La Banda del Paraíso - La Banda del Paraíso (1974) ---ScRaBBlE

"Si de pronto te enterás que en este trabajo tocan Black Amaya (Pescado Rabioso), Ciro Fogliatta (Los Gatos) y Claudio Gabis (Manal) por lo menos estoy seguro que habrá un dejo de curiosidad", así comienza esta entrada el Mago Alberto, que ahora nos trae el primer y único disco de La Banda del Paraíso, un trabajo seminal del rock argento, y sobretodo un disco muy pero muy difícil de conseguir, así que tenemos otra vez una exclusividad del blog cabezón para que no caiga en las nieblas del olvido. Aquí tienen, para que revivan o para que conozcan, un rock blusero típico del que se hacía por aquellos lejanos años.

Artista: La Banda del Paraíso
Álbum: La Banda del Paraíso
Año: 1974
Género: Rock nacional / Hard Rock
Nacionalidad: Argentina

Este larga duración, propio de coleccionistas de rarezas y bootlegs, nunca fue reeditado en CD, por eso, el Mago Alberto viene al blog cabezón para democratizar algo de cultura y algo también de nuestra herencia e historia musical, así que considérense muy afortunados por haber conocido y estar en este espacio.
Aquí, las palabras del Mago hablándonos de este disco que sabrán apreciar, sobretodo, los dinosaurios cabezones.

Si de pronto te enterás que en este trabajo tocan Black Amaya (Pescado Rabioso), Ciro Fogliatta (Los Gatos) y Claudio Gabis (Manal) por lo menos estoy seguro que habrá un dejo de curiosidad, y si, en este primer y único trabajo de La Banda del Paraíso no solo pusieron las manitos estos músicos sino también otros que aunque no son tan conocidos navegaron por las primeras aguas de nuestro rock argento, allá por la época de La Cueva.
Quizás este tipo de rock hoy ya te suene antiguo, pero es una referencia de como se generaba aquel movimiento musical que hoy es un inmenso collage de propuestas, lo que si podemos rescatar es la estructura musical de La Banda del Paraíso; que realmente sonaban como una banda super compacta y el vuelo del saxo le da un condimento muy especial a la propuesta, basta escuchar "El Rock de Matías" para tener una referencia de lo que menciono, donde todo suena lleno y redondo, además de la performance muy destacada de Rubén de León en voz.
Una banda que dió muchísimo que hablar en su momento, especialmente cuando salió a la luz este trabajo que a propósito, no es nada fácil de conseguir. Por supuesto las almas nuevas quizás no tengan la mas mínima noción de quienes estamos presentando, así que es una muy buena ocasión de que se tomen un tiempo de conocerlos. Los viejos dinosaurios del blog saben perfectamente quienes eran estos muchachos.
Otro pantallazo de una banda que si no fuera por el blog cabezón caería en el olvido como tantas otras, así que a modo de resurrección te damos este material en buena calidad y eso ya es demasiado pedir.
La Banda del Paraíso duró muy poco dentro del ámbito musical de ese momento pero dejaron este testimonio que hoy reinvindicamos. Rock primal, casi bufón, que era moneda corriente allá por inicios de los años 70.

Mago Alberto

A lo largo del todo el álbum desarrollan un blues clásico similar a los primeros discos de Memphis la Blusera. Armónicas, improvisaciones de guitarra, experimentación con las voces y una buena batería de Black que acompaña. En fin, escúchenlo y vean si es de su gusto, nosotros hacemos nuestra parte, hagan la suya.

En su solitario disco, el grupo muestra un rock mas "bailable" del que se podía escuchar por esos años, de todas formas la banda no logra trascender demasiado y se terminan disolviendo en 1975.

