Cecil Taylor Quartet - Jazz Advance (1956) ---ScRaBBlE

El free jazz todavía no nacía y Cecil Taylor ya estaba más allá. Su disco inicial, Jazz Advance, prefigura el porvenir de la música libre. Es post bop pero ya no. No es free jazz pero ya es. Es 1955 y the new thing empieza a cobrar forma en este disco extraordinario del pianista que impulsará al free jazz durante décadas. Este disco es uno de los primeros brotes de la vanguardia que transformó la música para siempre y sucedió un lustro antes de que Ornette Coleman nos hablara del jazz que viene. Básico para cabezones y cabezonas que disfrutan atravesando la jungla sonora inexplorada.

Artista: Cecil Taylor Quartet
Álbum: Jazz Advance
Año: 1956
Género: Jazz / Post Bop / Free Jazz
Duración: 53:21
Nacionalidad: EUA


El nombre lo dice todo: Jazz Advance, jazz que avanza, jazz consciente de su propio vanguardismo. En 1955 el free jazz estaba aún en gestación y uno de sus primeros asomos fue este disco de Cecil Taylor, este pianista visionario, apoyado en hombros de gigantes —¡Monk!—, con un pie en el pasado bop y el otro en un futuro que solo se podía intuir. No es casualidad que el poeta Amiri Baraka describiera esa escena candente como “la cosa nueva”, the new thing. En trío y cuarteto (dos de los temas, “Charge ’Em Blues”, y “Song”, ambos originales de Taylor, cuentan con el saxo de Steve Lacy), Cecil Taylor rompe tempranamente las cadenas del jazz —las pocas que le quedaban—.

La aventura post bop de Taylor es distinta a la de Coltrane su instrumento es diferente: el piano de Taylor no es un piano, “son 88 tambores afinados”, dijo el fotógrafo británico Val Wilmer. Lo que en Trane es melodía disparada, en Taylor se transforma en percusión tonal total. Pero también buscan cosas diferentes, la libertad tiene muchas formas. A Trane lo mueve un cierto misticismo; a Taylor solo la música camino a la libertad de improvisación absoluta.

Jazz Advance sigue siendo un post bop respetuoso que habla con la tradición (hay una base de blues que se siente sobre todo en “Sweet and Lovely”) y saluda a sus mayores con tres standards: “Azure”, de Duke Ellington, “You’d Be So Nice to Come Home to”, de Cole Porter (pero vamos a ver lo que hace con él), y “Sweet and Lovely” (Arnheim-LeMare-Tobias).

El tema que abre el disco es “Bemsha Swing”, uno de los sueños más hermosos de Monk y Denzil Best, grabado por ellos apenas cuatro años antes de que Taylor lo transformara; será un standard que tocarán Coltrane y Don Cherry, Keith Jarrett (The Cure, 1991), Esbjörn Svensson (Plays Monk, 1996) y ¡hasta los Red Hot Chili Peppers! (cantan “Fuck you!” alegremente en las notas iniciales de la melodía). Pero todavía no es un standard cuando Taylor y su trío hacen su versión profética en Jazz Advance. Al sabroso swing de la original, Taylor lo “africaniza”, le descompone el ritmo y lo convierte en esa fuerza casi enloquecida que muestra al piano como queriendo derrumbar un muro que lo encierra. El piano contra los límites del bop. La melodía deliciosa del original sigue sostenida en el bop de bajo y batería, pero se va haciendo casi irreconocible porque las manos de Taylor no quieren tocar sus notas, apenas sugerirlas, hacerlas danzar alrededor de la tónica sin seguir otra regla que el impulso del descubrimiento.

Cosas similares escuchamos en los temas originales de Taylor. En “Charge ’Em Blues” la improvisación da más lugar a la batería mediante el recurso de los trades, esos círculos en los que el trío deja un cierre para la improvisación de los tambores. Sus temas destacan porque muestran al genio sin mayor influencia que ese bop del que se quiere despegar. El walking bass, el blues, los trades nos mantienen en el plano del estilo que está por ser rebasado; es el piano el que se escapa, el que lo rompe todo. Es como si todo el tiempo luchara contra sus músicos, como si batallara con ellos arrastrándolos a un territorio desconocido, a un abismo en el que ellos se niegan a caer pero sobre el que el piano vuela.

Es en la única pieza para piano solo donde lo podremos ver partir hacia el infinito de la improvisación. Paradójicamente —y no: tenía que ser así— el free jazz nace de visita a “You’d Be So Nice to Come Home to”, de Cole Porter, uno de los más conservadores compositores de canciones en el jazz, gran alimentador de crooners pero también de jazzistas enormes. Sin ese “lastre” del bajo y la batería, Taylor despega y convierte la canción en otra cosa. No es que el trío sea malo o convencional, por supuesto. Buell Neidingler (bajo) y Denis Charles (batería) son tremendos ejecutantes, improvisadores post bop extraordinarios. Pero aún no se han establecido las bases para una improvisación tan radical, el free jazz está todavía a algunos años de su despliegue total. Eso es lo que hace de este disco un esencial, un precursor tan importante como lo que poco tiempo después traerá Ornette Coleman.

