The Flower Kings - Back in the World of Adventures (1995) ---ScRaBBlE

Aunque ya se perfilaba como banda desde que Roine Stolt se fue de gira con The Flower King, Back in the World of Adventures es propiamente el primer disco de The Flower Kings, la enorme banda sueca que infundió vida nueva al rock progresivo en los 90 y 2000. Desde los primeros compases estamos ante una forma de sinfonismo que, sin renunciar a su propia propuesta musical, recuerda lo mejor de los mejores años 70. Un disco variado y versátil, con momentos de un interesante progresivo sinfónico de corte clásico y momentos de coqueteo con el pop de la época, pero sin concesiones al comercialismo fácil y un mensaje consciente y comprometido (quizás un tanto new age) con la denuncia del ambicioso materialismo neoliberal. Cabezones, cabezonas, ¡bienvenidos de regreso al mundo de las aventuras!

Artista: The Flower Kings
Álbum: Back in the World of Adventures
Año: 1995
Género: Rock progresivo sinfónico
Duración: 1:11:21
Nacionalidad: Suecia


Incluso ubicándonos a mediados de los 90, Back in the World of Adventures tiene algo de retro en su sonido y su estructura: cuando la mayor parte de los músicos del mundo había renunciado al largo aliento y a la música significativa, Roine Stolt aparece como emisario de una utopía que no se dejaría olvidar. En las notas del disco, el guitarrista rubio, el hippie que no fue, incluso agradece a los fans del rock no comercial por su apoyo a su proyecto. Un gran disco de Los Reyes de la Flor (que debía desde hace tiempo al blog cabezón).

Vamos a un breve comentario de las rolas: “World of Adventures” es una sabrosa minisuite en tonos mayores, llena de sinfonismo y con un puente instrumental para lucimiento de los teclados que recupera un motivo que parece tradicional, como céltico. Luego vienen los solos; hay que empezar a observar la guitarra de Stolt sobre el Hammond de Bodin pues, sin ser emisarios del pasado, parecen incorporar décadas de conocimiento rockero en sus melodías. “Somos los hijos de la nación Woodstock”, dice en este tema que abre y anuncia lo que será el viaje. Un viaje que durará hasta mediados de los 2010 llevando buena onda al mundo pues la perspectiva de Stolt es como la de un neohippie encantado por los valores de fraternidad, comunidad y espiritualidad que caracterizaron al movimiento de los 60-70.

“Atomic Prince / Kaleidoscope” es un tema instrumental que nuevamente recupera melodías sencillas, como de la música popular, para fusionarlas con el sinfonismo eléctrico que caracteriza a la banda. Los diálogos entre Bodin (teclados) y Stolt (guitarras) son muestra inicial de la poderosa dupla que habrían de crear estos dos vikingos bonachones. A la mitad, la rola desciende hacia un largo pianísimo liderado por el bajo, donde se muestra la maestría de los integrantes desde el otro lado del virtuosismo: la mesura, y que termina en un rico diálogo de guitarras acústicas.

 

En “Go West Judas” el modo de la banda se va por fin a menores, adopta un ritmo más decidido y deja casi de lado la nostalgia hippie para hablar de un modo más directo. ¡Este es uno de los grandes temas de The Flower Kings! Se ubica en un diálogo con Judas después de que ha vendido a Jesús. A lo largo de la obra de Stolt hay frecuentes referencias al daño que le hace al planeta y a la humanidad el vicio del comercio y la ambición; esta es una de ellas pues Judas se convierte en su símbolo: “Vete al Oeste, Judas, a ver qué encuentras/ Vete al ‘Sieg Heil’ y al signo del dólar / Tú, negro corazón del intercambio humano / ahora hechicero de los pantanos”.

Dedicada a Raoul Wallenberg, diplomático sueco en Hungría durante el domino nazi que salvó tantos judíos como pudo y murió en circunstancias nunca aclaradas, “Train to Nowhere” es una dramática balada basada en los trenes de la muerte que transportaban a las víctimas de los nazis hacia los campos de concentración.

Con “Oblivion Road” volvemos al Flower Kings instrumental, pero ahora más jazzístico e improvisativo, en una vena poco explotada por la banda en la que se pueden sentir guiños a The Soft Machine.

Luego, “Theme for a Hero” sigue en plan instrumental, con más fuerza y volumen al principio, y aterrizando en un motivo pop en el que destaca la melodiosa guitarra de Stolt y, nuevamente, los diálogos con los teclados (un piano por momentos) de Bodin. La fusión jazzística continúa, esta vez con el apoyo de una extraordinariamente sólida batería en manos de Jaime Salazar.

La brevísima instrumental/ambiental “Temple of the Snakes” introduce uno de los hits más famosos de The Flower Kings, un tema rítmico y muy alegre (lo que explica su presencia en charts), “My Cosmic Lover”, ejecutado con la maestría de estos monstruos. Con base en un bajo incansable sobre el que se encabalga un riff de teclado y guitarra, este es uno de esos temas para disfrutar en la discografía de los Reyes de la Flor. Pero aunque parece una simple y linda canción de amor, es otra cosa: nuevamente Stolt se arranca contra el espíritu ambicioso del capitalismo: “Soy el signo de los tiempos / Recen, canten al símbolo del dólar”. Y los cortes luego de ese coro son extraordinarios. Un tema en que se resume la maestría de Roine Stolt, tanto musical como ideológicamente.

“The Wonder Wheel” es otro instrumental/ambiental que desarrolla suaves instrumentaciones sobre un ritmo lento y fijo. Es otro ejemplo de cómo Stolt se sacude sus claras influencias para llevarnos a su propio territorio.

El disco cierra con otro tema largo, en forma de minisuite y con interesantes tiempos complejos. “Big Puzzle” está dedicado nuevamente a las preocupaciones sociales de Stolt, en este caso a la deshumanización que acarrea el progreso. Es uno de los temas en los que se siente más la influencia musical de Genesis y donde destacan mejor los integrantes de esta gran banda, especialmente los tremendos solos finales de Stolt.

Para muchos seguidores, este es el mejor disco de The Flower Kings; yo no estaría totalmente de acuerdo pues creo que en cada disco hay material para sorprenderse. Pero sin duda es un discazo, el primero de la discografía oficial de la banda y, claro, un infaltable cabezón.

Lista de Temas:
1. World of Adventures
2. Atomic Prince / Kaleidoscope
3. Go West Judas
4. Train to Nowhere
5. Oblivion Road
6. Theme for a Hero
7. Temple of the Snakes
8. My Cosmic Lover
9. The Wonder Wheel
10. Big Puzzle

Alineación:
- Roine Stolt / Guitarras, voz principal, teclados

- Tomas Bodin / Órgano Hammond, Mellotron, piano, flauta, teclados
- Michael Stolt / Bajo, voz
- Hasse Bruniusson / Percusión, batería (10)
- Jaime Salazar / Batería
- Ulf Wallander / Sax soprano (5, 8, 10)

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The Enid - Invicta (2012) ---ScRaBBlE

¿Tienen ganas de que les recomiende un disco verdaderamente maravilloso? Aquí está! Llega el segundo de la trilogía que se inició con "Journey’s End", "Invicta" marca la nueva etapa de The Enid y, sin duda, suena fiel al esquema musical del grupo. Cuando empiezas a oír música intrigante de carácter sinfónico y la voz de contratenor operística te das cuenta de que algo diferente y atípico esta sonando, a partir de aquí te dejas llevar por esta maravilla de rock sinfónico, música clásica, minimalista, pastoral... con algunos momentos donde llegan incluso al estilo del pop o música latina y algún aire a arreglos vocales de Queen. Cabe aclarar que los miembros que componen el grupos a esta altura provenían de distintas generaciones. Si nunca te habías encontrado con The Enid, entonces este álbum es una gran introducción. Y para quienes ya lo conocían, les digo que este disco es infaltable. Se lo recomiendo a todos, sobretodo a los fanáticos del rock sinfónico que aún no han probado esta nueva encarnación. En definitiva, recomiendo encarecidamente este disco a todo el mundo! Es más, y como dice el Mago Alberto, el cabezón que deje pasar esta belleza es verdaderamente un pelotudo.

