Litto Nebbia - Huinca / Despertemos en America (1972) ---ScRaBBlE

Un disco (mejor dicho, un dos x uno) siempre muy pedido, ahora nuevamente en el blog  gracias al Mago Alberto para mantener vivo un registro histórico, porque Litto Nebbia comenzaba a fusionar sus composiciones con elementos folkloricos; un aspecto que luego se desarrollaria en sus siguientes trabajos. Estos discos, junto a los posteriores "Muerte en la catedral" (1973) y "Melopea" (1974), conforman lo que quizás sea lo más inspirado que Nebbia haya grabado en su prolifica trayectoria como solista. Litto ha dicho sobre este disco: "Vamos a refrescar la memoria y pensemos en la primera noche que conseguimos la libertad física. Que nos impide sentir lo mismo en cada acto rutinario... si todo es por primera vez. Nacemos por primera vez. Morimos por primera vez, pero ... también creemos por única vez y así se diluye el objetivo de una vida maravillosa".

Artista: Huinca & Litto Nebbia
Álbum: Huinca / Despertemos en America
Año: 1972
Género: Rock folk
Nacionalidad: Argentina

El Mago Alberto aparece con otro disco fundamental bajo el brazo...

"Este abum salio en el '73, pero comence a grabarlo en el '72, al ratito de terminar la grabacion de Huinca. Primer album con la cosa mezclada de acústico y electronica. Aqui estoy, por primera vez , junto al notable Domingo Cura y su percusion, y la humilde primera version de "El bohemio".
Algunas canciones de esa epoca las adoro, por ejemplo, "Un raton en vacaciones" y "Luis se cayo de la higuera", que no esta escrita para Spinetta, como algunos creyeron.
Dato casual: el dia que presentamos el album en Mar Del Plata, en el teatro Diagonal, debuto de telonero (como dicen ahora), Sui Generis, que ya cantaban la hermosa "Cancion para mi muerte".
Aprecio este trabajo porque es un pequeño peldaño de lo que tenia en la cabeza en ese entonces y que hoy se llama fusion."

Litto Nebbia

Esto ya lo teníamos publicado, pero no lo podemos dejar en el olvido, por ello, bienvenida la resurrección de este disco!

Estos son dos discos, uno grabado con el grupo Huinca y el otro con Litto como solista. Fueron grabados el mismo año y si si bien son dos registros completamente distintos, fueron reeditados como uno sólo en este ripeo que presentamos a continuación. Ambos álbums pretenden aunar distintas raíces folklóricas argentinas y latinas (aunque no significa que "Huinca" haya sido un conjunto de folklore ni mucho menos). La música que hacía Huinca es música argentina, popular, latina, pero si bien el nombre está emparentado con el folklore, su relación no es directa.
"Despertemos en America" es un álbum con características más folklóricas y acústicas aunque fue grabado en la misma época que "Huinca" pero con otros músicos, como por ejemplo el folklorista Domingo Cura en bombos y Bernardo Baraj en saxos. Presenta composiciones de tono mucho mas folklórico que de rock, conviertiéndose en el primer LP de Litto en mostrar ésto que luego se reperiría en sus posteriores LPs: fusión de folklore con rock en la mayoría de sus canciones.

Con motivo de la reedición en CD, el propio Litto comentaba:

