy Pecanins, en una de sus últimas apariciones antes de su temprano fallecimiento en diciembre de 2016). También está el pop argentino de los hermanos Calamaro y el jazz contemporáneo mexicano con la voz de Iraida Noriega.
La producción y los arreglos generales de esta “celebración” (el productor prefirió esta palabra a los clásicos “homenaje” o “tributo”) corrieron a cargo de Juan Sosa, multiinstrumentista, hijo de Hebe Rosell e hijastro del propio Briseño, formado como ingeniero de sonido en gringolandia. Como para que la cosa quedara en familia (lo que le da un toque de intimidad a la producción, aunque quizá le quite la diversidad que pudo haber sido y el alcance que pudo haber tenido), Sosa invitó a participar en el proyecto a sus parientes argentinos Andrés y Javier Calamaro y Olmo Sosa. El disco se produjo con financiamiento del gobierno mexicano a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, lo que habremos de discutir un poco al final del post.
Abre Alex Lora con una versión poderosa de “La escena me traspasa (el corazón)”, gran rola sobre las vicisitudes de ser músico de rock en un país como México en los años setenta y ochenta, aparecida en el genial Está valiendo madre… el corazón (1986) de Briseño y el Séptimo Aire, uno de los mejores discos del gran Briseño. Destacan las guitarras metaleras de Jonathan Sea y Olmo Sosa y los arreglos para metales.
La característica voz de Andrés Calamaro (a mí no me gusta, en lo personal) aparece en un tema que ignoro si ha aparecido en algún disco de Briseño: “El eslabón perdido”; un rico soul con un arreglazo de vientos en el que el poeta se define como un eslabón de cierta cadena que está a punto de reventar: México.
Ya habíamos comentado en el post sobre De tripas, corazón (1993) la gran rola que es “La pobreza”: tremenda fusión del jazz rock briseñiano con el huapango arribeño. Aquí la interpreta Eugenia León con instrumentación tradicional (jaranas, arpa, zapateo, violín, guitarrón) y participan en las décimas (que no aparecían en la versión original) Betsy Pecanins y Guillermo Velázquez, un artista que es un pilar de esa tradición popular. La versión se aleja de lo que es central en la obra de Briseño, la fusión, e interpreta el tema como si fuera folclor “puro”, lo que entresaca el profundo conocimiento de Briseño sobre las tradiciones musicales mexicanas, aunque se pierde su mayor aportación. Las décimas de Velázquez son maravillosas.
Saúl Hernández, el fundador de Caifanes y Jaguares —quizá las agrupaciones más exitosas comercialmente de la escena alternativa mexicana— participa con “María de mis alquimias”, de un disco de Briseño que nos falta encontrar para el blog: El conexionista (1990). Se trata de una balada característica del tono poético de Briseño, arreglada aquí muy dulcemente en una versión de cámara (para piano, cello y voz) que recoge bien las complejas aventuras armónicas del autor. También de El conexionista, Cecilia Toussaint, la reina del alternativo mexicano, una cantante con una voz poderosa y una fuerte personalidad, interpreta “Te quiero” (originalmente “Te quiero (cómo lo vas a notar)”. Buenas guitarras (el solo de Olmo Sosa es muy bueno), gran sección de metales y una sabrosa rítmica soul.
“Caricia urgente”, la rola que da nombre al disco, la conocíamos en versión para piano y voz en el disco Nada que perder (1994) de Briseño y Betsy Pecanins. Hermosa balada romántica, aquí la interpreta el argentino Javier Calamaro en versión para banda completa, con la que se aventura a hacer algunos guiños al gospel que tanto le gusta a Briseño.
Iraida Noriega, otra vieja conocida cabezona, quizá la más importante creadora de jazz y múltiples fusiones del México de hoy, hace una gran versión de “Comparaciones” (aparecida en el genial Briseño, Carrasco y Flores de 1978) en un suave estilo jazzero con acentos latinos, acompañada del trío conformado por Roberto Blanco, Gustavo Nandayapa e Israel Cupich (con quienes tiene un discazo que habremos de traer al blog). El tema permite que Iraida explote su experimentada voz hasta límites insospechados. Claro, mi opinión está totalmente sesgada porque Iraida es una queridísima amiga mía, pero yo creo que este tema es el pico más alto de este disco.
El productor, Juan Sosa, se encarga de hacer una versión de “Aquí estoy (vámonos lejos)”, otra rola del fundamental Briseño, Carrasco y Flores. Bien instrumentada, con un claro acercamiento a lo sinfónico y excelentes guitarras, es respetuosa del original. Hay que decir que la voz de Sosa, muy producida, se queda por detrás de la personalidad de Briseño y su rasposa voz bluesera. Son interesantes los toques tecno que Sosa hace con los teclados.
