Congreso - La canción que te debía (2017) ---ScRaBBlE

Del sombrero del Mago Alberto, ¡el último de Congreso! Una banda que ya es leyenda, con cinco décadas de innovar en el ámbito de la fusión del rock con la tradición popular andina y latinoamericana desde Chile. Una joya discográfica para cualquier cabezón, fusión folk de cuidada factura, con una producción impecable y un sonido limpio y contundente.

Artista: Congreso
Álbum: La canción que te debía
Año: 2017
Género: Rock fusión, folclor progresivo
Duración: 1:04:22
Nacionalidad: Chile


La fusión que caracteriza a esta legendaria banda chilena ya se acerca al medio siglo de existencia si tomamos en cuenta que se formó en 1969 y sus primeros trabajos se grabaron a principios de los 70. El Mago Alberto vuelve con esta joya y la describe así:

Congreso a través del tiempo se ha convertido en un grupo maduro, realizado, volviendo de todo, y quizás esa actitud los transformó en el grupo más internacional e importante de Chile, con una propuesta musical que a estas alturas forma un anagrama único, y su cosecha profesional partió de una preocupacion intensa por el sonido, para que siempre todo sonara con muchísimo nivel, para que las voces sean protagonistas de los versos y climas musicales, para que todo suene compacto sobre hermosas melodías.

Y siempre que se habla de musica contemporánea de Chile se nombra a Los Jaivas, pero inmediatamente se menciona con tintes de asombro también a Congreso. Cabe señalar que hay un fuerte tinte politico en la banda, y que en su momento fue muy contestataria, en especial cuando en Sudamérica reinaban las dictaduras militares, y quizás ese pensamiento los llevó a unirse a muchísimos músicos argentinos, que como decía Borges, no los unía el amor sino el espanto... con quienes se mezclaron en trabajos discográficos y con otros, con los que solo compartieron shows en vivo.

Cabezones, esta es música del mundo, ¡esto mezcla el espectro más selecto de la música!, esto es el fruto de años y años de ruta, los Congreso en su último proyecto, un disco exquisito, esto es para tomarse el tiempo, desmenuzar y disfrutar. Acá van a encontrar cosas de Zappa, tango, ritmo de baguala, canciones, rock y no falta ni sobra nada, este es un disco por demás equilibrado.

Los cabezones ya conocen a Congreso; este nuevo trabajo después de 7 largos años y casi 3 de producción son el aliciente adecuado para descargar esta belleza musical.

Esto no se recomienda, esto es obligatorio tener.

Mago Alberto

 
No tengo mucho que añadir al comentario del Mago, y como él dice, la música habla por sí sola, ¿qué más podemos decir de ella? Estoy escuchando el disco mientras preparo el post y, nuevamente, Congreso me deja sorprendido con la pureza de su sonido y la inteligencia de su elaboración. Sin mencionar el compromiso político de la banda que aquí se expresa poéticamente con gran fuerza.

Si el título, "La canción que te debía" hace referencia a lo que la banda había dejado pendiente, aquí nos cumplen totalmente. El tema así titulado es un poema bellísimo, limpiamente ejecutado en espíritu progresivo total. Otro grande es el jazzero y humorístico (luego dramático) "El viaje", o el huaynito inicial de "Premio de consuelo", o el valsesito cortante (al estilo que se conoce en toda la costa del Pacífico, desde Chile hasta Ecuador) de "El rey Midas", o la fortísima y enérgica "A las yeguas del Apocalipsis". Un gran disco de música latinoamericana. Y no se pierdan los otros trabajos de Congreso en el blog cabezón.

Concierto de presentación del disco

Lista de Temas:
1. Premio de consuelo
2. París 2016
3. Canción por la paz
4. La canción que te debía
5. El viaje
6. El rey Midas
7. Baguala tuya
8. Las sillas "boca abajo"
9. La sombra de un sueño
10. A las yeguas del Apocalipsis
11. Contemplación
12. El regreso
13. Fin del Show
14. Tiro de esquina
15. Con el corazón

Alineación:
- Sergio "Tilo" González (1969-) / Compositor, baterista.

- Francisco Sazo (1969-1980, 1986-) / Textos y voz.

- Hugo Pirovich (1977-) / Flautas y percusión.

- Jaime Atenas (1984-) / Saxos soprano y tenor.

- Raúl Aliaga (1992-) / Marimba, percusión étnica y electrónica.

- Sebastián Almarza (2003-) / Piano acústico y teclados.

- Federico Faure (2006-) / Bajo eléctrico.

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Varga János és a Mediterrán Combo - Latin Fantázia (2006) ---ScRaBBlE

Cerramos una semana a pura buena música húngara y muchos guitarristas geniales con otra faceta desconocida, hasta ahora, del maestro Varga János, ya que en este álbum se larga a las interpretaciones de... música flamenca, confirmando la enorme flexibilidad de este músico genial. The Mediterranean Combo es una nueva forma de Varga János, un trío de música latina con un temperamento virtuoso que mezcla nouve flamenco, bossa nova y jazz, en el cual los instrumentos acústicos juegan un papel prominente, creando un disco que además de sus propias composiciones, también interpretan obras de guitarristas mundialmente famosos: Al Di Meola, Paco de Lucía, John Mc Laughlin. Otra vez el fundador de la banda de rock progresivo húngaro East nos da una sorpresa, pero eso es algo a lo que deberíamos acostumbrarnos ya que con cada producción el Botafogo húngaro se encarga de dejarnos con la boca abierta. Y esta no es la excepción.

Artista: Varga János és a Mediterrán Combo
Álbum: Latin Fantázia
Año: 2006
Género: Música mediterránea
Nacionalidad: Hungría


Como ya deben saber, la carrera musical de Varga János comenzó, oficialmente aunque antes había tocado en otros conjuntos, como el fundador de la banda East como compositor y guitarrista, en 1975. Desde allí el tipo ha realizado muchísimas obrqas en distintos ámbitos: orquestal, música de ballet, grupos de música de vanguardia, teatro, contribuyó con la biblioteca alemana de música Sonotel, ha producido obras experimentales visuales-musicales, contribuyó al en decenas de comerciales como compositor (incluso tiene un premio Oscar para la categoría de películas comerciales), etc.
También este inquieto y talentosísimo músico aún se mantiene como músico invitado o como miembro de grabaciones musicales varias, pero deja en claro que lo suyo es el álbum de autor.

Y es por ello que hoy vamos a dejar un disco distinto al que generalmente publicamos, porque es parte de un músico que no para de ampliar sus horizontes. Esta fantasía mediterránea sigue el camino iniciado en el lejano 1975 con East, ahora con esta música acústica que es un hechizo. Acompañado esta vez por su compañero en las teclas de Varga János Project, Varga János Jr en guitarras ¿será el mismo hijo que participó en su último disco de Varga János Project? pregunto porque allí toca batería y percusión pero aquí la guitarra... parece que la eficacia musical viene en el ADN!
Si te place escuchar una música suave, sin estridencias y cercano a la música mediterránea, bueno, aquí tenés un disco perfecto para que conozcas otra faceta de ese verdadero genio llamado Varga János...