Para Cecil Taylor, el camino arranca aquí. Un camino larguísimo que solo culminará con su muerte en abril de este 2018; no hace ni medio año que se fue a los 89 años y se fue dejando proyectos truncos, el viejo. En ese camino colaboró con muchos exponentes del free jazz, como el Jazz Ensemble of Chicago, el del otro Bowie, nuevamente visitando al mentor Monk, e incursionó en la poesía entre muchas otras aventuras, algunas de las cuales traeremos pronto al blog porque Cecil Taylor es un gigantesco cabezón.

Lista de Temas:
1. Bemsha Swing
2. Charge 'Em Blues
3. Azure
4. Song
5. You'd Be So Nice to Come Home to
6. RickKickShaw
7. Sweet and Lovely [bonus]

Alineación:
- Cecil Taylor / piano
- Buell Neidingler / bajo
- Denis Charles / batería
- Steve Lacy / sax soprano

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François Bréant - Sons Optiques (1978) ---ScRaBBlE

La verdad que no tengo idea de cómo llego "Sonidos opticos" a la Biblioteca Sonora, a veces los cabezones me recomiendan disco, o mandan cosas, o piden... todo es bastante caótico en el blog cabezón pero es porque hay mucho movimiento. Sea como sea, pido perdón a los que seguramente dejo de lado pero no crean que es por mala onda, sino porque detrás de bambalinas hay tanto movimiento que hay cosas que se me traspapelan. Comentado eso, les comento que alguien dejó este disco del artista francés de Avant Progcercano al Zeuhl, música muy poco accesible, como una mezcla entre Magma y Univers Zero pero siendo una música muy difícil de clasificar, aunque algunos pasajes pueden parecer ridículamente sencillos, pero no es un álbum recomendado para todo el mundo, aunque vale la pena que le peguen una escuchada, ya que es un raro pero gratificante disco de prog francés, un logro admirablemente ecléctico de un artista ignoto que quizás debería haber sido más conocido fuera de su país natal.

Artista: François Bréant
Álbum: Sons Optiques
Año: 1978
Género: RIO / Avant-Prog / Experimental
Nacionalidad: Francia

François Bréant es uno de esos personajes ineludibles de la música francesa, a finales de los 60 fue el tecladista de Cruciferus, banda que grabó el legendario y oscuro "A Nice Way Of Life" (ahora uno de los discos franceses más codiciados) para luego por pasar por muchos de los principales grupos franceses de la época. Tocaba seguido con muchos de los miembros de Magma en diferentes proyectos. Durante la última parte de los 70s se convirtió en uno de los principales protagonistas musicales del cantante francés Bernard Lavilliers, cuyos conmovedores textos y letras referidos a su condición de ex convicto y verdadera figura rebelde de la izquierda lo convirtieron en un icono de culto en la escena francesa. A finales de los 70, grabó dos álbumes solista, repletos de electrónica y el inevitable toque de la voz del Zeuhl, a menudo cerca de RIO, aunque el segundo disco está mucho más orientado a la electrónica.
Bréant ha escrito muchas obras de teatro y ballet, películas y trabaja como arreglista de muchas estrellas.

Este disco produce una sensación especial quizás por la increíble mezcla de influencias. El concepto a lo largo del álbum es una descripción sonora de las diferentes etapas de la vida de un niño durante la Segunda Guerra Mundial. Esta idea cinemática tiene su correlación en la música, por supuesto. Ya la foto de portada muestra a Bréant aferrándose a lo que parece ser un carrete de película de 35 mm: una pista visual de la naturaleza cinematográfica de su música completamente instrumental. Puedes escucharlo en la primera fanfarria dramática que abre el disco, completada con escalofriantes gritos y ominosos arpegios de piano. Y quizás, si supiésemos francés, podríamos discernir si la narrativa imaginaria tiene su correlato con los títulos de las canciones.

La energía de los primeros temas no se mantiene durante todo el álbum, y en el medio del disco Bréant parece apretar tantos sonidos como puede, pero la música es notablemente inferior a la primer sección. Pero ello no hace mella en su calidad perdurable.
Un puñado de viejos compañeros de bandas y conocidos músicos ayudaron con las grabaciones, como el guitarrista Marc Perru, con quien Breant colaboró ​​en todos los grupos anteriores, como el bajista de Magma Guy Delacroix, y varios miembros de la antigua banda Nemo (no confundir con los Nemo actuales): el instrumentista de vientos Albert Marc'ur, el bajista Pascal Arroyo, el baterista Emmanuel Lacordaire y Didier Lockwood en violines.