Artista: The Enid

Álbum: Invicta
Año: 2012
Género: Rock sinfónico
Duración: 52:26
Nacionalidad: Inglaterra

Esta fue la revelación inesperada, un nuevo álbum de este grupo histórico y ecléctico liderado por el iconoclasta y (según dicen) irascible Robert John Godfrey.
Robert John Godfrey, líder y compositor de esta banda, es uno de esos pocos músicos que siempre unido la música clásica y progresiva, incluso desde los primeros días cuando estaba trabajando con Barclay James Harvest hasta cuando formó The Enid en 1974. Desde entonces, el camino ha sido complejo y a menudo tortuoso, sin embargo aún hoy esta agrupación está viva aún con el avance del alemán hijo de puta (el tipo tiene Alzheimer).

Debemos decir que no solo hay muchas más voces en este álbum, sino que además, y extrañamente ya que esta es una banda principalmente instrumentar, las voces son las protagonistas del disco, y al mismo tiempo también está lleno de los estilos y arreglos en su mejor estilo y por ello este es ampliamente considerado como uno de sus mejores trabajos. Esta es una banda que probablemente solo sea apreciada por un público relativamente pequeño, pero... ello en nada les quita sus méritos y su altura musical.
Como ya dijimos, "Invicta" es la segunda parte de una trilogía que comenzó con "Journey's End" (2010) y mantiene la tradición narrativa de la banda pero le agrega nuevos elementos a la ecuación. Ahora Robert John Godfrey ha evolucionado, con Alzheimer y todo, para infundir en este experimento una nueva fórmula con impresionantes voces operísticas, cortesía del prodigio de Joe Payne, dueño de un falsete increíble y (casi) femenino. Él es sin duda el punto focal de este tremendo disco.

"Invicta" es el 13º álbum oficial de estudio (^) de The ENID y es la 2da parte de una trilogía que comenzó hace dos años con el álbum "Journey's End" y que pretender continuar. “Invicta marca una nueva Era para The ENID […] y utilizó los talentos de una nueva alineación —generaciones nuevas y pasadas— para grabar el álbum más impresionante de 2012, que es tanto único como común” (1). La alineación para grabar este álbum estuvo a cargo de Max READ (canto, guitarra), Dave STOREY (batería, percusiones), Jason DUCKER (guitarras), Joe PAYNE (canto), Robert John GODFREY (teclados) y Nick WILLES (bajo, percusiones).
Lo primero que hay que decir sobre este álbum, es que se abolieron las especulaciones sobre la terminación del grupo. Obviamente el grupo sigue vivo, y mantiene su vigencia con un "Invicta" que si bien se aleja del Arte Rock a la The MOODY BLUES planteado en "Journey's End", conserva el gusto de la banda por desempeñarse en un estilo muy cercano a la música formal. Así, cuando uno escucha "Invicta", fácilmente puede imaginarse estar en una sala de conciertos donde música en conjunto con la mente le provocan a uno imágenes operísticas, esperando ver de pronto a los cantores en escena. El estilo, pues, no es similar a lo que uno presupone del subgénero sinfónico «esperado» de un buen grupo progresivo, sino más bien es cercano a la música de concierto, opulenta ambientación incluída. Acaba siendo rock porque utiliza los instrumentos musicales típicos del género, estando entonces más cercano de la definición “rock progresivo sinfónico” que de otro estilo, pero tampoco se parece mucho al rock… Tal vez (y sólo tal vez), su tono es más bien similar a los proyectos orquestales de DEEP PURPLE y Sir Jon LORD, en tremendos actos como el "Concerto for Group and Orchestra" o el "Gemini Suite".

Alfredo Tapia-Carreto

El álbum, como dije, es la segunda parte de una trilogía planificada. La trilogía trata de explorar la relación entre nosotros como individuos y lo social, ese colectivo conocido como "humanidad". Me quedé muy impresionado con "Invicta". Fantásticas voces se combinan con una super banda de rock y un compositor de excelencia para crear temas embriagadores para poner a este disco en los sitiales de obra maestra. ¿Y qué importa si no son tan conocidos? Esto es una verdadera belleza!!!!

Verdaderamente me parece que éste es un disco único. Su atmósfera melancólica, cinematográfica, la voz de falsete de Payne, arreglos orquestales sutiles, acompañamiento de piano de cola, todo crea perfectamente un estado de ánimo nostálgico único, maravillosamente doloroso. Del mismo modo,
Este álbum me sorprendió gratamente, considero que The Enid siempre ha tenido voces flojas, pero este álbum es muy diferente. Con la incorporación del vocalista Joe Payne, finalmente tienen un vocalista con talento para unir al resto de la banda. El vocalista principal de "Journey's End" todavía está aquí, pero ahora está a cargo de coros y voces de acompañamiento junto con algunos trabajos de guitarra adicionales, otra novedad que ya que ahora The Enid puede disponer de duelos de guitarra, ya que la banda siempre tendía a tener una sola guitarra. Y los sonidos de teclado imitando la orquesta real realmente suenan convincentes, parece que Robert está mejorando al imitar esos sonidos.
Este es el mejor álbum que The Enid ha lanzado desde que Francis Lickerish dejó la banda a principios de los 80. Incluso es de los mejores discos que ha sacado la banda en toda su historia.

Y no voy a hacer una gran reseña, simplemente voy a decir que esto me encanta y a esta altura eso debería servir para que paren la oreja a esta belleza que les traigo para su disfrute auditivo.

No importa que esta banda no sea muy conocida, como dije antes, este álbum merece mucha más atención por parte de la comunidad cabezona. ¡Una maravilla muy pero muy recomendable!


https://theenid.bandcamp.com/

Lista de Temas:
1. Anthropy
2. One And The Many
3. Who Created Me
4. Execution Mob
5. Witch Hunt
6. Heaven's Gate
7. Leviticus
8. Villain Of Science
9. The Whispering

Alineación:
- Joe Payne / lead vocals
- Robert John Godfrey / keyboards, co-producer
- Jason Ducker / guitars
- Max Read / vocals, guitar, co-producer and mixing
- Nick Willes / bass, percussion
- Dave Storey / drums, percussion

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Spock's Beard - The First Twenty Years (2015) ---ScRaBBlE

Y vamos ahora con un disco que es una compilación de los mejores temas de esta banda yanky, así que te gusta el sonido de Spock's Beard pero no tenés ninguno de sus álbumes, este es un excelente lugar desde donde comenzar: una colección de sus mejores temas de todas las épocas, con una perfecta elección de los mejores temas de cada álbum, canciones atemporales al que se le suma un nuevo tema épico de 20 minutos, un tema escrito por Neal Morse donde participan todos los miembros de Spock's Beard que están o pasaron por sus filas. Otro lindo disco doble para que se deleiten en este fin de semana largo.

