Stevie Ray Vaughan - Martin Scorsese Presents the Blues (2003) ---ScRaBBlE

Tenemos pendientes algunos aportes de Neckwringer, que ahora nos trae ni más ni menos que a una gloria de la guitarra. En la intensa y corta vida de Steve Ray Vaughan hay que buscar en su producción sonidos de blues mezclados con rock, todo muy bien hecho y tocado. Acompañado de músicos excelentes que dan una base llena de matices y climas, que van desde la suavidad de un blues en tono menor, hasta la explosión de un rock and roll bien arriba. Aquí, una recopilación necesaria para revivir una gloria del blues que hizo brillar el estilo y lo proyectó al futuro. Otra de las sorpresitas del blog cabezón!

Artista: Stevie Ray Vaughan
Álbum: Martin Scorsese Presents the Blues
Año: 2003
Género: Blues / Blues rock
Nacionalidad: EEUU

Un día, en pleno auge de la guitarra de Eric Clapton, llegó este violeto de nariz achatada para renovar y fortalecer al blues, que lo mostró ya muy joven como uno de los mejores guitarristas, lamentablemente muerto muy joven. Influenciado por Jimmy Hendrix, Albert y Freddie King. Y Vaughan dejó, antes de morir, una montaña de canciones y temas instrumentales que llegaron para encender eso que todo blusero busca transmitir; la pasión.

Martin Scorsese presenta el blues: "The Blues" fue un documental producido por Scorsese en 2003,​ declarado el "Año del Blues" en Yankilandia.​ Los siete capítulos que componen la serie han sido dirigidos por un cineasta quien es amante del género y en ellas se hace un repaso su origen y desarrollo a lo largo del siglo XX, desde las orillas del río Níger, en Mali, a las plantaciones de algodón y bares del delta del Mississippi se rastrean los orígenes del blues creando un excepcional material de archivo.

Martin Scorsese Presents The Blues: Stevie Ray Vaughan es un compilado producido por Bob Irwin y publicado por Sony Music en 2003 para la serie "Martin Scorsese Presents The Blues", estrenada en septiembre de 2003. Se trata de una colección de grabaciones en orden cronológica que incluye actuaciones de Vaughan en vivo, incluyendo recitales en Austin, Texas, en 1980, y Toronto, Canadá, en 1983, temas incluidos en sus álbumes de estudio, y una versión en vivo inédita de "Mary Had A Little Lamb", registrada en Filadelfia en 1987.
1. "Slide Thing" (en vivo) (Stevie Ray Vaughan) - 3:04 (Grabada en Austin, Texas, el 1 de abril de 1980 y originalmente incluida en "In The Beginning", publicada en 1992).
2. "All Your Love I Miss Loving" (en vivo) (Otis Rush) - 6:12 (Grabada en Austin, Texas, el 1 de abril de 1980 y originalmente incluida en "In The Beginning", publicada en 1992).
3. "Pride And Joy" (Stevie Ray Vaughan) - 3:39 (Grabada el 24 de noviembre de 1982 y originalmente publicada en 1983).
4. "Dirty Pool" (Stevie Ray Vaughan/Doyle Bramhall) - 5:00 (Grabada el 24 de noviembre de 1982 y originalmente publicada en 1983).
5. "Texas Flood" (L.C. Davis/J.W. Scott) - 5:21 (Grabada el 24 de noviembre de 1982 y originalmente publicada en 1983).
6. "Hug You, Squeeze You" (en vivo) (John Lee Hooker) - 3:48 (Grabada en "El Mocambo", Toronto, Canadá, el 11 de julio de 1983 y originalmente incluida en "SRV", publicada en 2000).
7. "The Things (That) I Used To Do" (Elmore James) - 4:54 (Grabada el 19 de enero de 1984 y originalmente publicada en dicho año).
8. "Honey Bee" (Stevie Ray Vaughan) - 2:42 (Grabada el 18 de enero de 1984 y originalmente publicada en dicho año).
9. "Give Me Back My Wig" (T.R. Taylor) - 4:07 (Grabada el 18 de enero de 1984 y originalmente publicada en dicho año).
10. "The Sky Is Crying" (en vivo) (Elmore James) - 7:20 (Grabada en Carnegie Hall, New York, el 4 de octubre de 1984 y originalmente incluida en "SRV", 2000).
11. "Look At Little Sister" (Hank Ballard) - 3:08 (Grabada en marzo de 1985 y publicada en dicho año).
12. "Empty Arms" (Stevie Ray Vaughan) - 3:03 (Grabada en marzo de 1985 y publicada en dicho año).
13. "Come On (Part III)" (Earl King) - 4:30 (Grabada en marzo de 1985 y publicada en dicho año).
14. "Ain't Gone 'N' Give Up On Love" (en vivo)(Stevie Ray Vaughan) - 6:35 (Grabada en el "Festival Internacional de Jazz en Montreux" el 15 de julio de 1985 y originalmente publicada en "Live At Montreux", publicada en 1986).
15. "Mary Had A Little Lamb" (en vivo) (Buddy Guy) - 6:10 (Tema Inédito). (Grabada el 30 de junio de 1987 en Filadelfia, Estados Unidos).
16. "Leave My Girl Alone" (Buddy Guy) - 4:16 (Grabada el 21 de febrero de 1989 y publicada en dicho año).

