Rhinoceronte - Las Energías del Cachirulo (EP - 2016) ---ScRaBBlE

King Crimson a full nos trae este Cachirulo de una banda llamada Rhinoceronte, con tres canciones largas de un rock enérgico y poderoso expansiva, sólida y maleable, y con una poesía sonora un tanto retorcida donde no falta ni el sarcasmo y la ironía. Otro de los grupos que más atención nos provocan por su arriesgada propuesta de moverse indepfectiblemente (por el estilo abordado) de manera independiente y por fuera de las grandes discográficas. Un power prog trío con espíritu libertario y trotamundos, un mestizaje eléctrico de aquellas influencias anglosajonas que todos conocemos y disfrutamos.

Artista: Rhinoceronte

Álbum: Las Energías del Cachirulo (EP)
Año: 2016
Género: Rock progresivo
Duración: 31:53
Nacionalidad: Argentina

Algo se está gestando en el under porteño: nuevas bandas de rock que vienen a recuperar el terreno perdido. No cuentan con el apoyo de las grandes marcas, no hay pulseritas, ni sectores vip ni promotoras y mucho de los que se hace y gestiona suele estar a cargo de los propios músicos. Uno ve los festivales grandes, mainstream, y está buenísimo que tengan ese espacio y que la gente se pueda entretener con los eventos mediáticos, pero nosotros queremos mostrar que hay otros que también pueden armar lo suyo detrás de toda esa parafernaria hueca, que se puede hacer mucho desde un lado alternativo y eso al mismo tiempo se convierte en una suerte de declaración de principios de una banda, tal el caso de este Rhinoceronte crimsoniano que promete una carrera quemando varias cabezas (más de lo que están quemadas).

Esto se suma a que en estos años creció la capacidad del público de poder entender y abrirse a otros géneros. Lo mismo para las bandas que comprendieron que no hace falta tener que tocar con tu misma escena y empezaron a armar festivales. Eso genera el cruce de públicos, hay mayor tolerancia y bandas que recién empiezan tienen la posibilidad de ganarse su lugar si es que son buenos y les da el cuero. Los Rhinoceronte vienen de allí, de ese espacio antes vacío. Eso antes, hace pocos años, no pasaba y les dio como un dinamismo a toda la escena y a las bandas para que pasen más cosas.

Actualmente, el cachirulo es una prenda tradicional y admirada por miles de aragoneses. Este pañuelo bordado con cuadros rojos y negros se ha convertido en un pequeño emblema de la comunidad que muchísimos zaragozanos lucen con orgullo cuando llegan las Fiestas del Pilar.

Muy buen trabajo inicial, muy onírico y con pasajes colgados de una música completamente generosa, rica, abierta, imaginativa y creativo como pocas. Con ustedes, señoras y señores cabezones, se muestra el under con todo el poderío de un Rhinoceronte que amenaza con demoler más de un oído.

Un día del año pasado (hablo del 2017) nos escribió el Lagarto Fleita, y nos dijo:

Hola, como va? me llamo fito soy baterísta de Rhinoceronte (trio de rock fusión instrumental) queríamos compartir con los chicos nuestro primer EP editado el año pasado para que puedas escuchar, abrazo grande!

Y bueno, aquí está, al fin presentado en sociedad. Desde ya, pido disculpas por la demora, es que las bandas que se nos presentan cada vez son más y hacemos lo que humildemente podemos, pero tratamos de siempre cumplir aunque nos tome tiempo, como ahora...

Los mastodónticos riffs e inventiva guitarrera junto a la poderosa sección rítmica se convierten en espejo básico para multitud de conjuntos surgidos a su imagen, pero ellos toman un lado muy crimsoniano y se diría que podrían ser los herederos de los mendocinos Zonda Projeckt, uno de los máximos puntos de referencia para la avanzada progresiva argentina.
Majestuosidad progresiva con armazones bien delineadas y una arquitectura rítmica que se entrelazan dentro de una ingeniería musical que produce la gozada sónica que nos brinda este EP. La pieza intrpoductoria nos mete de lleno en el mundo de Rhinoceronte claramente encuadrado dentro de un lenguaje musical donde confluyen el foco melódico donde los riffs de guitarra despliegan mucha intensidad expresiva, mientras que la dupla rítmica gesta un colorido recorrido de burbujeantes atmósferas. La primera composición es "Estampida" se prolonga por una duración de casi 6 minutos y a la que sucede "La traducción enemiga" en el repertorio de esta ópera prima, con un enfoque un poco más jazz-rockero. En realidad, lo que hay aquí es un continuum en el que se conjugan sutiles desarrollos melódicos y atmósferas a través del consistente bloque instrumental vigoroso crea un imparable clímax bajo un encuadre que permite explorar las potencialidades de las bellezas sinfónicas-rockeras que remite un poco al modelo Camel.
Vale destacar el ingenioso añadido de texturas a las que ya brindaran los músicos, con un sonido más lleno, producto aceitado de la maquinaria creativa con que los Rhinoceronte crean un trabajo lleno de una vitalidad contagiosa, con un colorido imponente dentro de una ingeniería progresiva sólida donde el último tema titulado "Candombe para Eduardo" aparece y nos da una nueva perspectiva del grupo, creando una magia irresistiblemente atractiva y con mucho swing, un tema que se beneficia con una sonoridad llena y oportunos ornamentos adicionales, robustos y enérgicos, para ir acercándonos al final de este trabajo que nos complacemos en disfrutar y presentarles. Un EP con una extrovertida vibración rockera, con unas incursiones crimsonianas genuinamente fieros y aguerridos, un exquisito viaje progresivo en el que lo cálido y lo suntuoso conviven en armonía, concluyendo de manera tremendamente efectiva.

