Darryl Way - Vivaldi's Four Seasons In Rock (2018) ---ScRaBBlE

Nosotros hemos publicado varios discos de Darryl Way's Wolf aquí en el blog cabezón, pero aquí traemos el último disco del ex-Curved Air (¿tenemos algo de esta banda en el blog?, mierda! todo lo que nos falta traer!), y con nada más y nada una adaptación del hermosísimo "Four Seasons" de Vivaldi. El miembro fundador y vocalista de Curved Air lanza su nuevo álbum "Vivaldi's Four Seasons In Rock", donde el violinista le da a la famosa pieza clásica del siglo XVIII del compositor italiano el tratamiento de rock, y lo presentamos como se merece. Y para cerrar esta trilogía Curved Air, Darryl Way's Wolf y Darryl Way solista, nos falta traer algunas de las mejores obras de Curved Air... en cualquier momento aterrizan en el blog cabezón.

Artista: Darryl Way
Álbum: Vivaldi's Four Seasons In Rock
Año: 2018
Género: Rock sinfónico
Duración: 41:18
Nacionalidad: Inglaterra


Para conmemorar el 50 aniversario de la creación de su clásico himno de rock "Vivaldi", Darryl Way ha arreglado y grabado toda la obra maestra de Vivaldi "The Four Seasons" y le ha dado el mismo tratamiento de "rock". Bueno, por suerte no todo es como lo sintetizsa el chiste de abajo...

Si no conocen a Curved Air, fue un grupo progresivo inlés que fusionó elementos del rock con la música minimalista y sonidos electrónicos, el bueno de Darryl siempre fue capaz de hacer buen progresivo con temas llenos de matices. Curved Air se formó a finales de los sesenta por las mentes creativas de Darryl Way y Francis Monkman (teclados), ellos tomaron los dos últimos vocablos de la famosa obra minimalista de Terry Riley, "A Rainbow in Curved Air" para darle nombre al grupo. Destacar que "Vivaldi" fue una composición que aparece en "Air Conditioning", disco debut de la banda, se perciben ciertos matices minimalistas y barrocos... el que ha escuchado a Glass o a Riley notará su influencia.
Y si no conocían a Curved Air, seguramente recordarán a Darryl Way desde su trabajo como invitado en "Heavy Horses" de Jethro Tull, o los discos de Darryl Way's Wolf ue ya hemos presentado en el blog cabezón. Darryl Way es un músico educación clásica ue siempre adaptó su formación musical a grupos que se mueve por el jazz y el rock, dando por resultado música de alto nivel. Aquí lo demuestra con creces.

El violín es considerado un instrumento principalmente clásico pero en multitud de ocasiones lo podemos oír en temas netamente rockeros. Notables maestros del instrumento dentro del rock podrían ser Jerry Goodman (The Flock, Mahavishnu Orchestra), Robbie Steinhardt (Kansas), Papa John Creach (Jefferson Starship), Eddie Jobson (Jethro Tull, Roxy Music, UK, King Crimson, Frank Zappa), Jean Luc Ponty y por supuesto nuestro protagonista de hoy Darryl Way.

Darryl Way nos presentan una virtuosa mezcla de rock progresivo y música clásica. Teniendo como protagonista el violín de Darryl Way podemos escuchar siete temas donde combinan fuerza (aunque en realidad creo que en algunos temas se quedan cortos) con delicadeza de auténtica belleza.

"No se puede mejorar la perfección, lo que indudablemente es el Four Seasons, pero sentí que el Four Seasons, una pieza que ha sido una influencia seminal en mi vida, sería un terreno fértil para una reinterpretación.
Una vez dicho esto, no he cambiado ninguna de las notas, excepto en algunos de los movimientos lentos donde generalmente se acepta que las notas escritas se pueden modificar.
Acabo de agregar a la mezcla, instrumentación de rock y ritmos, texturas de sintetizador y en los movimientos lentos y algunos ritmos.
Ya tenía una buena idea de que un arreglo de rock podría funcionar con la música de Vivaldi, de mi trabajo en la pista Curved Air "Vivaldi". El desafío fue mantener el concepto original de Vivaldi de la pieza y contar la misma historia.
No me corresponde decir si he llegado a ese desafío, pero si fueras fan de mi pista Vivaldi de Curved Air, hay muchas posibilidades de que también te guste".