"Este ábum salió en el '73, pero comencé a grabarlo en el '72 al ratito de terminar la grabación de 'Huinca'. Primer álbum con la cosa mezclada de acústica y electrónica. Aquí estoy, por primera vez , junto al notable Domingo Cura y su percusión.
Vamos a resfrescar la memoria y pensemos en la primera noche que conseguimos la libertad física. Qué nos impide sentir lo mismo en cada acto rutinario... si todo es por primera vez.
Nacemos por primera vez. Morimos por primera vez, pero... también creemos por única vez y así se diluye el objetivo de una vida maravillosa. Esto es una pequeña síntesis del material que contiene éste álbum y espero que sirva como guía para entender el objetivo que tuvo su desarrollo tanto en la parte literaria y musical.
La autobiográfica "Si No Son Más De Las Tres", es para mí una canción folklórica y fue grabada en forma directa en la primera toma, acompañándome en guitarra y Mingo en bombo. "Balada Para Una Prisionera" es una balada con reminiscencias jazzisticas, en donde logramos algo que nos puso muy contentos y es el empaste de saxos tenor y soprano tocados ambos por Berardo Baraj. "Despertemos En América" en una nueva versión diferente a la que grabara para el disco simple con Domingo Cura, está mucho más extensa y arreglada para conjunto de seis elementos. "Luis Se Cayó De La Higuera" fue escrita para un amigo destruído por las drogas. "Amame o Déjame De Una Vez" trata de la toma de conciencia sobre la realidad y la solución o escapismo de aferrarse a la pareja. "Un Ratón En Vacaciones" es la canción en donde insisto sobre el conflicto humano alrededor de la falta de objetividad en cuanto al desarrollo de la vida.
"Cada Uno Es Lo Que Quiere Ser" tratada de igual manera que "Despertemos En América", si bien, por momentos, con más climas melódicos. "Islas" habla de la falta de comunicación por diferentes escalas de valores. Por último "Sólo Un Poco De Música" interpretada por guitarra y mi voz regrabada tres veces, que no pretende ser nada más que eso."

Lista de Temas:
Huinca:
01. Preludio
02. Gritar & amar es luchar
03. Harlem
04. Cadenas & monedas
05. Postludio
06. Yo soy tu voz
07. Alunar
08. Chocolates ( para Ud. )
09. Cancion para Ramona
10. Por algo es

Despertemos en America:
11. Si no son mas de las tres ( el bohemio )
12. Balada para una prisionera
13. Despertemos en America
14. Luis se cayo de la higuera
15. Amame o dejame de una vez
16. Un raton en vacaciones
17. Cada uno es lo que quiere ser
18. Islas
19. Solo un poco de musica

Alineación:
Huinca:
- LITTO NEBBIA - electric and acoustic guitar, harmonica,vocals
- CACHO LAFALCE - bass,vocals
- OSCAR MORO - drums,percussion
- GABRIEL RANELLI - piano,organ
Guest:
MARIO TENREYRO - corno
CHINO ROSSI - percussion

Despertemos en America:
- LITTO NEBBIA - guitars,piano,organ,percussion,harmonica,vocals
- CACHO LAFALCE - bass
- BERNARDO BARAJ - flute,tenor and soprano sax
- COCHO ARCE - drums,percussion
- JUAN CARLOS ALEGRE - drums,percussion
Guest:
CHINO ROSSI - percussion
DOMINGO CURA - percussion

 

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The Beatles - Beatles Remastered Stereo (2009) ---ScRaBBlE

La vuelta del Doctor Romero, para traernos esta edición limitada y recordar a los inmortales Beatles. No creo que haya mucho para agregar, salvo agradecer a la comunidad que me hace el aguante con esta locura que es el blog cabezón, y que junto a Neckwringer, Benjamín, el Meduco y otros tantos hacen que estos discos vuelvan a estar presentes y vivos en el corazón de todos y también en la Biblioteca Sonora. A la Comunidad Cabezona, salud!

Artista: The Beatles

Álbum: Stereo Box Set
Año: 2009
Género: Rock, Psicodelia, Folk Rock, Raga Rock, Barroque Rock, ...
Nacionalidad: Inglaterra

En el año 2009, cuando salieron los CDs del Boxset de The Beatles en Stereo y Mono, esta edición pasó desapercibido debido a que era una edición limitada y no contenía todo el aspecto de las otras cajas. Pero la ventaja, y diría gran ventaja, de esta edición es que los discos están en 24 bits y 44,1 kHz, con lo cual se aprecia una mejor calidad de los sonidos.
No dejo video porque ni falta hace...

Acá va el imperdible Box Set de The Beatles. Aunque discrepo con las versiones stereo de algunos discos (como el Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band), este box set ha sido realizado de tal forma que se ha obtenido una calidad superior repecto a anteriores versiones stereo de los discos. Hubiera sido mejor pedir una versión remezclada de estos pero tal vez sea para un futuro lanzamiento.