Wikipedia

Un disco con recopilaciones que funciona muy bien como una buena introducción al trabajo del influyente guitarrista de blues. Tal vez alguien podría decir que se podrían haber incluido algunos éxitos más para hacer esto más atractivo para el curioso, pero con una versión en vivo inédita de "Mary Had a Little Lamb" y una lista de canciones que elude la mayor parte de la colección de hits, ofrecen una alternativa para los fanáticos del blues de toda la vida. Así que bienvenido sea este disco al blog cabezón.

La última canción que toco fue el clásico "Sweet home Chicago". Invitado por Eric Clapton, tocó junto a Buddy Guy, Robert Cray y su hermano Jimmie Vaughan. Se dio una de esas noches increíbles donde la leyenda invita a la leyenda para tocar Blues.
Al finalizar el concierto, en la madrugada del 27 de agosto de 1990 Vaughan y otros músicos y asistentes abordaron un helicóptero. Fue su último y fugaz vuelo, cuando instantes después se estrellaba muriendo todos los tripulantes al instante. En el mejor momento de la carrera de Vaughan, a los 35 años se apagaba ese ardiente corazón dejando un legado único para el mundo de la música.



Lista de Temas:
1. Slide Thing
2. All Your Love I Miss Loving
3. Pride And Joy
4. Dirty Pool
5. Texas Flood
6. Hug You, Squeeze You
7. The Things (That) I Used To Do
8. Honey Bee
9. Give Me Back My Wig
10. The Sky Is Crying
11. Look At Little Sister
12. Empty Arms
13. Come On (Part III)
14. Ain't Gone 'N' Give Up On Love
15. Mary Had A Little Lamb
16. Leave My Girl Alone

Alineación:
- Stevie Ray Vaughan / Guitarras y voces. Batería en "Empty Arms".
- Reese Wynans / Teclados (Tracks 11-16).
- Joe Sublett / Saxo en "Look At Little Sister".
- Tommy Shannon / Bajo (excepto en los tracks 1 y 2).
- Jackie Newhouse / Bajo en los tracks 1 y 2.
- Chris Layton / Batería.

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John Coltrane - Coltrane Plays the Blues (1966) ---ScRaBBlE

Un discazo de blues que sirve de puerta de entrada a la obra inagotable de John Coltrane, saxofonista visionario, innovador, vanguardista con respecto a la propia vanguardia. Usando como pretexto la forma aparentemente simple del blues, Trane muestra una sorprendente capacidad para desprenderse de la estuctura básica y llevar la tradición a la frontera de lo desconocido.