Darryl Way

Las canciones son instrumentales con hermosos solos de mágico violín de Darryl Way. Si hay algo para criticarle, al menos yo, son algunos sonidos sintetizados que realmente me parecen no coincidir con la música, sobretodo en la batería y percusión. Me parece que los trabajos en base a música clásica que hicieron los tanos de Premiata Forneria Marconi están mucho mejor logrados, o el "Bartok in Rock" en la versión de los húngaros Mini o los brasileros Dialeto, todo ello está publicado en el blog por si no lo han visto. pero ojo que la actuación de Darryl es magnífica, pero definitivamente para que sea un disco excelente falta una vuelta de tuerca a la sección rítmica.
Igual solamente lo he escuchado una vez y no voy a emitir grandes opiniones sobre el disco, pero no quería dejar de traerlo para que lo disfruten en el fin de semana.

No tengo datos de la alineación que acompaña al violinista, así que este post se va a ir completando a medida que vaya teniendo más datos. Esas son las contras de presentar exclusivas como esta. Pero ahora que veo Darryl Way se ocupa de todo, y claro, ese es el problema de la sección rítmica, creo que el disco sería mucho mejor con buenos músicos armando una banda que secunde al bueno de Darryl.
Impresionante "Winter" y otras piezas notablemente interpretadas, creo que es un disco que todo cabezón debe apreciar.


Lista de Temas:
Concerto No. 1 In E Major, Op. 8, RV 269, "Spring" (La Primavera)
01. Spring Allegro (3:28)
02. Spring Largo e pianissimo sempre (2:26)
03. Spring Allegro Pastorale (3:58)
Concerto No. 2 In G Minor, Op. 8, RV 315, "Summer" (L'Estate)
04. Summer Allegro non molto (5:12)
05. Summer Adagio e piano - Presto e forte (2:36)
06. Summer Presto (2:56)
Concerto No. 3 In F Major, Op. 8, RV 293, "Autumn" (L'Autunno)
07. Autumn Allegro (5:08)
08. Autumn Adagio (2:40)
09. Autumn Allegro (last movement) (3:28)
Concerto No. 4 In F Minor, Op. 8, RV 297, "Winter" (L'Inverno)
10. Winter Allegro non molto (3:52)
11. Winter Largo (2:12)
12. Winter Allegro (3:22)

Alineación:
- Darryl Way / Todos los instrumentos

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Renaissance - Live at Carnegie Hall (1976) ---ScRaBBlE

Live at Carnegie Hall representa el cierre, el punto culminante de la mejor etapa de Renaissance, una de las bandas de rock sinfónico que más honor le hacen a ese calificativo en la historia del prog inglés. Annie Haslam en su mejor momento, todo rodeado del sonido impecable de la Orquesta Filarmónica y Coro de Nueva York dirigidos por Tony Cox, con pistas grabadas durante el ciclo de conciertos que la banda dio en el mítico Carnegie Hall de Nueva York en junio de 1975. Un álbum doble realmente memorable para seguir conociendo a una banda especial de la mejor generación del prog.

Artista: Renaissance
Álbum: Live at Carnegie Hall
Año: 1976
Género: Rock progresivo sinfónico
Duración: 1:42:38 (2 CD)
Nacionalidad: Inglaterra