Artista: Spock's Beard
Álbum: The First Twenty Years
Año: 2015
Género: Rock Sinfónico / Rock Progresivo
Duración: 75:37 + 78:34
Nacionalidad: EEUU


Tenemos una semana donde presentamos muchos discos dobles, más el triple en vivo de Transatlantic. Vamos a presentar este disco con el siguiente comentario.

Los gigantes emblemáticos del Prog, Spock's Beard, publican un "Best of" que en realidad es eso y mucho más. Se incluyen 19 de sus mejores temas de toda su mastodóntica carrera, remasterizados para la ocasión además de una nueva pieza épica de 20 minutos de duración, "Falling For Forever", en la que participan todos los miembros de Spock's Beard pasados y presentes y fue escrita por Neal Morse. Esta canción está destinada a causar una onda sísmica a través de todo el paisaje Prog mundial. Es una pasada de tema, 20 minutos que dan para mucho con la banda al completo, dando rienda suelta a su magia musical.
Imagina una pieza épica con Neal Morse cantando el verso, Ted Leonard cantando el estribillo, Nick D'Virgilio tocando y cantando en la sección central. Pues no tienes que imaginarlo, sólo escuchar el CD. Una grata experiencia que nos hacen vivir los Spock's Beard en este gran lanzamiento que incluye dos CDs de audio y un DVD con material de archivo nunca antes visto, rarezas vintage, grabación de escenas de las sesiones de grabación de "The Kindness Of Strangers", incluyendo su legendaria actuación en Progfest '97 en LA. Todas las canciones fueron remasterizadas por Rich Mouser, que ya trabajo con ellos en el más reciente álbum "The Oblivion Particle" que salió en agosto de este 2015.
El bajista Dave Meros dice: “Decidir qué canciones representarían mejor a una banda con más de 20 años, 12 álbumes y tres alineaciones diferentes fue lo suficientemente difícil. A esto se le añade el hecho de que una gran cantidad de nuestras canciones duran entre ocho y 20 minutos, así que el proceso de selección se convirtió en algo muy desalentador". "Finalmente hemos llegado con una lista que creemos que representa bastante bien cada álbum y la era de la banda".
Él añade: “Estábamos inflexibles acerca de no querer simplemente liberar nuestro material anterior en un nuevo paquete. Con esto en mente, a Neal se le ocurrió "Falling For Forever", que compuso específicamente para incluir a todos los miembros actuales y pasados ​​de la banda". "Pedimos hora en el estudio para grabarlo todos juntos y Rich Mouser estaba disponible para mezclarlo, así como re-mezclar todas las canciones anteriores".
Neal Morse dice: "Cuando estábamos dando vueltas la idea de un 'Best Of" de Spock's Beard, surgió la idea de tener algún tipo de una pista adicional. Sentí, como siempre, que sería más excitante hacer algo nuevo, que hacer un refrito de algo que ya habíamos hecho. Entonces, una mañana me inspire y escribí la música que se convertiría en 'Falling for Forever'. Fue muy divertido escribir para la banda incluyendo las voces de Ted y Nick. Definitivamente los tenía a todos ellos en mi mente. Y creo que el resultado final es muy, muy fresco. Al está matador a la guitarra, el bajo de Dave da color, Ryo está haciendo estragos en las teclas, como de costumbre, y ambos Jimmy y Nick tienen solos de batería hacia el final de la canción, Ted canta los coros, Nick canta la sección media, y yo canto los versos. Es verdaderamente un esfuerzo de equipo.
Suponemos lo difícil que habrá sido para la banda seleccionar estos temas dentro de su amplia discografía, pero creo que han acertado con la selección, hace justicia a la calidad de esta banda y a su peso en la escena Prog mundial. Como siempre han escogido una portada elegante que engloba cada uno de los momentos de Spock's Beard. Calidad, virtuosismo y pasión musical que te llevara a través de un "resumido" viaje sonoro por la historia de este grupo.

Juan Raúl

Épicas clásicas de la banda están, por supuesto, todas incluidas en este disco, y todas fueron mejoradas por la remasterización, especialmente "The Light" excelente tema del primer disco, que es la canción más antigua y tenía más mejoras para agregarle.

El CD 1 abarca los años en que Neal Morse estaba en la agrupación e incluye una o dos canciones de cada uno de los seis álbumes donde está presente. La selección de pistas es excelente, con tres canciones largas, lo que se desprende es lo importante que fue Neal Morse para la creación del material de la banda. Todas estas canciones se le atribuyen a él solo, aparte de una que él coescribió con su hermano.

A su vez, el CD 2 tiene una canción de cada uno de los álbumes grabados después de Neal Morse. Los creadores de los teman también incluyen personas que no están en la banda, que colaboran con ellos o que se fueron sumando, como Ted Leonard.
Además hay que sumarle la nueva canción épica de Neal Morse: "Falling For Forever". Esta épica canción de 20 minutos incluye a todos los miembros de la historia de la banda. Las partes vocales son perfectas, con Ted Leonard realmente trayendo melodías deliciosamente elaboradas. Las secciones instrumentales son muy divertidas y muestran la tonalidad típica de la banda. Realmente se puede ver esa química entre todos ellos aquí. El tema presenta todos los cantantes haciendo la parte principal o el coro, y además el dúo de bateristas: el actual Jimmy Keegan y el baterista original Nick D'Virgillio. Una manera fantástica de cerrar esta colección.

En definitiva, un álbum interesante para los recién llegados y también para los viejos seguidores de la banda, que no creo que haya muchos.

Lista de Temas:
CD1
1. The Light
2. Thoughts
3. The Doorway
4. June
5. Day For Night
6. At The End Of The Day
7. Solitary Soul
8. Wind At My Back

CD2
1. The Bottom Line
2. She Is Everything
3. On A Perfect Day
4. Jaws Of Heaven
5. Waiting For Me
6. Tides Of Time
7. Falling For Forever

Alineación:
- Alan Morse / guitar, vocals, autoharp, banjolele, electric sitar, mandolin
- Dave Meros / bass, vocals
- Ryo Okumoto / keyboard, vocals
- Ted Leonard / lead vocal
- Jimmy Keegan / drums
With:
Nick D'Vigilio / drums, vocals (7)
Neal Morse / piano, guitar, lead vocals (7)

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Renaissance - Live at Carnegie Hall (1976) ---ScRaBBlE

Live at Carnegie Hall representa el cierre, el punto culminante de la mejor etapa de Renaissance, una de las bandas de rock sinfónico que más honor le hacen a ese calificativo en la historia del prog inglés. Annie Haslam en su mejor momento, todo rodeado del sonido impecable de la Orquesta Filarmónica y Coro de Nueva York dirigidos por Tony Cox, con pistas grabadas durante el ciclo de conciertos que la banda dio en el mítico Carnegie Hall de Nueva York en junio de 1975. Un álbum doble realmente memorable para seguir conociendo a una banda especial de la mejor generación del prog.