Y disculpen pero no voy a escribir mucho más, demasiado escribí sobre él aunque de verdad todas las palabras son pocas, su obra hay que escucharla, disfrutarla y compartirla. Un verdadero genio (otro más) que se hace presente en el blog cabezón y que presentamos en sociedad.
Y con esto vamos cerrando la semana, veremos qué nos depara la semana que viene, veremos qué aportes hará el Mago Alberto y sobre qué tenemos ganas de escribir...

Pero por ahora tienen para entretenerse, y de sobra.

Lista de Temas:
1. Mediterrán éjszakák
2. Copacabana
3. Hölgyválasz
4. Samba
5. Flamenco fodrok
6. Bacardi
7. Mikor hozzád indulok
8. Kasztíliai dombok
9. Távolodó felhők
10. Könnyű álom

Alineación:
- János Varga / guitar
- János Varga Jr. / guitar
- Zsolt Nagy / piano
With:
László Szitkó Jr. / piano solo (1 - 5)

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Congreso - 25 Años (1994) ---ScRaBBlE

Quizás el mejor disco de Congreso es lo que ahora nos trae el Mago Alberto. Una de las mejores aagrupaciones de la banda chilena (con el inmenso Jorge Campos, Sazo, Jaime Vivanco, Tilo González, Pirovich, Jaime Atenas, Raúl Aliaga y Patricio González) y con una serie de invitados entre los que encontramos al no menos inmenso Ernesto Holman (que pedazos de bajistas que siempre a tenido siempre Congreso!), León Gieco, Isabel Parra (Los Jaivas), José Seves (Inti Illimani), Eduardo Gatti (Los Blops), Joe Vasconcellos, Fernando y Patricio González (tres de los fundadores de Congreso) y el Pájaro Araya (Huara, Congreso). Este disco es una buena antología con muchos de sus éxitos, tremendo discazo para empezar la semana, un trabajo que no puede faltar en el blog cabezón, ni en pedo!

Artista: Congreso
Álbum: 25 Años
Año: 1994
Género: Rock fusión, folclor progresivo
Duración: 69:04
Nacionalidad: Chile

Este disco muestra parte de su historia y reúne a nuevos y antiguos miembros de la banda. Por si alguien aún no los conoce, les cuento que el conjunto Congreso es una tremenda auguración chilena con varias décadas en el mundo de la música latinoamericana experimental, un nombre fundacional en la suma del rock chileno con el folclore, un protagonista en la llamada "música de fusión" (creo que junto a Los Jaivas son los máximos exponentes del otro lado de la cordillera) y un conjunto esencial en la identidad musical chilena. Dentro de los estilos que han desarrollado y fusionado durante su historia están el folkore, rock, jazz y el rock progresivo, pero con un estilo muy particular, con los sentimientos a flor de piel y mucho contenido social, creando una música densa, un jazz fusión complejo pero sencillo por momentos, tan latino como africano y europeo, con mucha percusión, fuerza, ritmo y melodía, y letras bellas y poéticas que hablan de amor, libertad y justicia. Una hermosura por el lado que se la vea.
Aquí, la presentación del Mago Alberto de esta gran obra que les recomiendo empecinadamente...

Una brisa de verano que inunda el blog cabezón, Congreso y un trabajo que es considerado su mejor realización según los especialistas de turno, y que indudablemente no puede faltar en Cabeza de Moog, "si el rio suena es porque agua trae", y este proyecto suena y mucho!. Festejando 25 años de una banda ícono de la música fusión sudamericana, "experimental", como prefieren denominarla los propios músicos.
Hay cosas muy puntuales que sobresalen en esta grabacion en vivo, "En Horario Estelar", la canción que abre el concierto, si bien en estos años era una canción nueva, luego se transformó en la que es sin dudas una de las canciones más hermosas y emotivas de Congreso, y como regalo inesperado, León Gieco con Pancho la cantan en un dueto impresionante, con un detalle de producción exquisito quizás por lo inusual, y es que las dos voces por tener ambos el timbre de voz casi idénticos, no cantan en primera y segunda voz, sino que la cantan "naturalmente", dando un efecto interesantísimo, como una especie de "voces en estereo dual", pero con matices, un detalle musical que los Congreso conocen de sobra, porque si existe una banda con un nivel supremo de producción artística y musical son ellos, indudablemente.
Acá nada esta librado al azar, esto es un homenaje abierto a su público, a sus seguidores, acá todo esta pensado hasta el más mínimo detalle, y el resultado es sencillamente espectacular, así que cabezonas/es busquen un momento especial, acomódense, y denle play a un viaje estelar e interestelar.
Los invitados al show son figuras y amigos que aportaron el ingrediente exacto para un festín musical, otro detalle importantísimo también a destacar es el sonido de la grabación... profesionalismo con mayusculas!.
Cabezones decir que esto es hermoso es poco como calificativo, esto es un soplo al alma. El soplo de verano se llama Congreso.

Mago Alberto

Músicos fuera de serie, siempre mostrando un gran respeto por el público, sean estos 10 o 10.000. Su solidez y su convicción le han permitido sobrevivir a la falta de espacios tras la llegada de los militares, y a la irregular difusión de sus canciones. Como pocos, Congreso goza del unánime respeto en la comunidad musical, y ha visto pasar por sus filas a varios de los más destacados instrumentistas del país. Algunos de ellos se presentan aquí, para el disfrute del público cabezón.

Aquí, tras los 25 años de trayectoria presentan con su élite musical, que son puros maestros en los pentagramas, este dico con invitados de lujo.

Hablar de los paisajes o lugares que se hallan presentes en el trabajo de Congreso es una tarea difícil. Se podría decir que toda la extensión de Chile se pasea por su música, nunca dejando de sorprendernos, desde el politonal altiplano nortino, a las grandes ciudades como Santiago y Valparaíso, a los bosques y lagos del sur, hasta la inmensa Patagonia, su música siempre encuentra un hogar. Estos paisajes y lugares son visitados por la música y se dejan introducir a través de las canciones, las palabras, las mezclas, para transformarse en voces, ritmos, sonidos, que nos obligan a escuchar y descubrirlos.
Congreso: 25 años de música, es el decimocuarto disco oficial de Congreso, grabado y editado por EMI Music Chile en 1994. Este disco, es para conmemorar los 25 años del grupo, junto a artistas como: Isabel Parra, León Gieco, Eduardo Gatti, José Seves y Claudio "Pajarito" Araya. Además, se cuenta la presencia de ex-integrantes como Joe Vasconcellos, Ernesto Holman y Fernando González.
Luego de 2 años de giras por el país y el extranjero, Congreso vuelve a Chile a preparar la celebración de sus 25 años. La EMI, los contrata y gestiona la celebración de los 25 años en el Velódromo del Estadio Nacional de Chile, junto a grandes artistas. Luego de ese gran concierto el grupo lo repite, pero de forma más íntima en la sala SCD, en dónde registran esta placa.
Este disco, muestra versiones en vivo de temas clásicos, aunque, contiene 2 temas inéditos: "En horario estelar" dedicado a Víctor Jara, y en el que menciona el conflicto en Ruanda; y "Una señal de amor", un bolero romántico.