La Banda del Paraiso se forma a comienzos de 1973 con el objetivo de ser una agrupacion abierta por donde desfilaran diferentes musicos e invitados. Comenzo con presentaciones que habitualmente contaban con algun soporte teatral. Su motor era Ruben de Leon, un personaje de larga trayectoria en el teatro alternativo, amigo de la gente de La Cueva y conspicuo habitue de los bares del centro y del Instituto Di Tella. Su manager, Monica Sokolovsky, tambien se movia con gran habilidad en el ambiente rockero de principios de los setenta.
Ese mismo año fue publicado un simple de la banda con los temas "Mouskill bouja" y "La alfombra", que no logro gran repercucion. A pesar de eso, ingresaron a los estudios de la RCA para registrar su primer y unico LP.
Mientras terminaban de grabar el album, el grupo decidio que su material debia popularizarse, por lo que comenzaron a tocar en distintos clubes de barrio. "Es una forma de quebrar cierto enquistamiento de elite que se esta creando en los climas de los recitales, que en definitiva, le coartan su destino popular a la musica del rock nacional" (a la revista Pelo).
Tras algunos problemas de produccion, el disco llego a las bateas a mediados de 1973. Para su presentacion, incorporaron al tecladista Ciro Fogliatta (ex-Los Gatos).
A finales de 1974, dieron a conocer la musica de una obra tetral llamada "Yogurt", dirigida por Sergio Mulet, representada por actores del under entre los que estaba Robertino Granados. Este trabajo nunca llegaria a grabarse. En el verano 74-75, tras un intento fallido de radicarse en el Peru, La Banda del Paraiso terminaba separandose.

Pacocamorra

Boogie blues with hamonica, brass & honky tonk piano etc. It's very American-sounding with proficient musicianaship, not hugely exciting music though not terrible if you like that kind of thing. No Lo Veo is the strongest track here and the nearest to hard rock, with cool wah wah riffing. El Fondo Del Ojo is probably the least conventional track and most psychedelic, with some awkward sitar in there. It doesn't really work so well, they are better at the boogie rock. I like No Lo Veo quite a lot so that pushes it up half a star from 2.5 to 3 over-all.

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Lista de Temas:
01. Rock de Matías
02. No quiero perder mi fe
03. Mouskill Boudja
04. El fondo del ojo
05. Chicas que patinan
06. El tapiz mágico
07. Se vos mismo
08. No lo veo

Alineación:
- Daniel Manzini / Guitara, armonica
- Raúl Fernandez / Guitarra, arpa y voz
- Rubén de León / Percusión y voz
- Néstor Paul / Bajo
- Juan "Black" Amaya / Batería
- Eduardo Kohan / Saxo
Músicos invitados:
Ciro Fogliatta / Piano
Buddy Mc Cluskey / Piano
Mariano Tito / Organo
Claudio Gabis / Sitar en "El fondo del ojo"

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Deep Purple - Shades of Deep Purple (1968) ---ScRaBBlE

Aquí, el primer disco de Deep Purple, que junto a Black Sabbath, Uriah Heep y Led Zeppelin, sentó los cimientos para una música vigorosa de un volumen y fuerza únicas para el momento. Aún sin Ian Gillian y Roger Glover, aquí fueron sus primeros pasos. Luego pasarían por sus filas Dave Coverdale, Glenn Hughes, Steve Morse, Tommy Bolin y Joe Satriani a lo largo de cinco décadas. Pero hablando de esta opera prima, lo relacionamos con el disco de The Nice que publicamos el día de ayer, porque abría la puerta a esa explosión creativa que explotó en la década del 70, uniendo el mayor vigor del rock hasta ese momento escuchado, mezclado con blues, música clásica y otros estilos. Otro disco que nos trae el bueno de Neck para hacer vibrar el blog cabezón.

Artista: Deep Purple
Álbum: Shades of Deep Purple
Año: 1968
Género: Hard rock
Nacionalidad: Inglaterra

La escena del rock británico ya apuntaba en una dirección más provocadora para finales de la década de los 60. La mezcla de elementos de la música clásica y el jazz se empezaba a sentir en mayor grado. Unos muchachos, en principio conocidos como Roundabout, decidieron entonces cambiar de nombre para transformarse en Deep Purple, y comenzó esta historia.
En la imagen, Chris Curtis, actuando en 1964, ideó el proyecto que acabaría convirtiéndose en Deep Purple, aunque lo abandonó antes de que se materializara.

