John Coltrane - Coltrane Plays the Blues (1966) ---ScRaBBlE

Un discazo de blues que sirve de puerta de entrada a la obra inagotable de John Coltrane, saxofonista visionario, innovador, vanguardista con respecto a la propia vanguardia. Usando como pretexto la forma aparentemente simple del blues, Trane muestra una sorprendente capacidad para desprenderse de la estuctura básica y llevar la tradición a la frontera de lo desconocido.

Artista: John Coltrane
Álbum: Coltrane Plays the Blues
Año: 1966
Género: Jazz, blues, Avant-Garde
Duración: 46:10
Nacionalidad: EUA


El legado de Coltrane tiene tantas aristas que es difícil elegir una puerta de entrada. Los especialistas dirán que se debe escuchar primero Blue Train (1957, pero es muy inicial), My Favorite Things (1961, orientado a la exploración modal y parte de un proceso junto con Giant Steps de 1959) o Ascencion (1965, demasiado vanguardista). Quizá una buena elección es este disco de blues que salió en 1966, se reeditó en 1970 y luego vino en CD con un bonus que no es blues pero fue grabado en la misma sesión del 24 de octubre de 1960. La base de blues que elige el trío/cuarteto de Trane los ubica en un punto intermedio entre el mainstream hard bop/post bop y la vanguardia free y modal, que, por otro lado, fue el ambiguo espacio en el que se movió este saxofonista genial, ampliando desde ahí las fronteras de la música.

El disco contiene seis blues, dos de ellos en un implacable trío sax-batería-bajo, con Elvin Jones en los tambores, alguien de quien el propio Trane decía: “A veces no puedo tocar con él” (1). En el bajo está Steve Davis, que lleva en orden todo el tiempo la labor de soporte del ritmo y plantea la armonía que Trane se encargará de poner llamas. El resto de los temas, incluyendo el bonus, tienen al tremendo McCoy Tyner, un pianista ultra armónico y percusivo que se mantuvo (junto con Jones) al lado de Trane durante una de sus mejores épocas. De él dice Ted Gioia, célebre crítico de jazz:

En fragmentos en los que otros pianistas hubieran acompañado el saxofón de Coltrane con rutinarios acordes improvisados, Tyner retaba al solista con un tsunami sonoro.

Ted Gioia (2)

Todos los temas son de Coltrane. En cada uno está el uso de una forma de blues diferente, desde los alegres mayores de “Mr. Day”, llenos de soul, hasta los pesados compases de un auténtico blues fúnebre del Delta (que en los compases de cierre se alegra) en “Mr. Syms”, que además tiene el mejor solo de piano del disco, o la marcha con remembranzas arabescas con la que inicia “Mr. Knight”. En esta época también, Trane se interesaba por formas populares de la música asiática, africana y latinoamericana, lo que quedaría plasmado en 1961 en Africa/Brass:

Este apetito insaciable por lo nuevo y lo diferente era igualmente evidente en la música de Coltrane. Muchos años antes de que la llamada world music se pusiera de moda, Coltrane investigó en profundidad las culturas auditivas de India, África, Latinoamérica y otras partes del planeta.

Ted Gioia (3)

En “Blues to Bechet” y “Mr. Syms” Coltrane toca el saxo soprano, justo en la época en que comenzaba a explorar las posibilidades armónicas de este instrumento que había desaparecido del escenario de innovación del jazz de los sesenta. En el resto de los temas lo encontramos con el tenor, el saxo que tiene su sello, el sonido que construyó al lado de Miles Davis y Cannonball Adderley. En términos generales, este es un gran disco para conocer la técnica y la concepción coltreana de la música como quien no quiere la cosa, como quien escucha blues, ese canto centenario lleno de alma que fluye por las venas de la esclavitud africana en América.

Ted Gioia parece haber descubierto el secreto de Trane, al menos para su performance en el clásico Giant Steps (1959):

Si se observa con mayor detalle, gran parte del trabajo solista de Coltrane se basa en un patrón simple —que emplea en cualquier acorde las primeras cuatro notas de la escala pentatónica— […] Sin embargo, la magistral ejecución de Coltrane y su energía despiadada son impresionantes.