Wikipedia

El disco “25 años de música. En vivo” del grupo nacional Congreso marca los 25 años de carrera de este y el final de una gira de 2 años por Chile y el extranjero. Bajo el sello EMI Odeon se graba este disco en la sala SCD en Santiago el día 12 de Octubre del año 1994, siendo el penúltimo lanzado por la banda bajo este sello (el último fue “Por amor al Viento”). En cuanto a la relación con EMI, el flautista y percusionista de la banda Hugo Pirovic dijo: “En general la relación fue bastante buena, a excepción del disco Los Pájaros de Arcilla, (1984) el cual fue producido y lanzado en Argentina y acá en Chile EMI dijo que no era negocio lanzarlo”.
Sobre el tema de los porcentajes de ganancia con el sello declaró: “Todo ese tema funciona bajo lo que se llama un royalty, que consiste en que el sello a nosotros nos entrega cierta cantidad de dinero que es estimativa a lo que ellos creen que pueden ser las ventas del disco, entonces ellos nos entregan esta plata y después ellos la recuperan, y si se comienza a generar más, después nos pasan otro porcentaje más de las ganancias recaudadas”.
Frente a la grabación del disco, Pirovic continúa: “Los invitados fueron pensados antes y todos fueron puestos en base a que canción le calzara mejor; por ejemplo León Gieco, a quien conocíamos por las tocatas, cantó “…En horario Estelar” a dueto con Pancho porque claro, la canción es de un tempo más rápido y aparte es una canción nueva en esa época junto con “Una Señal de Amor”. Continuó: “Joe Vasconcellos y Fernando González teniían que ser invitados. Fernando fue el fundador y creador del grupo, el mayor de los hermanos González, estuvo ahí con la guitarra eléctrica en esos 3 temas (“Romance”, “En el patio de Simón” e “Hijo del Sol Luminoso”). El tema de Joe era obvio porque es uno de sus temas más famosos y que además lo hizo cuando estaba en Congreso.
A modo de anécdota nos relata: “Recuerdo que en el tema “Canción de la Verónica”, durante la grabación, a la Isabel se le ocurrió cambiar la letra de la canción en una parte porque había una palabra que ella, no sé si por asuntos religiosos o alguna tontera así, no podía decir. A nosotros no nos dijo nada y en el concierto mismo todos quedamos un poco descolocados porque fue muy raro.”
Con respecto a la preparación del concierto y su grabación nos cuenta: “Uno podría pensar que por ser grabado para un disco, el concierto tuvo un grado mayor de preparación que otros, pero fíjate que no fue así. Ensayamos en Estación Mapocho con Holman, con la Isabel, con Joe, el José Seves y con el “Pájaro” (Claudio Araya), pero ponte tú con Eduardo Gatti fue el mismo día, igual que con León Greco que llegó el mismo día de Argentina”.
Después de 16 años desde este concierto, Congreso continúa en la escena musical nacional, realizando giras por Chile y por el mundo. Ante la pregunta sobre cómo definiría su música, Pirovic ríe y dice: “Nosotros la definimos como fusión, pero la verdad es que tiene una mezcla enorme de estilos. A nosotros siempre nos ha gustado al experimentación, y con el tiempo y luego de tantos años tocando y por sobre todo por el amor a la música, uno se da cuenta de que la gente a veces sabe mucho más de congreso que uno mismo. Muchas veces nosotros no nos acordamos a cabalidad de los detalles de los discos.”
En ese momento llama a Pancho Sazo, vocalista de la banda, para preguntarle sobre el disco y me lo pasa al teléfono. “No me acuerdo” dice riendo. “ Y yo creo que ninguno de estos viejos se acuerde”.
Ya con 41 años de historia, Congreso es ahora una banda independiente y que siguen disfrutando por sobre todo, de tocar música. Y a los fanáticos nos queda esperar quizás 9 años más para poder tener un concierto de gran magnitud para celebrar los 50 años en escena del conjunto nacido en la ciudad del sol, Quilpue.

Nicolás Rojas

No se pueden perder este festival de bestias acariciándote el corazón! Y no dejen de agradecer al Mago Alberto.


Lista de Temas:
1. ... En horario estelar
2. Hasta en los techos
3. Hijo del sol luminoso
4. Una señal de amor
5. Nocturno
6. Canción de la Verónica
7. Romance
8. El sombrero de Rubén
9. Vuelta y vuelta
10. En el patio de Simón
11. El color de la iguana
12. Viaje por la cresta del mundo
13. En todas las esquinas

Alineación:
- Sergio "Tilo" González / drums, composer, dum dum, acoustic guitar
- Francisco Sazo / vocals, tarkas, texts, recorder
- Hugo Pirovich / flute, dum dum, sax, backing vocals
- Jaime Vivanco / piano, synthesizers
- Jaime Atenas / soprano and tenor sax, flute, Ewi
- Jorge Campos / electric bass, contrabass, vocals
- Raúl Aliaga / marimba, congas, cajón, ethnic percussion
- Patricio González / violoncello, charango, acoustic guitar

Invitados de cumpleaños:
Isabel Parra / vocals (6, 7)
León Gieco / vocals, harmonica (1)
Eduardo Gatti / vocals (9, 10)
Joe Vasconcellos / vocals (3), percussion en los temas (2, 4, 5, 7, 8, 10, 12)
José Seves (Inti Illimani) / vocals, cajón (11)
Fernando González / electric guitar (3, 7, 10)
Claudio "Pajarito" Araya (Huara) / cuatro (1, 6), tiple (3)
Ernesto Holman / fretless bass (12)

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Rubén Blades y Son del Solar - Live! (1990) ---ScRaBBlE

Para cerrar con el cuarteto de discos de Rubén Blades y Seis/Son del Solar que veníamos comentando hace algunas semanas, tenemos una placa fabulosa: el Live! con versiones de los discos anteriores del combo, tal como deben ser: en vivo y bailando. Los conciertos de los que se han tomado estos cortes sucedieron en el Lone Star Roadhouse de Nueva York, el 29 y 30 de octubre de 1989, y en ellos tenemos a esa gran banda en pleno interpretando lo más bailable de su producción y aumentando un tema que no había grabado Son del Solar, el mismísimo ultrahit de Blades y de la salsa en general, ¡“Pedro Navaja”! El compositor comprometido aparece aquí abanderando sin tapujos sus ideas, apenas unas semanas antes de que el gringo loco de aquellos días (no muy diferente que el de ahora) decidiera invadir Panamá.