La flexibilidad musical de Breant ya era conocida desde el pasado y "Sons optiques" es otro buen ejemplo de sus diversos gustos musicales en la composición. Su teclado y su trabajo de piano dominan todo el álbum y Breant explora los territorios y límites entre diferentes campos, como música electrónica, Zeuhl, jazz, jazz fusion y Avant-Garde. Esta combinación no termina de sonar del todo homogénea y quita un poco de la consistencia del álbum, pero el resultado general es realmente experimental de una manera positiva, con Breant ofreciendo una actuación virtuosa, con algunas texturas de piano inventivas y disonantes, a menudo coqueteando con oscuros paisajes de Avant-Garde, y una atmósfera realmente espacial creada por sus sintetizadores. Lo ayudan los violines y las percusiones para hacer que este enfoque suene aún más extravagante. Otras pistas están más cerca de jazz y la fusión, especialmente cuando lso saxos toman el relevo, con magníficos movimientos de piano y sintetizador y todo el grupo de respaldo ofreciendo una base sólida. Hasta estas piezas tienen una sensación cósmica general debido a la extraña electrónica de Breant.

La extraña mezcla de sonidos de "Sons optiques" es realmente atractiva e inventiva. Recomendado, especialmente si te gustan los trabakjos más experimentales, electrónicos o de vanguardia que aparecen en el blog cabezón. Eso si, me quedo con la intriga de saber quién fue el que compartió este disco...


Lista de Temas:
1. Les journaux annoncent le guerre Generique
2. Vacances a Concorneau
3. De retour a Paris
4. Scenes de foule et de pursuite pendant le Carnaval
5. Dilemme de Jeanne au restaurant Chinois
6. Survol del Rio
7. Et retrouvailles avec Bruno
8. Baiser au crepuscule et Fin
9. Les souffleurs de Verre
10. L'age d'or a Montlhery

Alineación:
- Francois Breant / piano & digital keyboards; vocalizes
Eric Letournex / alto saxophone
Jean-Luis Chautemps / tenor saxophone
Albert Marceur / percussion
Emmanuel Lacordaire / drums & percussion
Guy Delacroix / bass
Pascal Arroyo / bass
Didier Lockwood / violin
Marc Perru / guitar

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Frank Zappa - Rotterdam 1980 (Bootleg - 1980) ---ScRaBBlE

Y aparece el Mago Alberto para darle color a este lunes. Porque sigue trayendo figuritas difíciles, bootlegs, rarezas, y con la mejor calidad de sonido. Aquí lo tenemos a Frank en Rotterdam en un bootleg especial, difícil de conseguir en esta calidad, todo un acto de magia coon toda la magia del blog cabezón.

Artista: Frank Zappa
Álbum: Rotterdam 1980 (Bootleg)
Año: 1980
Género: Avant Garde / Experimental
Nacionalidad: EEUU


Los dejo, de una, con el comentario del Mago Alberto sobre esta bootleg que hace magia...

Si existe una materia difícil en La Escuelita de Moe, es ésta, y se llama Frank Zappa. Un militante antimperialista como pocos, un tipo que defendió la libertad de expresión toda su vida, que dió cátedra de principios ante políticos y los señores tijeras del país del norte, que con su música extraordinaria como pocas, su humor ácido y su ironia letrística cuestionó la sociedad norteamericana, la iglesia católica, el neoliberalismo y los pacatos hombres de negocios, un verdadero e indiscutido luchador de los derechos humanos, un antisistema declarado. Un genio enorme de nuestra época moderna.
Si bien hay varios posteos de su material en el blog, y nos vemos en la obligación de seguir engrosando los mismos con verdaderas joyas que el seguidor y fan de Zappa sabrá apreciar.
El presente es un concierto de 1980 realizado en Rotterdam, en la Holanda Meridional, año en el cual Zappa no había lanzado ningún álbum de estudio, un bootleg soundboard que suena excelente, la mayoría de las canciones pertenecen a "You Are What You Is" que se grabaría en Los Angeles después de la conclusión de la gira, y otras de "Joe's garage", y de el Sheik Yerbouti, un mix de esos que solo FZ podía producir.
Este set list se puede encontrar en otros bootlegs muchas en versión mono, y otras con intervenciones de locución y propagandas, debido a que el concierto fue emitido por una radio FM local, esta es la versión estereo sin interrupciones y completa.
Para destacar el solo de guitarra en Easy Meat, demostrando porque es y será considerado como uno de los más grandes violeros de todas las épocas.
Concierto para disfrutar en cualquier momento, dejarlo que se meta en nuestra piel, al fin y al cabo el Frankie es como un tatuaje, una vez que se te mete en la piel no se te va más.
Una muestra de como sonaba Zappa en vivo en aquellos años, placer absoluto para egresados y principiantes de oídos inquietos.