Artista: Renaissance
Álbum: Live at Carnegie Hall
Año: 1976
Género: Rock progresivo sinfónico
Duración: 1:42:38 (2 CD)
Nacionalidad: Inglaterra


Nada es comparable al concierto. La adrenalina de estar ahí, con todos esos otros cientos o miles de personas; el compás de espera mientras comienza, el furor de los primeros compases y el viaje en el que acompañas a esos creadores, creando con ellos, el rugido de un momento especial —solo superado por el del estadio de futbol en un gran partido o el de las masas en una manifestación—, el estruendo del aplauso, hasta que el viaje termina y emprendes el regreso con las vibraciones aún latentes de lo que has vivido. Nada se compara. Para los músicos es también una experiencia diferente: del momento íntimo de composición, compartido ligeramente con la situación de estudio en la que todo es cuidadosamente armado para el disco, a la puesta a prueba sin más controles que el setting del sonido previo al concierto, el “vivo” es el máximo reto. No valen ahí los trucos de estudio, no hay segundas tomas ni overdub; la banda tiene que darlo todo en el escenario porque solo así logrará superar la magia de consola y grabadora: es el examen último: la música en su máximo estado de pureza frente al público. Por eso son tan interesantes y, a veces, emocionantes los discos en vivo, los registros de esa experiencia única que es el concierto, extendiéndolo para quienes no pudimos estar ahí. En las discografías de muchas bandas de la era central del rock progresivo, ciertas placas en vivo pueden ser tanto o más importantes que las grabaciones de estudio. ¿Qué sería de nuestro conocimiento de Yes sin Yesshows y Yessongs? Puedes conocer lo mejor de Genesis solo a través del Live y el Seconds Out; Pink Floyd suena más grandioso en Pompeya y The Wall nunca fue tan contundente como cuando en Berlín en la versión de Waters; Bursting Out de Jethro Tull; los seis volúmenes dobles de You Can’t Do That on Stage Anymore de Zappa; Live at The Fairfield Halls de Caravan; las colecciones de King Biscuit Flower Hour que registraron a tantísimas bandas; en fin, la lista es incontable. En la era de los cassettes, yo solía hacer compilaciones que llamaba Todo en vivo en las que mezclaba de aplauso en aplauso las más diversas rolas de lo que me gustaba (llegué a poner a Silvio Rodríguez cantando “Mariposas” después de “The Knife” de Genesis y antes de “Horse with No Name” de America y “4 + 20” de Crosby, Stills, Nash & Young, versión Woodstock) y alucinaba que asistía a un festival personal en el que tocaban todos los músicos que más quería. No faltaba en esas compilaciones alguno de los temas de este fabuloso Live at Carnegie Hall de Renaissance; seguramente la larga, alucinante versión de “Ashes Are Burning”.

Y es que entre los discos en vivo de las bandas clásicas del prog, este es uno de mis favoritos. Un agradecimiento (y disculpa) antes de empezar: esta reseña es iniciativa de Eduardo Sánchez, que roló en la lista de correo cabezona sus archivos de este conciertazo y en cuanto llegó su correo, que agradezco en el alma, me ofrecí a escribir la reseña. Le pido disculpas a Eduardo por no usar sus archivos: los comparé con los que yo tenía y encontré que la versión de mi disco duro estaba ligeramente mejor y además tenía scans (de baja resolución), así que es la que encontrarán en la biblioteca cabezona. Como sea, gracias a Eduardo por la propuesta de compartir este disco con el que aumentamos las reseñas de los mejores discos de esta banda fundamental del prog inglés de los setenta, destacada junto con Curved Air por tener al frente a una mujer, a una cantante que los comentaristas de la época no dudaron en calificar como la mejor voz de Europa.

Ya se podía saber gracias a los discos de estudio: Annie Haslam es una voz privilegiada; con toda la intensidad y el registro de una soprano operística pero sin la impostación que exige ese arte, sino manteniendo una dulzura natural que la hace ideal para una banda de progresivo. En el blog tenemos reseñas de tres de los cuatro primeros discos de Renaissance en su formación definitiva: Ashes Are Burning (1973), Turn of the Cards (1974) y Scheherezade and Other Stories (1975); nos falta el primero de esa etapa, Prologue (1972) que también tiene sus joyas. Luego vendría la serie de conciertos en el Carneguie Hall de Nueva York, en junio de 1975, con la que el grupo lanzaba el fabuloso Scheherezade. Live at Carnegie Hall, un álbum doble, recoge temas de esos cuatro discos. En 1977, 1978 y 1979, Renaissance lanzó sendos discos (Novella, A Song for All Seasons y Azure D’Or respectivamente) que, aunque tienen elementos sinfónicos y progresivos de primer nivel, empiezan a acercarse poco a poco al pop que finalmente estallará en Camera Camera (1980), ya en pleno declive progresivo si bien logran un new wave muy respetable. Por tanto, Live at Carnegie Hall es una especie de parteaguas en la historia de la banda; el segundo si tomamos en cuenta el radical cambio de alineación que la banda tuvo en 1971-1972. Así, esta grabación de concierto, en la que los acompañan la Orquesta Filarmónica y Coro de Nueva York es un cierre, un broche de oro para su mejor época (vendrían después, en 1977, dos discos en vivo en el King Biscuit Flower Hour, nada desdeñables).

Excepto el primer tema, “Prologue”, todos los demás ya los hemos comentado en otras entradas. En este tema, el primero del disco del mismo nombre, de 1972, destaca la introducción para piano solo que es un estudio, el “Revolucionario” del fabuloso Chopin (también conocido como “Estudio sobre el bombardeo de Varsovia”, en el que Chopin plasmaba su impotencia y su tristeza por la derrota con que la Polonia revolucionaria trató de sacudirse, sin éxito, el yugo ruso en 1831), ejecutado aquí con sorprendente maestría. Llama la atención esta referencia a cuestiones histórico-políticas relacionadas con Rusia, que será retomada después en “Mother Russia” (también incluida en Live at Carnegie Hall) y en “Ukraine Ways” (el tema más progresivo de Camera Camera).

El resto de los temas es de los tres discos que conocemos: “Ocean Gipsy” y “The Song of Scheherezade” de Scheherezade and Other Stories; “Can You Understand?”, “Carpet of the Sun” y “Ashes Are Burning” del disco homónimo, y “Running Hard” y “Mother Russia” del Turn of the Cards. Las interpretaciones en vivo son en general bastante apegadas a sus versiones de estudio, con pistas ligeramente más largas pues incluyen presentaciones y aplausos; señaladamente en el caso de “The Song of Scheherezade”, en la que se introduce la historia con una presentación de cuatro minutos.

Para “The Song of Scheherezade”, escrita originalmente para banda de rock y orquesta sinfónica, esta es la versión que hay que escuchar. La Filarmónica de Nueva York protagoniza la obra de un modo casi omnisciente, con mucho mayor presencia y vida que en la versión de estudio que ya era de por sí notable. Y la voz de Annie, ¿qué decir? Aquí demuestra su tamaño, en el escenario, al frente de ese batallón de músicos, alcanzando las notas más imposibles de un registro humano, con un calor y una intensidad que ¡solo en concierto!

El caso de “Ashes Are Burning”, cierre del disco, es especial pues aquí sí se incluyen variaciones significativas con respecto al original de estudio: solos de teclado y piano más improvisadores que en el estudio, seguidos de un solo de bajo espectacular de Jon Camp que se lanza al jazz (en plan trío), al slap funky y a la armonización y logra arrancar los aplausos rítmicos y el entusiasmo del público, y se entrega a un final atmosférico soportado por más bajo (pedales y contrabajos de la orquesta) para llegar a una transición de locura con la que el público se levanta, antes de seguir a la parte final, con un cierre en la voz de Annie Haslam realmente de otro planeta.

En cuanto a la mezcla, en estas versiones de concierto el bajo es más presente que en el estudio (más profundo, menos brillante o metálico), y eso marca una diferencia importante pues, en Renaissance, una banda muy basada en el piano, el bajo es un protagonista central. Un disco doble de verdadera antología, el broche de oro de una era, la consagración de una de las más interesantes bandas de la mejor época del rock progresivo sinfónico inglés. No se lo pierdan.