Artista: John Coltrane
Álbum: Coltrane Plays the Blues
Año: 1966
Género: Jazz, blues, Avant-Garde
Duración: 46:10
Nacionalidad: EUA


El legado de Coltrane tiene tantas aristas que es difícil elegir una puerta de entrada. Los especialistas dirán que se debe escuchar primero Blue Train (1957, pero es muy inicial), My Favorite Things (1961, orientado a la exploración modal y parte de un proceso junto con Giant Steps de 1959) o Ascencion (1965, demasiado vanguardista). Quizá una buena elección es este disco de blues que salió en 1966, se reeditó en 1970 y luego vino en CD con un bonus que no es blues pero fue grabado en la misma sesión del 24 de octubre de 1960. La base de blues que elige el trío/cuarteto de Trane los ubica en un punto intermedio entre el mainstream hard bop/post bop y la vanguardia free y modal, que, por otro lado, fue el ambiguo espacio en el que se movió este saxofonista genial, ampliando desde ahí las fronteras de la música.

El disco contiene seis blues, dos de ellos en un implacable trío sax-batería-bajo, con Elvin Jones en los tambores, alguien de quien el propio Trane decía: “A veces no puedo tocar con él” (1). En el bajo está Steve Davis, que lleva en orden todo el tiempo la labor de soporte del ritmo y plantea la armonía que Trane se encargará de poner llamas. El resto de los temas, incluyendo el bonus, tienen al tremendo McCoy Tyner, un pianista ultra armónico y percusivo que se mantuvo (junto con Jones) al lado de Trane durante una de sus mejores épocas. De él dice Ted Gioia, célebre crítico de jazz:

En fragmentos en los que otros pianistas hubieran acompañado el saxofón de Coltrane con rutinarios acordes improvisados, Tyner retaba al solista con un tsunami sonoro.

Ted Gioia (2)

Todos los temas son de Coltrane. En cada uno está el uso de una forma de blues diferente, desde los alegres mayores de “Mr. Day”, llenos de soul, hasta los pesados compases de un auténtico blues fúnebre del Delta (que en los compases de cierre se alegra) en “Mr. Syms”, que además tiene el mejor solo de piano del disco, o la marcha con remembranzas arabescas con la que inicia “Mr. Knight”. En esta época también, Trane se interesaba por formas populares de la música asiática, africana y latinoamericana, lo que quedaría plasmado en 1961 en Africa/Brass:

Este apetito insaciable por lo nuevo y lo diferente era igualmente evidente en la música de Coltrane. Muchos años antes de que la llamada world music se pusiera de moda, Coltrane investigó en profundidad las culturas auditivas de India, África, Latinoamérica y otras partes del planeta.

Ted Gioia (3)

En “Blues to Bechet” y “Mr. Syms” Coltrane toca el saxo soprano, justo en la época en que comenzaba a explorar las posibilidades armónicas de este instrumento que había desaparecido del escenario de innovación del jazz de los sesenta. En el resto de los temas lo encontramos con el tenor, el saxo que tiene su sello, el sonido que construyó al lado de Miles Davis y Cannonball Adderley. En términos generales, este es un gran disco para conocer la técnica y la concepción coltreana de la música como quien no quiere la cosa, como quien escucha blues, ese canto centenario lleno de alma que fluye por las venas de la esclavitud africana en América.

Ted Gioia parece haber descubierto el secreto de Trane, al menos para su performance en el clásico Giant Steps (1959):

Si se observa con mayor detalle, gran parte del trabajo solista de Coltrane se basa en un patrón simple —que emplea en cualquier acorde las primeras cuatro notas de la escala pentatónica— […] Sin embargo, la magistral ejecución de Coltrane y su energía despiadada son impresionantes.

Ted Gioia (4)

Pero seguir un solo de Trane es una tarea imposible, no parece haber tal patrón al que se refiere Gioia. Su tratamiento de la melodía en constante búsqueda de sus multiplicaciones armónicas hace que el sax suene como si fuera un instrumento polifónico. Lo hace disparando a diestra y siniestra notas, las notas que va encontrando en su exploración (a la que no le falta un soporte modal, esa estructura armónica escalonada que descubrieron juntos Miles, Trane, Cannonball y Bill Evans durante ocho meses gloriosos en la historia del jazz). Leroi Jones (a.k.a. Amiri Baraka, un revolucionario crítico de jazz de la época), a diferencia del esquemático Gioia, lo describe así:

Esas masas tan notables de semicorcheas, ese concepto tan nuevo y articulado de emplear grupos enteros o clusters de notas disparadas rápidamente, como si insistieran en sugerir acordes más que en producir progresiones melódicas estrictas. Es decir, las notas que Trane usaba en un solo se volvían algo más que una sucesión de notas, en cualquier orden, orientadas a producir una melodía. Las notas iban tan rápido y con tantos subtonos, que adquirían un efecto como si se tratara de un pianista que golpeara acordes a gran velocidad, pero articulando cada nota del acorde, y cada subtono, por separado.