Mago Alberto

"AHOY, EIGHTIES!"
FRANK ZAPPA AND A STRANGE NEW DECADE
1980 found Frank Zappa at an interesting point. He had not released a single record that year, having released five (yes FIVE) records in 1979, including the triomphant "Joe's Garage, Acts I, II & III". A tour of the USA and Europe for March through July of that year had been booked, though with a smaller band than usual, including Arthur Barrow on bass, Ike Willis on guitar and vocals, Ray White on guitar and vocals, and Tommy Mars on keys. Vinnie Colaiuta, Zappa's most recent (and perhaps greatest) drummer,- had reportedly attempted to squeeze a raise out of Frank (a big no-no), and as a result was replaced at the last minute by David Logeman, a Berklee graduate who beat out 54 candidates for the gig, and did an admirable job considering the impossible shoes he had to fill.
The repertoire consisted largely of tunes that would comprise the "You Are What You Is" album, which would be recorded back in Los Angeles after the tour's conclusion (featuring "Sirat Abuse" by newcomer Steve Vai, who was not yet a part of the band during this tour). 11 songs in total were performed from that as-yet unrecorded LP, accompanied by a generous helping of "Joe's garage" tracks (which did much to highlight Colaiuta's absence) as well as some Zappa staples.
The gig at the Ahoy in Rotterdam was only the second gig of the European leg of the tour, followinll approximately 36 dates throughout the States. In "The Real Frank Zappa Book", Frank described the Ahoy as "a charming sort of Dutch indoor bicycle racing grena with a concrete floor and a bankod wooden track all around the room." The show itself was typical of the tour: opening with a heavy guitar number, in this case "Chunga's Revenge" (which alternated the opening slot with "Watermelon In Easter Hay" and "Treacherous Cretins"), then launching into a couple tracks from "Joe's Garage": "Keep lt Greasy" and a gorgeous "Outside Now". Soon after, the band launches into a massive suite of tracks from the future "You Are What You Is", before heading back in time to "Cosmik Debris", then even farther back with "You Didn't Try To Call Me" and "I Ain't Got No Heart", concluding the trip down memory lane with the doo-wop track "Love of My Life" from "Cruising With Ruben and the Jets". The rest of the gig would rely on relatively current tracks, including pre-release versions of what would be the title track from the new record, as well as "I Dont Wanna Get Drafted", followed by more from "Joe's Garage" and "Sheik Yerbouti". "The Illinois Enema Bandit" ended the show, sung, as it always should be, by the incomparable Ray White.
Having been broadcast by Dutch radio, this show was soon widely circulated on bootleg, including "Personality" on LP, and "Boot the Beats", a copy of that LP on CD, however both of these releases were in mono. A better, stereo source surfaced in the 90's, released by Take lt Or Leave lt Music as "Ahoy Rotterdam — June 24, 1980" (the date is incorrect). What you have before you now is the definitive version of this show, from two sources seamlessly edited together to present the music as it should be, devoid of DJ interruptions, radio bumpers, or tape flips. Enjoy this glimpse into Zappa's past as he looked into the future, towards what would be perhaps his most important decade for changing
the world: the 1980s.

Gordon Gartrell

Lista de Temas:
CD 1
01. Tuneups
02. Chunga's Revenge
03. Keep lt Greasey
04. Outside Now
05. City Of Tiny Lites
06. Teenage Wind
07. Bamboozled By Love
08. Pick Me I'm Clean
09. Society Pages
10. I'm A Beautiful Guy
11. Beauty Knows No Pain
12. Charlie's Enormous Mouth
13. Cosmik Debris

CD 2
01. You Didn't Try To Call Me
02. I Ain't Got No Heart
03. Love Of My Life
04. You Are What You Is
05. Easy Meat
06. Joe's Garage
07. Why Does lt Hurt When I Pee?
08. Encore Break 1
09. Dancin' Fool
10. Bobby Brown
11. Ms. Pinky
12. Encore Break 2
13. I Don't Wanna Get Drafted
14. The Illinois Enema Bandit
15. Outro

Alineación:
- Frank Zappa / Voz y guitarra
- Ike Willis / Guitarra y voz
- Ray White / Guitarra y voz
- Arthur Barrow / Bajo
- Davis Logeman / Batería
- Tommy Mars / Teclados

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Cyro Baptista - Infinito (2009) ---ScRaBBlE

Otro disco de este loco brasilero, el percusionista brasileño que ha colaborado con varios músicos de renombre, como Brian Eno, David Byrne a Daniel Barenboim, Caetano Veloso o John Zorn con su música multicultural que trasciende las fronteras en una propuesta a la vez fresca y compleja. El brasileño Cyro Baptista es considerado uno de los percusionistas más creativos y excéntricos en el ámbito del jazz, pero a la vez más innovadores de la actualidad. Mientras la gráfica que acompaña al cuarto álbum de Cyro Baptista afirma que se trata de "canciones pop brasileñas experimentales", aquellos que han llegado a amar su trabajo en sus tres álbumes anteriores no deberían preocuparse, Baptista no puede ser enrolado por ninguna clasificación. Él es simplemente uno de los músicos más ilimitados que existen actualmente, como lo demuestra una lista de las personas a las que ha tocado como acompañante. Aquí, un heredero de toda la musicalidad brasilera para cerrar una semana en la que tuvimos mucha incursión latinoamericana, el segundo disco de este artista que aterriza en el blog cabezón pero seguramente no será el último.