Lista de Temas
CD 1:
1. Prologue
2. Ocean Gipsy
3. Can You Understand
4. Carpet Of The Sun
5. Running Hard
6. Mother Russia

CD 2:
1. Scheherezade
2. Ashes Are Burning

Alineación:
- John Tout / teclados, voz
- Annie Haslam / voz principal
- Jon Camp / bajo, bajo de pedal, voz
- Terrence Sullivan / batería, percusiones, voz
- Michael Dunford / guitarras acústicas, voz
- Orquesta Filarmónica y Coro de Nueva York (dirección: Tony Cox)

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East - Symphonic (2015) ---ScRaBBlE

No vamos a empezar la semana con cualquier disco, ni con cualquier banda. Volvemos otra vez a presentar los grandes grupos venidos de Hungría, y es que aunque pocos los conozcan, resulta que East es una veterana y notable agrupación que ha sabido competir en calidad, sinfonismo, maestría y buen gusto con los mismos Solaris, Mini, Omega o After Crying (al menos en su país, aunque no se los conozca tanto fuera de Hungría) en la avanzada del rock progresivo que se dió en Europa Oriental (disculpen pero tengo que agregar a Collegium Musicum, de Eslovaquia, pero hay más) cuando los dinosaurios del progresivo cayeron en picada en el escenario progresivo mundial. A los East en su país se los llamaba los Pink Floyd húngaros, no por ser una copia (ni mucho menos, y tampoco les hace falta) sino porque lo que prima en esta banda es la sensibilidad, emotividad, dramatismo y la visceralidad antes que el virtuosismo. Este registro de dos discos corresponde a una presentación en vivo junto a la Hungarian Radio Symphony Orchestra, y por donde desfilan distintos músicos que han integrado sus filas en distintos momentos. Un disco que es un tremendo gustazo (porque el recital fue tremendo y mágico, basta mirar el video que acompaña esta entrada para darse cuenta) y con el que estuve hipnotizado todo el fin de semana. Si miran el video (corresponde a una gran parte del recital) y no se caen de culo, avisen que les devuelvo la plata.

Artista: East
Álbum: Symphonic
Año: 2015
Género: Rock sinfónico
Duración: 58:08 + 74:17
Nacionalidad: Hungría


Construir mundos sonoros dónde las experiencias sensoriales puedan hacer vibrar al oyente más desprevenido es el mayor logro al que apuntan los creadores de rock progresivo. Universos de música insobornable e imaginativa, tan difíciles de plasmar por la mayoría de ellos, pero que es algo habitual dentro de las fronteras de Hungría.
Si bien East siempre ha sido famoso por su extraordinaria sofisticación, pero sus discos de estudio, si bien me han gustado, no lograron captar tanto mi atención como las versiones en vivo, ya que este material es perfecto, no solo en sonido, sino también en atmósferas, fuerza, fuego y emotividad logradas por el grupo y apoyadas por la orquesta. East debe ser uno de esos grupos que logra su mayor performance en vivo, mientras que se desvirtúa un tanto en estudio. Por ello, aquí tienen la mejor versión de esta banda, y para que la conozcan un poco más, les copio lo que han dicho sobre ella, incluso tomando en cuenta sus discos de estudio que, como dije, no es su fuerte.

Se pueden contar con los dedos de las manos los grupos de Europa del Este con tanta sensibilidad y estética rock progresiva como EAST.(...)
Una de las distinciones de los grupos de “la Europa castigada” es esa sensibilidad de expresión e inteligencia con la que arman sus proyectos. Grupos como COLLEGIUM MUSICUM o SOLARIS lo han demostrado, incluyendo cada uno su propia particularidad. EAST tiene la suya, y es de estética, poder, sutileza y grandiosidad en plástica musical. Mientras que en algunos sitios especializados en la difusión del rock progresivo los consideran como un grupo de rock neo-progresivo, otros lo etiquetamos con la categoría de progresivo sinfónico, principalmente por las atmósferas envolventes que caracteriza su sonido.
Un grupo para descubrir y darse cuenta de que al fin de cuentas, la “terrible” década de los ochenta sí arrojó grandiosas cosas después de todo.

Manticornio

Fue el 26 de junio del año 2006 cuando encontrándome con algunos amigos en algún lugar del Viejo Continente, les mencionaba del extraordinario trabajo del grupo EAST, en el terreno del progresivo sinfónico, surgieron dudas por parte de ellos y me prometieron buscar sus discos para tener una mejor opinión al respecto. No fue hasta el 10 de julio del presente año cuando recibí un correo con las opiniones diciéndome que se trataba, efectivamente, de una excelente muestra de una música inigualable surgida en la Europa Oriental durante la década de los 80's. Indudablemente, durante estos años, el desarrollo del Rock Progresivo en todas sus facetas se vio hasta cierto punto limitado por la aparición de otros géneros que en este momento no viene al caso comentar, sin embargo y principalmente en la Europa Oriental, se dio el extraordinario fenómeno de la efervescencia progresiva de grupos marginales de magnífica calidad y creatividad los cuales se manifestaron “bajo las sombras“ antes de la llegada de la Perestroika y la Glastnot y la ulterior caída del régimen comunista soviético. EAST es uno de esos grupos, originarios de Hungría, que se constituyeron en una magnífica, excelente propuesta de un Progresivo Sinfónico de alta calidad, creadores de una música envolvente, bella, transparente, sin fallas, muy bien lograda que tuvo como primer trabajo en estudio a "Játekok", producción perfectamente equilibrada la cual manifiesta influencias importantes de grupos como GENESIS, ELP y PINK FLOYD.

Rafael Augusto Lara Palmeros

Todo esos comentarios hablaban de sus discos de estudio, pero este registro vino mucho, mucho después. Y les repito, éste es el mejor East, y se sorprenderán por su calidad y musicalidad. Eso sí, por favor, antes de escucharlos, pongan un almohadón en el suelo o háganlo sentados, no queremos que se fracturen el huesito dulce, dicen que es muy doloroso! Están avisados...

Hungría siempre ha sido un lugar desde donde han salido músicos que nos asombran por sus composiones melódicas instrumentales ejecutadas con gran brillantez. El blog cabezón está lleno de banda de ayer y de hoy que vienen de ese mágico (musicalmente hablando) país, y aquí tenemos otra banda que nos faltaba. Y aquí me paro un segundo para preguntarle al Mago Alberto ¿Cómo es que Collegium Musicum aún no ha aterrizado en el blog cabezón?
Hablando de Hungría, tengo que comentar que además de todas estas bandas clásicas de las que hablamos, hay actualmente una enorme cantidad de nuevas bandas que han aparecido y que retoman el sonido más épico, orquestal y experimental del rock progresivo (muchas presentadas por el Mago Alberto, como Korai Öröm, Townscream del ex After Crying Csaba Vedres y Mindflowers entre otros, pero hay más). De entre ellas, agrupaciones como Kada, ColorStar, Periferic, You & I, Rumblin’ Orchestra, Barbaro, Koral, Dongó, Kex, Panta Rei, Lux y Nemesis, tan solo para nombrar algunos, son parte del material que quedará pendiente de análisis para un futuro no tan lejano pero que completan un cuadro muy colorido por la diversidad de formas y estilos, de un nivel musical superlativo. La verdad es que hay mucho que encontrar en toda la historia y el presente del rock húngaro. En toda esa vorágine que viene de Europa Oriental, este "Symphonic" es un registro tremendamente cautivador que puede capturar el viaje emocional y estimulante que experimentaron quienes pudieron presenciar el recital, una experiencia profundamente artística e inolvidable.
Por supuesto, la instrumentación sinfónica siempre estuvo cerca de la música de Hungría, y en gran parte por motivos sociales y políticos como ya hemos comentado en otras oportunidades, pero aquí es sorprendente lo vivo, la comunión y lo orgánico que se da entre rock y la big band. Lo que es aún más sorprendente es que las canciones de East, a diferencia de muchas viejas grandes bandas, no solamente no han perdido su efecto, sino que al contrario, ahora son más ricas y más maduras, canciones que siguen siendo válidas después de tantos años luego de su nacimiento. De hecho, está todo el contenido existencial que siempre usó la banda para hacer su arte, la razón de la existencia del ser humano, la búsqueda de Dios, y también la esperanza. Y las líricas y planteos filosóficos de esta banda merecerían un desarrollo completamente aparte.