Leroi Jones (5)

Los temas sin piano son especialmente ilustrativos de esta técnica (más bien, una forma de expresión en proceso de búsqueda), al no estar más que sugerida la estructura armónica del blues por el bajo, el sax tiene que encargarse de proporcionarla, de otro modo, sonaría “seco”. Y no es así, tanto en el soprano como en el tenor, Trane dibuja la armonía de un modo tan percusivo que hasta las explosiones de platillos y tambores de Jones parecen cantar. Así, el sax de Coltrane se convierte en una especie de portal sonoro que conduce a otra parte, a algún lugar donde lo ordinario se convierte en extraordinario, parafraseando otra vez a Leroi Jones:

Esa es una de las funciones del arte: revelar la belleza, sea común o extraordinaria, de manera extraordinaria. Y eso es lo que hace Trane.

Hay un carácter osadamente humano en la música de Coltrane… Si uno sabe escuchar, esta música puede hacerle pensar en un montón de cosas extrañas y maravillosas. Podemos incluso volvernos una de ellas.

Leroi Jones (6)

Y sin embargo, Jones no incluye a Trane en su selección de representantes de la vanguardia, quizá porque la propuso recién en 1961 (7), cuando se iniciaba el viaje del saxofonista visionario (en esa lista aparecían, entre otros, Ornette Coleman, Wayne Shorter, Charlie Haden y, por supuesto, Cecil Taylor). Habría tenido que esperar los desarrollos que el saxofonista iba a alcanzar en Ascencion (1965) o Interstellar Space (1967), obras transformadoras, revolucionarias, desde las que se explica no sólo un conjunto de derroteros que seguiría el jazz en los 70, sino incluso los intentos de exploración del naciente rock progresivo más experimental (Soft Machine, Pink Floyd, Zappa, Magma) que empezaban a surgir cuando la vertiginosa ruta de innovación de Trane fue interrumpida por el cáncer, a los 40 años de edad, el 17 de julio de 1967.

Ya Moe nos habló de esto hace poco en dos posts geniales: “La religión de la música y el sacerdote de los sonidos” y “John Coltrane: la música, el espíritu y las matemáticas”.

Referencias:

1. Joe Goldberg, liner notes del disco. Atlantic, 1966.
2. Ted Gioia, Historia del Jazz, Madrid: Turner, 2002, p. 405.
3. Ibid., p. 408.
4. Ibid., p. 403.
5. Leroi Jones (Amiri Baraka), “Un grande del Jazz: John Coltrane (1963)”. Black Music. Free Jazz y conciencia negra, 1959-1967. Buenos Aires: Caja Negra, 2013, p. 59.
6. Leroi Jones, “Coltrane en vivo en el Birdland (1964)”, Black Music, pp. 66-67.
7. Leroi Jones, “La Avant-Garde del jazz (1961)”. Black Music, p. 73.

Lista de Temas:
1. Blues to Elvin
2. Blues to Bechet
3. Blues to You
4. Mr Day
5. Mr. Syms
6. Mr. Knight
Bonus:
7. Untitled Original

Alineación:
- John Coltrane / Sax tenor y soprano
- McCoy Tyner / Piano
- Steve Davis / Bajo
- Elvin Jones / Batería

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Manal - Manal (1970) ---ScRaBBlE

Un disco del que hemos tenido muchas versiones y reversiones, subidas y resubidas por parte de toda la comunidad, todo un histórico y un incunable, palabra que nadie sabe qué significa pero que todos entendemos, he aquí el primer disco de Manal ahora traído por nuestros amigos de Monos de Marte en la lista de correo de la comunidad cabezona, que por si no lo sabían existe y tiene mucha utilidad. Y ya que estamos con este disco, quizás tampoco sepan que al menos el señor Claudio Gabis es asiduo visitante del blog cabezón, e incluso lo he puesto en contacto con Sandy (nuestro querido cabezón ucraniado) para que lo ayude en sus estudio sobre la historia del rock argentino. pero nos dejamos de cháchara y nos metemos de lleno con este disquito que no podemos dejar afuera de este espacio.