Artista: Rubén Blades y Son del Solar
Álbum: Live!
Año: 1990
Género: Son / salsa / fusión funk
Duración: 1:14:01
Nacionalidad: Panamá, Puerto Rico, EUA


Si “la música en vivo siempre es mejor”, como decían Madaleno y Daniel Pérez Arcaraz, conductores de un viejo programa de la TV mexicana, El club del hogar, el son en vivo es siempre muchísimo mejor. Una música que mueve al baile logra, en el concierto, en el dancing club, en el cabaret, donde sea, una conexión especial entre músicos y público. A través del baile, la gente se hace partícipe y confabula con los músicos la maravilla de las notas entrelazadas y el ritmo. Ningún ejemplo como este discazo de Blades y los del Solar. Además, el registro contiene momentos en que don Rubén conversa demostrando que es un enorme showman además de compositor, actor y cantante, incluyendo alguna mención a cierto percance que sucedió a alguien del público y que el artista tiene el decoro de mantener presente y comentarlo en el escenario. Pero de las anécdotas que narra, es divertidísima la que introduce “Pedro Navaja”: cuenta que cuando la presentó (a Fania) fue rechazada porque era muy larga y eso, apoyado en el éxito rotundo que acompañaría a la versión que grabó con Willie Colón, le da pie para burlarse de las decisiones que toman los ejecutivos de las empresas, en este caso una disquera, bromeando (y guardando las proporciones del caso: “no es que yo me ponga en esa categoría”, justifica) sobre qué le hubiera pasado al Quijote si los editores de Cervantes hubieran sido esos ejecutivos: “¡Hubiera salido un pasquín!”

Pero vamos a la música: la grabación abre con “Decisiones”, la rola humorística que cuenta las peripecias de tres indecisos aparecida originalmente en Buscando América. A diferencia de la versión en estudio, acá el arranque es un dueto baladero de teclado y trombón sobre el que truena el combo con una energía de percusiones que sólo anuncia lo que será el disco. En esta ejecución en vivo no sólo los músicos le meten más candela que en el estudio; el propio Rubén improvisa comentarios, bromas, juegos que vuelven el todo más vital.

En segundo lugar, “Cuentas del alma” (de Escenas) nos regresa al momento más experimental de Blades con los Seis. Es una tremenda fusión son/rock/funk en la que la batería marca el paso para esta profunda canción sobre el amor y la ausencia. También aquí se siente a un Rubén más dispuesto a improvisar fuera del marco del original y definitivamente la orquesta suena más poderosa siendo Son que siendo Seis, especialmente en el puente instrumental que conduce al solo de piano de Oscar Hernández. Si ya conocíamos al enorme pianista que es, aquí está otra prueba de que es capaz de hacer del teclado un tambor que navega sobre el mar alocado del funk. Hay que poner atención en los timbales de Ralph Irizarry porque aquí se transforman en redobles de batería propios de un gran jam.

La sigue otro de los grandes temas de Buscando América: “El padre Antonio y el monaguillo Andrés”, aquel dedicado a los curas libertarios que han caído en América Latina a manos del oscuro poder, basada en la tragedia de monseñor Romero. “Al padre lo halló la guerra un domingo en misa...” dice esta fusión-conga que crece en vivo si se la compara con el original, no sólo por la vivacidad de la ejecución sino porque extiende el mensaje aprovechando la situación de concierto: “Suenan las campanas por la libertad de mi América”. Y en esto estaremos siempre de acuerdo con don Rubén mientras lo vemos salir sobre un sabroso compás de seis octavos.

Sobre los aplausos Rubén inicia una narración para presentar la siguiente rola: “Cuando yo escribí esta canción originalmente, me dijeron que esta canción nunca iba a tener éxito en la compañía (cuyo nombre no voy a mencionar ahora) porque era una canción muy larga”, y actúa al personaje imaginado: “Oye, Cervantes, chico, quítale un poco de hojas a eso, que eso está muy grueso. La gente no va a leer eso. La parte de la Dulcinea sí me la dejas ahí, a la gente le gusta eso, pero lo demás… ¡Sancho Panza! ¡Quita a ese tipo de ahí, chico! ¡Quién quiere ver a un gordo ahí!” Pedro Navaja resultó uno de los mayores éxitos en la historia de la música popular afrocaribeña. Y, con todo respeto al admirado Willie Colón, esta versión de Son del Solar es mucho mejor que la original. “A ver quién se acuerda de la letra”, reta Rubén a un público que corea íntegra la historia del bandido newriqueño. Los arreglos son los de Colón, pero aquí tiene mucho más dinamismo, tanto en la velocidad como en la interpretación, además de que al final los clásicos pregones –“la vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida, ay Dios”–, que presiguen al borracho bamboleante son muy divertidos.

El disco incluye “Todos vuelven” (de Buscando América), el vals peruano de César Miró, himno de los migrantes, en versión sonera extraordinaria, y luego la sigue la divertida “Canción del final del mundo” (Escenas). Como no tengo el original del disco Agua de luna (1987) de Rubén y los Seis, no lo hemos comentado. Aquí hay una muestra de su contenido: “Ojos de perro azul”, dedicada al relato del mismo título de Gabriel García Márquez, es un son fabuloso y en esta versión en vivo también, Rubén se extiende en los pregones. Lo más destacado de este tema son las figuras en tumbao con que abre y cierra, podría asegurar que están entre los momentos más luminosos de esa gran banda que son los del Solar.

“Buscando América”, ese himno, se extiende en el concierto casi tres minutos más que la versión original, aunque parte de ese tiempo es una intervención de Blades, en español y en inglés, que aclara que se refiere al continente pues, claro, el disco original no dejó de ser leído por el mercado estadounidense como una referencia al país que carece de nombre y decidió expropiar el que es de todos nosotros.

El cierre del disco es “Muévete”, el songo de Escenas que Blades tomó prestado de los Van Van (y le cambió la letra, como ya comentamos en el post de ese disco). Destaca en el final el solo de batería de Robert Ameen y luego la forma en la que Blades va presentando a los músicos de la banda: en un largo fade out, cada ejecutante deja de tocar en el compás en que es mencionado su nombre, hasta quedar solo Rubén, un cencerro que marca la clave y la despedida. Se extraña, sin embargo que no se hubiera incluido ningún tema de Antecedente (nos hubiera encantado una versión en vivo de “Contrabando” o “La marea”).

Sólo seis semanas después de estos conciertos; días apenas luego de que las grabaciones fueran masterizadas para poner el disco en el mercado, Bush el viejo, entonces presidente de los Estados Unidos, ordenó la invasión de Panamá. “Operación Causa Justa” llamó a la intervención ilegal y asesina con la que decidió destronar al asesino Noriega, títere que él mismo había encumbrado (cuando era director de la CIA) en el poder de la nación istmeña y que se le había “salido de control”. El 20 de diciembre de 1989, cincuenta días después de que Rubén afirmara ante su público que “En Latinoamérica matan a la gente pero no matan a la idea”, los batallones de seals y marines desembarcaron en Panamá y desataron una violencia que acabaría con la vida de cientos de inocentes, desplazaría a miles más y hundiría al pequeño país centro-sudamericano en una crisis sin fondo. Quizá fue ese hecho lo que decidió a Rubén, el abogado, a incursionar en la política, llegando a postularse a la presidencia en 1994 (quedó tercero de siete candidatos, con un 20% de los votos) y fungiendo como ministro de turismo entre 2004 y 2009.

Diez años después de la invasión (diez años después de los conciertos que hoy comentamos), Rubén dedicó por fin una canción a esos hechos: “20 de diciembre” del disco Tiempos (1999); una excelente producción solista, diversa y sentida, más próxima al folclor latinoamericano, que ya traeremos más adelante a Cabeza de Moog.