Cerramos esta retrospectiva de "Las Energías del Cachirulo" con nuestra recomendación para que conozcan el disco y el grupo, y la verdad para que cuando puedan verlos en vivo, no se los pierdan por nada del mundo. Excelente trabajo de todos los músicos, gran trabajo y despliegue de la virtuosa batería, un ingenioso bajo que lidera cada paraje musical, una guitarra desplegando sonidos muy bien logrados, los tres logran plasmar un disco, mejor dicho, un EP realmente prometedor.
Pulgares arriba para esta ópera prima de Rhinoceronte!!!

Les dejo el espacio en Facebook de la banda y el link de su espacio en Bandcamp, desde donde podrán descargarse este lindo disquito, no sin antes felicitar a los miembros de la banda por tan lindos momentos regalados. Sigan así, chicos, espero volver a escucharlos y disfrutarlos en lo que será, en un futuro muy próximo, su primer larga duración, toda una promesa de disfrutes futuros.

Lista de Temas:
1. Estampida
2. La traducción enemiga
3. Candombe para Eduardo

Alineación:
- Juan Piñeyro / Guitarra
- Ricardo Dubatti / Bajo
- Fito Lema / Batería
Músico invitado:
María Baliño / Tambor chico en "Candombe para Eduardo"

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The Flower Kings - Back in the World of Adventures (1995) ---ScRaBBlE

Aunque ya se perfilaba como banda desde que Roine Stolt se fue de gira con The Flower King, Back in the World of Adventures es propiamente el primer disco de The Flower Kings, la enorme banda sueca que infundió vida nueva al rock progresivo en los 90 y 2000. Desde los primeros compases estamos ante una forma de sinfonismo que, sin renunciar a su propia propuesta musical, recuerda lo mejor de los mejores años 70. Un disco variado y versátil, con momentos de un interesante progresivo sinfónico de corte clásico y momentos de coqueteo con el pop de la época, pero sin concesiones al comercialismo fácil y un mensaje consciente y comprometido (quizás un tanto new age) con la denuncia del ambicioso materialismo neoliberal. Cabezones, cabezonas, ¡bienvenidos de regreso al mundo de las aventuras!

Artista: The Flower Kings
Álbum: Back in the World of Adventures
Año: 1995
Género: Rock progresivo sinfónico
Duración: 1:11:21
Nacionalidad: Suecia


Incluso ubicándonos a mediados de los 90, Back in the World of Adventures tiene algo de retro en su sonido y su estructura: cuando la mayor parte de los músicos del mundo había renunciado al largo aliento y a la música significativa, Roine Stolt aparece como emisario de una utopía que no se dejaría olvidar. En las notas del disco, el guitarrista rubio, el hippie que no fue, incluso agradece a los fans del rock no comercial por su apoyo a su proyecto. Un gran disco de Los Reyes de la Flor (que debía desde hace tiempo al blog cabezón).

Vamos a un breve comentario de las rolas: “World of Adventures” es una sabrosa minisuite en tonos mayores, llena de sinfonismo y con un puente instrumental para lucimiento de los teclados que recupera un motivo que parece tradicional, como céltico. Luego vienen los solos; hay que empezar a observar la guitarra de Stolt sobre el Hammond de Bodin pues, sin ser emisarios del pasado, parecen incorporar décadas de conocimiento rockero en sus melodías. “Somos los hijos de la nación Woodstock”, dice en este tema que abre y anuncia lo que será el viaje. Un viaje que durará hasta mediados de los 2010 llevando buena onda al mundo pues la perspectiva de Stolt es como la de un neohippie encantado por los valores de fraternidad, comunidad y espiritualidad que caracterizaron al movimiento de los 60-70.

“Atomic Prince / Kaleidoscope” es un tema instrumental que nuevamente recupera melodías sencillas, como de la música popular, para fusionarlas con el sinfonismo eléctrico que caracteriza a la banda. Los diálogos entre Bodin (teclados) y Stolt (guitarras) son muestra inicial de la poderosa dupla que habrían de crear estos dos vikingos bonachones. A la mitad, la rola desciende hacia un largo pianísimo liderado por el bajo, donde se muestra la maestría de los integrantes desde el otro lado del virtuosismo: la mesura, y que termina en un rico diálogo de guitarras acústicas.

 

En “Go West Judas” el modo de la banda se va por fin a menores, adopta un ritmo más decidido y deja casi de lado la nostalgia hippie para hablar de un modo más directo. ¡Este es uno de los grandes temas de The Flower Kings! Se ubica en un diálogo con Judas después de que ha vendido a Jesús. A lo largo de la obra de Stolt hay frecuentes referencias al daño que le hace al planeta y a la humanidad el vicio del comercio y la ambición; esta es una de ellas pues Judas se convierte en su símbolo: “Vete al Oeste, Judas, a ver qué encuentras/ Vete al ‘Sieg Heil’ y al signo del dólar / Tú, negro corazón del intercambio humano / ahora hechicero de los pantanos”.

Dedicada a Raoul Wallenberg, diplomático sueco en Hungría durante el domino nazi que salvó tantos judíos como pudo y murió en circunstancias nunca aclaradas, “Train to Nowhere” es una dramática balada basada en los trenes de la muerte que transportaban a las víctimas de los nazis hacia los campos de concentración.

Con “Oblivion Road” volvemos al Flower Kings instrumental, pero ahora más jazzístico e improvisativo, en una vena poco explotada por la banda en la que se pueden sentir guiños a The Soft Machine.

Luego, “Theme for a Hero” sigue en plan instrumental, con más fuerza y volumen al principio, y aterrizando en un motivo pop en el que destaca la melodiosa guitarra de Stolt y, nuevamente, los diálogos con los teclados (un piano por momentos) de Bodin. La fusión jazzística continúa, esta vez con el apoyo de una extraordinariamente sólida batería en manos de Jaime Salazar.

La brevísima instrumental/ambiental “Temple of the Snakes” introduce uno de los hits más famosos de The Flower Kings, un tema rítmico y muy alegre (lo que explica su presencia en charts), “My Cosmic Lover”, ejecutado con la maestría de estos monstruos. Con base en un bajo incansable sobre el que se encabalga un riff de teclado y guitarra, este es uno de esos temas para disfrutar en la discografía de los Reyes de la Flor. Pero aunque parece una simple y linda canción de amor, es otra cosa: nuevamente Stolt se arranca contra el espíritu ambicioso del capitalismo: “Soy el signo de los tiempos / Recen, canten al símbolo del dólar”. Y los cortes luego de ese coro son extraordinarios. Un tema en que se resume la maestría de Roine Stolt, tanto musical como ideológicamente.