Shades of Deep Purple es el primer álbum de estudio de la banda de rock inglesa Deep Purple, publicado en los Estados Unidos en julio de 1968 a través de Tetragrammaton y dos meses después en Reino Unido por Parlophone. El grupo, inicialmente conocido como Roundabout, fue un proyecto ideado por el batería Chris Curtis, que reclutó al organista Jon Lord y al guitarrista Ritchie Blackmore antes de dejarlo. La formación quedó establecida con la llegada del vocalista Rod Evans, el bajista Nick Simper y el batería Ian Paice en marzo de 1968.
Después de dos meses de ensayos, en mayo la agrupación grabó el disco, compuesto de cuatro canciones originales y cuatro versiones, en solo tres días. Estilísticamente, la música está orientada hacia el rock psicodélico y el progresivo, dos géneros en auge a finales de la década de 1960.
El álbum no tuvo una buena acogida en Reino Unido, donde se vendieron muy pocas copias que no le permitieron posicionarse en el UK Albums Chart. Por otra parte, en los Estados Unidos tuvo una buena acogida comercial gracias al sencillo «Hush», un tema compuesto por Joe South que alcanzó el cuarto puesto del Billboard Hot 100.

Wikipedia

Como era costumbre en aquellos días de vinilo, el álbum incluía temas originales y versiones. Esta jdisco plasmó cuatro composiciones propias de un total de ocho que conformaban el álbum. Inicia con el instrumental "And The Address" donde Lord y Blackmore despliegan sus talentos y la banda muestra algunas de las características que han definido el estilo que hoy les identifica como una banda de rock pesado, en ocasiones de blues y en otras de progrock como se evidencia más en su álbum "Concerto For Group And Orchestra" de 1970. El instrumental muestra clara intención de un lenguaje musical efectivo que estaba aún por madurar. El segundo tema es una versión de la composición de Joe South, "Hush", ese tema los puso a sonar en Estados Unidos donde a partir de ese momento crecieron en popularidad.
Lord y Evans dieron vida a "One More Rainy Day", un tema tema con un pegadizo coro a dos voces que luego es seguido de "Prelude: Happiness / I’m So Glad". El primero, de clara influencia clásica, se funde con el emblemático tema de Skip James "I’m So Glad", ya popularizada por Cream y The Maze. El resultado fue una mezcla de elementos de la música clásica y el blues; Deep Purple estaba abriendo un camino más amplio para el torrente creativo que se desataría en los 70.
A este experimento le sigue un tema, sin duda, inspirado en Jimi Hendrix, en "Foxy Lady". En "Mandrake Root" destacan Paice y Lord con sendos solos. Aunque compuesta por Evans, Blackmore y Lord, la melodía y la progresión de acordes pertenecen a Bill Parkinson y su título original es "Lost Soul", y si bien el tema alude a la mandrágora, también hace referencia a una banda que Blackmore tenía en Alemania, el hecho derivó en una demanda por plagio con la cual Parkinson amenazó y por la cual fue indemnizado con unos morlacos para que cierre el pico. "Help!" de Lennon y McCartney es el sexto tema, esta versión inicia con sonidos psicodélicos y es interpretada en un tiempo más lento, seguida por el hit "Hush", después viene la original "Love Help Me" y "Hey Joe" de Billy Roberts que marcan el final del disco. En la última, John Lord hace un intro usando un fragmento de "Sombrero de Tres Picos" de Manuel de Falla, la clara influencia clásica es usada al inicio y la mitad del tema, dando espacio para que Blackmore despliegue uno de sus característicos solos.
"Shades of Purple" ha ido tomando mayor aprecio y valor en estos tiempos. Así ocurre a veces, cierto es que acá están los elementos de un sonido que sedujo al mundo del rock y que también está en el blog cabezón.