De Viaje al espacio visceral (Briseño, Hebe, Carrasco y Flores, 1981), el “caifán” Sabo Romo interpreta la estupenda fusión soul “La gata hidráulica”, tema de gran complejidad por sus cambios de ritmo, tiempo y armonía. El bajo de Romo realmente la alimenta y su voz cumple: un buen homenaje a esa etapa de la trayectoria de Briseño.
Hebe Rosell interpreta “Soy el agua”, otro de esos maravillosos poemas de Briseño (desconozco si ha sido grabada en alguno de sus discos). Escuchar de nuevo a Hebe cantando el trabajo de Briseño es como volver a esos años, a principios de los ochenta, cuando la cantante argentina cruzaba la frontera del folclor hacia el jazz al lado del gran bigotón, más aún en una balada como esta, para voz y piano solo, como lo hemos visto en su colaboración con Betsy Pecanins o en aquel genial disco conceptual Ausencias e irreverencias.
Los últimos cuatro temas son una reinterpretación de la suite “Viaje al espacio visceral” (del disco homónimo de 1981), a cargo de Juan Manuel Torreblanca y Tania Libertad. En esta versión se ha dividido lo que era una pista de 15 minutos en el LP original, conceptualmente separada en “etapas”, como corresponde a un viaje, en cuatro pistas separadas. Las etapas 1, 2 y 4 son de Torreblanca (voz y glockenspiel) y Sosa (todos los demás instrumentos), mientras que la etapa 3 es de Tania Libertad en arreglo de cámara (piano y cuerdas), lo que la convierte en una rara interrupción de la suite que, en general, está bien lograda en la versión de Torreblanca y Sosa. El original de Briseño es uno de sus trabajos más progresivos, totalmente sinfónico y experimental, que incluye sus acercamientos a la fusión con el folclor mexicano al lado de su pasión por el blues, el soul, el boogie y el gospel y su extraordinario estilo pianístico; es de lo más interesante de su obra. En la “Tercera etapa” del original canta Hebe Rosell, que tiene un timbre medio (quizá entre contralto y mezzosoprano) y descansa deliciosamente sobre el piano solo de Briseño. Sin embargo, la versión de Tania Libertad incluida en esta Celebración rompe totalmente la unidad de la suite pues descontextualiza tanto su continuidad conceptual como su estructura musical.
Hebe Rosell y Guillermo Briseño en la presentación del disco (del kit de prensa)
Caricia urgente es un bello homenaje a un creador fundamental en la historia del rock mexicano y, como dice su productor en alguna entrevista, ya era raro que no se hubiese hecho antes algo así, quizá porque Briseño sigue siendo una figura viva y muy activa en la escena mexicana, tanto en la musical como en la política y la educativa: ¿para qué hacerle un homenaje si está aquí a nuestro lado en la lucha y en la música, si sigue guiándonos y enseñándonos, si es uno de nosotros? Ojalá sea el punto de partida para que haya más reinterpretaciones de su trabajo, más tributos, más homenajes y relanzamientos de sus discos. Por las mismas razones, no me sorprende que este primer homenaje, tributo, celebración o como quiera llamársele, surja dentro de su propia familia, su ámbito más cercano. Sin embargo, esto tiene elementos que hay que analizar: buena parte de quienes participan en el disco son también miembros de la familia: los Calamaro, los Sosa, Hebe, o amigos de la familia. Nos parece que hizo falta una búsqueda más amplia entre los músicos contemporáneos mexicanos para enriquecer el disco y llevarlo más allá de la sala de la casa.
Además, hay que considerar que el disco contó con el apoyo del gobierno para su realización. Es de común conocimiento en los ambientes creativos mexicanos que el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes es una argolla autoreferente dominada por encumbrados grupos y que las asignaciones de su abultado presupuesto no son precisamente imparciales, dando por resultado una producción artística convencional y nada propositiva que, aun a su pesar, termina por legitimar y fortalecer a un sistema enfermo. Tomando en cuenta que la producción de Caricia urgente tiene limitaciones (las que hemos descrito y otras como la deficiente producción del arte del disco o la selección de temas), una revisión imparcial de los jurados que se encargan de decidir quién obtiene y quién no dinero del estado para crear arte y cultura quizá no hubiese aprobado este proyecto (muy de estudio y de familia; casi toda la base instrumental realizada por el productor que además es hijo del homenajeado, en fin).