Ted Gioia (4)

Pero seguir un solo de Trane es una tarea imposible, no parece haber tal patrón al que se refiere Gioia. Su tratamiento de la melodía en constante búsqueda de sus multiplicaciones armónicas hace que el sax suene como si fuera un instrumento polifónico. Lo hace disparando a diestra y siniestra notas, las notas que va encontrando en su exploración (a la que no le falta un soporte modal, esa estructura armónica escalonada que descubrieron juntos Miles, Trane, Cannonball y Bill Evans durante ocho meses gloriosos en la historia del jazz). Leroi Jones (a.k.a. Amiri Baraka, un revolucionario crítico de jazz de la época), a diferencia del esquemático Gioia, lo describe así:

Esas masas tan notables de semicorcheas, ese concepto tan nuevo y articulado de emplear grupos enteros o clusters de notas disparadas rápidamente, como si insistieran en sugerir acordes más que en producir progresiones melódicas estrictas. Es decir, las notas que Trane usaba en un solo se volvían algo más que una sucesión de notas, en cualquier orden, orientadas a producir una melodía. Las notas iban tan rápido y con tantos subtonos, que adquirían un efecto como si se tratara de un pianista que golpeara acordes a gran velocidad, pero articulando cada nota del acorde, y cada subtono, por separado.

Leroi Jones (5)

Los temas sin piano son especialmente ilustrativos de esta técnica (más bien, una forma de expresión en proceso de búsqueda), al no estar más que sugerida la estructura armónica del blues por el bajo, el sax tiene que encargarse de proporcionarla, de otro modo, sonaría “seco”. Y no es así, tanto en el soprano como en el tenor, Trane dibuja la armonía de un modo tan percusivo que hasta las explosiones de platillos y tambores de Jones parecen cantar. Así, el sax de Coltrane se convierte en una especie de portal sonoro que conduce a otra parte, a algún lugar donde lo ordinario se convierte en extraordinario, parafraseando otra vez a Leroi Jones:

Esa es una de las funciones del arte: revelar la belleza, sea común o extraordinaria, de manera extraordinaria. Y eso es lo que hace Trane.

Hay un carácter osadamente humano en la música de Coltrane… Si uno sabe escuchar, esta música puede hacerle pensar en un montón de cosas extrañas y maravillosas. Podemos incluso volvernos una de ellas.

Leroi Jones (6)

Y sin embargo, Jones no incluye a Trane en su selección de representantes de la vanguardia, quizá porque la propuso recién en 1961 (7), cuando se iniciaba el viaje del saxofonista visionario (en esa lista aparecían, entre otros, Ornette Coleman, Wayne Shorter, Charlie Haden y, por supuesto, Cecil Taylor). Habría tenido que esperar los desarrollos que el saxofonista iba a alcanzar en Ascencion (1965) o Interstellar Space (1967), obras transformadoras, revolucionarias, desde las que se explica no sólo un conjunto de derroteros que seguiría el jazz en los 70, sino incluso los intentos de exploración del naciente rock progresivo más experimental (Soft Machine, Pink Floyd, Zappa, Magma) que empezaban a surgir cuando la vertiginosa ruta de innovación de Trane fue interrumpida por el cáncer, a los 40 años de edad, el 17 de julio de 1967.

Ya Moe nos habló de esto hace poco en dos posts geniales: “La religión de la música y el sacerdote de los sonidos” y “John Coltrane: la música, el espíritu y las matemáticas”.

Referencias:

1. Joe Goldberg, liner notes del disco. Atlantic, 1966.
2. Ted Gioia, Historia del Jazz, Madrid: Turner, 2002, p. 405.
3. Ibid., p. 408.
4. Ibid., p. 403.
5. Leroi Jones (Amiri Baraka), “Un grande del Jazz: John Coltrane (1963)”. Black Music. Free Jazz y conciencia negra, 1959-1967. Buenos Aires: Caja Negra, 2013, p. 59.
6. Leroi Jones, “Coltrane en vivo en el Birdland (1964)”, Black Music, pp. 66-67.
7. Leroi Jones, “La Avant-Garde del jazz (1961)”. Black Music, p. 73.