“The Wonder Wheel” es otro instrumental/ambiental que desarrolla suaves instrumentaciones sobre un ritmo lento y fijo. Es otro ejemplo de cómo Stolt se sacude sus claras influencias para llevarnos a su propio territorio.

El disco cierra con otro tema largo, en forma de minisuite y con interesantes tiempos complejos. “Big Puzzle” está dedicado nuevamente a las preocupaciones sociales de Stolt, en este caso a la deshumanización que acarrea el progreso. Es uno de los temas en los que se siente más la influencia musical de Genesis y donde destacan mejor los integrantes de esta gran banda, especialmente los tremendos solos finales de Stolt.

Para muchos seguidores, este es el mejor disco de The Flower Kings; yo no estaría totalmente de acuerdo pues creo que en cada disco hay material para sorprenderse. Pero sin duda es un discazo, el primero de la discografía oficial de la banda y, claro, un infaltable cabezón.

Lista de Temas:
1. World of Adventures
2. Atomic Prince / Kaleidoscope
3. Go West Judas
4. Train to Nowhere
5. Oblivion Road
6. Theme for a Hero
7. Temple of the Snakes
8. My Cosmic Lover
9. The Wonder Wheel
10. Big Puzzle

Alineación:
- Roine Stolt / Guitarras, voz principal, teclados

- Tomas Bodin / Órgano Hammond, Mellotron, piano, flauta, teclados
- Michael Stolt / Bajo, voz
- Hasse Bruniusson / Percusión, batería (10)
- Jaime Salazar / Batería
- Ulf Wallander / Sax soprano (5, 8, 10)

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Daniel Giraudo - Diente de Esquimal (2011) ---ScRaBBlE

Seguimos trayendo parte de la cultura rockera nacida en las provincias argentinas. En el 2011 Daniel Giraudo publicó "Diente de esquimal", un disco concebido 20 años atrás y distribuído por la revista cordobesa La Central. Daniel aparece en los 70 como cantante, guitarrista y compositor del grupo Martín Maguceno, en el 75 forman parte de "Rock para mis amigos Vol.2", un compilado de rock nacional editado por el sello Talent en donde también participaron Pescado Rabioso, Manal, y otros pioneros del rock argento, fueron parte de las bandas que participaron de las míticas "misas rock" que organizaba el cura Mariani, impulsor de la teología de la liberación, en la Cripta. En los 80 Giraudo vuelve a la carga con Tamboor que fue un grupo refinado pero sin perder la fuerza y esencia rockera. Este disco contiene grabaciones posteriores a Tamboor, ocho fueron grabadas en Córdoba en 1990 y 2 en Granada (España) 5 años más tarde, canciones remasterizadas en Bs. As en el 2011.

Artista: Daniel Giraudo

Álbum: Diente de esquimal
Año: 2011
Género: Rock, Rock progresivo
Duración: 44:04
Nacionalidad: Argentina (Córdoba)

Daniel Giraudo es definitivamente un imprescindible del rock cordobés. Y de Argentina según mi criterio, pero por algún motivo que nunca analicé seriamente, el rock de Córdoba no se ha proyectado a nivel nacional como el de Rosario. Un cordobés radicado en la ciudad ibérica de Málaga.
Retomo aquí una entrada que dejó inconcluso nuestro amigo Luis de Catamarca, cuando desapareció del Staff cabezón, de su participación en el blog, del país, del mundo y de esta existencia. A modo de recuerdo y homenaje trato de terminar una entrada de un disco que no escuché ni tengo, disco del que que no hay videos ni ninguna referencia, así que si algún cabezón lo tiene a mano por favor que avise, le estaremos muy agredecidos de que lo pueda compartir...

Vamos entonces al disco fantasma que el bueno de Luis no nos pudiera compartir...

La Central (http://www.revistalacentral.com.ar) es una revista cordobesa que va ya por el número 20. Está hecha por conocidos periodistas ligados históricamente al rock de Córdoba. Una historia que incluye entre sus ancestros a Los Burdos, un grupo de estudiantes-periodistas responsables de algunos de los programas humorísticos más ácidos y subversivos de los que se tenga memoria, emitidos desde la FM Galena, ochentosa experiencia de radio realmente alternativa. Alguno de Los Burdos fueron parte de la banda cordobesa Proceso a Ricutti, seguramente la que más repercusión tuvo a nivel nacional en su momento. Jorge "Droopy" Campos, activo periodista radial que pasó por muchas radios -dirigió alguna, incluso-  es el director de La Central. ¿Qué es La Central? Lo que diríamos una revista cultural de amplio espectro, pero con el rock en su centro. Pues bien, La Central desde su número 16 incluye en sus ediciones un cd de músicos cordobeses y el elegido para inaugurar la serie es "Diente de esquimal" de Daniel Giraudo.