La banda East es una de las más refinadas propuestas que ofrece el progresivo de Hungría, y al igual que Solaris, se formaron a comienzos de los ’80.
Integrada por destacados músicos de un enorme predicamento en Europa del Este, East logró plasmar una música climática, sofisticada y sumamente elaborada, dónde los teclados y la guitarra eran los responsables de la magia y el encanto desgranados en sus maravillosos discos.
East es un clásico indiscutido del sinfónico europeo de los ’80. Una banda fundamental e imprescindible de conocer si uno desea incursionar seriamente en lo que acontecía por esos lejanos días, en lugares tan poco habituales.
Janos Varga en guitarra, Peter Móczan en bajo, Géza Pálvogyi en teclados, junto a Miklós Zareczky en voz e István Király en batería, son los músicos que grabaron en 1981 "Hüseg", su imperdible álbum debut. Toda una genuina joya del sinfónico más exquisito.
Su ex guitarrista, el gran Janos Varga, nos ofreció recientemente su nuevo álbum "The Wings Of Revelation I", una verdadera joya del progresivo más sugerente y que es la continuación lógica de sus primeros trabajos con East. Un disco en el que podemos encontrar ciertos puntos de contacto con bandas como Carpathia Project, por su sonido moderno, pero a la vez clásico.
Este es simplemente, uno de los más hermosos y logrados discos realizados jamás por un miembro de una banda progresiva como solista.

Nucleus

Sobre el disco, habría tanto que mencionar, hay tanta música, tantos momentos, tantos climas, que sería un verdadero exceso tratar de describirlo. Lo único que podría decir es que todo aquí es mágico, excelso, ¿qué decir de los momentos más sinfónicos?. ¿O aquellos que tienen una sonoridad más floydeana? ¿O los más meditativos y profundos? ¿Y aquellos más cercanos al hard rock? Además, mención aparte del final, cuando todos los artistas tocan juntos...
Por favor, no me hagan escribir sobre lo obvio y sobre lo que no puedo abarcar en su totalidad, y permítanse darle un regalo a sus oídos y denle sin miedo que esto les va a gustar a todos.
Y otra cosita, esta joya es casi desconocida y muchos fervientes progheads desconocen maravillas como las creadas por este grupo (y tantos otros) y prácticamente este trabajo no se ha comercializado fuera de Hungría, así que sépanse que son beneficiados por la varita mágica del blog cabezón, esto es un manjar musical al que pocos han tenido acceso.
Ahí va otra verdadera joya invalorable para la Biblioteca Sonora!


Lista de Temas:
CD 1
1. Prológ
2. Hűség
3. Keresd önmaga
4. Mágikus erő
5. Újjászületés
6. Ablakok
7. Várni kell
8. Dav Bowie szeme
9. Ha zászlót bont a félelem
10. A túlélők dala
11. ’56

CD 2
12. Szél repítse lelkem
13. A szerelem sivatag
14. Fényes ösvény
15. Party is over II.
16. Messze a felhőkkel
17. Szállj most fel
18. Gyémántmadár
19. Lélegzet
20. Nézz rám
21. Üzenet
22. Epilóg
23. Remény
24. Elrejtettél a szívedben

Alineación:
- Name / guitars
- Móczán Péter / Bass
- Dorozsmai Péter, István Király / Drums
- János Varga, Madarász Gábor / Guitar
- Pálvölgyi Géza / Keyboards
- Hungarian Radio Symphony Orchestra / Orchestra
- Balogh Sándor / Conductor
- Czerovszky Heni, Miklós Zareczky, Takáts Tamás, Vincze-Fekete Vera / Vocals

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The Enid - Journey's End (2010) ---ScRaBBlE

Ya hemos presentado a los The Enid y todo su sinfonismo majestuso. Realmente no se sabe mucho sobre The Enid por estos rincones del mundo, siendo que realmeente han hecho historia en la Inglaterra de la década de los 70 llevando la definición de rock sinfónico a sus últimas consecuencias respecto a la creación de obras con estructura y sonoridad clásica, aunque sin lograr nunca una masividad. El estilo que practican se podría interpretar como una mezcla literal entre musica clásica y rock, y realmente muchas veces parece que interviene una orquesta sinfónica, pero realmente todo esta instrumentado con los típicos instrumentos del rock, pero no se trata de unir partes clásicas y partes rockeras de manera alternada, ni tampoco se trata de un grupo de rock con fondo de orquesta, sino de una verdadera fusión donde ambos estilos, perfectamente cohesionados llegando a crear algo nuevo. Aquí el principio de una trilogía que empieza en 2010 con este "Journey's End", al que sigue "Invicta" en 2012 y por último "Dust" del 2016, en una impresionante saga. Una trilogía que por cierto tengo pendiente desde hace bastante tiempo. Una historia y un concepto que comenzó aquí y terminó en dos discos posteriores. Y con este disco nos lanzamos a completar la presentación de esta trilogía en este mismo día... espero llegar a hacerlo.

Artista: The Enid

Álbum: Journey's End
Año: 2010
Género: Rock sinfónico
Duración: 45:56
Nacionalidad: Inglaterra

La historia de esta banda es tortuosa. En principio se trata del proyecto personal de Robert John Godfrey, un pianista con estudios formales de Conservatorio, quien a lo largo de los años se ha rodeado de gente muy talentosa para darle forma a sus ideas musicales. Otro elemento que resulta importante en la historia de la banda es "Finchden Manor", una escuela experimental para niños problemáticos, con mucho talento pero muy poca disciplina, donde Robert John se formó y conoció a Stephen Stewart y Francis Lickerish, con quienes años después fundaría la banda.

Para mí, componer es un reto parecido al de ser un novelista, tengo una historia que contar. No soy el tipo de compositor que imagina bonitas melodías en abstracto, para mí la música tiene que significar algo.

Robert John Godfrey - Teclista, fundador y líder de The Enid

A pesar de la situación tan desfavorable, la obstinación de Robert John ha guiado y mantenida viva a la banda a través de todos estos años, y a pesar de no ser tan reconocida, ha acumulado la envidiable cantidad de 26 álbumes oficiales (incluyendo conciertos y recopilatorios) y sigue en activo hasta el día de hoy, refrendando su estatus de una de las bandas primordiales del rock progresivo. Luego, el proyecto siguió con suerte cada vez más licuada hasta la década de los 90, ya sin la presencia de Stephen Stewart (segundo líder del proyecto) y reclutando a otros componentes totalmente nuevos para The Enid.
Pero en el 2010 volvieron al ruedo y con todo, aquí desplegando un concepto muy de Sc-Fi, con la música alternando momento electrónicos y orquestales y canciones con una gran inclinación hacia una banda de rock más convencional, pero llevada a una galaxia muy alejada. Realmente si tienes ganas de escuchar un álbum original, te sugiero que le des una escucha a esta trilogía.