Lista de Temas:
1. Blues to Elvin
2. Blues to Bechet
3. Blues to You
4. Mr Day
5. Mr. Syms
6. Mr. Knight
Bonus:
7. Untitled Original

Alineación:
- John Coltrane / Sax tenor y soprano
- McCoy Tyner / Piano
- Steve Davis / Bajo
- Elvin Jones / Batería

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John Coltrane - Coltrane Live at Birdland (1964) ---ScRaBBlE

En su post sobre Trane y la religión de la música, Moe nos habló de este disco, especialmente del tema “Alabama” que se convertiría en un símbolo de las luchas por los derechos civiles en EUA. Aquí está ese disco, un momento extraordinario en la historia de la música y de la lucha por la igualdad. Un álbum conceptual más allá de la denuncia, un derrotero de exploración sin límites, especialmente dedicado a Moe, cabezón mayor, para darle la bienvenida de regreso a la batalla.

Artista: John Coltrane
Álbum: Coltrane Live at Birdland
Año: 1964
Género: Jazz / post-bop / avant garde
Duración: 38:57
Nacionalidad: EUA


En el mundo rock se trabaja metódicamente para conseguir un álbum “conceptual” y aun así rara vez se consigue el objetivo; habría que discutir mucho sobre eso. En el jazz, en cambio, cada álbum, especialmente los de John Coltrane, es producto de una exploración musical que en sí misma es conceptual. Pero es musical, no se puede traducir en palabras y, por tanto, no cede ante ninguna ideología, no proclama; se compromete desde un lugar distinto al lenguaje: lo conceptual en el jazz de John Coltrane es un armazón auditivo en constante transformación. Dada la estructura de esa exploración musical, desarrollada bajo la tutela de un autor que abre caminos, en un álbum de Trane, como en este Live at Birdland, se reúne un conjunto de operaciones musicales específicas: un concepto sonoro impulsado por la innovación.

En sus excelentes posts sobre Coltrane (“La Religión de la Música y el Sacerdote de los Sonidos” y “John Coltrane, la Música, el Espíritu y las Matemáticas”), Moe nos había informado de la importancia de “Alabama”, uno de los dos temas de estudio que acompañan a las tres grabaciones en concierto de Coltrane Live at Birdland, grabado en el contexto de la extrema violencia racial en el sur de los Estados Unidos: cito a nuestro cabezón mayor:

El nombre del tema era un mensaje directo al corazón de su pueblo: apenas un mes antes, el 15 de septiembre de 1963, una docena de cartuchos de dinamita habían estallado en el sótano de una iglesia en Birmingham, la ciudad más grande de Alabama; el corazón de un estado enfermo de racismo que reservaba para los negros el peor de los infiernos, el núcleo duro de un poderoso Klu Klux Klan que extendía sus brazos de sangre y terror gracias a la complicidad de la policía y al generoso financiamiento de la comunidad blanca local. La bomba mató a cuatro nenas de entre once y catorce años y dejó una veintena de heridos.

Moe

Aunque Coltrane no dijo que “Alabama” fuera un tema de denuncia, sin duda lo fue. Él dijo, “es sobre lo que vi cuando estuve ahí”. Es decir; no se trata de un disco que quiera hablar de la sórdida realidad de la que emana sino de un momento en la trayectoria de Coltrane en el que cuaja un concepto único, novedoso del jazz, que en su poderosa propuesta abriga a esa realidad y se convierte en su voz. Hay que escuchar las tres grabaciones en vivo de Live at Birdland (y luego las dos de estudio) y leer al mismo tiempo el texto de Leroi Jones que Moe citó, que es el de la contratapa de este disco fundamental y que arrancaba con “Una de las cosas más desconcertantes acerca de América [EUA] es que, a pesar de su perfil de vileza, exista aún tanta belleza aquí”.