Nada es comparable al concierto. La adrenalina de estar ahí, con todos esos otros cientos o miles de personas; el compás de espera mientras comienza, el furor de los primeros compases y el viaje en el que acompañas a esos creadores, creando con ellos, el rugido de un momento especial —solo superado por el del estadio de futbol en un gran partido o el de las masas en una manifestación—, el estruendo del aplauso, hasta que el viaje termina y emprendes el regreso con las vibraciones aún latentes de lo que has vivido. Nada se compara. Para los músicos es también una experiencia diferente: del momento íntimo de composición, compartido ligeramente con la situación de estudio en la que todo es cuidadosamente armado para el disco, a la puesta a prueba sin más controles que el setting del sonido previo al concierto, el “vivo” es el máximo reto. No valen ahí los trucos de estudio, no hay segundas tomas ni overdub; la banda tiene que darlo todo en el escenario porque solo así logrará superar la magia de consola y grabadora: es el examen último: la música en su máximo estado de pureza frente al público. Por eso son tan interesantes y, a veces, emocionantes los discos en vivo, los registros de esa experiencia única que es el concierto, extendiéndolo para quienes no pudimos estar ahí. En las discografías de muchas bandas de la era central del rock progresivo, ciertas placas en vivo pueden ser tanto o más importantes que las grabaciones de estudio. ¿Qué sería de nuestro conocimiento de Yes sin Yesshows y Yessongs? Puedes conocer lo mejor de Genesis solo a través del Live y el Seconds Out; Pink Floyd suena más grandioso en Pompeya y The Wall nunca fue tan contundente como cuando en Berlín en la versión de Waters; Bursting Out de Jethro Tull; los seis volúmenes dobles de You Can’t Do That on Stage Anymore de Zappa; Live at The Fairfield Halls de Caravan; las colecciones de King Biscuit Flower Hour que registraron a tantísimas bandas; en fin, la lista es incontable. En la era de los cassettes, yo solía hacer compilaciones que llamaba Todo en vivo en las que mezclaba de aplauso en aplauso las más diversas rolas de lo que me gustaba (llegué a poner a Silvio Rodríguez cantando “Mariposas” después de “The Knife” de Genesis y antes de “Horse with No Name” de America y “4 + 20” de Crosby, Stills, Nash & Young, versión Woodstock) y alucinaba que asistía a un festival personal en el que tocaban todos los músicos que más quería. No faltaba en esas compilaciones alguno de los temas de este fabuloso Live at Carnegie Hall de Renaissance; seguramente la larga, alucinante versión de “Ashes Are Burning”.

Y es que entre los discos en vivo de las bandas clásicas del prog, este es uno de mis favoritos. Un agradecimiento (y disculpa) antes de empezar: esta reseña es iniciativa de Eduardo Sánchez, que roló en la lista de correo cabezona sus archivos de este conciertazo y en cuanto llegó su correo, que agradezco en el alma, me ofrecí a escribir la reseña. Le pido disculpas a Eduardo por no usar sus archivos: los comparé con los que yo tenía y encontré que la versión de mi disco duro estaba ligeramente mejor y además tenía scans (de baja resolución), así que es la que encontrarán en la biblioteca cabezona. Como sea, gracias a Eduardo por la propuesta de compartir este disco con el que aumentamos las reseñas de los mejores discos de esta banda fundamental del prog inglés de los setenta, destacada junto con Curved Air por tener al frente a una mujer, a una cantante que los comentaristas de la época no dudaron en calificar como la mejor voz de Europa.

Ya se podía saber gracias a los discos de estudio: Annie Haslam es una voz privilegiada; con toda la intensidad y el registro de una soprano operística pero sin la impostación que exige ese arte, sino manteniendo una dulzura natural que la hace ideal para una banda de progresivo. En el blog tenemos reseñas de tres de los cuatro primeros discos de Renaissance en su formación definitiva: Ashes Are Burning (1973), Turn of the Cards (1974) y Scheherezade and Other Stories (1975); nos falta el primero de esa etapa, Prologue (1972) que también tiene sus joyas. Luego vendría la serie de conciertos en el Carneguie Hall de Nueva York, en junio de 1975, con la que el grupo lanzaba el fabuloso Scheherezade. Live at Carnegie Hall, un álbum doble, recoge temas de esos cuatro discos. En 1977, 1978 y 1979, Renaissance lanzó sendos discos (Novella, A Song for All Seasons y Azure D’Or respectivamente) que, aunque tienen elementos sinfónicos y progresivos de primer nivel, empiezan a acercarse poco a poco al pop que finalmente estallará en Camera Camera (1980), ya en pleno declive progresivo si bien logran un new wave muy respetable. Por tanto, Live at Carnegie Hall es una especie de parteaguas en la historia de la banda; el segundo si tomamos en cuenta el radical cambio de alineación que la banda tuvo en 1971-1972. Así, esta grabación de concierto, en la que los acompañan la Orquesta Filarmónica y Coro de Nueva York es un cierre, un broche de oro para su mejor época (vendrían después, en 1977, dos discos en vivo en el King Biscuit Flower Hour, nada desdeñables).