Acá van un comentario de sputnikmusic.com:

Before I review such an odd device, I feel I should offer a brief introduction to new fans as to who The Beatles were. So much has been written and said about them, that it's difficult to summarize their career or influence on people, trends, the culture and thoughts of people at the time and most importantly their influence on Rock as we know it.
The Beatles first appeared on the U.K charts in 1962 with their single Love Me Do, which peaked at number seventeen. Following that were their number one hits, "Please Please Me" and "She Loves You" which gained them national recognition, but it wasn't until, "I Want To Hold You Hand" that they enjoyed worldwide fame. They would soon visit the U.S to a greeting of thousands of screaming girls at the airport who would chase them all the way to their hotel. Their charisma, their rabid screaming fans, their wit and musical innovativeness which kept them ahead of all other artists at the time had never been seen before and thus Beatlemania was born.
Musically their early music blended in all that was good about Rock N' Roll, Rhythm and Blues and Rockabilly to produce a fresh and invigorating sound. An example of the way they changed music in their early days can be their rendition of "I'm Gonna Sit Right Down and Cry Over You" as compared to the earlier famous Elvis Presley version of it. A year and a half later their music would change again and become a lot more mature and complex. In 1967 they released, "Sgt. Pepper's Lonely Heart's Club Band" which is widely known as the first proper psychedelic record and the very first concept album. The Beatles were probably the only band to have such a psychic hold over their vast fan base. Wherever they went, they were greeted with thousands of people, parades and meetings with presidents. Such a thing had never happened before, nor has happened ever since.
In conclusion, their supremacy as Rock icons remains unchallenged to this day, decades after their breakup in 1970 although they were only officially a band for just 8 years.
Now, onto the music and this device. In 2009 Apple Records decided to remaster all The Beatles official albums and compile in into a box set. Some of the box sets would come with a limited edition USB. This is a review for this one of a kind Apple USB and it's features. Since there's nothing much to write about a compilation of all the Beatles albums, I'll make this one short. If one wants reviews about the music, one can read the reviews put up at this site about their albums.
That being said, this USB is the most amazing collection to own apart from their remastered vinyl records in my opinion. It contains videos for each album, all their original U.K released albums and remastered FLAC versions of all their songs taken off the original master tapes.
In other words, this is the way The Beatles were meant to be heard. I can't begin to describe the kind of clarity you'll hear on this on decent to good speakers. All stereo songs are in FLAC format (44.1khz) which is the highest possible quality and also in DRM-free MP3 (320kpbs) with a one-click 'Export To Media Player' function. It's truly amazing.
Now onto the look and feel of the thing. It's a tiny USB that pops out of an apple shaped holder, that you can plug into your computer. It's got it's own menu that with a list of all their albums on the bottom menu. You can play their songs using this menu and simultaneously browse the booklets included there as well. These booklets contain pictures that were issued on their original records back in the 60's plus a whole lot more pictures, summaries and notes that weren't included in the originals.
In conclusion, this is a must have for any Beatles fan. Like I said this is the best thing to own apart from their original vinyl records.
This collection left me flabbergasted. A must-have collection of the the most influential and possibly the greatest band ever.

Aplicaremos el método conocido en el post de Relayer. Buen fin de semana. 

Lista de Temas:
Please Please Me
With The Beatles
A Hard Day's Night
Beatles For Sale
Help!
Rubber Soul
Revolver
Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band
Magical Mystery Tour
White Album
Yellow Submarine
Abbey Road
Let It Be
Past Masters

Alineación:
Es necesario decirlo?

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Entrance - Odisea (2006) ---ScRaBBlE

Tenemos otro disco de una gran banda chilena, gracias a Neck y su maratón de resubidas. Con influencias del rock sinfónico y progresivo más clásico de Genesis, Yes, Emerson, Lake & Palmer, Rush, pero con un toque más cercano en el tiempo, y algo más vertiginoso y con sonido algo metalero, Entrance desarrolló un estilo en esta línea lo emparentó con otras agrupaciones como Tryo (en Valparaíso) o SubTerra (desde Santiago), y que conformó esa avanzada progresiva en tierras chilenas en la década del 2000. Mucho virtuosismo y destreza técnica de sus músicos, mucha armonía, largos pasajes de gran desarrollo melódico, tremendos solos que constituyen una obra en sí misma y un discurso narrativo que apunta a la mitología en las letras. Para todos ustedes, un disco muy interesante.