Jones se pregunta: ¿Por qué grabar en un tugurio, el Birdland de 1963, en esa realidad terrible? Y ensaya su respuesta:

Para mí, el Birdland solo es América en microcosmos, y todos sabemos qué alta es la tasa de mortandad de artistas en esta tumba instantánea. Sin embargo, el título nos dice que John Coltrane está ahí en vivo. En esta pequeña América donde la felicidad más delirante solo puede ser provocada por el dólar, un hombre sigue atreviéndose a hacer referencia a algún otro tipo de pensamiento. ¿Imposible? Escucha “I Want to Talk About You”.

Leroi Jones

El texto de Leroi Jones

Incluso tratándose de un registro en vivo acompañado de dos tomas de estudio, Live at Birdland es en sí mismo un concepto, ese armazón instrumental que permite ciertas combinaciones nuevas, nacidas de la exploración que esos músicos acuerdan y de, o en contra de, la atmósfera del lugar. Si Coltrane estudiaba constantemente el Tesauro de escalas y patrones melódicos de Slonimskiy, como creen desenmascararlo Ted Gioia (en su historia monumental) y Quincy Jones en sus disparatadas confesiones, era para avanzar en otras direcciones. Trane, obviamente, no repetía las escalas de Slonimskiy porque en ellas no venía escrito cómo tenían que ser expresadas, con qué intensidad, con qué fuerza, en qué tiempo, a qué velocidad, en qué forma de coordinación con los otros tres miembros del cuarteto. Esto, luego, lo combinaba con sus estudios autodidactas sobre matemática y descubría un ámbito nuevo de exploración. Cada álbum se define bajo este concepto mutante. Se le da un nombre y se lanza al mercado. Ahí encuentra y se cruza con uno o varios movimientos sociales que lo aceptan y lo entienden como su propia forma de expresión porque es una visión extraordinaria de lo real, un atisbo de futuro.

Esta música nacida de los guetos, lo haya querido o no su creador, se convirtió en una expresión sobresaliente de la resistencia activa contra el racismo, por su simbolismo como búsqueda de otra cosa. Es la expresión de otra posibilidad, de un nuevo tiempo. Es esa belleza de los Estados Unidos de la que habla Leroi Jones.

La contratapa del cd dice:

Aquí está la novísima adición a las obras reunidas del explorador insaciable John Coltrane. Grabado “en vivo” en el Birdland de Nueva York, este álbum, bellamente registrado, captura la libertad y la intimidad de un club nocturno. Aquí está John Coltrane... conduciéndose furiosamente hacia adelante... vivo... comunicándose con un público “vivo”… y tú estás ahí.

Gigantes

Está de más comentar las actuaciones de McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison, los van a escuchar... ¡es un concepto! Ya en el post de Coltrane Plays the Blues habíamos intentado describir lo que logran estos monstruos; más aún en este concierto en que el bajo está en las manos de Jimmy Garrison, aún mejor, si es posible, que el de Steve Davis. Fuera de la “camisa de fuerza” que podría representar el blues, aquí está John Coltrane en plena explosión de sus cualidades (si bien “Alabama” tiene dramáticos dejos blueseros).

Y además, se trata, cabezones y cabezonas, si lo descargan, de un rip a 96 kHz, con tasas de casi 3000 kb/s (gracias a la torrentería que nos lo consiguió). ¡Súbanle hasta sentir los instrumentos presentes ahí donde estén sus cabezonas humanidades asistiendo a este momento extraordinario de la historia de la música!: John Coltrane, Coltrane Live at The Birdland, octubre de 1963.



Lista de Temas:
1. Afro-Blue
2. I Want to Talk about You
3. The Promise
4. Alabama
5. Your Lady

Alineación:
- John Coltrane / Sax tenor y soprano
- McCoy Tyner / Piano
- Jimmy Garrison / Bajo
- Elvin Jones / Batería

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