Sería un eufemismo decir que este disco llevó algo de tiempo. Después de más de una década y muchos problemas personales y legales, Robert John Godfrey finalmente pudo volver a formar la banda y grabar un nuevo disco.
¿Valió la pena esperar? Creo que sí, ya que agrega al menos tres nuevas canciones al repertorio de la banda: "Terra Firma", "Terra Nova" y "Shiva". Sin embargo, "Malacandra" es lo más destacado de este disco, pero ya estaba incluido en un álbum anterior, si mal no recuerdo en "Arise and Shine", así que no es realmente nuevo.
Este álbum tiene un sonido muy cálido y orgánico. El punto de partida es claramente clásico, con la guitarra añadida para complementar la música, a lo que se agregan el resto de los instrumentos de rock pero siempre en combinación con los sonidos clásicos. En muchos casos, la banda incluso elimina el aspecto "rock" de su sonido, utilizando el sonido mucho más variado que una orquesta puede construir. 

"Journey's End" «Fin del Viaje» podría ser un título más bien sombrío para el último álbum de The ENID, pero no lo es. En cambio, es el nombre de la última canción, el destino de un viaje asombroso a través del tiempo y el espacio —la llegada a otro universo, o dimensión, o incluso cielo— a algún sitio donde eres bienvenido y te sientes como en casa —algo positivo, no negativo— como una puerta que se cierra y en algún otro lugar se prepara otra para ser abierta (1). "Journey's End" es el álbum oficial de estudio #12 de The ENID, grupo británico conformado para esta realización por Robert John GODFREY (teclados), Max READ (canto), Dave STOREY (batería, percusiones), Jason DUCKER (guitarras), Nick WILLES (bajo, timbales, percusiones) y Elsa (gruñido).
Cuando GODFREY se despidió de la larga colaboración con Steve STEWART (su último álbum en conjunto fue el 8º, "The Seed And The Sower"), muchos pensaron que sería el final de The ENID. Cinco álbumes de estudio más tarde —con la llegada de éste— se especula sobre lo mismo, aunque por razones diferentes. Mientras que de aquel se pensaba que no sería posible componer de nuevo con la misma calidad, de éste la especulación se debe simplemente al título del álbum. El estilo musical podría decirse que es el mismo, desde luego, aunque con las implicaciones de ocupar cantante en vez de realizar conceptos 100% instrumentales. En fin, que no es la primera vez que se canta en un álbum de The ENID, y "Journey's End" no es la excepción. La notoriedad del disco radica en su estilo, primero contemplando un Arte Rock bastante similar a lo que hicieren los The MOODY BLUES en los 1980, similaridad vocal incluida, y segundo por seguir manifestando su conformidad instrumental de estilo música formal. The ENID se ganó el reconocimiento de ser un grupo clásico-sinfónico y lo sigue siendo, pero ahora hay que pensar en ellos como un grupo que también se desenvuelve en Arte Rock, bastante AOR. Tras la partida de STEWART, GODFREY se ha valido de bastantes músicos distintos “pa'llenar el hueco” que su cuate dejó, y aunque a veces se ha superado a sí mismo, otras veces lo que hace pareciera ser un tanto absurdo. Como sea, el fin del viaje es placentero, auténticamente como volver a casa donde todo es conocido, donde uno puede reposar… no diría que se trata de un gran álbum, pero sí de un desarrollo que valdrá la pena reescuchar.

Alfredo Tapia-Carreto

El álbum comienza con quizás la pista más poderosa, "Terra Firma", que no encaja tanto en el molde rockero clásico como en el resto del álbum. Esta pista está definida por múltiples capas de voces que denuncian la muerte de la tierra, música verdaderamente excelente con un muy buen trabajo de batería, un tema muy recomendable.
A partir de este punto, el álbum tiene voces dispersas y depende en gran medida de la instrumentación, lo cual es genial porque ese es el punto más fuerte de la banda. El álbum tomará una atmósfera espacial de aquí en adelante: la tierra ha sido destruida y ahora estamos en el espacio en busca de un hogar mejor (al menos, esto es lo que percibo que expresa el álbum). La banda usa los sonidos  orquestales para crear este sentimiento y los funciona con gran maestría; en la mayoría de las partes, podrías cerrar los ojos e imaginarte flotando entre los planetas, y la música funcionaría perfectamente.
Desafortunadamente, el álbum sufre de algunos pequeños desequilibrios, aunque son mínimos.

En términos de mencionar los aspectos clave del disco, podemos decir que "Malacandra" hace un nexo entre la gracia entre los momentos más épicos y los más espaciales, creando una pieza realmente conmovedora, y la canción de cierre y título, "Journey's End", culmina el álbum de forma pacífica y victoriosa.
En definitiva, este es un álbum agradable que recomendaría a los fanáticos del rock sinfónico y hasta a los degustadores de la música clásica.
 

Lista de Temas:
1. Terra Firma
2. Terra Nova
3. Space Surfing
4. Malacandra
5. Shiva
6. The Art of Melody - Journey's End

Alineación:
- Max Read / vocals, co-producer
- Jason Ducker / guitars
- Robert John Godfrey / keyboards, co-producer
- Nick Willes / bass, timpani, percussion
- Dave Storey / drums, percussion
With:
Joe Payne / lead vocals (7,8)
"Elsa" (dog) / growl

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East - Hüség (1982) ---ScRaBBlE

Esta semana, y en principio de la mano de East, he preparado algo de buen progresivo húngaro para presentar en el blog cabezón. Cuando los anglosajones progresivos se inclinaban hacia el pop y perdían la brújula, los europeos orientales iniciaron su etapa de sinfonismo de alta calidad, trayecto que llega hasta el día de hoy y que nunca ha perdido su fuerza. Luego del tremendo disco en vivo, traemos a su reconocido segundo disco, y luego presentaremos otras cosas de algunos de sus músicos en trabajos solistas, como los hermosos trabajos de su guitarrista János Varga. Y así nos damos por hechos al traer a la luz otra excelente banda que merece conocerse. Montones de pasajes instrumentales empapados de teclados y ácidos solos de guitarra, cantado en húngaro, melodías serenas y exuberantes, paisajes sofisticados e imaginativos para una propuesta elegante, y sobretodo rico y creativo, creando un progresivo sinfónico muy emocional. Copio las palabras con las que termino esta entrada: "claramente esto está por encima del promedio, es un disco a considerar para escuchar y analizar con atención. Un bello documento histórico más que disfrutable."

Artista: East
Álbum: Hüség
Año: 1982
Género: Rock sinfónico
Duración: 44:15
Nacionalidad: Hungría

Debido al hecho de que los regímenes de Europa del Este no eran muy aficionados al rock, ya que se lo veía como una expresión del capitalismo, el rock progresivo no llegó a Hungría exactamente al mismo tiempo que en el resto de Europa, por lo que durante los años 80, cuando el resto de el mundo vio al rock progresivo como un subgénero arcaico y se rindió al synth pop, bandas como East arremetieron con un sólido rock sinfónico (potenciado por la inmensa historia musical de Hungría, sumado a que venían de toda una política que potenciaba la cultura sinfónica y clásica) con elementos adicionales que lo hicieron más rico que nunca. Debemos mencionar que ese resurgimiento (aunque con otras razones sociales) también sucedieron en los países nórdicos y latinoamérica, pero eso es otra historia.
"Játétok", el primer disco de East, fue un trabajo bien equilibrado, hermoso, muy bien elaborado, con pasajes de evidente influencia Genesis - Yes - Pink Floyd, pero que aporta una estética trascendental, con una robusta estructura lírico-musical, dicha estructura se basa en bellísimos pasajes de teclados, guitarra orientada hacia un sonido hard rock, lo cual da esa característica tan especial al grupo ue mantendría en el tiempo, con espléndida voz que interpreta los temas con gran sensibilidad y pulcritud, expresiva, bien usada con gran exactitud y fuerza interpretativa y una sección rítmica exacta sin grandes pretensiones de lucimiento. Todo ello se ve amplificado en su segundo disco, este "Hüség" que ahora estamos presentando.