"Allí nos expusieron de manera adecuada. Los estadounidenses realmente saben cómo promocionar los discos". Ian Paice.
La frase resume exactamente lo que ocurría con Deep Purple luego del lanzamiento de su álbum debut, mientras en Estados Unidos el grupo era aclamado principalmente por su single Hush, el cual se difundió masivamente en la radio (alcanzó la cuarta posición del Billboard Hot 100), en el Reino Unido no generó mayor expectativa según refieren algunos testimonios, debido a que la audiencia prefería en esta época a los grupos con canciones bailables.
Shades of Deep Purple tiene como principal atractivo su sonido de rock progresivo mezclado con rock psicodélico, hard rock y pop rock, al que agregaría una dosis importante de música clásica, presente en las secciones instrumentales a cargo de Jon Lord.
El disco contiene cuatro canciones originales y cuatro versiones (Hush, I'm So Glad, Help! y Hey Joe), grabadas a toda prisa en tres días para ahorrar costos, y en líneas generales ha resistido bien los casi cincuenta años transcurridos a la fecha, una muestra de ello son las críticas, en los '60 eran mayormente desfavorables pero décadas despues predominaban las positivas, resaltando en ellas la fuerza del teclado de Lord, la creatividad del álbum por combinar con acierto sentimiento, potencia y melodía.
En mi opinión, lo mejor del álbum es el lado uno aunque el lado dos tampoco está nada mal, desde el inicio se percibe nítidamente el teclado de Jon Lord, especialmente en And the Address y en Prelude: Happiness -que es una especie de introducción del impecable cover de I'm So Glad- pero también al inicio de Hey Joe y en las secciones intermedias de Hush, Mandrake Root y Help!.
Hush es de esos temas que tienen un sabor especial, la voz de Rod Evans se ajusta muy bien a la melodía accesible de este single, su rango vocal recuerda mucho al que utilizaría años después Ian Gillan en las partes más melódicas de los temas grabados en su voz. No hay nada más característico y melódico que el coro de este tema, que identifica a los primeros Deep Purple con ese fondo sonoro producido por el teclado de Lord y la guitarra de Blackmore.
Otra que destaco es One More Rainy Day, al igual que Hush cuenta con una melodía accesible, coros sesenteros e impecable instrumentación con predominancia de los teclados.
En Prelude: Happiness se lucen los teclados, inspirados en la suite sinfónica Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov, para luego dar paso al cover de la clásica del blues americano I'm So Glad (1931). Esta versión de Purple es bastante lograda, agrega la potencia propia del grupo a un viejo blues dándole un acabado novedoso, los coros son los protagonistas de principio a fin.
Help! y Hey Joe ratifican la clase de la banda. La primera de ellas, que fue un éxito mundial de The Beatles, fue llevada por los Purple a su campo más sicodélico y hard rockero, nuevamente con unos arreglos donde destacan teclados y guitarra eléctrica, en ese orden. Evans demuestra estar a la altura cantando con acierto tremendo hit.
Desde el inicio de Hey Joe, Lord nuevamente demuestra sus influencias clásicas, dotando a este clásico de la música popular norteamericana de una majestuosidad inusitada y trasladándolo a una nueva dimensión sonora.
El éxito en América de Deep Purple lo llevaría a girar por el país continente, mientras que curiosamente en su país de origen no obtenía el reconocimiento comercial y menos artístico. Esta primera formación (Mark I) grabaría dos álbumes más, The Book of Taliesyn (a fines de 1968) y Deep Purple (junio 1969), trabajos importantes que cimentaron el prestigio inicial de la banda que luego sería incrementado por la Mark II.
Nace así Deep Purple, rock tan pomposo como creativo, demostración palpable del desarrollo natural del género a fines de los años '60.

Frankdelperu

“Shades Of Deep Purple” fue el notable debut en LP de Deep Purple con sonidos rock lisérgicos coyunturales que mezclaban influencias de gente como Cream, The Who, The Nice o Jimi Hendrix. Esta conjunción define las ocho composiciones de un disco que a veces vislumbra facetas de pop psicodélico y otras envuelve las mismas en un tamiz de rock progresivo.
El gran titán sonoro de este disco, además de su vocalista Rod Evans, es Jon Lord, cuyo teclado de infusión clásica está omnipresente en todos los temas del album, siendo el gran definidor de todas las atmósferas del mismo. Ritchie Blackmore cumple a la perfección con su quehacer en las seis cuerdas, pero su protagonismo en este disco es bastante inferior a posteriores trabajos de la banda. La sección rítmica, compuesta por Nick Simper y Ian Paice evocan brillantes pasajes estilo Redding/Mitchell y Entwistle/Moon.
Pop, rock progresivo, blues-rock y psicodelia se dan la mano en todas las piezas del LP, disfrutables en su totalidad.
“And The Address” es un excitante instrumental a lo Jimi Hendrix Experience; “Hush”, versión de un tema de Joe South y primer éxito de la banda, es una rítmica, ácida pieza con un fenomenal trabajo vocal de Evans; “One More Rainy Day” demuestra que los primeros Deep Purple podían hacer pop de calidad con semejanzas a canciones melódicas con estribillos adhesivos grabadas por grupos como The Nice o The Herd.
“Prelude:Happines/I’m So Glad” es una soberbia pieza de rock psicodélico influenciada por la obra de Rimsky-Korsakov “Scherezade”, cuyo fragmento “I’m So Glad” es una versión de una de sus máximas ascendencias sonoras, Cream, quienes a su vez habían actualizado un tema del bluesman Skip James.
“Mandrake Root” es un descarado plagio del “Foxy Lady” de Hendrix; mientras que “Love Help Me” es uno de los mejores cortes del álbum, magnífica pieza power-pop a lo Who o The Nazz.
Por último, dos versiones acomodadas perfectamente a sus esencias. “Help” de los Beatles a su afligida temática como una triste balada; y “Hey Joe”, adaptación con sabor español, pues utilizan un fragmento de “El Sombrero de Tres Picos” del compositor clásico Manuel de Falla.
Bastante alejado de sonidos futuros encontrados en “In Rock” o “Machine Head”, este valioso primer disco de Deep Purple es un producto de su tiempo y un destacado disco en el panorama rock británico del año 1968, lo que ya es decir bastante.