Artista: Cyro Baptista
Álbum: Infinito
Año: 2009
Género: Jazz fusión / Word Music / Chamber Music / Avant Garde
Nacionalidad: Brasil


Aquí convive Frank Zappa de principios de los 70, Hermeto Pascoal, Teese Gohl, Miles Davis y todos los mejores músicos que te puedas imaginar. Debemos partir de la libertad creativa para entender la obra de Cyro Baptista: se mueve en los terrenos del jazz, la improvisación y la percusión. Desde allí combinan con humor, primitivismo y sofisticación sonidos que provienen de la comunidad judía, melodías brasileñas, pop, rock y sonidos del medio oriente.
Ninguna de las canciones de este disco podrían llamarse canciones "pop", al menos en ningún sentido reconocible de la palabra. Estas son aventuras salvajes que combinan numerosas formas musicales brasileras, música gaúcha, diversas tradiciones musicales afrocubanas, además de otras músicas latinas y africanas, el jazz y el funk. Numerosas músicas existen dentro de una sola composición. En otras palabras, esta es la visión expansiva de la música de Baptista.

Cyro Baptista nació en Sao Paulo en 1953. Luego de haber estado expuesto a vertientes muy variadas de la percusión afrobrasileña, el jazz y la música de cámara local durante más de veinte años, emigró a Estados Unidos en 1980 y se unió al centro de vanguardia musical Creative Music Studio, fundado en 1971 por Karl Berger y Ornette Coleman. En 1988 debutó para el legendario sello Incus con el disco Cyro en compañía de la leyenda de la improvisación, el guitarrista Derek Bailey.
Desde ese momento se posicionó como uno percusionistas más requeridos por músicos de la escena del rock y del jazz mundial. Integró, entonces, a la banda de Paul Simon con quien realizó giras a lo largo de dos años. Ha tocado en las bandas de Sting, Wynton Marsalis, Caetano Veloso, David Byrne, Brian Eno, Bobby McFerrin, Santana, Milton Nascimento, Laurie Anderson y varios proyectos del compositor John Zorn como Electric Masada y The Dreamers.

Compositor, multiinstrumentista, director de orquesta y arreglista, él tiene todas las herramientas como para hacer brillar su sonido, con riffs de guitarra funky montados encima de congas, palmas y melodías latinas sobre ritmos africanos, con pulsos rítmicos cambiantes. Una ensalada de estilos donde no falta ni una melodía folclórica judía sefardí ni el flamenco, y la dinámica se transforma por completo de manera "infinita", tal como su nombre lo indica. Baptista se hace cargo de una variedad de instrumentos de percusión, pero que contiene melodía y contrapunto.

El multitalentoso percusionista Cyro Baptista quizás tenga el más deslumbrantemente ecléctico curriculum vitae de la música contemporánea. Ha tocado y grabado con jazzeros mainstream como Herbie Hancock y Wynton Marsalis; experimentalistas como John Zorn y Laurie Anderson; iconos del pop como Sting y Paul Simon y estrellas brasileñas como Milton Nascimento e Ivan Lins. Y puede ser el único artista en el mundo que puede contar tanto a Yo Yo Ma como Snoop Dogg entre sus créditos.
La cuarta grabación de Baptista en el sello Tzadik de Zorn, y su segundo con su banda Banquet of the Spirits, es presentada como una colección “de canciones pop experimentales brasileñas”. Pero es diferente de cualquier música pop que usted probablemente escucha en la radio, si usted la sintoniza en Sao Paolo o Nueva York. Infinito es una exuberante, aventurera, de vez en cuando frenética mezcla de músicas de jazz, funk, brasileña, Afro/Cubanas y otras latinoamericanas tejidas juntas dentro de una sola composición. “Kwanza”, una melodía escrita por el tecladista Brian Marsella, por ejemplo, comienza con una fusión funky-eléctrica de Miles, apareada con percusión latina antes del cambio de ritmo; la dinámica e instrumentación revelan una dulce melodía folk. Pero a pesar de las fuentes de amplio rango e inspiraciones, la música nunca suena forzada o torpe; el sonido es perfecto y orgánico, debido a la visión de la música altamente desarrollada del líder, como un arte global que existe más allá de las divisiones artificiales de nacionalidad o género.
Baptista toca una enorme serie de instrumentos de percusión de Brasil y del mundo entero, así como instrumentos caseros como un caño de gas, la manguera de una aspiradora y algo que llamó un teléfono de agua. Un corte, “In Vitrous”, destaca una colección de instrumentos sobre todo hechos de cristal. Su grupo principal (Marsella, Shanir Blumenkranz en el bajo y oud y Tim Keiper en batería) es aumentado con invitados incluyendo la gran guitarra brasileña de Romero Lubambo, el mago de la electrónica Ikue Mori y la saxofonista y estrella del clarinete, Anat Cohen. Varias melodías, como la del título, el magnífico “Adeus Às Filhas” y la vívida “Cantor Cuidadoso” tiene vocalizaciones, pero el énfasis en todas partes está sobre la alegre exploración instrumental. Infinito es un convite alegre, parecido a un carnaval para los oyentes que aprecian la música sin fronteras.