Excepto el primer tema, “Prologue”, todos los demás ya los hemos comentado en otras entradas. En este tema, el primero del disco del mismo nombre, de 1972, destaca la introducción para piano solo que es un estudio, el “Revolucionario” del fabuloso Chopin (también conocido como “Estudio sobre el bombardeo de Varsovia”, en el que Chopin plasmaba su impotencia y su tristeza por la derrota con que la Polonia revolucionaria trató de sacudirse, sin éxito, el yugo ruso en 1831), ejecutado aquí con sorprendente maestría. Llama la atención esta referencia a cuestiones histórico-políticas relacionadas con Rusia, que será retomada después en “Mother Russia” (también incluida en Live at Carnegie Hall) y en “Ukraine Ways” (el tema más progresivo de Camera Camera).

El resto de los temas es de los tres discos que conocemos: “Ocean Gipsy” y “The Song of Scheherezade” de Scheherezade and Other Stories; “Can You Understand?”, “Carpet of the Sun” y “Ashes Are Burning” del disco homónimo, y “Running Hard” y “Mother Russia” del Turn of the Cards. Las interpretaciones en vivo son en general bastante apegadas a sus versiones de estudio, con pistas ligeramente más largas pues incluyen presentaciones y aplausos; señaladamente en el caso de “The Song of Scheherezade”, en la que se introduce la historia con una presentación de cuatro minutos.

Para “The Song of Scheherezade”, escrita originalmente para banda de rock y orquesta sinfónica, esta es la versión que hay que escuchar. La Filarmónica de Nueva York protagoniza la obra de un modo casi omnisciente, con mucho mayor presencia y vida que en la versión de estudio que ya era de por sí notable. Y la voz de Annie, ¿qué decir? Aquí demuestra su tamaño, en el escenario, al frente de ese batallón de músicos, alcanzando las notas más imposibles de un registro humano, con un calor y una intensidad que ¡solo en concierto!

El caso de “Ashes Are Burning”, cierre del disco, es especial pues aquí sí se incluyen variaciones significativas con respecto al original de estudio: solos de teclado y piano más improvisadores que en el estudio, seguidos de un solo de bajo espectacular de Jon Camp que se lanza al jazz (en plan trío), al slap funky y a la armonización y logra arrancar los aplausos rítmicos y el entusiasmo del público, y se entrega a un final atmosférico soportado por más bajo (pedales y contrabajos de la orquesta) para llegar a una transición de locura con la que el público se levanta, antes de seguir a la parte final, con un cierre en la voz de Annie Haslam realmente de otro planeta.

En cuanto a la mezcla, en estas versiones de concierto el bajo es más presente que en el estudio (más profundo, menos brillante o metálico), y eso marca una diferencia importante pues, en Renaissance, una banda muy basada en el piano, el bajo es un protagonista central. Un disco doble de verdadera antología, el broche de oro de una era, la consagración de una de las más interesantes bandas de la mejor época del rock progresivo sinfónico inglés. No se lo pierdan.

Lista de Temas
CD 1:
1. Prologue
2. Ocean Gipsy
3. Can You Understand
4. Carpet Of The Sun
5. Running Hard
6. Mother Russia

CD 2:
1. Scheherezade
2. Ashes Are Burning

Alineación:
- John Tout / teclados, voz
- Annie Haslam / voz principal
- Jon Camp / bajo, bajo de pedal, voz
- Terrence Sullivan / batería, percusiones, voz
- Michael Dunford / guitarras acústicas, voz
- Orquesta Filarmónica y Coro de Nueva York (dirección: Tony Cox)

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Silvestre Revueltas - Night of the Mayas (1939 - 1994) ---ScRaBBlE

Y si vamos a hacer un rescate de la mejor música generada en latinoamérica, no podemos dejar afuera al mexicano Silvestre Revueltas, considerado como el mejor compositor de música sinfónica surgido en Latinoamérica y uno de los creadores más originales de la música del siglo XX. Compositor, violinista y director de orquesta, su vida fue tan intensa y tormentosa como breve. Aquí, presentamos la musicalización de Revueltas al film documental titulado "La Noche de los Mayas". Y otro aporte devenido de nuestro querido espacio Viaje al Espacio Visceral, en su enorme recorrida por la buena música mexicana. Y como hacía rato que no publicabamos música clásica, sinfónica, moderna, docta, o como quieran llamarla, este es un excelente trabajo para entrarle nuevamente a este estilo que no queremos dejar afuera del blog cabezón, y menos si se trata de compositores como el que nos ocupa hoy en día.