¡A bailar, cabezonxs! (disculpen mi errático postear y andarles siempre debiendo discos).



Lista de Temas:
1.Decisiones
2. Cuentas del alma
3. El padre Antonio
4. Pedro Navaja
5. Todos vuelven
6. La canción del final del mundo
7. Ojos de perro azul
8. Buscando América
9. Muévete

Alineación:
- Oscar Hernández / piano
- Mike Viñas / bajo
- Ralph Irizarry / timbales
- Edwin “Eddie” Montalvo / congas
- Arturo Ortiz / sintetizadores
- Robert Ameen / batería
- Roger Páiz / bongós
- Marc Quiñones / congas
- Ángel “Papo”Vásquez, Reinaldo Jorge, Leopoldo Pineda / trombones
y Rubén

Y pa' cerrar, una reseña de afuera:

En AllMusic, por Evan C. Gutierrez:
All Rubén Blades fans know his wizardry in the studio to be beyond comparison in the salsa world. Though some artists have difficulty making the transition from studio to stage, Blades takes on the challenge like a champ. His prowess as a live performer is in equal proportion to his inventive studio presence. The only disappointing aspect of his 1990 release, Rubén Blades y Son del Solar...Live!, is that it's Blades' only live in concert performance in his large discography. Backed up by the 11-piece band Son de Solar, Blades concentrates on repertoire that pleasingly mixes material from recent collaborations with the band, Agua de Luna and Buscando América, and his days with Fania. The play list is one crowd-pleaser after another, including recent hits like "Ojos de Perro Azul" and classics like "Pedro Navaja." Though favoring a now dated synth-heavy sound, the musical performances are so powerful that they must have shaken the club to its foundation. Son de Solar are themselves an amazing conflagration of Latin star power, including pianist Oscar Hernandez, timbalero Ralph Irizarry, Marc Quiñones, and drummer Robby Ameen. The pedigree of musicianship shows through in the flawless, achingly funky grooves and virtuosic solos. Blades proves himself not only to be a master musician, but also a wonderful communicator and entertainer, as is evident in his often humorous interactions with the crowd. The unacquainted will be won over, and dedicated fans will hear their beloved cantante as never before.

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Gnidrolog - Gnosis (2000) ---ScRaBBlE

Con tres de sus integrantes originales (los hermanos Goldring y Nigel Pegrum), Gnidrolog se reunió en 1999 y lanzó Gnosis en 2000. Este álbum es prueba fehaciente de lo que logran el tiempo y el trabajo, pues si bien los Goldring pasaron a la “clandestinidad” del trabajo en estudio y la producción musical, no dejaron de crecer como músicos y creadores. Aunque en franco registro crossover, por momentos casi pop, Gnosis supera los “peros” que pudimos ponerle a los discos de Gnidrolog de 1972 y entrega un rock fusionado con música de Medio Oriente y otras aventuras, de una limpieza y una factura dignas de tomar en cuenta. Un buen disco, cabezones y cabezonas, que no se deben perder; como siempre, sólo en Cabeza de Moog!

Artista: Gnidrolog
Álbum: Gnosis
Año: 2000
Género: Rock progresivo crossover / fusión
Duración: 1:14:10
Nacionalidad: Inglaterra


Con canciones de mediana duración (entre 4 y 7 minutos), Gnosis propone un Gnidrolog que ni los más avezados futuristas se hubieran atrevido a describir. Una placa que exhala madurez por todas sus aristas, reuniendo materiales de treinta años en el camino: desde temas de principios de los 70 que no se hicieron un lugar en In Spite of Harry’s Toe-Nail ni Lady Lake hasta composiciones hechas específicamente para Gnosis, pasando por material que los hermanos Goldring guardaron durante décadas. Uno habría esperado alguna recreación de los temas conocidos, pero la banda no da su brazo a torcer: todo es nuevo. El resultado final es un disco con un sonido puro y limpio (ojo a las guitarras cristalinas), con arreglos de alto nivel impecablemente ejecutados, pero sin las marcas de fábrica de la banda: el uso de tiempos complejos y velocidades cambiantes y el ensamble de vientos. Hay que destacar que la voz de Colin Goldring aquí ha depurado su nasal intensidad para lograr un sonido armonioso sin perder su característico timbre.

“Reach for Tomorrow”, escrita en los 70 y dedicada a los héroes de la revuelta en el gueto de Varsovia en 1945, es también una plegaria por la paz en Medio Oriente y tiene un dejo de la forma de cantar la música tradicional askenazi que los Goldring aprendieron desde su niñez. Balada acústica suavecita, crece y golpea con la instrumentación completa en coros y remates, adquiriendo una fuerza inaudita. En el mismo tenor, la instrumental “Reverend Katz”, dedicada a su maestro de infancia, muestra lo que Gnidrolog ha logrado ganar con el tiempo y con nuevas miradas en la producción: una batería dura, precisa y fuerte que no tenían antes, guiños al hard blues rock, solos de guitarra dignos de los monstruos de los 90.

Claro, no todo es perfecto: la balada de amor “Fall to Ground” parece tener demasiadas concesiones al pop simplón, especialmente en el coro que casi suena a nueva ola, si no fuera porque el manejo armónico tiene sus sorpresas. La sigue “Woolunga (Safe Haven)”, instrumental compuesta específicamente para este disco, que hace referencia al estudio como lugar seguro del músico. Aquí aparece la flauta dulce de Colin Goldring, sobre una interesante experimentación con didjeridoos, esos largos instrumentos de las culturas nativas australianas, y la kalimba de origen africano, todo para darle lugar a la estupenda guitarra de Stewart Goldring.

“Wonder, Wonder” es un rico crossover basado en la guitarra acústica de Stewart Goldring y con una fuerte presencia del bajo fretless de Rick Kemp que amplifica el valor melódico de la canción. Al oír esta canción uno se ve tentado a preguntarle a Colin, ¿por qué no cantabas así en 1972? (o en su defecto a los productores, ¿por qué no trabajaron más esas mezclas?) Luego, “Deventer” es otro tema instrumental hecho específicamente para lucir la flauta dulce de Colin Goldring. Las notas del álbum cuentan que fue escrita en 1999 luego de que los Goldring conocieran en Deventer, Holanda, a una banda tributo a Gnidrolog llamada Lady Lake. Se puede sentir al final del tema el complejo trabajo de tempos que es típico de la banda.

En “Bells of Prozac” reaparece el viejo Gnidrolog de afanes experimentales con tiempo y armonía: se basa en un tema modal que se desenvuelve en esos unísonos y cambios de tempo y tiempo que hemos escuchado en el Gnidrolog de los 70. Un gran tema instrumental escrito específicamente poara Gnosis, en el que también se escucha el didjeridoo y destaca la guitarra de Stewart Goldring.