Joel Roberts para http://www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota

A pesar de la ambición caleidoscópica de "Infinito", y su ritmo a veces frenético, el álbum es bastante accesible, es un placer para escuchar y disfrutar. Música colorida y emocionante, justo como para dar un poco de vida a este fin de semana lluvisoso sobre Buenos Aires.




Lista de Temas:
1. Infinito Coming
2. Batida De Côco
3. In Vitrous
4. Kwanza
5. Noia
6. Adeus As Filhas
7. Coronation Of A Slave Queen
8. Cantor Cuidadoso
9. Pro Flavio
10. Blindman
11. Infinito Going

Alineación:
- Cyro Baptista / percussion, vocals
- Brian Marsella / keyboards, melodica
- Tim Keiper / drums
- Shanir Blumenkranz / bass, oud
- Kevin Breit / guitar
- Erik Friedlander / cello
- Romero Lubambo / guitar
- Ikue Mori / electronics
- Anat Cohen / clarinet, saxophone
- Zé Mauricio / conga
- Chikako Iwahori / surdo
- Scott Kettner / alfaia
- Anne Pope / caixa
- Sergio Brandao / bass.

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Sebkha-Chott - De l'Existence de la Mythologie Chottienne en 7 Cycles‎ (2004) ---ScRaBBlE

Algo que había quedado en nuestro borrador desde hace ya años, una locura hecha canción, unos franceses delirando y haciendo un Avant Garde durísimo, al mismo tiempo que disfrutable. Música arriesgada, visceral, compleja, ecléctica, que seguramente no va a ser para todos pero que si le cazás la onda, seguro te va a hipnotizar, un disco con nombre larguísimo al igual que el listado de sus influencias y fusión de estilos.

Artista: Sebkha-Chott

Álbum: De l'Existence de la Mythologie Chottienne en 7 Cycles
Año: 2004
Género: Experimental/Avant Garde/Súper Ecléctico
Duración: 55 Minutos
Nacionalidad: Francia

El primer disco de una banda que luego sacó otro excelente trabajo titulado "Nagah Mahdi - Opuscrits En 48 Rouleaux" para luego caer en una locura musical sin sentido ni gusto alguno. Pero con esta ópera prima y el "Nagah Mahdi" (si es que lo consigo porque es una figurita difícil) van a disfrutar de lo lindo...
Si no me creen, escuchen por favor.

Bandcamp es más grande que Gardel, capítulo XI: Sebkha-Chott

Nada que ver con toreros, toros, tauromaquia y porquerías por el estilo en este disco, no se dejen engañar!

Ya estoy seguro de haber dicho varias veces (una de ellas acá, refiriéndome al espectacular conjunto japonés Naikaku), que estar completamente de atar y no tener ni un miligramo de cordura puede llegar a ser productivo y no mal visto en el ámbito del arte. Me limito a linkear el post para no tener que escribir de vuelta alguna boludez referida a la relación demencia-arte. Y sólo porque para hablar de este grupito francés voy a necesitar recortar letras de algún otro lugar.

Los Sebkha Chott aparecieron en el 2000, cuando dos aspirantes a estudiantes querían dar un paso fuera de los límites de la música "normal". Dejando las etiquetas de lado, nos topamos con uno de los más variados e inesperados entrecruces de géneros e ideas musicales que el llamado Avant-prog ha visto desde el Sr. Bungle a esta parte. Durante los siguientes tres años, la banda experimentó una transición periódica que abarca varias formas diferentes y adiciones de formación.
El álbum mezcla con estilo las influencias que oscilan entre los reinos de Frank Zappa, Magma, Mr Bungle, Fantomas, por mencionar solo algunos. A través de improvisaciones teatrales representan su peculiar posición en un mundo extraño poblado de extravagantes habitantes personificados por los músicos.Cambiando el estilo, desde metal a jazz o soul, todo en un abrir y cerrar de ojos, Sebkha Chott seguramente gustará a los más enfermitos fans de Fantomas o Mr Bungle. Pero no les encasillemos a esa minoría; si eres fanático de la música desafiante, tienes que escuchar esto. Muy recomendable.

Y lo mejor, el disco se puede descargar desde Bandcamp gratuitamente, así que no tienen excusas para no escucharlo y atesorar esto como una locura con mucho talento.

Lista de Temas:
1. Pinok'io (6:12)
2. Pour le comte del amafia (6:16)
3. Le Cirque Des Enfers (5:34)
4. Carpe Diem (9:02)
5. Bienvenue à Babylone (8:35)
6. Manuel (9:24)
7. La Chute d'Ohreland (9:16)

Alineación:

- Yüla Slipobitch: Batería y voz
- Wladimir Ohrelianov II:  Bajo, máquinas, narraciones y voz
- Alter Frabrovitch: Teclados
- Anton Pinokiov: Guitarras
- Labial Aerostick: Saxofones
- Marx Bronosov: Trombón
- Cristobal Del Amafia: Trompeta
- Mustach'Man: Voz líder

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Dagmar Krause & Marie Goyette - A Scientific Dream and a French Kiss (1998) ---ScRaBBlE

He aquí una muestro de lo más refinado del RIO y del Avant-prog: el Mago Alberto nos trae a la talentosa alemana Dagmar Krause (Henry Cow, Art Bears) y su particular y hermosa voz, que junto a Marie Goyette en musicalización, dan una muestra de cómo se pueden combinar diferentes tipos de música, mezclados de una manera permanente, abrupta y original, aquí, antes de que se termine la semana, llegamos al último disco antes del finde. Y cerramos así otra semana a lo grande!