Artista: Silvestre Revueltas
Álbum: Night of the Mayas
Año: 1939 - 1994
Género: Música clásica
Duración: 68:22
Nacionalidad: México

A los once años de edad, ya estaba dando un concierto en el Teatro Degollado de Guadalajara. A los 21 realizó una gira artística por la República Mexicana, en 25 organizó conciertos de música moderna junto con Carlos Chávez; en 1926 (a sus 27 años) el público de Estados Unidos disfrutó el arte de Silvestre Revueltas, donde destacó como violinista y director de orquesta. En 1937 viajó a España con un grupo de artistas mexicanos, y a su regreso se dedicó resueltamente a escribir música propia. Se desempeñó con gran éxito como Director de la Orquesta Sinfónica de la UNAM y de la Escuela Nacional de Música.
Según cuenta Aaron Copland, Revueltas pasaba días sin comer mientras trabajaba en una partitura y se cerraba completamente del mundo. Las crisis que le resultaban al terminar una creación resultaban en fuertes alcoholismos y en la necesidad de internarlo en sanatorios.

Revueltas solía alcoholizarse en exceso al terminar una obra, como una forma de liberación de la tensión acumulada en la creación. Su inmensa soledad y aislamiento hicieron que redactara un diario con sus ideas acerca del amor, la humanidad y la vida, aparte del pesimismo por la incomprensión general hacia su propia creación.

Silvestre Revueltas Sánchez (Santiago Papasquiaro, 31 de diciembre de 1899 - Ciudad de México, 5 de octubre de 1940) fue un compositor mexicano modernista de música sinfónica de la primera mitad del siglo XX, violinista y director de orquesta. Es considerado el más influyente compositor mexicano, por el alcance y originalidad de su música de cámara y de ciertas obras que se han vuelto una parte muy importante del repertorio orquestal. Estas obras, notablemente Sensemayá, son frecuentemente interpretadas, sobre todo en Latinoamérica.
La música de Revueltas ha despertado el interés musicológico internacional, fenómeno que no se observó hasta 50 años después de su muerte. Las diferentes investigaciones están perfilando a un compositor cuya importancia lo coloca dentro de los creadores más originales de la música del siglo XX. Incluso Peter Garland, uno de sus principales estudiosos, lo considera el mejor compositor surgido en Latinoamérica.

Wikipedia

Entre sus obras se cuentan "Cuauhnáhuac", poema sinfónico que describe la vida de un pueblo mexicano; "Tres cuartetos de cuerda" escritos de 1930 a 1931; y en este último año también "Dúo para pato y canario"; escribió "Redes" en 1935, alusivo a la lucha de los humildes; escribió "Siete canciones", basada en poemas de García Lorca; y en 1940 "La Coronela", entre otras.

Y así nos vamos preparando para terminar una semana, luego comenzaremos unas merecidas vacaciones pero con la promesa de una vuelta llena de sorpresas, discos incríbles, joyas perdidas, maravillas recién salidas y nuestros queridos clásicos de siempre... bah, lo que es común en el blog cabezón!

Corrían los años de la lucha armada de la Revolución Mexicana y la violencia tocó a muchos lugares del país; en el norte, sobre todo, la situación fue muy complicada mientras que en la Ciudad de México la guerra no se manifestó con la misma dureza. Aunque en los días de la llamada "Decena Trágica" de 1913 sí hubo cañonazos y balas perdidas, en términos generales las labores del día a día continuaron en la capital del país.
En este contexto el joven Silvestre Revueltas era estudiante del Conservatorio Nacional de Música, y en el año 1915 realizó su primer recital de piano. Desde niño demostró ser un virtuoso del violín y que su destino estaba en la música. Aunque su vida estudiantil transcurrió en un entorno relativamente amable, la transformación social y política revolucionaria incidió fuertemente en su quehacer artístico y en el de toda su generación, a la que también pertenecieron otros músicos de reconocida trayectoria como Manuel M. Ponce, Carlos Chávez, Candelario Huízar, José Pablo Moncayo y José Roldón.