Artista: Entrance
Álbum: Odisea
Año: 2006
Género: Rock sinfónico
Nacionalidad: Chile
Duración: 78:12

"Odisea" es un disco en vivo que fue grabado durante la gira de "En la Tierra", en México el año 2003. En ese momento Entrance dieron conciertos por cuatro semanas, tocando en varias ciudades y terminando en el festival Baja Prog, en Mexicali.

Con un trabajo de guitarra y teclados sobresaliente, muy buena base, buen ritmo y excelente trabajo instrumental.

Si no vives en Chile o nunca has ido al famoso y fabuloso festival Baja Prog, probablmenente nunca has escuchado a Entrance. Y es una pena porque es una banda muy intersante de Sud América. Devo admitir que no soy muy entusiasta de los discos en vivo, a excepción de algunos excepcionales como "Absolutely Live" de the Doors. Me gustó mucho el anterior disco de Entrance (En la Tierra), del 2002. Es una de neo progresivo (los teclados se acercan a Marillion) con un más tradicional prog y pop (el cantante suena como Miguel Rios, el famoso rockero español). Los que conocen a la banda sabrán que perdieron su lado metalero por uno más sinfónico, lo que son buenas noticias. Grabado durante su gira por América Latina, incluyendo el festival Baja Prog, este álbum es un testimonio de la poderosa voz de Jaime Scalpello del virtuosismo de la banda. Estoy feliz por haber encontrado muchas canciones de En la Tierra en este disco, como la fabulosa versión de Vértigo. Excelente!

Thierry

Una de las mejores bandas sinfónicas de latinoamérica, grabado durante la gira de "En la Tierra" (Baja Prog Festival, México, 2003), banca con enormes músicos como Jaime Scalpello y Jaime Rosas, plasman un registro lleno de energía y virtuosismo, un álbum genial para todo amante del progresivo sinfónico.

If you don't live in Chile or never went to the famous and fabulous Baja festival, you've never heard of Entrance. And it's a pity because this is an interesting prog band from South America. I must admit I'm not keen on live records much, except exceptional ones such as "Absolutely Live" by the Doors for instance. But I was seduced by their previous album (their second one in fact), "En la Tierra" (2002). Entrance is an interesting blend of neo prog (the keyboards especially are close to Marillion's) with traditional prog and pop (the singer often sounds like Miguel Rios, the famous Spanish rocker). Yes, those who know the band, they lost their metal side for a more symphonic one, and this is for me good news. Recorded during Entrance's gig through Latin America including the Baja prog festival precisely, this album is a testimony of Jaime Scalpello's powerful voice and the band's virtuosity. I was glad finding many songs from "En la Tierra" such as a fabulous version of 'Vertigo 2002'. Excellente!

Thierry

Lista de Temas:
1. Alas Fugaces
2. Odisea
3. Despertar
4. Dos Almas
5. Mil Almas
6. Sitios Perdidos
7. Vertigo 2002
8. Extranos Entre Dos Mundos
9. Mirada De Luz

Alineación:
- Jaime Scalpello / vocals
- Jaime Rosas / keyboards
- Richard Pilnik / guitar
- Rodrigo Godoy / bass, vocals
- Alex Von Chrismar / drums

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Sunday All Over The World - Kneeling At The Shrine (1991) ---ScRaBBlE

Hace mucho tiempo Artie había traído este disco al blog cabezón, y en un acto de altruísmo el Mago Alberto lo trae nuevamente a la vida: el segundo disco de Robert Fripp con su esposa, Toyah Willcox, en una aventura mucho más exitosa que "The Lady or The Tiger?", sonando muy parecido a una mezcla entre el "Discipline" (ojo, sin ser un desprendimiento de King Crimson, con Willcox cantando maravillosamente en un estilo que se ubica entre Kate Bush y Nina Hagen). Acompañados por el ex King Crimson Trey Gunn y el baterista Paul Beavis (Galahad, Andy Summers, Robert Fripp, Aleksander Mežek, Gordon Haskell y un larguísimo etcétera). No busquen aquí un sustito de King Crimson, aún cuando están presentes los patrones de guitarra que Fripp usó en el Crimson de los 80, con Gunn tejiendo y jugando a su alrededor. El resultado es un disco elegante, con la voz sexy y entrecortada de Willcox como protagonista pero con un grupazo detrás de ella.