“Kings of Rock” es un tema (el más largo del disco) homenaje a Jimi Hendrix y Janis Joplin, escrito en 1973 por Colin Goldring y nunca antes grabado. Una balada triste de excelente factura, con el espíritu del Gnidrolog original pero sin el caótico interés por la improvisación. Coros y guitarras hiperdistorsionadas le dan un aire sinfónico que va más allá del crossover que parece dominar en el disco. Un suave puente hacia el final da paso a un solo de bajo fretless en contexto atmosférico muy interesante.

“Gnosis”, el tema que da nombre al disco (y que hace referencia al conocimiento como mecanismo de salvación), también de casi 7 minutos, es un tema instrumental de Stewart Goldring que por fin deja ver más del viejo Gnidrolog. La dupla bajo (Rick Kemp) - batería (Sam Goldring, otro miembro de la familia) es muy sólida y muestra el camino para una estupenda guitarra solista bien distorisionada. Con diferentes partes, como una pequeña suite, el énfasis pasa a la guitarra rítmica para que se luzca nuevamente el fretless, y vuelve al tema inicial, melódicamente interesante. Las notas del álbum explican que la improvisación de la guitarra adopta la forma del rondó (una figura muy usada en el romanticismo), mientras que la melodía principal evoca tonadas del folclor jasídico (una corriente del judaísmo).

Con “Crazy, Crazy” volvemos al feeling pop de los temas iniciales; Colin Goldring parece hablar de su relación con el hermano gemelo idéntico (“ser gemelos es tan surrealista”), y describe esa sensación de estar habitado por una multitud tan propia de nuestros tiempos. Los puentes instrumentales muestran su habilidad con la armónica y dan un tema pop sabroso y bailador pero nada progresivo.

“Going to France” es un tema dedicado a todos los ingleses que utilizan el ferry para trasladarse a Normandía a diario. En plan blues rock y en tonos mayores, se escucha un Hammond, algo raro en la banda. “The City Sleeps”, otro tema viejo (1986) nunca antes grabado, habla del desencuentro entre un hombre que no puede dormir y la ciudad dormida en que se aburre. También colgado del estilo pop de los temas iniciales, es una canción agradable aunque sin más que proponer.

“Two Helens (A Portrait)” es una pieza para guitarra clásica sola de Stewart Goldring dedicada a las parejas de ambos hermanos que, coincidentemente, las dos se llaman Helen. Es interesante porque, estando el álbum dominado por las canciones de Colin, siempre tendidas al pop, aquí se ve quién de los dos hermanos era el que llevaba la experimentación más lejos; es una estupenda pieza para guitarra con juegos de tiempo y armonía más ambiciosos que los que muestran los temas anteriores.

El cierre, “Repent Harlequin”, es otro instrumental de Stewart Goldring, inspirado por el relato de ciencia ficción “‘Arrepiéntete Arlequín’, dijo el señor Tic-Tac” de Harlan Ellison, publicado a mediados de los 60. El relato habla de lo que perdemos cuando nos sometemos a la rutina regida por los relojes y de un bufón, el Arlequín, que se empeña en desorganizar ese mundo perfecto. La música de Stewart Goldring logra describir la ira del poder ante la desorganización y, al mismo tiempo, la necesidad de tener un Arlequín que cuestione un orden tan estúpido mediante el recurso a la desobediencia civil.

Si bien Gnosis es un buen disco de crossover prog, no es el Gnidrolog de 1972: falta aquí todo lo que los Goldring y sus secuaces habían logrado con el uso del ensamble de vientos, casi una orquesta de cámara, de sus discos clásicos (que era lo que los diferenciaba de sus contemporáneos). Predomina en Gnosis la guitarra distorsionada y un sonido muy rockero pero con una clara tendencia al pop y (fuera de la fusión con el folclor judío y el uso de los didjeridoos y kalimbas) presenta un sonido demasiado “standard” si lo comparamos con la caótica experimentación improvisativa de los inicios de Gnidrolog. Con todo, un buen disco de reunión, 27 años después de que esta banda tan especial naciera y, casi simultáneamente, fuera olvidada.

A partir de esta reunión, los hermanos Goldring han tenido alguna actividad, pequeñas giras, conciertos y presentaciones, pero no ha habido nuevos planes para grabar. Así cerramos para el blog cabezón las entregas de esta banda genial que se quedó a la orilla del camino.



Lista de Temas:
1. Reach for Tomorrow
2. Reverend Katz
3. Fall to Ground
4. Woolunga ("Safe Haven")
5. Wonder, Wonder
6. Deventer
7. Bells of Prozac
8. Kings of Rock
9. Gnosis
10. Crazy, Crazy
11. Going to France
12. The City Sleeps
13. Two Helens
14. Repent Harlequin

Alineación:
- Colin Goldring / Voz líder, guitarras, flautas dulces, armónica
- Stewart Goldring / Guitarra líder (acústica, eléctrica, lap steel, slide), coros
- Rick Kemp / Bajo y bajo fretless, coros
- Nigel Pegrum / Batería, percusiones, flautas
- Nessa Glen / Órgano Hammond, samplers, kalimba, teclados, clavecín
- Chris Lloyds / Coros
Músicos invitados:
- Sam Goldring / Batería en "Gnosis"
- David Hudson / Didjeridoo en "Woolunga"
- Ash Dargan / Didjeridoo en "Bells of Prozac"
- Chris Copping / Órgano Hammond en "Kings of Rock" y "Going to France"

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John Zorn - Insurrection (2018) ---ScRaBBlE

Actualmente estoy repasando toda esa colección enorme de música que ha salido en este mismo año y también aquellos que salieron el año pasado y aún no conozco. El trabajo es enorme, y es probable que nunca termine, pero trato de reseñar sólo la música que he escuchado bien y me ha gustado, y aunque si bien podemos convenir que a éste no lo terminé de escuchar como se debe, creo que en este caso no hace falta porque ya todos sabemos quien es John Zorn y lo que nos espera de su imaginativo estilo. Uno de los músicos fundamentales para comprender la música del siglo XXI, con esa impronta posmoderna que desafió a la llamada música culta, que desde el jazz se acercó al metal extremo, revisar su discografía es un trabajo tan arduo que parece imposible: más bien, vale centrarse en sus conceptos: el collage, el caos y el desprecio por los rótulos. Aquí su último disco de un artista que dialoga con otras artes, e invita al oyente a involucrarse absolutamente con su trabajo. Y creo que el título del disco le va perfectamente a la impronta completa del artista.

Artista: John Zorn
Álbum: Insurrection
Año: 2018
Género: Avant metal ecléctico
Duración: 46:19
Nacionalidad: EEUU


Un artista que manejó lo abstracto y absurdo de una manera muy personal y vanguardista, a partir del collage busca seguir un concepto, desarrollarlo y llegar a su consolidación. Esto es free jazz absoluto pasado a una banda de rock. De eso se trata "Insurrection", otro abordaje instrumental de Zorn que esquiva, deliberadamente, a la coherencia.