Daniel Giraudo volvió al disco. No por propia iniciativa sino por impulso de varios amigos periodistas que editan la revista cultural La Central , quienes entendieron que Diente de esquimal , tal el título de la obra en cuestión que había quedado en suspenso hace 20 años, merecía estar a disposición del soberano. Una vez que convencieron al ex líder de Tamboor para que actualizara el repertorio, generaron las condiciones para que el disco tangible se distribuya gratuitamente con su publicación.
La tarea no fue simple: Giraudo reside en España y la reconstrucción de un disco al que todos consideraban una obra maestra demandaba de una ardua curaduría. Maremotos de e-mails con tomas primarias, respuestas con versiones alternativas, entrevistas parciales para conseguir fundamentaciones para el booklet y así. “Lo fuimos gestando con Dirty Ortiz, Lucio Carnicer, Droopy Campos… Entre idas y venidas, finalmente salió. El esfuerzo de los chicos fue impresionante”, suelta Giraudo desde su hogar ibérico, aún conmovido por ser objeto de semejante reivindicación. Pero la movida se puede entender desde el lado de la reproducción: se trata del “eslabón perdido” de una discografía de fusión con identidad cordobesa, que dialogaba de igual a igual con lo que proponían hacia mediados de los ’80 los grandes del rock nacional.
–¿Tuviste que regrabar, o apenas mejoraste el audio?
–Antes de venirme para acá, y por suerte, me agarró esa etapa en la que los arreglos se podían secuenciar. Así que esta propuesta me encontró con todo el planteo hecho. Con las músicas y poesías enfocadas. Retoqué muy poco y sólo metí voces en algunos temas. Además, me pude juntar con Camacho Cagliero, sonidista cordobés que hace siete años labura con León Gieco, quien me empujó a hacer una remasterización. Metimos todo en (el sistema de edición) Pro Tool y empezamos. Todo eso me estimuló.
–Si no aparecían tus amigos periodistas, ¿este disco quedaba en el olvido?
–Ese es el meollo de la situación. A estos temas, yo siempre los sentí más que pensarlos, así que tuve muy claro que no quedaban desvalorizados ni olvidados por no ver la luz. Hay música que tiene vida propia independientemente de que te la editen o no. Muchos compositores que admiro trabajan para engrosar su colección privada. Y en su momento, trabajé en esos términos.
–¿Música para vos solo?
–Mirá, tengo una foto de hace 20 años en la que agarro un matafuego del viejo diario Córdoba y simulo pegarle a un tecladista amigo. Había ido a la Redacción para que me entrevistara Mariana Winocur con la idea de contar que tenía este disco. Golpeé las puertas indicadas en Buenos Aires, además. Al no encontrar respuesta, lo hice para mí. Y fue producto de una libertad fulminante. Ahora el desafío pasaba por ver si tanto la música como la letra seguían aguantando el paso del tiempo. Este disco aguantó el paso de tiempo, definitivamente.
–Es decir que el material trasciende el concepto de “justicia histórica”.
–Pienso que podría haber sido un disco de hoy, claro. Hay temas míos y otros de Tamboor que son olvidables, no han resistido el paso del tiempo. O mejor dicho, tienen que ver con un determinado tiempo, refieren a un período puntual. Pero no me ha pasado eso con Diente de esquimal , que llegó bien al momento de su descongelamiento.
–En el sobre interno, hacés una analogía entre un horno de barro de Ischilín y un iglú del ártico, como si a ambos símbolos los atravesara algo en común.
–¿Eso salió en el sobre interno? ¡¡¡Droopy lo publicó!!! Es un periodista nato, tiene una dosis de traición que es formidable. Lo que me hizo escribir lo publicó… Está perfecto. Tanto como cuando me insistió “Daniel, al disco te lo publicamos por las buenas o por...” Voy a la pregunta: Conociendo al horno de pan personalmente y al iglú mediante una revista, se me revelaba un diálogo de formas; dos culturas que no se conocen apuestan por un símbolo de igual morfología aunque para distinto uso. Me alucinaba, además, la diferencia de temperatura que existe entre ellos; uno se activa a 200 grados, el otro sobrevive bajo cero.

La Voz

Lista de Temas:
1. Diente de esquimal
2. El escorpión
3. De la ribera
4. Del Caribe
5. Atado a la evolución
6. Pozo de la suerte
7. Prestidigitador (Digital)
8. Solo un candil
9. El traje del que espera
10. El arenal

Alineación:
Daniel Giraudo / Todo lo que se escucha

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Pink Floyd - The Wall (The Original Film Sessions) (1982) ---ScRaBBlE

Siguen las sorpresas, porque no vamos a hacer una presentación convencional de este ícono del rock que desde hace cuatro décadas ha vendido 23 millones de copias. No. Porque esto se refiere a la banda de sonido original de la película, y si bien gran parte de la música original del LP está presente, en la película contiene arreglos y sonidos ambientales para aumentar la atmósfera del guión. Y es así que el Mago Alberto nos trae justamente esa versión. Así que no hace falta mucha presentación a una obra por demás conocida, valorada y que todavía continúa transformándose con su metáfora de los ladrillos que se colocan uno sobre otro para formar un muro, mientras siempre habrá un resplandor de la esperanza siempre que se logren derrumbar. Y morí de risa cuando el Mago puso "aunque aparezcan cien mil películas, un millon de Pink Floyd, hay millones de cerebros consumidos que jamás van a despertar a la vida, y encima votan...". Tanto será así, que hasta este espacio casi subversivo tiene unos cuantos de esos de los que habla el Mago.

Artista: Pink Floyd
Álbum: The Wall (The Original Film Sessions)
Año: 1982
Género: Rock progresivo
Nacionalidad: Inglaterra

El 30 de noviembre de 1979, la banda británica Pink Floyd presentó el exitoso disco The Wall. Se trató del undécimo álbum de estudio del grupo, considerado una referencia en el rock progresivo. Es trabajo doble, conceptual, que retrata la vida de una estrella ficticia basado es historias personales de los miembros del grupo: la Segunda Guerra Mundial, Gran Bretaña en la época Thatcher, el fracaso social, el fascismo, las drogas, la familia, un todo que al final resultaban "ladrillos" con los que construir su propio muro, un muro con el que aislarse del mundo y de su propia autodestrucción.
Este disco fue capturado tres años después por la Metro-Goldwyn-Mayer y el director Alan Parker cuando filmaron la película basada en el concepto de "The Wall", que sigue de cerca la estructura musical del álbum. El resultado es un musical donde música e imágenes se fusionan, un retrato de los escritos de cada uno de los temas de "The Wall" predominantemente metafórica, donde la música sigue siendo la protagonista.
De esa adaptación es que sale esto que les presentamos hoy y que trae el Mago Alberto, que ahora nos pasa a detallar la anécdota que hace que esta rareza termine aquí...