Independientemente de lo merecido del homenaje y de que se trata de un disco agradable de escuchar, hay asuntos sobre los que tenemos que discutir mucho todavía, empezando por cómo el financiamiento estatal al arte en una dictadura autoritaria como México trabaja efectivamente para desactivar su capacidad transformadora y convertirlo en vil producto de consumo. Aprovecho este post para invitar a las cabezonas y cabezones a visitar los posts anteriores sobre el gigantesco Memo Briseño.
Lista de Temas: 1. La escena me traspasa (el corazón) / Alejandro Lora 2. El eslabón perdido / Andrés Calamaro 3. La pobreza / Eugenia León, Guillermo Velázquez, Betsy Pecanins 4. María de mis alquimias / Saúl Hernández 5. Te quiero / Cecilia Toussaint 6. Caricia urgente / Javier Calamaro 7. Comparaciones / Iraida Noriega 8. Aquí estoy (vámonos lejos) / Juan Sosa 9. La gata hidráulica / Sabo Romo 10. Soy el agua / Hebe Rosell 11. Viaje al espacio visceral, primera etapa: Despegue / Juan Manuel Torreblanca 12. Viaje al espacio visceral, segunda etapa: Los pliegues de este naufragio / Juan Manuel Torreblanca 13. Viaje al espacio visceral, tercera etapa: Te digo compañera / Tania Libertad 14. Viaje al espacio visceral, cuarta etapa: La piedra y el viento (aterrizaje) / Juan Manuel Torreblanca
Alineación: (en esta lista no incluimos las voces principales de cada tema, ya mencionadas en la lista anterior) - Juan Sosa / Voz, batería, bajo, teclados, piano, percusión, programación, guitarras (1-6, 8-9, 11-12, 14) - Jonathan Sea / Guitarras (1-2, 6-7) - Olmo Sosa / Guitarras (1-2, 5-6, 9) - Jaime "Jako" González Grau / Sax alto (1, 2, 5) - Ottis Ganceda / Sax tenor (1, 2, 5) - Delfino Tlaxcaltécatl / Sax barítono (1, 2, 5) - Israel Blancas Tlaxcaltécatl / Trompeta (1, 2, 5) - Esteban Martínez Rivera / Trombón (1, 2, 5) - Irving Flores / Arreglos para vientos (1, 2, 5) - Ernesto Anaya / Jaranas, requinto, violín, percusiones, guitarrón, arreglos (3) - Juan Duarte / Arpas (3) - Vincent Velázquez / Zapateado (3) - Bozena Slawinska / Cellos (4) - Rosina Serrano / Arreglo para cellos (4) - Jaime de la Parra / Guitarras (5) - Verónica Ruiz / Coros (5) - Roberto Blanco / Piano (7) - Gustavo Nandayapa / Batería (7) - Israel Cupich / Contrabajo (7) - Serge "Acid Hamelin" Meseth / Flauta (8) - Sabo Romo / Voz, Bajo (9) - Leonardo Sandoval / Piano (10) - Juan Manuel Torreblanca / Voz, glockenspiel (11, 12, 14) - Ricardo Martín / Piano, arreglo para cuerdas (13) - Arturo Gonzales / Primer violín (13) - Ekaterine Martínez / Segundo violín (13) - Astrid Cruz / Viola (13) - Mónica del Águila / Cello (13)
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Luego de que la semana pasada recibimos muchísimos aportazos de nuestros amigos cabezones, con mucho rock argentino y chileno, esta semana que comienza parece tener las mismas características. Ahora Carlos el Menduco también nos trajo este disco, un clásico del rock: "Humble Pie no solo fueron una banda de rock y blues, sino uno de los primeros grupos en transformar el blues en hard rock" dice uno de los comentarios que aquí reproducimos y los encasilla correctamente, con esa mezcla de garage rock, de blues, de hard rock y hasta de folk. Un verdadero grupo pionero de rock, unos visionarios que conformaron un estilo. Así empezamos una semana donde tendremos muchas sorpresas (y sorpresotas!) y donde publicaremos algunos pedidos de nuestros amigos cabezones.
Artista: Humble Pie Álbum: Rock On Año: 1971 Género: Rock Nacionalidad: Inglaterra
Humble Pie es uno de los denominados super grupos ingleses de fines de los ´60s. Se formaron en 1969, cuando Steve Marriot y Peter Frampton se cansaron de lo que sus respectivas bandas hacían, y decidieron unirse para un ambicioso proyecto bien rockero, con bases de blues, boogie, country y folk. Sus dos primeros trabajos muestran una variada composición, con una marcada diferencia entre los temas acústicos compuestos por Frampton y los temas eléctricos de Marriot. En el tercer disco de 1970 ya se observa la tendencia de como evoluciona su sonido hacia un rock mas duro, que se hace mas evidente con el siguiente LP titulado "Rock On" y que es el que hoy presentamos gracias al Menduco. Steve Marriot toma las riendas de la banda, "Rock On" es un trabajo que sigue la ruta del anterior LP y consolida el sonido que Marriott estaba buscando.