Antonio Méndez


Lista de Temas:
1. And The Address
2. Hush
3. One More Rainy Day
4. Prelude: Happiness / I'm So Glad
5. Mandrake Root
6. Help
7. Love Help Me
8. Hey Joe

Alineación:
- Rod Evans / Voz
- Jon Lord / Órgano, coros
- Ritchie Blackmore / Guitarra
- Nick Simper / Bajo, coros
- Ian Paice / Batería

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Deep Purple - Fireball (1971) ---ScRaBBlE

Y aquí Neck nos hace otra entrega de la discografía de los Deep Purple, que continúa con esa música tal como la conocemos: hard rock pegadizo y potente, con muchos solos y virtuosismo. En "In Rock", el disco pasado, se había formado la primera junta del Mark II (la alineación más famosa de la banda), y fue excelente, y en este, repiten la fórmula de buena manera también. Guitarras que hacen juegos con los teclados, improvisando y haciendo riffs todo el tiempo, con muchos juegos de teclados, una batería que brilla todo el tiempo, sumado a la increíble voz de Ian Gillian. Es un muy buen disco de hard rock, pero lejos de ser las obras maestras comolo fue "In Rock" y lo sería "Machine Head", pero igual este meritorio álbum se encuentra entre los destacados de la discografía de Deep Purple.

Artista: Deep Purple
Álbum: Fireball
Año: 1971
Género: Hard Rock
Edición: 25º Aniversario
Duración: 78:46
Nacionalidad: Inglaterra

Tras el arrollador éxito de In Rock, los shows en vivo se dispararon y abarcaron gran parte de 1970 para los chicos púrpuras, no tardando mucho el cansancio en pasarles factura. Además, a medida que el foco de atención, al menos mediático, se trasladaba de Jon a Ritchie, el trato con éste último se hacía cada vez más tormentoso.  “Era tanto el trajín por esos días, que nunca tenían tiempo y por consiguiente las grabaciones se retrasaban”, recuerda Martin Birch, el productor. “Me reunía con ellos en la ciudad de turno para oír las canciones nuevas y darles el OK, y apenas podían se pasaban por De Lane Lea u Olympic para grabar. Por eso Fireball no estuvo a la altura de In Rock, pero a nadie pareció importarle demasiado.”

Aunque inferior a otras indiscutibles obras maestras como “In Rock” o “Machine Head”, este meritorio álbum se encuentra entre los destacados de la discografía de Deep Purple.
Tras sus plausibles inicios en el rock psicodélico y progresivo a finales de los años 60, y asentados ya sin perder querencias progresivas en el contundente hard rock y blues rock con clara influencia en el posterior desarrollo del heavy metal, el grupo alterna en este disco (dentro de un conjunto un tanto irregular) algunos clásicos ineludibles de su repertorio como la propia “Fireball”, “The Mule” o “Strange Kind Of Woman”, con otros temas quizá no tan reconocibles pero de igual o superior valía artística que los anteriores como son los extraordinarios “Fools” y “No One Came”.
Sobresale la poderosa capacidad vocal de Ian Gillan y sobre todo la inconmensurable labor instrumental del guitarrista Ritchie Blackmore y del teclista Jon Lord, puntales básicos de esta mítica formación británica.