En la década de 1920 los ideales revolucionarios comenzaron a consolidarse, enfocado en mejorar las condiciones de vida de la mayoría de los mexicanos. Los cambios políticos y económicos debían ser acompañados de una cultura que les diera soporte; y de este ímpetu surgió el nacionalismo cultural, que tuvo expresión en todas las áreas artísticas. En este contexto, Silvestre Revueltas se convenció de que el arte sólo adquiría sentido si contribuía con la formación de una cultura nacional, y para él lo más importante era que su obra tuviera su origen y destino en el pueblo mismo, encausando sus esfuerzos en acercar las expresiones artísticas y culturales a los sectores populares. Este tipo de música tuvo un repunte caracterizado por la innovación, la creación de un estilo propio y la elevada calidad artística.
Y dentro de toda esa gran movida artística, es que aparece el proyecto "La noche de los mayas", y para ver de qué se trató pasamos a copiar el texto de Wikipedia que habla de él:

Revueltas se había asociado con el director de cine Chano Urueta, el productor y argumentista Salvador Novo y el actor cómico Mario Moreno Cantinflas. En este año, Revueltas se dedicó al cine. Los trabajos de Urueta en el cine han sido durante mucho tiempo de pobre opinión de la crítica.
El rodaje de La noche de los mayas se inició el 17 de febrero de 1939. La película no tiene valor fílmico. Terminó con una gran aportación de Gabriel Figueroa en la fotografía en las ruinas de los mayas y la extraordinaria música de Revueltas, la cual se convirtió en una de las obras orquestales más interpretadas del compositor.
De acuerdo a Contreras Soto la partitura de Revueltas es altamente emotiva, dramática y brillante. La noche de los mayas se estrenó el 7 de septiembre de 1939 en el cine Alameda de la Ciudad de México. Durante la composición de la música, Revueltas recibió la noticia de la muerte de su madre, Romana Sánchez Arias. La versión actual de la música de La noche de los mayas es una recopilación de la música de la película, realizada por José Ives Limantour veinte años después de la muerte del compositor, quien la había realizado en forma de sinfonía.
La siguiente partitura fílmica realizada por Revueltas fue Los de abajo, también con la dirección de Urueta y posteriormente ¡Que viene mi marido! (1939). Las dos películas se estrenaron en 1940. Aunque la producción de partituras de cine le ganaron cierta ganancia económica, Revueltas se retiró de la composición fílmica.

Wikipedia

Y ahora veremos qué es lo que nos cuentan en Viaje al espacio visceral sobre este disco:

Nacido el último día del siglo XIX (el 31 de diciembre de 1899) y falleció de alcoholismo el 5 de octubre de 1940, Silvestre Revueltas fue a todas luces el tipo de persona en torno a la cual crecen las leyendas. En realidad los hechos documentados son pocos. En su corta y oscura existencia, Revueltas ya se destacó como un niño prodigio en México, su patria. Estudió el violín y composición en Chicago en la época de los gángsteres. Fue el primer violín para una tal Aztec Theater Orchestra en San Antonio (Texas). Combatió del lado del gobierno republicano en la Guerra Civil española. Regresó a México, donde fue internado varias veces en clínicas psiquiátricas. Fue pobre y murió jovén.

He aquí el tipo de vida que suele parecerles tan atractivo a aquellos jóvenes y privilegiados "románticos" que nunca han experimentado nada parecido en carne propia. De hecho, el mundo debió resultarle a Revueltas un verdadero infierno. Sin embargo, como Malcolm Lowry (el novelista que vivió en México cuando Revueltas estaba componiendo sus obras y cuyo "Bajo el volcán" tiene algunas de las cualidades maníacas, volubles y cuasi-alucinantes que asociamos a la mejor música del compositor), no volvió del infierno con las manos vacías.

Escuchemos, por ejemplo, la introducción a "Homenaje a García Lorca", una composición de 1937 escrita en memoria del asesinado poeta español. El piano toca un acorde llamativo, disonante, que podría conducir a cualquier parte, mientras la trompeta canta una melodía ligada y anhelante. Por un instante, "Homenaje" parece una especie de nocturno moderno, pero de repente se produce un "golpe" y quebramos arrojados en medio de un tumultuoso torbellino de sonidos luminosos, deslumbrante y asombroso, un caos magistralmente controlado, una multiplicidad reducida a su quintaesencia. He aquí a Revueltas.