Esto es lo que nos comenta el Menduco...
JOYA ABSOLUTA: Rock On de Humble Pie, Y aqui me detengo para mencionar a uno de mis grandes héroes: Steve Marriot. Uno de los mejores cantantes que he escuchado en mis largos años. Que voz, que potencia, maravilloso. El disco es excelente y está grabado de forma fantástica. Es para escucharlo al mango. Distingo tres temas porque son de lo mejor que se ha hecho: Rollin' Stone de Muddy Waters en una versión ultrapotente. Stone Cold Fever otra perla y la gran maravilla de este disco Strange Days con un trabajo vocal alucinante. La banda suena infernal. Un joven Peter Frampton deslumbra con la Les Paul y Marriot con la segunda guitarra hace maravillas. A gozar...
Carlos el Menduco
Y así damos por empezada, oficialmente, otra semanita llena de vida, llena de música, llena de rock, rebelión, ganas de joder, de disfrutar y de hacer buenos amigos en el blog cabezón.
Probablemente la aparición de otros super grupos como Led Zeppelin o Deep Purple hayan opacado a Humble Pie, que fue un verdadero grupo pionero de rock, con sus canciones y conciertos en los que tocaban a un volumen muy alto, contribuyeron a crear un sonido que después se conocería como hard rock y que derivaría en el heavy metal. Pero eso sería después, mucho después...
Cuando Steve Marriott (guitarra y vocalista) abandonó los Small Faces (posteriormente The Faces) creó junto a Peter Frampton el grupo británico de rock blues y hard rock Humble Pie. El resto del grupo estaba compuesto por el ex Spooky Tooth Greg Ridley (bajo) y el batería Jerry Shirley. Peter Frampton era uno de los mejores guitarristas británicos, y Marriott había demostrado en los Small Faces todo su buen hacer tanto a la guitarra como a las voces. La sección rítmica que formaban el dúo Ridley-Shirley era una locomotora perfectamente sincronizada. Así es que Humble Pie no solo fueron una banda de rock y blues, sino uno de los primeros grupos en transformar el blues en hard rock. En 1969 graban “As safe as yesterdays is” . De este disco proviene su single “Natural born boogie” que alcanzó el número 4 en las listas de éxitos de las listas británicas. En general se trata de un álbum rock blues, y uno de los mejores discos del grupo. Ese mismo año saldría "Town and country" casi totalmente acústico y en 1970 aparece “Humble Pie”, un disco más duro que el anterior pero bastante más flojo en lo que a calidad se refiere. “Rock on” aparece en 1971 y ese mismo año publican el álbum doble grabado en directo “Rockin’ at the Fillmore”. Los dos discos destacan entre los mejores de su discografía. “Rock on” es un disco hard rock con una fuerte influencia blues. “Rockin’ at the Fillmore” por otro lado contiene largas versiones de clásicos blues y sólo un tema propio, Stone Cold Fever. Peter Frampton dejaría entonces el grupo y es reemplazado por Dave Clempson (guitarra, teclado y voces), que venía de participar en el cuarto disco de Colosseum “Daughter of Time”. Con “Clem” Clempson grabaron “Smokin” (1972). Característico sonido de Humble Pie, que se inclina un poco más hacia la música negra y en el que se nota bastante el cambio de voces. La voz de Marriott era muy característica y fácilmente reconocible. La de Clempson es menos agria, menos salvaje y visceral. Aún así, “Smokin” es para mi gusto, el último gran disco de Humble Pie. Grabarían los discos “Thunderbox" (1974) y “Street Rats” (1975), los últimos antes de separarse, que no alcanzan la calidad de los anteriores. En los ochenta Steve Marriott reformó el grupo y de ahí vienen las grabaciones “On to victory” (1980) y “Go for the throat” (1981), que tampoco fueron gran cosa. Humble Pie desaparecieron definitivamente tras el fracaso de los dos discos y en 1991, a causa de un incendio, Steve Marriott falleció en su casa a la edad de 44 años. Hasta aquí esta breve entrada para dar a conocer dos de los discos más emblemáticos de Humble Pie, “Rock On” (1971) y “Smokin” (1972), el primero con Steve Marriott y el segundo ya con Dave “Clem” Clempson. De momento esta entrada está dedicada al primero de ellos y a Steve Marriott. "Rock on" es un buen disco de hard rock, uno de los mejores, sino el mejor, de Humble Pie. Los temas están grabados en una sola toma, al más puro estilo de los primeros discos de los Zep. Seguramente influya el hecho de estar grabados y mezclados por Glyn Johns, que también trabajó con Led Zeppelin y que fue productor del disco junto a Humble Pie, logrando desde el primer hasta el último tema la sensación de ser un disco grabado en vivo. Estamos ante un clásico del rock con temas de la talla de Stone Cold Fever, Shine On, A Song For Jenny y Strange Days. Rock, blues, una pizca de folk, algo de soul y ya tenemos el sabor inconfundible de la mejor música.