Artista: Sunday All Over The World

Álbum: Kneeling At The Shrine
Año: 1991
Género: Art Rock
Duración: 43:40
Nacionalidad: Uk

Imaginen un álbum de King Crimson de la era "Disciplline" pero con una femenina y sensual voz soprano. La voz de Toyah es poderosa, vulnerable y hermosa, lo que hace de este álbum ideal para los fanáticos de King Crimson y Fripp y aquellos que gusten de las voces femeninas al estilo de la señorita Kate Bush, lo que lo hace un disco interesante por demás. Aquí nos lo presenta el Mago Alberto...

Uno de los proyectos mas hermosos de Robert Fripp y su señora esposa Toyah Willcox, que ya hace unos años se habia publicado aquí en el blog pero que es necesario reponer, porque hay infinidad de oídos nuevos rondando por Cabeza de Moog, y este no es un disco para dejar pasar y mucho menos que quede en el olvido.
Acá el petiso gruñón se despacha con un arsenal de arreglos y riffs con toda la onda crimsoniana y que al provenir de Fripp es muy difícil abstraerse, un trabajo excelente que cuenta también con la participación de Trey Gunn en stick y voces.
Los crimsonianos ortodoxos o puristas quizás critiquen esta obra, pero nada mas erróneo de juzgar esto como un desprendimiento de King Crimson, esto es Fripp en otro estado, en otro vuelo.
Único trabajo que luego de escucharlo te quedan ganas de mucho más, en especial por algunas cosas puntuales como el desarrollo de Robert Fripp en "Sunday All Over The World" y "Strange Girls", realmente ahí te das cuenta del genio total contenido en tan poca estatura.
Quizás con el nuevo sistema implementado en el blog esto dure un tiempo más en la net, pero eso nunca se sabe. Así que aprovechen y no duerman. Estas son joyas que al pasar los años toman una real dimensión de lo que son.

Mago Alberto

Este es un trabajo previo a la reunión de King Crimson, lo integra Robert Fripp junto a su esposa Toyah Willcox, Trey Gunn (Estudiante de la Guitar Craft y posterior miembro de King Crimson) y el Baterista Paul Beavis.
se presentan desde 1988 bajo el nombre de Fripp & Fripp hasta que en 1991 editan este excelente trabajo que marca la transición al posterior sonido de King Crimson a mediados de los 90

A collaboration between guitarist Robert Fripp and his wife, vocalist Toyah Wilcox, Sunday All Over the World is an arty, ambitious project that attempts to push the boundaries of pop music. Much of Kneeling At the Shrine is indeed intriguing. Wilcox is a daring, gifted singer, posessing a graceful, soaring soprano. Fripp proves that his reputation as one of rock's most challenging and inventive guitarists is well-earned, as he creates endless layers of highly texture soundscapes. Along with Trey Gunn (playing a Chapman Stick) and drummer Paul Beavis, the duo has created an album that is fiercely cerebral, inventive and intriguing. It is also a bit of a difficult listen, especially for listeners accustomed to regular pop and rock but those willing to put some time in, Kneeling At the Shrine can yield some unique rewards.

Lista de Temas:
01. Sunday All Over The World
02. Blood Bruise Tattoo
03. Kneeling At The Shrine
04. Don't Take It Away
05. Transient Joy
06. Open Air
07. Strange Girls
08. If I Were A Man
09. Answered With A Smile
10. Storm Angel
11. Freedom

Alineación:

- Toyah Willcox /Vocals
- Robert Fripp / Guitar
- Trey Gunn / Chapman Stick, Vocals
- Paul Beavis / Drums, Percussion

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Sheshet - Sheshet (1977) ---ScRaBBlE

Volvemos con el increíble progresivo israelí, como para cambiarle la onda a este día donde el recorte de los haberes jubilatorios fue aprobado a palazo limpio, y mientras vamos preparando un festejo por el fin del año de los buitres. Ya hemos hablado de las maravillas que se han cosechado por Israel, y hemos presentado unas cuantas cosas y vamos a presentar más, y seguramente serán cosas que sorprenderán a más de uno. Aquí traemos nuevamente a Sheshet, una muy buena agrupación israelí que hará las deliciasde mucho cabezón con sus exóticos sonidos. Otra cosa que vale oro y no encontrarán en ningún otro lugar,  con ustedes, una maravilla israelí, pero no se preocupen que tendemos más. Escuchen esto que está tremendo.  Un hermoso disco como para cambiarle la onda a un día lluvioso y muy amarillo Pro.