Globalmente, este trabajo basa su magnificencia en su abrumadora sencillez musical (al menos a primera vista, porque el disco tiene un manejo constante de contratiempos) pero su complejidad en las emociones expresadas. Vibrante, enérgica, ambiental, bella, atmosférica, con reminisencias de Pink Floyd que redondean un disco magnífico aunque lamentablemente tiene ese pástico sonido ochentoso tan clásico de esa época, que es su punto negativo, al menos para mí, aunque debemos decir a favor que, a diferencia de los grupos ingleses de esta época, este álbum de 1982 hace pocas o ninguna concesión al sonido comercial de su época, porque sobretodo aquí predominan los sonidos característicos del bloque del Este, de una banda que se mantuvo fiel a aí misma a pesar de no tener reconocimiento comercial, unos de los grupos que mantuvieron en alto la llama del progresivo durante algunos años muy oscuros tanto musical como políticamente, por lo que también es todo un documento que va más allá de lo artístico.

Típico álbum progresivo de principios de los ochenta para los húngaros orientales: producción entre pomposo y "plasticoso" y piezas atmosféricas que imitan a los modelos occidentales (Camel, Yes), aunque en este caso estamos ante un grupo al que se lo ama o se lo odia, y ello se ve reflejado en las opiniones de cada uno de sus discos.

"Hüség " se destaca como una obra maestra del género. La música es muy sinfónica, construida sobre una base sólida de teclados y guitarra, y se convierte en música con el estilo melódico del Genesis de mitad de período, pero con más agresividad en términos de pasajes de guitarra y teclado que muestran claramente la habilidad técnica de los músicos. Este disco es como la segunda parte de su álbum debut, (éste fue su segundo disco) y al igual que el anterior la portada es similar, aunque su música dio un paso hacia lo moderno.
Musicalmente y líricamente sigue siendo el rock progresivo típico, pero en la producción están influenciados por los logros de los 80, teniendo el típico sonido de plástico que a estas alturas suena demasiado viejo, mucho más gastado que los típicos sonidos de los setentas.

EAST se formó a finales de los '70 y en un principio hacían música rock, pop, casi sin sentido progresivo. Luego llegó la necesidad de un cambio drástico y lo aterrizaron con "Hüség", un disco que por su belleza y poder interpretativo, pronto se convirtió en un clásico indispensable para quienes disfrutamos especialmente el progresivo sinfónico.
En este disco, István KIRÁLY (teclados), Péter MOCZÁN (bajo), Géza PÁLVÖLGYI (batería y percusiones), János VARGA (guitarra) y Millós ZARECZKY (voz), reúnen los elementos más precisos y originan un concepto que me voy a atrever a catalogar como "progresivo sinfónico impoluto", además de por su limpieza, por su belleza, su exactitud, arte y fuerza interpretativa. Para quienes no estén sumergidos en el maravilloso mundo del rock progresivo, "Hüség" les puede parecer muy simple pero no podrán por ello negar la claridad, estética y sencillez (pero nunca simpleza) de sus sonidos, partiendo entonces desde esta consideración para escuchar el disco. Un momento que deberá por lógica, envolverte en una estética tan precisa, tan entregada a los sonidos más bellos de este género, que de seguro buscará momentos para volverlo a oír.
Los temas de "Hüség" son temas comprometidos en los sentimientos que el ser humano crea ante la búsqueda de su significado, y en un orden que debería haber entre la fe y el meditar sobre los logros obtenidos durante una vida. Para ello, el grupo sabe interpretar no sólo con líricos, sino con ambientes musicales las atmósferas supuestas en cada una de esas etapas. Una interpretación que hizo de éste un álbum extraordinariamente bueno, álbum para ser escuchado en el más adecuado de los ambientes íntimos. Un álbum que le puede agradar a quien sea, sean cuales fueren sus predilecciones sonoras.

Alfredo Tapia Carreto

El álbum abre con el tema homónimo (que significa "Fe"), buena melodía de sintetizador a lo largo de esta canción sobre la batería y la guitarra, y una mención aparte merece las intervenciones de la guitarra que son fantásticas, ya que Janos Varga es realmente un músico fuera de serie. Por cierto, recomiendo altamente los álbumes en solitario de Janos, que ya vendrán en esta semana de progresivo húngaro. Luego, "Search Yourself" establece el patrón de canto sobre melodías melancólicas apoyadas en los teclados celestiales, estilo que se ve reforzado por canciones hermosas como "It was me", "Born Again", "Losers" y "You must wait". En "Search Yourself" (disculpen que pongo los nombre de los temas en inglés, porque en realidad los títulos y la lírica están en húngaro) es donde escuchamos por primera vez las voces, así como algunas guitarras de altísima calidad. "Magical Power" es otro elemento instrumental y otro tema destacado. Hay guitarras fantásticas, buenos aporte de teclados liderando el sonido. "It Was Me" es una canción de ritmo lento con muchos sintetizadores y voces. "The Happiness Of The Endless Space" es un corto instrumental con algunas pinceladas de jazz. "Born Again" es otra canción hermosa, con una melodía de teclado pegadiza en todas partes. "Windows" es mi favorito, tiene un ritmo tan bueno, así como también sintetizadores burbujeantes y grandes intervenciones de las voces. "Losers" es otro de los favoritos, con esa voz enfática y guitarra emocional que me recuerda al estilo de Gilmour. "Walkin On The Clouds" es un tema con prominencia instrumental de teclas y guitarras. "You Must Wait" es una canción emocional con guitarras y teclas aún más bellas. La última canción es una canción corta y contemplativa llamada "Meditation".

Aunque algunos fanáticos exigentes de progresivo pueden encontrarlo este álbum como demasiado suave, creo que estamos ante un excelente álbum grabado cuando el género estaba agonizando en el resto del mundo, y que impulsa el desarrollo del estilo en una región que estaba dando los primeros pasos hacia rock en general.
Precisamente, teniendo en cuenta todo ello, y porque claramente esto está por encima del promedio, es un disco a considerar para escuchar y analizar con atención. Un bello documento histórico más que disfrutable.


Lista de Temas:
1. Hüség (Faith)
2. Keresd õnmagad (Search yourself)
3. Mágikus eró (Magical power)
4. Én voltam... (It was me)
5. A végtelen tér öröme (The happiness of the endless space)
6. Üjjászületés (Born again)
7. Ablakok (Windows)
8. Vesztesek (Losers)
9. Felhókón sétálva (Walkin' on the clouds)
10. Várni kell (You must wait)
11. Merengés (Meditation)

Alineación:
- István Király / drums, percussion
- Péter Móczán / bass
- Géza Pálvölgyi / keyboards
- János Varga / guitar
- Miklós Zareczky / lead vocals

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