Artista: Manal

Álbum: Manal
Año: 1970
Género: Rock blues
Nacionalidad: Argentina

Cada vez que se hace referencia a Manal se los menciona como "grupo fundacional" del rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. Este grupo interpretaba un blues marcadamente influenciado por Cream, con una marcada infuencia jazzistica en la guitarra y en las amplias improvisaciones.
Recuerden los textos de la reciente entrada de los discos que trajo el Mago Alberto de Tanguito, quien los había elegido para que lo acompañasen como soportes de su disco, y lo demás es historia que está contada en dicho post, ahora estamos hablando de Manal, así que si quieren entren en el post...

Esta no es una resubida sino la publicación de otra versión del ripeo de este álbum, que no reemplazarían sino que acompañan a los links actuales, que tienen un nivel de ganancia bastante elevado y por lo que pierde calidad de sonido:

Hoy, nuestro colaborador cabezón pinchajetas nos trae una versión con menor volumen y (aparentemente, no lo escuché todavía) más fidelidad:

Y está bueno poder ir actualizando las cosas raras que vamos publicando con varias versiones y diferentes mezclas, porque vamos mejorando el sonido de estas rarezas que vamos consiguiendo. Ustedes evalúan con que versión se quedan.



Las primeras presentaciones del trío tuvieron lugar en la sala Apolo (donde funcionó luego el cine Lorange). Junto a la primera formación de Los Abuelos de la Nada tocaron en Mar del Plata en el verano de 1969. Pappo participó como segunda guitarra por algunos shows. Su consagración fue el Festival Pinap, organizado para fines de 1969. Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental admirable.
Con su primer LP que presentamos ahora gracias a nuestro colaborador Joqui, ellos rompieron con ese tabú que había acá donde todos pensaban, por alguna extraña razón, que no se podía hacer blues y rhythm and blues en castellano. "Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues" son la mejor prueba de que todos estaban equivocados.

Fue el día más glorioso de mi vida artística -recuerda Gabis-. A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y la gente delirando. Manal se consagró ese día, se hizo un grupo grande. Ese día entró a la historia

E. Abalos, pág 70

Desde su planteamiento musical hasta su poética urbana, fueron uno de los precursores en hacer rock y cantar en castellano. Frecuentan el instituto "Di Tella". "La Perla de Once" y "La Caverna", lugares fundamentales donde se formaba mucha cultura musical del rock y del no tan rock en esa época. Tocaban casi a diario, factor que hizo que la banda sonara tan ajustada, un detalle que se nota en los LP's.

Manal se va de Mandioca luego de grabar su primer LP: "El sonso de Fito Salinas (de la grabadora RCA), se había creído todo, que la cosa era muy fácil. Pensaba que los Manales eran una maravillita. Para grabar su LP yo tuve que gastar 130 horas de estudio, cinco veces mas de lo que empleaba entonces cualquier grupo. Fito pensó que había hecho un buen negocio al producir a Manal. Cuando llegó el momento de grabar se cayó muerto. Los Manales, en el mas puro estilo de lo que me hacían a mí, su estilo de trabajo, gastaron todas las horas del mundo, combinaban horarios y no iban, eran tipos muy difíciles. Los Almendra igual, era el espíritu del 69, Woodstock y el hippismo.

Jorge Alvarez, productor del sello independiente Mandioca

El primer disco presenta un trío tocando un rythmn & blues poderoso, cantado en castellano. Este disco los llevó al éxito gracias a temas como "Jugo de tomate frío", que es uno de los temas más reconocidos del rock argentino. Aunque la placa cuenta con otros temas interesantes como la urbana "Avellaneda Blues", "Avenida Rivadavia" o "Una casa con diez pinos", tema que fue versionado por Pappo.