Javier Platas

Aquí les dejo un video de "Lazy" en vivo una gira por Escandinavia de 1972.

Ian Gillan, otro que no se anda con chicas, quizá pecando de soberbia, nunca le rindió a Blackmore la deferencia que él creía merecer, lo que hacía que la relación mutua por momentos se hiciera insufrible. Sin mencionar que, últimamente, Ian había empezado a hacer abuso de la bebida.  “Ian parecía haber enloquecido a causa del alcohol. Daba la impresión de querer ser un fastidio tan grande como lo fuese Ritchie”, recuerda Roger.

Todo este escenario pronto sumió a la banda en un profundo tedio y los roces no tardaron en hacerse presentes: primero, como bromas pesadas; luego, en ataques personales. Y Glover se ganó el papel principal como víctima de una de esta serie de bromas pesadas. En una ocasión, lo desnudaron y lo arrojaron al hall del hotel; haciendo gala de un autocontrol impresionante, Roger se dirigió al mostrador, pidió sus llaves y tomó  el ascensor, en medio del escándalo de los horrorizados huéspedes.  El rol de bufón le estaría por siempre reservado, cada vez que Blackmore anduviera cerca, no salvándose en Rainbow ni en la vuelta de la Mark2.


Aquí les dejo un video de "Fireball" en vivo en estudio de TV, y con un montón de tarados bailando y jodiendo el video... en fin, es lo que hay.

Durante todo este periodo, el setlist de la banda permaneció casi inmutable, debido a las ya mencionadas restricciones de tiempo. En un esfuerzo por reposicionarse en USA, se intentó montar una mini versión del Concerto en el Hollywood Bowl que los ayudara a promocionarse de cara a sus giras americanas, pero aquí no les resultó como en Inglaterra y fallaron como escopeta de feria. Finalmente, la gira se dividió en varios tramos y terminó frustrándose por problemas de salud, luego de los cuales volvieron a Inglaterra a tomarse un mes de vacaciones.

El tiempo apremiaba y los contratos exigían un próximo álbum que se esperaba fuera tan exitoso como su predecesor. Lo que se supone sería un mero trámite, terminó por consumirles gran parte del segundo semestre, y sus buenos deseos de terminar el disco en un par de sesiones, fueron hechos trizas y acabaron repitiendo la historia de In Rock, haciendo las primeras tomas durante septiembre, entre medio de presentaciones de TV, festivales franceses y el esperado Gemini Suite en vivo.


Ya para fines de junio, se graban las mezclas finales de Demon’s Eye, el cual fue incluido en algunos shows, y los Purple salen con álbum nuevo bajo el brazo. También trataron con Anyone’s Daughter, pero a ésta no le fue tan bien y pronto la desecharon. El merecido descanso llegó en agosto, abocándose completamente a la promoción de Fireball durante septiembre, que alcanza a ser top de ventas tal como In Rock aunque no por mucho tiempo. “Sentíamos la presión de tener que sacar un superventas, algo a lo que yo no estaba acostumbrado”, recuerda Roger. “Si bien no es tan duro y agresivo como In Rock, me parece un disco mucho más admirable. Que no le haya ido tan bien, fue una decepción, pero decir que sea inferior, es una desconsideración tremenda. Fue un gran avance para la banda y una época de mucha exploración”.

Una gira nacional acompañó el lanzamiento de la placa, presentándose a tablero vuelto en el Royal Albert Hall, recinto que al poco quedaría vedado para el rock. Durante los meses siguientes, el setlist fue más cambiante de lo normal, ya que empezaron a experimentar con el material nuevo. Primero lo hizo No no No; luego Paint it Black sería remplazado por The Mule. Al cabo, Fireball también haría su debut en vivo, durante los bises.

Debe haber extrañado en demasía a los asistentes del primer show en Portsmouth, comprar el nuevo álbum y darse cuenta que no venía ningún Highway Star en el disco, canción creada de camino a alguna presentación. Ni hablar de Lazy, también en el show, pero desarrollada durante los ensayos. Al parecer, la banda ya se había hecho a la idea que Fireball tenía sus días contados en los escenarios.