La semana pasada me encontre con el Vampiro, y le comentaba sobre el disco de Astor Piazzolla en el Olympia de París que publicamos hace unos días, disco que hacía muchisimo tiempo lo buscaba por Internet sin resultados, y de pronto lo encontré en unos archivos olvidados. Y no salía de mi asombro cuando lo encontré en buena calidad de sonido, y vaya a saber cuando y de donde lo pude haber bajado, y algo parecido sucedió hoy con este disco. Es que hace un par de días que estoy de limpieza tecnológica, liberando espacio en discos, eliminando archivos repetidos, mp3 pedorros, etc. y cuando llego a una carpeta que decía simplemente "Pink Floyd" me encuentro con esta versión soundtrack de la película "THE WALL", pero hete aquí que esta versión es distinta a la edición oficial que todo el mundo conoce y que esta en la net accesible a cualquier mouse.

Los antropólogos dedicados a la búsqueda de rarezas seguramente ya deben conocer este material, cosa que calculo que no es del conocimiento de la mayoría del público cabezón, una de las perlas es que aquí van a poder escuchar la versión de "Hey You" que fue cortada de la película, y que en la edicion del DVD aparece como bonus track pero una versión grabada en The Paramount Studios (fechada en Febrero de 1980).
El comienzo también es distinto ya que figura la versión completa de "The Little Boy That Santa Claus Forgot" de Vera Lynn, mientras que en la edición oficial figura en dos partes tal como comienza la película. Hay también algunos efectos que el oído fino sabrá degustar.
Y que más podemos decir de la película que ya no se haya dicho, un mensaje contra los medios, el establishment, los cerebros lavados. Pero aunque aparezcan cien mil películas, un millon de Pink Floyd, hay millones de cerebros consumidos que jamás van a despertar a la vida, y encima votan...
Sin lugar a dudas este tipo de material hoy es totalmente inaccesible y mucho menos en buena calidad de sonido, así que los cabezones floydeanos van a saltar en sus bancas de alegría. Aclaro que esto va a estar activo por poco tiempo debido a que las cuentas están a full y es necesario hacer algunos "ajustes", (me suena familiar esta palabra) así que no pierdan tiempo y apúrense. Quien avisa no es traidor.
Hay muchísimo material de esta inmortal banda inglesa que aún no hemos publicado en Cabeza de Moog, así que este es un nuevo comienzo.
Otra rareza. Hoy le toca el turno a Pink Floyd....

Mago Alberto

Je, y después me dice que mi vida es un despelote... ¿y por casa cómo andamos, Mago?

No vamos a escribir nada más de esto porque es obvio que no hace falta... o sí?

Lista de Temas:
01. Little Boy Santa Claus Forgot
02. In The Flesh?
03. When The Tigers Broke Free
04. The Thin Ice
05. Another Brick In The Wall pt 1
06. Goodbye Blue Sky
07. One of the few
08. The Happiest Days Of Our Lives
09. Another Brick In The Wall pt 2
10. Mother
11. What Shall We Do Now
12. Young Lust
13. One Of My Turns
14. Don't Leave Me Now
15. Empty Spaces
16. Another Brick In The Wall pt 3
17. Goodbye Cruel World
18. Well Meet Again
19. Hey You
20. Is There Anybody Out There?
21. Nobody Home
22. Vera
23. Bring The Boys Back Home
24. Comfortably Numb
25. In the Flesh
26. Run Like Hell
27. Waiting For The Worms
28. Stop
29. The Trial
30. Outside The Wall

Alineación:
- Roger Waters / Bajo
- David Gilmour / Guitarra
- Nick Mason / Batería
- Rick Wright / Teclados

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Spock's Beard - The First Twenty Years (2015) ---ScRaBBlE

Y vamos ahora con un disco que es una compilación de los mejores temas de esta banda yanky, así que te gusta el sonido de Spock's Beard pero no tenés ninguno de sus álbumes, este es un excelente lugar desde donde comenzar: una colección de sus mejores temas de todas las épocas, con una perfecta elección de los mejores temas de cada álbum, canciones atemporales al que se le suma un nuevo tema épico de 20 minutos, un tema escrito por Neal Morse donde participan todos los miembros de Spock's Beard que están o pasaron por sus filas. Otro lindo disco doble para que se deleiten en este fin de semana largo.

Artista: Spock's Beard
Álbum: The First Twenty Years
Año: 2015
Género: Rock Sinfónico / Rock Progresivo
Duración: 75:37 + 78:34
Nacionalidad: EEUU


Tenemos una semana donde presentamos muchos discos dobles, más el triple en vivo de Transatlantic. Vamos a presentar este disco con el siguiente comentario.