Peter Garland, cuyo libro "In search of Silvestre Revueltas (En busca de Silvestre Revueltas; Soundings Press) es, con diferencia, el estudio más valioso sobre el compositor en inglés, considera "Homenaje" su obra maestra: "Esta música borra completamente los límites entre la música clásica y la popular. Ya es casi como si ésta se apoderara totalmente del carácter de la música. Revueltas casi lo consiguió varias veces a lo largo de su obra, pero jamás con la misma emoción y desesperación que en esta pieza. Esta pieza canta como un mariachi (de los de antaño) y suena como si le fuera arrancada del corazón..."

"Semsemayá" es probablemente la pieza más conocida de Revueltas. (Leonard Bernstein, que sabía reconocer una joya cuando oía una, la grabó con la Filarmónica de Nueva York). "Semsemayá" fue compuesto para orquesta de cámara en 1937. La versión que aquí ofrecemos data del año siguiente y está orquestada para 27 instrumentos de viento, 14 instrumentos de percusión y cuerdas. El efecto visceral es brutal y apasionante, aunque "Sensemayá" está construida con extraordinaria sutileza rítmica. Si Igor Stravinsky hubiese escrito algunas "melodías" para ser tocadas en combinación con "Ionisation" de Edgar Varèse, el resultado podría haber sonado como "Semsemayá".

Un problema que se le presenta a todo aquel que pretende realizar una antología de la obra de Revueltas es el de encontrar una manera de romper la persistente, agudísima intensidad de su música. Es francamente imposible empezar con "Homenaje" y "Semsemayá" y continuar con otra pieza transcendental como "Redes" (1935), seguida de "Planos" (1933) y "La noche de los Mayas" (1939) sin poner a prueba nuestra capacidad de resistencia del oyente más fervoroso. Por eso, con reticencia, hemos dejado "Redes" para un disco futuro, sustituyendo esta pieza por otras tres, más apacibles y bastante menos ambiciosas. Por su puesto, "Alcancías" (1932) es una pieza que, impotente y con tres movimientos furiosos que suenan como "El Salón México" con mezcal, no tiene nada de diminuto. Aún así no es tan "pesada" como la mayor parte de la obra de Revueltas: las melodías son dulces y predomina un tono festivo, a veces incluso cómico. La "Toccata"(1933) y "Ocho x radio" (1933) marcan una música de cámara mexicana que es genuinamentede su propia época y lugar. ¿Ha habido jamás un compositor de la talla de Revueltas menos interesados en apropiarse de estilos y modos europeos? "Ocho x radio", de hecho, fue escrito para radio y, usando una imagen de Lowry, probablemente no sonaría nada mal berreando por altavoz de una cantina.

Severa, magnífica y furiosamente concentrada, "Planos" es una obra maestra del "alto Modernismo" (en el sentido anglosajón, a principios del siglo XX) sin una sola nota desperdiciada. Representa el estilo más formal y austero Revueltas. El propio compositor lo reconoce así, al caracterizar la pieza como una "arquitectura formal que no excluye sentimientos". Posteriormente rehizo y re-orquestó la obra para orquesta grande con el título de "Danza geométrica". Yo prefiero la primera versión: los ángulos son más nítidos, la pulsación más primitiva, la atmósfera obsesionante, incluso peligrosa.

El disco concluye con "La noche de los Mayas", que junto con Alexander Nevsky de Prokofiev y los mejores esfuerzos de compositores como Bernard Herrmann, Nino Rota, George Delerue y Alex North (quien fue amigo y alumno de Revueltas) constituye una música cinemática que ejemplifica el género a la vez que lo trasciende. Aunque nunca he visto la película para la cual esta obra fue compuesta, creo entender algo acerca de ella gracias a la composición de Revueltas, con su envergadura panorámica, sus graves ritmos mántricos y ese singular final con un obligado demencial de concha y los silbidos y sacudidas con que la percusión despierta a los muertos. Con el creciente y gran interés por la cultura hispana en los años noventas, parece que ya es hora de reconocer los méritos de Silvestre Revueltas. Su música es magnífica: vistosa, convulsiva, potente, y siempre original. "Catalyst" saca este disco convencido de que Revueltas por fin atraerá al gran público que sin duda se merece.