Este disco podría representar una nueva llamada, entre fresca y tradicional al jazz que Zorn solía traernos antes de todo el delirio klezmer en el que se entretuvo por 20 años (entre otras cosas que se entregaban aquí y allá). El sonido de todo el trabajo realizado y digerido en las épocas de Masada, se une y no deja de sonar en este Insurrection que se las arregla para conformar con gente como Hollenberg, Lage y Grohowski, la rotunda mezcla de dichos proyectos con la intensidad y brutal tendencia a la improvisación. Un pronunciado trabajo en la guitarra (como cuando Marc Ribot era un consentido) y el sonido de The Dreamers - ligero, sencillo, soñador en efecto - sin invadir, este Insurrection podría ser la línea a explotar. La locuacidad de proyectos como Moonchild tiende a perderse o envejecer inadecuadamente y en los terrenos del jazz (recordemos a Lulú) Zorn halla el nicho potencializador de sus ideas. Este sería el cuarto disco que trabaja en la tónica y me parece el mejor logrado. Así que si el señor gusta, que le siga echando imaginación, yo escucharé gustoso.

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Actuando como compositor y director de orquesta e inspirado en la literatura experimental del siglo XX de la talla de J.G. Ballard, Samuel Beckett y Kurt Vonnegut, Zorn proporciona al cuarteto melodías y arreglos más cercanos al rock que al jazz, sumergiendo a sus músicos en algunos temas sorprendentes.
Dentro de la improvisación, pueden rescatarse varios momentos destacables, aunque, al menos para mí, este trabajo no suma mucho a su discografía, ya que me suena que vuelve a caminar por lugares por donde ya ha transitado en repetidas ocasiones. Pero si bien el compositor ha ofrecido obras similares, no vamos a dejarla de lado en esta pequeña revisión de los grandes discos salidos en este 2018 que aún nos depara más agradables sorpresas.

"Insurrection" es un nuevo e intenso proyecto instrumental que se inspira en algunas de los mejores proyectos experimentales del señor Zorn, que escribe un poderoso conjunto de composiciones para un cuarteto liderado por dos asombrosos guitarristas: Julian Lage y Matt Hollengberg, con una sólida fuerza motriz en la sección rítmica de Trevor Dunn en el bajo y Kenny Grohowski en la batería, mientras la banda navega sobre una mezcla rápida e impresionante de jazz, rock, funk, blues y música vanguardista, en una suerte de extensión de los proyectos "Simulacrum" y "The Dreamers", este disco va de truenos a caricias a truenos a caricias a truenos a caricias.
Revisando la información existente en Internet, descubrí que hay incluso un trabajo posterior a este, se trata de "In A Convex Mirror" que salió en Julio de este año, y a diferencia de éste disco, es un trabajo introspectivo, junto a sus viejos amigos Ikue Mori (instrumentos electrónicos) y Ches Smith (percusión), para que lo acompañen en las diversas inflexiones de su saxo y teclado, pero eso es otra cuestión que no viene la caso más que para destacar la versatilidad y amplitud del músico.

Este es un disco lleno de paisajes sonoros hipnóticos, cargados de disonancias, música bestial. Se trata de improvisaciones metálicas en estado de fusión, con un jazz frenético que recuerda a los inicios de Zorn. Diversos elementos le brindan a Zorn pretextos para desbocar la improvisación, en una gama que va desde lo más neurótico de su producción hasta la dulzura y la suavidad. En este despliegue, Zorn hace viajar a los músicos y a los oyentes por diversas escenas.

Su música es increíblemente variada, combinando un montón de estilos a veces en la misma canción! con atonales melodías, extrañas armonías, asombrosos fuegos artificiales de guitarra y una interacción telepática grupal hacen de este uno de los proyectos más audaces y aventureros de Zorn.
Aquí todo el mundo está exprimiéndose al máximo, como siempre, Zorn saca lo mejor de los músicos y tocan algunos de los solos más escabrosos que hayas escuchado. Un poco desde el free jazz, otro poco desde la música clásica de vanguardia, otro en un rock agresivo cercano al prog metal y también en base a su propio sistema.
El compositor trabaja en su propio rincón del universo musical, sin importar si alguien entiende lo que está haciendo. Él crea su arte, el resto le toca a quienes lo escuchan.

La amable "Pulsations" tiene algo de Naked City, mientras que el atmosférico "The Journal of Albion Moonlight" se apoya directamente en la fusión del rock progresivo de los años setenta, mientras que "Progeny " explora el costado abiertamente metálico así como la improvisación libre, mientras que "Nostromo" y "Mason And Dixon " navegan aguas más tranquilas y más jazz. "The Recognitions" y "The Atrocity Exhibition", mientras tanto, nos deleitan con el tipo de rareza angular que se espera de Zorn, aunque se alejan de ser realmente disonantes. Solo la estrafalaria anarquía de "Cat's Cradle" se convierte en algo "típico" Zorn.
La agresión sonora aplicada aquí empuja fuera de tu zona de confort, y haciendo sonar la agrupación como un verdadero conjunto en lugar de una reunión de estudio, Hollenberg, Lage, Dunn y Grohowski se convierten en los pinceles perfectos para pintar este lienzo particular de la mente musical de Zorn.
Sin embargo, creo que ya su exploración entre el metal y el free jazz ya tiene que ir por otro carril, porque sino las pinceladas pueden llegar a convertirse en pastiche. Hasta aquí estuvo bien y ya estoy descubriendo secciones que me parecieron haber escuchado antes, aunque no había escuchado antes este disco.

O sea, lo sorpresivo de este álbum deja de ser sorpresa porque ya está dejando de sorprender. Es hora de que el universo creativo de Zorn se ponga en marcha nuevamente para desarrollar algo realmente novedoso. Pero no deja de ser otro gran trabajo de un genio de la música en toda su extensión.


Lista de Temas:
1. The Recognitions
2. Pulsations
3. A Void
4. Mason And Dixon
5. Progeny
6. The Journal Of Albion Moonlight
7. The Atrocity Exhibition
8. The Unnameable
9. Cat's Cradle
10. Nostromo

Alineación:
- Trevor Dunn / Bass
- Kenny Grohowski / Drums
- Julian Lage / Guitar
- Matt Hollenberg /Guitar

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Gnidrolog - Live 1972 (1999) ---ScRaBBlE

Más de 25 años después del efímero paso de Gnidrolog por las ondas sonoras, internet informó a los hermanos Goldring que existía un público nuevo y joven para ellos. Pronto se pusieron a preparar el reencuentro y, para “calentar” el espacio, lanzaron en 1999 un registro de su paso por los escenarios de su año de gloria: 1972. Lo interesante de este Live 1972 es que incluye cuatro rolas inéditas y sólo tres tomadas de sus discos de estudio. Con esto, los Goldring mostraban que tenían más piedritas en el cajón —que podían haber lanzado fácilmente al menos un tercer disco—, además de que demostraban su capacidad y virtuosismo en vivo.