Los gigantes emblemáticos del Prog, Spock's Beard, publican un "Best of" que en realidad es eso y mucho más. Se incluyen 19 de sus mejores temas de toda su mastodóntica carrera, remasterizados para la ocasión además de una nueva pieza épica de 20 minutos de duración, "Falling For Forever", en la que participan todos los miembros de Spock's Beard pasados y presentes y fue escrita por Neal Morse. Esta canción está destinada a causar una onda sísmica a través de todo el paisaje Prog mundial. Es una pasada de tema, 20 minutos que dan para mucho con la banda al completo, dando rienda suelta a su magia musical.
Imagina una pieza épica con Neal Morse cantando el verso, Ted Leonard cantando el estribillo, Nick D'Virgilio tocando y cantando en la sección central. Pues no tienes que imaginarlo, sólo escuchar el CD. Una grata experiencia que nos hacen vivir los Spock's Beard en este gran lanzamiento que incluye dos CDs de audio y un DVD con material de archivo nunca antes visto, rarezas vintage, grabación de escenas de las sesiones de grabación de "The Kindness Of Strangers", incluyendo su legendaria actuación en Progfest '97 en LA. Todas las canciones fueron remasterizadas por Rich Mouser, que ya trabajo con ellos en el más reciente álbum "The Oblivion Particle" que salió en agosto de este 2015.
El bajista Dave Meros dice: “Decidir qué canciones representarían mejor a una banda con más de 20 años, 12 álbumes y tres alineaciones diferentes fue lo suficientemente difícil. A esto se le añade el hecho de que una gran cantidad de nuestras canciones duran entre ocho y 20 minutos, así que el proceso de selección se convirtió en algo muy desalentador". "Finalmente hemos llegado con una lista que creemos que representa bastante bien cada álbum y la era de la banda".
Él añade: “Estábamos inflexibles acerca de no querer simplemente liberar nuestro material anterior en un nuevo paquete. Con esto en mente, a Neal se le ocurrió "Falling For Forever", que compuso específicamente para incluir a todos los miembros actuales y pasados ​​de la banda". "Pedimos hora en el estudio para grabarlo todos juntos y Rich Mouser estaba disponible para mezclarlo, así como re-mezclar todas las canciones anteriores".
Neal Morse dice: "Cuando estábamos dando vueltas la idea de un 'Best Of" de Spock's Beard, surgió la idea de tener algún tipo de una pista adicional. Sentí, como siempre, que sería más excitante hacer algo nuevo, que hacer un refrito de algo que ya habíamos hecho. Entonces, una mañana me inspire y escribí la música que se convertiría en 'Falling for Forever'. Fue muy divertido escribir para la banda incluyendo las voces de Ted y Nick. Definitivamente los tenía a todos ellos en mi mente. Y creo que el resultado final es muy, muy fresco. Al está matador a la guitarra, el bajo de Dave da color, Ryo está haciendo estragos en las teclas, como de costumbre, y ambos Jimmy y Nick tienen solos de batería hacia el final de la canción, Ted canta los coros, Nick canta la sección media, y yo canto los versos. Es verdaderamente un esfuerzo de equipo.
Suponemos lo difícil que habrá sido para la banda seleccionar estos temas dentro de su amplia discografía, pero creo que han acertado con la selección, hace justicia a la calidad de esta banda y a su peso en la escena Prog mundial. Como siempre han escogido una portada elegante que engloba cada uno de los momentos de Spock's Beard. Calidad, virtuosismo y pasión musical que te llevara a través de un "resumido" viaje sonoro por la historia de este grupo.

Juan Raúl

Épicas clásicas de la banda están, por supuesto, todas incluidas en este disco, y todas fueron mejoradas por la remasterización, especialmente "The Light" excelente tema del primer disco, que es la canción más antigua y tenía más mejoras para agregarle.

El CD 1 abarca los años en que Neal Morse estaba en la agrupación e incluye una o dos canciones de cada uno de los seis álbumes donde está presente. La selección de pistas es excelente, con tres canciones largas, lo que se desprende es lo importante que fue Neal Morse para la creación del material de la banda. Todas estas canciones se le atribuyen a él solo, aparte de una que él coescribió con su hermano.

A su vez, el CD 2 tiene una canción de cada uno de los álbumes grabados después de Neal Morse. Los creadores de los teman también incluyen personas que no están en la banda, que colaboran con ellos o que se fueron sumando, como Ted Leonard.
Además hay que sumarle la nueva canción épica de Neal Morse: "Falling For Forever". Esta épica canción de 20 minutos incluye a todos los miembros de la historia de la banda. Las partes vocales son perfectas, con Ted Leonard realmente trayendo melodías deliciosamente elaboradas. Las secciones instrumentales son muy divertidas y muestran la tonalidad típica de la banda. Realmente se puede ver esa química entre todos ellos aquí. El tema presenta todos los cantantes haciendo la parte principal o el coro, y además el dúo de bateristas: el actual Jimmy Keegan y el baterista original Nick D'Virgillio. Una manera fantástica de cerrar esta colección.

En definitiva, un álbum interesante para los recién llegados y también para los viejos seguidores de la banda, que no creo que haya muchos.

Lista de Temas:
CD1
1. The Light
2. Thoughts
3. The Doorway
4. June
5. Day For Night
6. At The End Of The Day
7. Solitary Soul
8. Wind At My Back

CD2
1. The Bottom Line
2. She Is Everything
3. On A Perfect Day
4. Jaws Of Heaven
5. Waiting For Me
6. Tides Of Time
7. Falling For Forever

Alineación:
- Alan Morse / guitar, vocals, autoharp, banjolele, electric sitar, mandolin
- Dave Meros / bass, vocals
- Ryo Okumoto / keyboard, vocals
- Ted Leonard / lead vocal
- Jimmy Keegan / drums
With:
Nick D'Vigilio / drums, vocals (7)
Neal Morse / piano, guitar, lead vocals (7)

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Southern Empire - Civilisation (2018) ---ScRaBBlE

¿Quieren escuchar un excelente rock? Uno de los discos que viene amenazando con ser el mejor (ya se ganó el podio a uno de los mejores), viene de Australia. Cuatro canciones pegadizas y largas (larguísimas!) que crean un disco que contabiliza más de una hora de duración repleto de grandes anzuelos melódicos, mucho gancho popero pero con sonido duro y casi metálico a veces, canciones fáciles de escuchar pero de mucha complejidad, con un estilo similar a Transatlantic (no lo pueden disimular ni en el arte de tapa) o Neal Morse Band, Spock's Beard, IQ, Karnivool, Haken y Unitopia (justamente esta banda surge de la separación de esa super-banda llamada Unitopia). Este disco tiene de todo, muchos ritmos étnicos, bastante jazz, folk, AOR, mucho sonido metálico, mucho neo prog con gancho popero, muchas melodías hermosas, y una instrumentación de puta madre, muchos instrumentos en juego (flautas, saxos, violines, guitarras españolas, instrumentos étnicos varios, etc.). Aquí les presentamos 70 minutos de rock intrincado, secilla de escuchar y altamente melódico. ¡Definitivamente este disco es una epopeya de monstruos!