Artista: Sheshet

Álbum: Sheshet

Año: 1997

Género: Rock Progresivo Ecléctico

Nacionalidad: Israelíes

Duración: 46 Minutos

Sheshet fue una banda de corta existencia, que tal como su nombre según varias traducciones que encontré dicen, era un sexteto ("Sheshet" puede interpretarse como Sexteto o como Viernes, el personaje del libro Robinson Crusoe), de la cual saliesen más tarde figuras importantes en la música israelí (según la interné), como Yehudit Ravitz y Shem-Tov Levi.

Aquí, traemos un disco que había presentado el Conejo hace añares, y la verdad es que este tipo de cosas no hay que olvidarlas.

Lo único que había escuchado de progresivo proveniente de Israel (antes de este disco) es la excepcional banda de metal progresivo Orphaned Land, así que lo que esperaba de este disco era una buena fusión entre melodías tirando a jazzeras y fuertes influencias de la música judía y árabe (o más fácil, vamos con el término melodías medio-orientales, hay demasiado conflicto y por ende influencias musicales en ésa zona, demasiadas extensas ambas listas para nombrarlas todas ).

Sin embargo, lo que me encontré no fue un progresivo que partía desde melodías medio-orientales, lo que hay en el disco es una exitosa combinación de rock sinfónico, que sin lograr volumen ni 'power' logra fuerza musical y que parte desde una base aportada por la banda británica Gentle Giant, la base jazzera del piano al mejor estilo Chick Corea (en los años de Return To Forever) y por qué no algo del sonido Canterburiano (tomando a Hatfield And The North como máxima referencia, sobre todo por los juegos entre voces femeninas sin letras, flautas y pianos acústicos y eléctricos); que creo yo que son la influencia más notable en el estilo musical de esta banda.

El aire jazzero ya se siente a partir del primer tema, que es de los notables. La flauta y los pianos son encantadores a lo largo y ancho de todo el disco. Los coros, heredados de los hermanos Shulman (los de Gentle Giant, por supuesto) son geniales, con la extravagante pero cautivadora voz de Yehudit Ravitz sobresaliendo por las demás. Los dos primeros temas son de lo mejor del disco, los más progresivos en mi opinión.

Esta atmósfera va a seguir pero va a mutar en algo así como música brasilera cantada en hebreo (sí, posta, "boló! tranquilamente podría haber estado en la movida Tropicalia!!" (sic), Juaco dixit ) cuando llegue el track Left Foot Samba, que según también nos informa la interné, es como un 'tributo' a (o influencia de) la gran ola migratoria que llegó a Israel por la época en que fue grabado el disco. Copada mezcla.

En 7/8, que para la sorpresa de quien escribe, vuelven a asomar más los tintes jazzeros-gentlegiantezcos, pero con un toque más de melodías medio-orientales, y hasta de música búlgara y en forma de instrumental con tiempo 7/8.

Las dos que le siguen son dos baladas, siendo la primera acústica y también la más ignorable. La segunda (Autumn Nights), es para destacar. La tranquilidad que transmiten entre los coros, la flauta, la voz femenina, el piano y hasta la guitarra eléctrica es espectacular. Increíblemente di con un video de YT de una filmación de la banda tocando este tema, es bellísima esta versión:

Después llega Debka, que es EL tema del disco; un instrumental donde las influencias jazzeras y medio-orientales llegan a su punto máximo. Partiendo de la base de una melodía de una tradicional danza arabezca sale el tema más poderoso del disco. Una joyita.