Artista: Dagmar Krause & Marie Goyette
Álbum: A Scientific Dream and a French Kiss
Año: 1998
Género: RIO / Avant-Prog / Progressive Rock
Duración: 35:50
Nacionalidad: Alemania / Francia

Vamos directamente con las palabras del Mago Alberto que nos presenta este original y curioso trabajo:

En este trabajo se conjugan varios factores, "la voz" de Henry Cow, Dagmar Krause, la música clásica, la lírica y la originalidad del proyecto, así que los seguidores y amantes de Henry Cow van a estar de parabienes, los conocedores de los "fumados" de Art Bears van a tener un motivo para festejar, y los exploradores, los arriesgados del blog van a tener una buena oportunidad para curiosear.
Dagmar Krause tiene un estilo tan particular de cantar que te atrapa inmediatamente, ya les habrá pasado con Henry Cow y acá no escapa ni un ápice de esa sensación, te emociona, te seda, se mete en tu cerebro como un susurro, y se queda ahí por tiempo ilimitado.
Lo original de este proyecto es que parte en formato dúo, Krause y Marie Goyette, esta última haciendose cargo de la musicalización, y por supuesto la voz y la lírica de Dagmar, todo ello respaldado con extractos clásicos de Prokofiev, Mahler, Peter Thomas, Rachmaninoff, Bela Bartok, Bach, Ravel, un arriesgado propósito del cual las dos bellas damas salen airosas.
Acá hay intencionalidad, riesgo, dos motivos excelentes para saber de que se trata, si!! cabezonas/es, esto es sumergirse a algo sumamente novedoso, con el aura más refinada del avant-prog, con muchísmas inflecciones de voz de cuando Dagmar cantaba en Art Bears, así que la exquisitez esta garantizada!.
También hay muchísima sorpresa intrumental, así que los conocedores mas ortodoxos del R.I.O. y el avant-garde van a estar preparando la habitación de huéspedes para dar cobija a dos mujeres que inventaron un proyecto por demás disfrutable. Recomendadisimo.

Mago Alberto

Y hasta aquí llegó mi amor... nos vemos la semana que viene, con las mismas ganas, en el mismo lugar y con todas las pilas puestas para dar todo en la batalla...

Como siempre, bah. Buen finde!

Lista de Temas:
1. A Scientific Dream and a French Kiss
2. Promise
3. Through My Satellite
4. Among His Books
5. Heaven Survives
6. Seven
7. Wake Up, Angel
8. Bologna: Dear You
9. Your Star
10. I Hope I'm Wrong
11. The Importance Song
12. Piazza Navona

Alineación:
- Dagmar Krause / vocals
- Marie Goyette / sampler, vocals

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Frank Zappa - Crush All Boxes (Unreleased - 1980) ---ScRaBBlE

Otro material desclasificado de Frank Zappa que nos trae el Mago Alberto. La música de Frank Zappa es sinónimo de innovaciones, búsquedas con pinceladas de humor, tan vanguardista como inagotable su investigación en mezclas y en combinación de ritmos como el blues, rock, jazz, doo wop, heavy metal, reggae, música clásica, de cámara, música para caricaturas, electrónica, música concreta, avant garde…. En fin, usó su existencia como herramienta o máquina para componer, arreglar y ejecutar de manera absolutamente libre. Y en esta versión de "Crush All Boxes" que es bastante diferente a la versión oficial. Y vamos sumando a todas las grabaciones perdidas, bonus y demás composiciones que dejó este genio interminable, ideal para todos aquellos fanáticos que quieran completar su extensa colección, mientras que el Mago Alberto amenaza con dejarnos varios de estos aportes en este blog.

Artista: Frank Zappa
Álbum: Crush All Boxes
Año: 1980
Género: Avant Garde / Experimental
Duración: 37:28
Nacionalidad: EEUU


Como dato de color y a modo de comentario al margen, al final del posteo nombre varios descubrimientos científicos que fueron clasificados con el nombre del músico, pero quizás el más representativo, y el que más me gusta, es éste: a finales de los años 1990, los paleontólogos americanos Marc Salak y Halard L. Lescinsky descubrieron un fósil que llamaron Spygori zappania en honor a "la época final de Zappa... que tenía paralelismos con los primeros paleontólogos: retar las creencias tradicionalistas cuando tales creencias no tenían raíces en la lógica ni la razón".
O podemos nombrar a que en 1994 la Unión Astronómica Internacional nombró a un asteroide en su honor: "(3834) Zappafrank".​ El asteroide fue descubierto en 1980 por el astrónomo Ladislav Brozek, y la cita de su denominación dice: "Zappa era un artista y compositor ecléctico y autodidacta... Antes de 1989 era visto como un símbolo de democracia y libertad de expresión para mucha gente de Checoslovaquia".
Bueno, sigo en el cuerpo del post, por ahora les dejo el comentario del Mago Alberto sobre esto que nos comparte ahora...