Lista de Temas:
 1. Fireball
 2. No No No
 3. Demon’s Eye
 4. Anyone’s Daughter
 5. The Mule
 6. Fools
 7. No one Came
 8. Strange Kind of Woman (Remix 96)
 9. I’m Alone
10. Freedom
11. Slow Train
12. Demon’s Eye (Remix 96)
13. The Noise Abatement Society Tapes
14. Fireball (Instrumental)
15. Backwards Piano
16. No one Came (Remix 96)

Alineación:

- Ritchie Blackmore / Guitarra

- Ian Gillan / Voz

- Roger Glover / Bajo

- Jon Lord / Teclado

- Ian Paice / Batería

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Rush - Test for Echo (1996) ---ScRaBBlE

Lo pidieron en nuestra lista de correo cabezona y gracias a Neck presentamos el álbum oficial de estudio número 16 de Rush, el afamado y virtuoso trío canadiense que en los ochenta diera una drástica transformación en su estilo original (algo así como (heavy prog sinfónico) hacia el pop-rock progresivo del cual comenzaron a desviarse con los álbumes "Presto" y "Roll the bones", en una transición donde dejaban de prevalecer los sintetizadores de sonido ochentoso hacia arreglos instrumentales más orientados a la guitarra y a la fórmula de rock con contundente batería, aunque la música en general no volvió a ser lo que conocemos como "rock progresivo", algunas canciones tienen un formato muy dinámico, múltiples cambios de tempo, complejos pasajes instrumentales y un estilo que lo podríamos llamar hard rock alternativo. El álbum fue Disco de oro y número 5 en Billboard 200. Con ustedes, el Rush noventoso y su "Test for Echo".

Artista: Rush
Álbum: Test for Echo
Año: 1996
Género: Hard rock alternativo
Nacionalidad: Canadá

Obviamente no es la etapa de la banda que más me gusta, aunque debo decir que en su momento lo escuché bastante porque no deja de ser un buen rock de calidad, pero alejado de cualquier genialidad, eso sí.
Los enamorados de Rush tienen aquí un buen disco donde se meten de lleno con el rock alternativo más denso y poderoso.

En Test for Echo se evoluciona en sonido desde el álbum anterior (“Counterparts”): el sonido del sintetizador es casi imperceptible, mientras que las canciones se apoyan fuertemente en la base rítmica, aunque con un enriquecimiento en las melodías, principalmente por parte del bajo (especialmente en Driven). Half the World es un gran apoyo comercial para la difusión del álbum, tanto en radio como en televisión, con una guitarra haciendo el trabajo tanto rítmico como melódico simultáneamente, a la perfección. Limbo es una excelente pieza instrumental (Test for Echo es el tercer álbum consecutivo en incluir un tema instrumental) donde los músicos dejan fluir elementos de jazz, por última vez en estudio.
Líricamente, los temas son diversos, aunque ya previamente explorados por Neil Peart: libertad de conciencia (Driven), necesidad de convivencia (Half the World), superstición (Totem), y actualidad mundial (en Virtuality se toca el tema de la computación y el ciberespacio).

El Espíritu de la Música

... Y me olvidé de acotar, las letras están buenas...

Pero ya no escribo más y les dejo los comentarios que se escribieron oportunamente de este disco.

Ultimo album del siglo para Rush. Tras él vendría un periodo triste para la banda, especialmente por circunstancias personales de Neil Peart, que nos tendrían varios años sin un nuevo disco.
Atrás quedaron los gritos de los primeros discos e incluso el rock progresivo y los sintetizadores de épocas anteriores.
Rush se ha convertido en una potente banda de rock que ofrece una calidad musical muy escasa en el panorama de la música actual.

Segun declaraciones de Neil Peart, con este album se volvió a encontrar como músico tocando la batería después de recibir clases del batería de jazz Freddie Gruber.
La clave del album la puedes encontrar en la portada. Si no te fijas bién, tu vista te va a engañar y no vas a medir de forma correcta el tamaño de la figura de piedra en la nieve (por cierto se llaman inkshuk y son típicas del ártico).
El album en principio parece un disco menor, lejos del nivel de sus albumes anteriores pero sin embargo es sólo a través de las repetidas escuchas como se llega a apreciar lo fantásticas que son las canciones.