Artista: Gnidrolog
Álbum: Live 1972
Año: 1999
Género: Rock progresivo ecléctico
Duración: 1:10:14
Nacionalidad: Inglaterra


Los conciertos de los que salió este disco se realizaron el 8 y el 10 de julio de 1972 en Aylesbury y Birmingham, Inglaterra, por lo que podemos situarlos alrededor del momento de lanzamiento de Lady Lake, su segundo álbum. Casi todo el material seleccionado era inédito, y como estos audios llegaron al público en 1999, 27 años después de la desaparición de la banda, podríamos decir que se trata de una especie de tesoro desenterrado. Era también la respuesta de los Goldring ante el interés por su música que se estaba mostrando en internet. Estamos ante un registro en vivo de la era de oro del rock progresivo, por una banda oscura y misteriosa que contaba con una original propuesta de fusión electroacústica, vanguardista y poética difícil de clasificar. Y el lanzamiento de Live 1972 sirvió de plataforma para el regreso de Gnidrolog con un nuevo (y hasta ahora último) álbum de estudio: Gnosis, que aparecería poco después en 2000.

La alineación de estos conciertos es la misma que la de Lady Lake, cuando el cuarteto había crecido a quinteto con la adición del saxofonista John Earle. Las pistas 1 a 6 fueron grabadas en Birmingham, en el festival de Mayfield, el 10 de julio de 1972; la 7 salió de un recital efectuado dos días antes en Aylesbury, lo que también cuenta una historia sobre la actividad del grupo que vuelve a poner sobre la mesa la injusticia detrás de su olvido. Sin embargo, hay que decir que el registro en vivo adolece de las mismas limitantes que encontramos en sus placas de estudio: una deficiente producción y esa ambigüedad en términos de gusto de las voces principales: el intenso y agudo timbre, a veces excesivo, de Colin Goldring (muy similar a los aparentes excesos del sax). Así, este disco llama tu atención si has logrado “darle el golpe” a la música de Gnidrolog; sólo así lograrás que las deficiencias (de producción y de grabación de los recitales) pasen a segundo plano para poner atención en una música original, interesante, provocadora y sobre todo humorística (algo que, aunque lo podemos encontrar en Jethro Tull o Gentle Giant, no era tan común en esa época cuando hacer rock “inteligente” implicaba también hacerlo a veces innecesariamente solemne).

 Se inicia con una simpática “Intro” que es una rola impresionante por la precisión en la ejecución de complicados unísonos y cambios de velocidad entre los que se cuelan guiños a riffs de bandas que la estaban rompiendo por aquellos días, como el mismísimo King Crimson. La “Intro” abre paso a un tema complejo: “Any Use in Living”, en el que se manifiestan con claridad los elementos constitutivos de la música de Gnidrolog: el beat psicodélico, la improvisación alocada (saxos, flautas dulces y traversas, guitarras), el crescendo, la voz intensa y mal educada de Colin. Es interesantísimo el final en bajo y flauta dulce, coreado por los destemplados gritos del cantante.

El segundo corte es el gran hit hippie de Lady Lake, “I Could Never Be a Soldier”, mini suite que en vivo suena aún más comprometida que en la versión de estudio. Es natural: ante el público esta declaración pacifista tendría que convertirse en una especie de manifiesto político en pleno 1972, cuando la utopía hippie ya había sido desplazada por balas, macanas y gases lacrimógenos. Y, como dice Eve Diamond (artífice de la grabación no autorizada de estos conciertos y culpable de guardar las cintas durante 27 años): esta es “una de las mejores canciones contra la guerra jamás escritas, que nunca recibió el reconocimiento que merecía”. El solo de guitarra al final (antes de las figuras de cierre basadas en un riff de bajo que podríamos llamar “running base”, es notable.

“Time and Space”, tomada también del primer disco, muestra en vivo la maestría de los ejecutantes que acometen con precisión una de las más exigentes piezas del rock progresivo en términos de manejo de los tiempos (y los tempos, algo característico de Gnidrolog). Arranca como un madrigal renacentista y se va desdoblando hacia el anárquico estilo de la banda; en esta versión en vivo destacan los arreglos para vientos que preceden a la locura en saxofón.

“Meanwhile Back at the Office (Or the Continuing Story of Peter)”, otro de los inéditos de este disco, sería la segunda parte de una trilogía inconclusa (nunca se conocería la tercera parte) que se inició en In Spite of Harry’s Toe-nail con “Peter”, la canción sobre el personaje que ya comentamos en la entrada de ese disco, y que ahora se va a trabajar a la oficina. Progresivo de perfecta factura, por momentos parece que no hay figura que se repita en ese pautado, que no hay ruta predecible en esas notas. Unísonos imposibles, cambios de velocidad más allá de toda lógica y la presencia del alocado saxo.

“My Mother” (también conocida como “Christmas Song” según las notas de Eve Diamond), comienza enlazada con la anterior; es humorística y teatral, y representa una nueva declaración contra la guerra que satiriza la envalentonada publicidad que en aquellos tiempos de guerra fría le hacían los Estados Unidos a su poderío militar (poco después ridiculizado por su derrota en Vietnam). La frase “Mi madre me regaló un cuchillo por Navidad” va dando lugar a un satírico recuento de amenazas como “Mi madre me regaló un (misil balístico intercontinental, etcétera, etcétera) por Navidad”, decorado por ominosos desplantes sinfónicos y rematado por una alocada polka en armónica que vuelve a lo sinfónico para finalizar con un gran solo de guitarra y una fuga de vientos.

La ejecución en vivo de la mini suite “In Spite of Harry’s Toenail”, del primer disco, también es notable, no sólo porque cuenta con el saxo de Earle que no estaba ahí en el disco de estudio, sino porque la situación de concierto deja ver el virtuosismo de los integrantes en acción, ejecutando el crescendo sinfónico en un auténtico tour de force. El disco termina con un tema que según Eve Diamond solía ser el cierre de todos los conciertos de Gnidrolog, pero que tampoco quedó registrado en sus volúmenes de estudio: “Sixpence for a Handstand”, casi nueve minutos de un jazz rock improvisativo como para dejar que cada uno de los músicos luciera sus habilidades, que no eran pocas.

Al igual que con sus álbumes de estudio, este en vivo de 1972 lanzado en 1999 pasó bastante desapercibido fuera del círculo de seguidores que se había manifestado por internet y mostraba el interés por bandas de pasado oscuro como Gnidrolog. Sirvió para que se reavivara la atención hacia esta extraña banda y para que existiera cierta masa crítica dispuesta a seguir lo que vendría poco después: el disco Gnosis, de 2000, con todo nuevo respecto al proyecto de los hermanos Goldring.

Live 1972 de Gnidrolog cierra el círculo de la breve etapa activa de esta banda y abre una nueva ventana hacia su reunión. Un buen disco de rock progresivo de la época clásica, extravagante, experimental, desenfadado, original; ¡espero que lo disfruten!

Lista de Temas:
1. Intro/Any Use in Living
2. I Could Never Be a Soldier
3. Time and Space
4. Meanwhile Back at the Office (Or the Continuing Story of Peter)
5. My Mother
6. In Spite of Harry's Toe-Nail
Bonus:
7. Sixpence for a Handstand

Alineación:
- Stewart Goldring / Guitarra líder, voz
- Colin Goldring / Voz líder, guitarra, saxo, flautas dulces, corno, armónica
- Nigel Pegrum / Percusiones, flauta traversa, oboe
- Peter Cowling / Bajo, cello
- John Earle / saxofones, flauta traversa, voz

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