1970. El rock nacional daba sus primeros pasos en la Argentina. Los Gatos habían sido los precursores, con su beat despreocupado con ligeros toques de melancolía rioplatense de la mano del rosarino Litto Nebbia. El año anterior, un pibe de 19 años había descolocado a la escena del momento con Almendra, un disco original, creativo y totalmente adelantado a su época. La escena ya se preparaba para la explosión de bandas de la primera mitad de los 70.
Pero faltaba algo. Nuestro costado pop se saciaba con Los Gatos, nuestro costado artista y poeta se veía cubierto por Almendra. ¿Y nuestro costado barrial? Manal vino a llenar ese vacío. Su disco debut, que me dispongo a analizar, es barrio puro. La pluma bohemia de Javier Martínez (un habitué de la Cueva) tiene toda la calle que le faltaba al debut de Almendra. Letras hablando de la vida de los hippies de ese momento, de sus dudas existenciales, de su vida en la calle, descripciones de barrios como Avellaneda, cercanos, nuestros.Manal es el escape a la rutina, es sentir la juventud nuevamente. La poesía deAlmendra era surreal, poética y artística, pero este disco nos entrega nuestra dosis de sexo, de vida nocturna, de bohemia.
Y, por sobre todas las cosas, nos entrega blues. Siempre viene bien un poco de blues en el alma. Y vaya si esto es buen blues. Hay algunas influencias del rock stone, se notan también toques de jazz, pero más que nada hay influencias de Cream. Manal surge como el Cream del subdesarrollo, ejecutando un blues directo con predominancia de viciosas guitarras.
Es el primer power trío del país, y cada integrante se destaca en lo suyo. Alejandro Medina entrega algunas geniales líneas de bajo, y la guitarra florece en las manos de Claudio Gabis, en un estilo algo jazzero muy embriagador. Pero todos los flashes se los lleva Javier Martínez. Su batería es realmente potente, pero lo que se destaca es su voz. Extraño que el cantante sea el baterista, ¿no? Su voz grumosa, bohemia y condenadamente blusera, puede expresar tanto amor, como furia y, muchas veces, una vorágine sexual indisimulada. Personalmente siempre me pareció de las mejores voces del rock nacional. Esta combinación de letras bohemias, calidad instrumentística y, sobre todo, polenta blusera, solo podía dar como resultado esta obra maestra.
No puedo ponerle 10 porque después de todo no es original (el blues nunca lo es, pero se puede innovar en algunos sentidos como por ejemplo Eric Clapton en la forma de tocar la guitarra en los ya mencionados Cream) y copia a una banda inglesa ya existente (no del todo, Cream era más rockero, mientras que Manales blues más clásico), pero sí puedo afirmar que, a mi manera de ver, este disco supera a Disraeli Gears. Es que aunque Cream tenía, si se puede decir, más talento, con la fenomenal guitarra de Clapton, muchas veces no entregaba todo lo que sabía y muchos números de ese disco son relleno, muchas veces dedicándose a canciones más pop de lo que verdaderamente podían y sabían hacer. Manal en cambio nos tira un blues directo y salvaje, puro y vicioso, sin debatirse mucho en momentos pop o melodiosos. Y es que esto era lo que sabían hacer. Es por eso que, en este disco, no hay prácticamente momentos bajos, a punto tal que la consistencia es prácticamente perfecta.
Pero basta de hablar tanto. El perfecto riff con que abre el disco nos da la pauta de lo que nos espera.Jugo De Tomate es un clásico del rock nacional, y esto está justificado por su riff monumental, su memorable estribillo y la sutil armónica que aparece al final. La letra es puramente hippie, con líneas como "Si querés triunfar con las mujeres, tener muchas que lloren por vos, tendrás que ser un poco inteligente, tener dinero y una buena voz".
El segundo tema, Porque Hoy Nací es el único punto bajo del disco. Es disfrutable, sobre todo por ese órgano Hammond tan psicodélico que aparece en la segunda parte, pero es muy letárgica y larga como para tomar vuelo. Como ven, el punto más bajo del disco se da cuando la banda, en vez de hacer lo que sabe, intenta salirse del blues. Generalmente me gusta que los discos sean variados, pero hay casos en los que se nota que una banda sabe hacer algo solamente, y en esos casos no se debe perder el tiempo en otros experimentos.
Pero el disco vuelve a buenos terrenos con Avenida Rivadavia. Tal vez sea el número más pop del disco, con una irresistible melodía pegadiza, pero a la vez nunca deja de rockear, con un genial solo de guitarra y un frenético toque de batería.
Todo El Día Me Pregunto es el blues más blues del álbum, basándose en un simple piano y ocasionales ribetes de guitarra muy efectivos, que aparecen entre cada verso con riffs salvajes. La letra es nuevamente hippie, preguntándose por qué llevar ese ritmo de vida, en un pesimismo algo exacerbado.
El lado B comienza con el mejor tema del disco y uno de los mejores temas de la historia del rock nacional. Avellaneda Blues es la mejor imagen barrial posible, con una letra descriptiva típicamente porteña, y destila bohemia por todos lados. Uno se ve transportado a ese ambiente sucio, portuario de la Avellaneda de los sesenta, con líneas geniales por doquier como "Sur, un trozo de este siglo, barrio industrial" o "Charco sucio, el agua va pudriendo un zapato olvidado". Y la música acompaña con un blues perfecto, carnal. La voz de Javier Martínez nunca sonó tan ajustada, con una performance directamente sublime. Y el memorable solo del medio, uno de los mejores que haya escuchado, termina de conformar un tema impecable por donde se lo mire.
Una breve introducción de batería abre Una Casa Con Diez Pinos, un tema algo pastoral, con guitarras acústicas verdaderamente campestres, punteos brillantes de guitarra eléctrica y una de las mejores melodías del disco. La letra es típica de la época, criticando la vida urbana y hablando de una casa en el sur adonde ir a vivir, sin las preocupaciones de la vida cotidiana.
El álbum concluye con Informe De Un Día, el tema más extenso del disco. Esta vez la canción es rápida, movida, con un piano delicioso y un estribillo con coros muy melodiosos. Pero lo mejor es la extensa sección de solos del medio, donde aparece un riff totalmente devastador, un solo de batería en donde Javier demuestra todo su virtuosismo y un solo distorsionado de guitarra demoledor. Aquí sí que la banda rockea, en una performance ajustada que te tendrá saltando de la silla hasta el reprise del estribillo que termina el disco.
En fin, una obra maestra del blues, bohemia, porteña y demoledora. Un 9-.