*Tim Page: Productor Ejecutivo de Catalyst. Además, el crítico de música clásica para revistas Nueva York y Long Island Newsday y autor de varios libros, incluso Music from the Road: Views and Reviews 1978-1992 y el próximo libro Dawn Powell ar Her Best (1994).

Nota original




Lista de Temas:
1. Homenaje a Federico García Lorca
2. Sensemayá (New Philharmonia Orchestra, Eduardo Mata, conductor)
3. Ocho x radio
4. Toccata
5. Alcancías - Allegro
6. Alcancías - Andantino
7. Alcancías - Allegro vivo
8. Planos
9. La noche de los Mayas - I. La noche de los Mayas
10. La noche de los Mayas - II. La noche de jaranas
11. La noche de los Mayas - III. La noche de Yucatán
12. La noche de los Mayas - IV. La noche de encantamiento

Alineación:
- New Philharmonia Orchestra

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Rick Wakeman - Piano Odyssey (2018) ---ScRaBBlE

Rick Wakeman publicó hace muy poquito un álbum en el que versiona composiciones propias y de los Beatles, David Bowie, Yes, Simon & Garfunkel, Liszt y Queen. Sinceramente, para mí es un registro que no creo que aporte demasiado, pero dado de que estamos hablando de Wakeman y de que se me ocurrió hacer nuestra propia selección cabezona de los mejores discos del 2018 a principios del año que viene, es una obligación presentarlo en sociedad. Así empezamos con otra semana donde vamos a una selección de traer discos de este 2018 y -espero- también algunos clásicos y joyitas perdidas del baúl de los recuerdos. En fin, así empezamos otra semana en el blog cabezón!

Artista: Rick Wakeman
Álbum: Piano Odyssey
Año: 2018
Género: Classical Crossover
Duración: 55:00
Nacionalidad: Inglaterra


No hace falta decir que Rick Wakeman es una celebridad de la música contemporánea, aquí se lo escuchar estructurando un repertorio generoso, que reformula a su gusto llevándolo al formato de música docta. El tipo tiene oficio y sabe lo que el fanático de su obra y su ex banda desea escuchar.

"Toda la música elegida contiene las melodías más hermosas y esta es la clave para poder presentar arreglos frescos que solo pueden realzar la reputación del original. Cada corte tiene un significado y está hecho a medida para el piano. Fue un placer hacer este álbum y debo agradecer a todos los involucrados por su entusiasmo por hacer realidad 'Piano Odyssey'"

Rick Wakeman

"Piano Odyssey" continúa la senda íntima e introspectiva del "Piano Portraits" del año pasado, con una selección de versiones originales y composiciones de inspiración clásica organizadas por Wakeman para el piano, que contiene arreglos orquestales adicionales de la Orion Orchestra de Londres y un coro de cámara inglés.

Poco le importó a fines de los 60 inmolarse por el rock y abandonar sus estudios en el Royal College of Music de Londres para sumarse a la revolución pop. 50 años después, muestra un nuevo catálogo, un equilibrio que roza la perfección entre lo docto y el rock, el mismo que desplegó junto a la formación clásica de Yes entre 1971 y 1973 y, posteriormente, como emblema de la grandilocuencia sinfónica.
Ahora en un formato más íntimo, reversionando temas conocidos, en algo que a mi gusto y parecer no aportan demasiado, como ya dije, pero no deja de ser otro disco de rubio tecladista que muchos van a escuchar con interés. Es que tras el éxito comercial y crítico del álbum anterior "Piano Portraits" (de 2017), Wakeman decidió producir su continuación.

Lista de Temas:
01. While My Guitar Gently Weeps
02. Liebesträume / After The Ball
03. And You & I
04. Rocky
05. The Boxer
06. The Wild Eyed Boy From Freecloud
07. Strawberry Fields Forever
08. Roundabout
09. Cyril Wolverine
10. Jane Seymour
11. Largos
12. Bohemian Rhapsody

Alineación:
- Rick Wakeman / Steinway Model D grand piano, conductor
Orion Strings Orchestra
English Chamber Choir
Guy Protheroe / conductor, arrangement
Brian May / guitar (12)

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