Curiosamente es uno de los albumes de Rush que más trabajo me costó valorar. Temas como "Test for echo", "Drive", "Half the world", "Virtuality" o "The colour of right" tardaron mucho tiempo en convertirse en parte de mis favoritas de su repertorio.
También incluye "Resist", que en versión acústica se ha convertido en parte de su set en directo.

Prueba de eco (Test for echo)
Aquí vamos, vértigo
Vídeo vértigo
Prueba de eco
Aquí vamos, en cámara lenta
Vídeo vértigo
Prueba de eco

Algún tipo de problema en la pantalla sensorial
La cámara se curva sobre coches de policía hundidos
Criaturas blanqueadas, aspirantes a desperados
agárrate a una negación plausible
No toques ese dial
Estamos en la negación
Hasta el juicio exhibido en tv
Algún tipo de imágenes en las noticias de las sentido en punto
Millas de cinta amarilla, siluetas de tiza
Chicos de barrio de hablar duro con logo de equipo profesional
Conformate con los uniformes de una entidad corporativa
No cambies esa estación
Es la nación gangster
Ahora la delincuencia está sindicada en la TV
Qué espectáculo, vértigo
Vídeo vértigo
Prueba de eco
Arriesgado, en cámara lenta
Vídeo vértigo
Prueba de eco
Algún tipo de drama en vivo por satélite
La cobertura de cámara oculta desde la escena del crimen a la sala del tribunal
Chicos que se comen las uñas con corbata y chaqueta prestadas
Agarrándose al clavo ardiendo de la respetabilidad
¿No pueden cumplir una condena?
No cometas el crimen
Y termina en el "perp walk" en la tele

Una canción que reflexiona sobre como los criminales terminan siendo a veces estrellas de televisión en programas sensacionalistas. Por cierto, la expresión "perp walk" hace referencia a cuando la policía monta el numerito de pasear al detenido con esposas y demás para que todas las televisiones lo graben.

Totem maravilloso

De los últimos discos de Rush, Test for echo es el que más me gusta. Hasta el momento no logro descifrar cuál es encanto, pero es probable que se deba al hecho de que fue escuchado en una etapa particularmente interesante de mi vida, tras culminar los estudios universitarios e ingresar al terreno de lo laboral, los primeros sueldos y el logro de la tan ansiada independencia. Pero más allá del factor vivencial (absolutamente importante al momento de intentar reseñar alguna obra artística), Test for echo tiene muchos momentos emocionantes y algunas de las mejores canciones de la banda.
Drive es un ejemplo de ello, con el compás extraño que dotan el bajo, la batería y la guitarra al unísono, los cambios a la acústica, la predominancia del bajo y el marcado giro final que rompe con todo, hace una pausa y vuelve a estallar. Pero Time and motion es también un ejercicio del calculado esteticismo de esta brillante banda, con sus arreglos acrobáticos en la estela progresiva que siguen cultivando y un magma interno que está a punto de estallar. Totem sigue esta estela, aunque más dirigida hacia la vena melódica que es también sello indiscutible de los canadienses, con un final digno de película que hace hinchar el pecho de emoción.
A nivel lírico, Neil Peart vuelve a chuntarla con sus ejercicios a futuro en los detalles ciberespaciales de Virtuality (otro punto alto en cuanto a lo musical, con un pase perfecto entre estrofa, estribillo y coro que recuerda en algo a la forma de composición de Roll the bones) y cierta estética noir en canciones como Test for echo, a la vez que los animalistas estarían al borde del placer con esa oda a la condición perruna que se llama Dog years. Y para los espíritus más melancólicos, una linda balada como Resist.
No hay canción mala en el disco, aunque por poco no llega a la perfección de otras obras. Con Test for echo Rush finaliza el cuarto ciclo de su período y tendrá una pausa prolongada hasta el reinicio de su carrera musical, en parte debido a los tristes incidentes que envolvieron al genio Neil Peart. La unidad de la banda es tan fuerte que más allá de la destreza musical sorprende la gran humanidad de cada uno de sus integrantes.

 Cesarpita

Lista de Temas:
1. Test For Echo
2. Driven
3. Half The World
4. The Color Of Right
5. Time And Motion
6. Totem
7. Dog Years
8. Virtuality
9. Resist
10. Limbo
11. Carve Away The Stone

Alineación:
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