A todo esto, Frampton, no estaba del todo de acuerdo con la dirección hardrockera tomada por el grupo y consideraba que su aporte estaba muy mermado por culpa de Marriott. Después de la edición del disco en vivo "Humble Pie Performance: Rockin’ The Filmore" (1971) Frampton decide irse de la banda. Para esos días la grabación en vivo vendía muy bien en USA y Europa, el single tomado del LP "I don’t need No Doctor" se convierte en el primer hit en USA y ya habían alcanzado la fama. La salida de Frampton hizo que aún el sonido fuera más duro, y buscaron un reemplazante que lo ayudara a mantener una línea mas intensa. El elegido fue Dave Clempson (nada menos que un ex Colosseum).
Si hubo una que, a finales de los sesenta, representó el concepto de súper grupo, ésa fue Humble Pie, con Peter Frampton y el Small Faces Steve Marriott. Sin embargo, no fue hasta la marcha del primero que consiguieron alcanzar cotas mayores en estudio. Y la primera, y más sembrada, fue ‘Smoking’’, una obra que, como el buen whisky de barrica, con el paso de los años, sigue ganando en sabores. “Éramos una banda difícil de vencer. Nadie quería tocar después de nosotros” Steve Marriott Noviembre de 1971, Humble Pie publican ‘Performance Rockin’ The Fillmore’. Por aquel entonces, Marriott estaba obsesionado con su objetivo de hacer de Humble Pie una banda fuerte en Estados Unidos. Que aquel disco fuera grabado en el Fillmore East de Manhattan no fue algo fortuito, tampoco que fuera el trabajo más vendido de Humble Pie hasta aquel entonces. Uno en el que Marriott toma el foco central del protagonismo. Sus leoninas interpretaciones vocales son el gancho más certero del grupo. Marriott era la fuerza centrípeta de la banda, quien arrastraba al resto hacia su pira de blues rock latente. Puro fuego que intimidó a Frampton hasta el punto de que éste se llegó a replantear su futuro en el grupo. Este doble LP en directo fue el testamento sonoro de Peter Frampton con Humble Pie, aunque también pudo haber sido el del grupo. ¿Cómo encontrar a un guitarrista que igualara en intuición rítmica y destreza armónica a Frampton? Bajas de este peso son las que no cierran etapas, sino que echan el telón sobre un grupo. Sin embargo, en el caso de los Humble, se da una circunstancia de divorcio deseado por ambas partes, acuciado por las luchas entre Marriott y Frampton, del que Jerry Shirley, el habilidoso batería de los Humble, primeramente recuerda “que fue una sorpresa total”. Comentando la salida de Peter Frampton de la banda, poco después de que los conciertos de Fillmore hubieran tenido lugar: “Hemos hablado mucho sobre esto, y ya es agua pasada. Pero en aquel momento no pensé que las cosas que le estaban empezando a molestar un poco [a Frampton] lo hicieran hasta el punto de estar listo para abandonar el grupo”.
A lo largo del tiempo hubo varios intentos por reunir a Frampton y Marriott en una nueva encarnación de Humble Pie. Los fanáticos no perdían las esperanzas, pero el 20 de abril de 1991 todo eso se hizo humo. Steve Marriott se queda dormido con un cigarro prendido, quemándose su casa en Inglaterra y poniendo punto final a la vida de éste extraordinario músico que hoy homenajea nuestro amigo Menduco.
Lista de Temas: 1. Shine On 2. Sour Grain 3. 79th and Sunset 4. Stone Cold Fever 5. Rollin' Stone 6. A Song for Jenny 7. The Light 8. Big George 9. Strange Days 10. Red Neck Jump
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La última canción que toco fue el clásico "Sweet home Chicago". Invitado por Eric Clapton, tocó junto a Buddy Guy, Robert Cray y su hermano Jimmie Vaughan. Se dio una de esas noches increíbles donde la leyenda invita a la leyenda para tocar Blues.
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