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A fines de la década de los sesenta se formaría un grupo fundamental en la constitución del rock argentino: Manal. La banda era un trío que estaba comandado por Javier Martínez (batería y voz simultáneamente, un groso), Claudio Gabis (guitarra y órgano) y Alejandro Medina (bajo y voz). Entre ellos Javier Martinez no solo se distinguía por ser el principal compositor sino también por haberse autoproclamado ser el inventor del blues en castellano. Martinez al respecto dijo con toda su argentinidad “ladri”: “Un buen día me pregunté: ¿Por qué cantar en inglés? Y comenzamos a hacerlo en nuestro idioma. Listo, yo lo inventé y me decían que estaba loco.”
Y como tal Manal es un excelente grupo de blues, de hard blues que toma una gran influencia de bandas como The Doors, Jimi Hendrix y especialmente de Cream. Como si fuera un Cream Argentino, Manal también fue reconocido como nombre “Ricota” (qué irónico).
El álbum debut y homónimo de Manal llegaría en 1970. En el dejan certificado su notable y agresivo blues. Manal es un disco bastante homogéneo tanto desde el nivel parejo de sus canciones como por no moverse en ningún momento de sus estandartes bluseros. En el álbum el hit más conocido es “Jugo de Tomate”, con su estribillos muy reconocido por el cual lograron hacerse famosos. Sin embargo el resto de los temas también son muy buenos. “Porque Hoy Nací” hace sonar a su órgano como en las mejores épocas de The Doors. “Todo El Día Me Pregunto” es de las más psicodélicas de Manal. Y la oscura “Avellaneda Blues” es posiblemente la mejor del disco junto a “Informe De Un Día”, en las cuales se pueden escuchar las mejores interpretaciones instrumentales de Manal. Simplemente impecable.
Es así como Manal se transformaría en uno de los precursores y pioneros del rock argentino junto a otras importantes bandas como Los Gatos y Almendra.