Artista: Southern Empire
Álbum: Civilisation
Año: 2018
Género: Progresivo Crossover / Rock Progresivo
Duración: 68:02
Nacionalidad: Australia

Imagino que desde aquí hasta final de este año estaré presentando grandes discos del 2018, así que prepárense para varias sorpresas, de esas que no se esperan. O mejor dicho, de esas sorpresas que estamos habituados a ofrecer en el blog cabezón, pero que no dejan de sorprendernos siempre. Y esta es una más, pero antes de hablar un poco del disco, mejor presentar la banda, que viene no solamente de un país que al parecer no tiene un movimiento prog rockero de envergadura, sino que además deriva de una extinta banda que ha hecho las delicias de más de uno: Unitopia.

Pero más que hablar de los músicos, mejor los presento, y no hay mejor forma de mostrarlos en el escenario, en este caso haciendo un cover de "Hey You"...

Ahora sí, ya presentamos al grupo en sociedad, ahora presentamos el disco, y para ello aquí hay un pequeño comentario de mismo, para que vayan entrando en calor.

Grupo australiano que en este su segundo trabajo “Civilisation” nos ofrecen un Art-rock/Crossover Prog con guiños a grupos como Trasantlantic, Haken y Unitopia.
Los dos temas que abren el disco que están unidos por un nexo común, son toda una muestra de grandilocuencia, fuerza y desparpajo que hace de este disco uno de los candidatos al mejor del año 2018, la voz de Danny Lopresto encaja a la perfección con la propuesta, los arreglos de teclados del ex-Unitopia Sean Timms y los solos de guitarra tanto eléctrica como acústica te mantienen alerta en los dos primeros temas, para dar paso a la suite “The Crossroads” de casi media hora de duración, donde se mezclan ritmos afro, asiáticos y latinos, la incursión de instrumentos como el violin, flauta, saxo ayuda a enriquecer ya de por si aún más la música de Southern Empire.
Por poner una pega los momentos más tranquilos demasiado repetitivos, me recuerdan a los de Neal Morse, cortan el éxtasis en el que te han envuelto previamente. Y esto se acrecienta en el último tema que cierra el álbum, haciendo el más flojo de los cuatro y es que los casi 30’ anteriores de Crossroads te han dejado.

Juan Egara

Un álbum realmente agradable ofrecido por estos rockeros progresivos australianos, liderados por el experimentado músico Sean Timms, quien da rienda suelta a su pasión de elaborar canciones extensas, pero de una forma que crea un álbum sumamente entretenido desde el primero hasta el último minuto, y eso que se trata de un disco bien largo. Al escuchar el disco, seguramente te vendrán a la memoria otras bandas conocidas, varias influencias que no pueden ser negadas, pero que lejos de negarlas, la banda las maximiza, logrando tanta riqueza que en todo caso deberíamos hablar de esta agrupación como un conjunto muy especial, que combinan hábilmente diferentes estilos (como dije antes) en composiciones bien elaboradas y encima con una ejecución virtuosa para redondearlas... pero eso no es todo, ya que sus canciones remiten a un montón de bandas y temas que ya seguramente conoces, pero al mismo tiempo realizada por una banda que logra poner esa característica entre sus virtudes.

Después de un falso comienzo desconcertante en la primera canción (algunos compases de lo que se asemeja a un disco en un gramófono muy antiguo), el álbum obtiene un comienzo contundente en la canción que dejé en el video anterior, una canción bien escrita, que son sus 9 minutos es la canción más corta de disco. Con algunas guitarras pirotécnicas, coros elaborados y una interpretación... bah, seguro ya lo escucharon, no sé para qué les comento lo que ya saben...
Las cuatro canciones restantes ofrecen el sonido de Southern Empire estirando sus influencias en territorios y estilos musicales muy diversos. La pieza central del álbum es "Crossroads", tema de... media hora! que llega luego de "Cries For The Lonely", que dura solamente... 20 minutos. Las canciones, si bien largas, son completamente entretenidas, ya que giran y giran a través de toda una gama de estilos y atmósferas que es un verdadero puente entre estilos, cosa que permite escucharlos una y otra vez sin perder el interés... al contrario, uno va encontrando más y más detalles.

Finalmente, el disco culmina con "Innocence & Fortune", otra canción larga (de solamente 10 minutos) que tiene todas las características de las anteriores canciones.

En pocas palabras, este álbum es muy recomendable para cualquiera que disfrute del un rock ecléctico y con referencias varias pero que nunca deja de ser rock con distintos, pero no abrumadores, desvíos hacia el metal progresivo. Seguramente disfrutarás de esta expedición musical de Southern Empire.
Bueno, y si no logré hacerte interesar con lo que escribí hasta aquí, imagino que será porque te gusta el reggaeton, así que en ese caso no me gasto más.
Pero para el que sí le interesó le dejo otro videíto más abajo.


Lista de Temas:
1. Goliath's Moon
2. Cries For The Lonely
3. Crossroads
4. Innocence & Fortune

Alineación:
- Danny Lopresto / lead & backing vocals, electric & acoustic guitars
- Cam Blokland / electric & acoustic guitars, mandolin, backing vocals
- Sean Timms / keyboards, electric & lap steel guitars, percussion, backing vocals
- Jez Martin / bass, flugelhorn, backing vocals
- Brody Green / drums, percussion, backing vocals
With:
Steve Unruh / violin, flute
Marek Arnold / soprano sax
James Capatch / tenor & soprano saxes, flute

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Gnidrolog - Lady Lake (1972) ---ScRaBBlE

Sólo algunos meses después de haber puesto en circulación su primer álbum, Gnidrolog vuelve, el mismo 1972 con su segunda y última grabación de estudio, antes de desaparecer —injustamente, digo yo— durante más de un cuarto de siglo. Menos caótico que el primero, Lady Lake los muestra más concentrados y con un fuerte parentesco con lo que hacían el Jethro Tull de aquellos tiempos y otras bandas. Música progresiva de excelente factura que se desprende de sus propios defectos de interpretación y de una no muy lograda producción, tal vez equiparable a su imagen de carátula, que bien podría ganarse el concurso a la más horrible en la historia del prog (ustedes lo saben, cabezonxs, al prog no le faltan las carátulas horribles).