Otro material de Frank Zappa del cual existen muchísimas explicaciones pero que no cobran la mas mínima importancia, por cuanto lo importante es la música, como decía el Frankie "MUSIC IS THE BEST".
Los track de este trabajo coinciden con el album "You Are What You Is", excepto el track 02 y la primera parte del 03 que aparecen en forma remezclada en "Tineltown Rebellion", pero todos con mezcla distinta, que hacen de este bootleg una rareza bastante especial, por cuanto estas mezclas son muy superiores a las editadas oficialmente después, o sea, otra de las locuras de FZ. Además el solo de guitarra y los coros de Easy Meat son totalmente inéditos.
Aunque estas versiones fueron grabadas directamente de la consola de sonido, fueron posteriormente normalizadas y remasterizadas, existen versiones de este mismo bootleg que varían en la velocidad del registro, y que se presume fueron de la primera grabación de la emisión radial, pero esta es la versión posta, así que disfruten de un sonido casi de estudio.
Emitido por la emisora UMRK de Los Angeles CA & Tower Theatre, en 1980, de la cual se presume que algún técnico de la misma tuvo acceso a este material antes que Frank Zappa lo editara.
Para destacar la versión de Easy Meat, totalmente diferente, una verdadera joya!!. Segunda entrega de algunas cosas de Frank Zappa que en un momento fueron muy accesibles y que ahora se van perdiendo de a poco, pero que acá en el blog le damos vida de nuevo para el placer de los cabezones.

Mago Alberto

Como dato de color, les cuento que el nombre de Zappa fue llevado a varios ámbitos, certificando que su pensamiento, acción y sentimiento sobrepasó el ambiente musical: científicos de varios campos han dado nombre a varios nuevos descubrimientos en honor al músico.
Visto a unos 4.08 años luz desde acá, el planeta número 3834 es llamado, en honor este novedoso músico, Zappafrank, Incluso la archirecurrente enciclopedia en línea Wikipedia abrió una subsección completita con el zappiano nombre de “Zappa Wiki Jawaka” en alusión a su célebre “Waka/Jawaka”. O que decir de los homenajes que le dan algunos científicos a sus descubrimientos:
Phialella zappai medusa de California
Amaurotoma zappa molusco extinguido en Nevada
ZapA Un gen de la bacteria Proteus mirabilis
Zappa confluentus un género de peces gobbidae de Nueva Guinea
Spygori zappania fósil
Pachygnatha zappa una araña de Camerún
Y en Berlín, mejor no hablemos de su calle

Veamos lo que podríamos llamar el "universo científico Zappa".

En 1967, el paleontólogo Leo P. Plas Jr. identificó un molusco extinguido en Nevada y lo llamó Amaurotoma zappa. En los años 80, el biólogo Ed Murdy llamó Zappa a un género de peces gobbidae de Nueva Guinea, con una especie que llamó Zappa confluentus.​ El biólogo Ferdinando Boero llamó en 1987 a una medusa de California Phialella zappai, comentando que "era un placer nombrar esta especie así en honor al músico".​ Los biólogos belgas Bosmans y Bosselaers descubrieron a principios de los 1980 una araña de Camerún, que nombraron en 1994 Pachygnatha zappa, porque una zona del vientre de la hembra de la especie tenía un gran parecido con el famoso bigote del artista. Un gen de la bacteria Proteus mirabilis que causa infecciones de orina fue nombrado en 1995 ZapA por unos biólogos de Maryland.​

Y cerramos esta entrada con una breve plegaria, no bajo el manto dogmático de una religión sino en nombre de las mejores cosas que ha dado la humanidad:

Zappa nuestro que estás en 200 Motels
Santificadas sean tus Road Ladies
Vengan tus Cosmik Debris
Hágase tu voluntad Absolutely Free
Danos hoy nuestras Titties & Beer de cada día
Perdona nuestras ofensas
Como también nosotros perdonamos
las Cocaine Decisions que nos ofenden
No nos dejes caer en la MTV
Y líbranos de la Ugly Radio

Homenaje anónimo escrito en una pared de la Ciudad Universitaria de la UNAM, México



Lista de Temas:
01. Doreen
02. Fine Girl
03. Easy Meat
04. Goblin Girl
05. Society Pages
06. I'm A Beautiful Guy
07. Beauty Knows No Pain
08. Charlie's Enormous Mouth
09. Any Downers?
10. Conehead

Alineación:
- Frank Zappa / Voz y guitarra
- Ike Willis / Guitarra y voz
- Ray White / Guitarra y voz
- Arthur Barrow / Bajo
- David Logeman / Batería
- Tommy Mars / Teclados

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