Persy

La poesía ciudadana de Javier Martinez, llena de lunfardos, grafica muy bien lo que es vivir en la ciudad. Su música transita entre el rythmn & blues y el rock setentoso, bien tocado y ejecutado, pero con mucho espacio y sin excesos solísticos. Gabis: "El muy logrado logotipo con la evocación de fabricas y Riachuelo, fue obra del entonces gráfico de Jorge Alvarez, posteriormente dibujante en "La Opinion" y mas tarde con Walt Disney, Daniel Melgarejo, (tambien desaparecido, JODER!!!!). El fue el maestro del gran gráfico Juan Gatti, autor de dos tapas mias y de muchas grandes portadas del Rock Nacional"

Y ahora les dejo el texto de pinchajetas explicando porqué nos comparte otra versión de este disco:

Aquí te dejo otro link del disco de Manal (1970).
El disco que tienen en el blog parece que es la versión económica del disco sólo que sin las pistas extra ( http://www.discogs.com/Manal-Manal/release/5641539 ) aunque en realidad no estoy seguro porque no hay manera de identificar la edición, el problema con esta versión es que las pistas están con el volumen demasiado elevado de manera que hay información del audio que se pierde (de nuevo lo de la Guerra del volumen).

En cambio la versión que te mando ( http://www.discogs.com/Manal-Manal/release/2428107 ) se trata de una edición que cuida este aspecto, conservando el audio de una manera más próxima a la edición original, además viene con las imágenes lo que hace más fácil identificar de qué edición se trata.

pinchajetas

Así que, para los puristas del buen sonido, como yo y varios de ustedes, acá va una nueva versión de este CD con calidad aparentemente refinada, yo aún no lo escuché pero confío en nuestro amigo pinchajetas, escúchenlo por ustedes mismos.
Y gracias pinchajetas!

Lista de Temas:
01. Jugo de tomate
02. Porque hoy nací
03. Avenida Rivadavia
04. Todo el día me pregunto
05. Avellaneda Blues
06. Una casa con diez pinos
07. Informe de un día

Alineación:
- Claudio Gabis / Guitarras eléctricas
- Javier Martínez / Batería, percusión y voz
- Alejandro Medina / Bajo eléctrico, guitarra y voz

 

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San Francisco 80 - San Francisco 80 (2017) ---ScRaBBlE

Otro de los discos de bandas del under que se han presentado en el blog cabezón, esta vez desde México aparece una banda de rock fusión, excelente voz femenina, instrumentación precisa y sobria, un estilo entre blusero, soul y rock con muchos estilos dando vuelta, muchas texturas y eclecticismo. Otra sorpresita que viene a aterrizar en el blog cabezón.

Artista: San Francisco 80

Álbum: San Francisco 80
Año: 2017
Género: Rock fusión / Blues rock
Nacionalidad: México

Aquí, el primer disco oficial de San Francisco 80, una banda mexicana de raro nombre y que desarrola un rock/fusión proveniente de la ciudad de Pachuca, Hidalgo.
Altamente recomendable, crudo, electrizante de principio a fin. Un trabajo en el que encontramos rock, funky, rhythm & blues y soul, con un toque de energético y vibrante rock alternativo, es lo que cada uno de ustedes se va a encontrar al escuchar este álbum de una manera tan brillantemente blusera que destila algodón por todas partes. Un disco repleto de sentimientos, tan convincente y pulcro como su portada, pero con inteligencia, con técnica, con buenas composiciones.

No vamos a hacer más presentaciones, creo que al que le guste el estilo que mencioné
Se puede adquirir el disco de forma física en m.facebook.com/sanfranciscochenta, allí también encontraremos mercancía oficial, con envíos dentro y fuera de la república Mexicana.

Pueden escucharlo desde su espacio en Soundcloud.

Lista de Temas:
1. Labios De Ginebra
2. Shaman
3. Buonanotte
4. Sombras
5. Renacer
6. Vibrar
7. Carnaval
8. Bonus Track

Alineación:
- Sin información

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