Artista: Gnidrolog
Álbum: Lady Lake
Año: 1972
Género: Rock progresivo sinfónico/ecléctico
Duración: 38:41
Nacionalidad: Inglaterra


Lady Lake resulta más “accesible” que In Spite of Harry’s Toenails, y lo pongo entre comillas porque lo que buscamos quienes vamos tras la música compleja y progresiva es precisamente lo que la separa de las marejadas de pop: que no sea fácil. Pero en este segundo disco de Gnidrolog se siente la intención de la producción de “domesticar” a los hermanos Goldring y sus secuaces, probablemente para acercarlos al éxito comercial. Quizá fue por eso que el segundo álbum sale a la luz tan precipitadamente después del primero, como parta tratar de sobreponer la falta de repercusión de la banda (y del sello discográfico, RCA, que para este momento ya había desistido de usar el sello progresivo Neon). Sería en vano: Gnidrolog no lograría pasar el filtro del tiempo —y del mercado—. Tenemos que destacar de cualquier manera los cambios que vive la banda entre la primera y la segunda producciones: su ampliación de cuarteto a quinteto con la adición del saxofonista, flautista y cantante John Earle, con quien crece el carácter de ensamble de cámara que ya se vislumbraba desde el inicio, dejando a los integrantes originales (Stewart y Colin Goldring, Nigel Pegrum y Peter Cowling) más concentrados en su instrumento principal y menos dispersos en la multiinstrumentalidad. Y tenemos incluso un tema en sexteto, “Same Dreams”, que incluye a la pianista Charlotte Fendrich.

La RCA encontraría en estas mismas fechas un género de rock que, si bien tiene sus raíces en la misma psicodelia que el prog, marcaría nuevas rutas y serviría de puente hacia la nueva revolución musical musical por venir, el punk. Fue en RCA donde se fraguaron las carreras de monstruos como Bowie (en pleno desarrollo del glam-art rock) y Lou Reed (con su característica mirada oscura y antihippie); ya no tendría lugar para actos como el de Gnidrolog. Así, Lady Lake quedaría solo en su sello y su sonido sería abandonado al olvido.

Injustamente. Insisto. Gnidrolog hizo música extraordinaria, y este disco es la muestra perfecta. Del canto dramático del joven hippie que afirma su identidad a través del rechazo a lo militar (“I Could Never Be a Soldier”) hasta el surrealismo psicodélico con componentes mitológicos de la minisuite que da título al disco, Lady Lake es un tour completo a través de una de las más interesantes encarnaciones de los valores estéticos e ideológicos de una época (el inicio de los 70) y un lugar (la Inglaterra prethatcheriana) que fueron auspiciosos para la música.

Extensos puentes instrumentales con un bajo improvisativo en diálogo con las percusiones, que sirven de marco para el desarrollo del ensamble entre la guitarra de Stewart Goldring y el ensamble de vientos y otros instrumentos de Colin Goldring, Pegrum, Earle y Cowling. La guitarra eléctrica de Stewart es mucho más presente aquí que en el disco anterior y lleva a la banda a momentos de auténtico hard rock que no le pide nada a contemporáneos como Deep Purple. Pero en Gnidrolog siempre hay un después del coqueteo con los géneros establecidos: la descomposición de la armonía, la ruptura del tiempo, la transgresión incluso de la afinación.

La hermosa “Ship”, por ejemplo, que cuenta la historia de aquellos que abordaron un barco para buscar una nueva tierra prometida, arranca con un arreglo multiinstrumental interesantísimo, con guiños electrónicos, se va a lo acústico para dar paso a la voz, y corea con saxos a pleno pulmón, como en busca de elementos de fusión que en ese tiempo caracterizaban al mismo King Crimson o a genios como los Gentle Giant. O la brevísima balada “A Dog with No Collar”, una canción de cuatro versos para guitarra acústica y armónica, que debería estar en las listas de las mejore canciones de la historia del rock progresivo. En serio, escúchenla y me dicen.

“Lady Lake” es quizá la más impresionante rola de Gnidrolog. Una minisuite de casi nueve minutos en tres partes que no pide nada al progresivo de la época. Inicia fuera de toda tonalidad, con un coro de vientos que recuerda al serialismo; pasa a un puente vocal suave y cierra con una especie de fuga en la que la instrumentación crece. Es un momento especial en la historia del prog. Mucho más suave, “Same Dreams” es una baladita de amor muy hippie, acústica y con piano, y con dulces combinaciones armónicas y una voz más educada de lo que nos tenía dicho Colin Goldring. Con “Social Embarrassment” volvemos al Gnidrolog experimental, en otra aventura fuera de los límites de lo convencional que, en este caso, recuerda algunos de aquellos pasajes hipercomplejos que caracterizaron a bandas como Gentle Giant, VDGG y la mismísima Soft Machine (noten el encabalgamiento de tempos locos que enmarca el solo de guitarra final).

Lady Lake es un gran disco, aún mejor que el primero de Gnidrolog. Sería su último: nada se volvería a saber de esta peculiar banda hasta un cuarto de siglo después con el lanzamiento de un registro en vivo (también de 1972) que preparaba el renacimiento de Gnidrolog en el año 2000 (ambos los tendremos el blog cabezón, como siempre, con cosas que nomás aquí).

Lista de Temas:
1. I Could Never Be a Soldier
2. Ship
3. A Dog With No Collar
4. Lady Lake
5. Same Dreams
6. Social Embarrassment

Alineación:
- Sterwart Goldring / guitarra líder
- Colin Goldring / guitarra rítmica, voz, flauta dulce, corno tenor
- Nigel Pegrum / percusiones, flauta traversa, oboe
- John Earle / saxos soprano, tenor y barítono, flauta traversa, voz
- Peter Cowling / bajo, cello
- Charlotte Fendrich / piano en “Same Dreams”

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