Los últimos dos temas son copados también, repitiendo la fórmula jazzera-canterburiana con la flauta acompañando todo el tiempo. Son los temas más tirados al lado del jazz-fusión, con unas cuantas distorsiones en la batería.

En lo personal, este disco es uno de mis favoritos, tiene un sonido espectacular, y al igual que con tantas bandas que sacaron un disco y desaparecieron (Maxophone, Bubu o Museo Rosenbach, por ejemplo), por suerte tuvieron una chance de dejarle su legado musical al mundo. El disco me lo trajeron de regalo (Juaz!) desde allá, es un doble que tiene como bonus el soundtrack de una película israelí, y espero algún día poder postearlo por acá ^^

De mientras, llévense esta joya de un lugar un tanto exótico, créanme que no se van a arrepentir!

Lista de Temas:

CD 1 (Sheshet)
1. Clappers

2. Colours

3. Left Foot Samba

4. 7/8

5. If Only You Had Come

6. Autumn Nights

7. Debka

8. Dinosaurus Jr.

9. F Minor

CD 2 (Journey Of The Stretchers Soundtrack)
1. Journey Of The Stretchers (Opening Theme)
2. Who
3. 7,8
4. Oriental Walk
5. Fiddles, Fightings And Sorrow
6. Journey Of The Stretchers

Alineación:

- Shmulik Aroj - Bajo, percusión y coros

- Shmulik Budagov - Guitarras y coros

- Shem-Tov Levi - Coros y flautas traversa y dulce

- Ikie Levi - Batería y Percusión

- Adi Renert - Teclados y coros

- Yehudit Ravitz - Guitarra acústica, percusión y voz

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Deep Purple - Fireball (1971) ---ScRaBBlE

Y aquí Neck nos hace otra entrega de la discografía de los Deep Purple, que continúa con esa música tal como la conocemos: hard rock pegadizo y potente, con muchos solos y virtuosismo. En "In Rock", el disco pasado, se había formado la primera junta del Mark II (la alineación más famosa de la banda), y fue excelente, y en este, repiten la fórmula de buena manera también. Guitarras que hacen juegos con los teclados, improvisando y haciendo riffs todo el tiempo, con muchos juegos de teclados, una batería que brilla todo el tiempo, sumado a la increíble voz de Ian Gillian. Es un muy buen disco de hard rock, pero lejos de ser las obras maestras comolo fue "In Rock" y lo sería "Machine Head", pero igual este meritorio álbum se encuentra entre los destacados de la discografía de Deep Purple.

Artista: Deep Purple
Álbum: Fireball
Año: 1971
Género: Hard Rock
Edición: 25º Aniversario
Duración: 78:46
Nacionalidad: Inglaterra

Tras el arrollador éxito de In Rock, los shows en vivo se dispararon y abarcaron gran parte de 1970 para los chicos púrpuras, no tardando mucho el cansancio en pasarles factura. Además, a medida que el foco de atención, al menos mediático, se trasladaba de Jon a Ritchie, el trato con éste último se hacía cada vez más tormentoso.  “Era tanto el trajín por esos días, que nunca tenían tiempo y por consiguiente las grabaciones se retrasaban”, recuerda Martin Birch, el productor. “Me reunía con ellos en la ciudad de turno para oír las canciones nuevas y darles el OK, y apenas podían se pasaban por De Lane Lea u Olympic para grabar. Por eso Fireball no estuvo a la altura de In Rock, pero a nadie pareció importarle demasiado.”

Aunque inferior a otras indiscutibles obras maestras como “In Rock” o “Machine Head”, este meritorio álbum se encuentra entre los destacados de la discografía de Deep Purple.
Tras sus plausibles inicios en el rock psicodélico y progresivo a finales de los años 60, y asentados ya sin perder querencias progresivas en el contundente hard rock y blues rock con clara influencia en el posterior desarrollo del heavy metal, el grupo alterna en este disco (dentro de un conjunto un tanto irregular) algunos clásicos ineludibles de su repertorio como la propia “Fireball”, “The Mule” o “Strange Kind Of Woman”, con otros temas quizá no tan reconocibles pero de igual o superior valía artística que los anteriores como son los extraordinarios “Fools” y “No One Came”.
Sobresale la poderosa capacidad vocal de Ian Gillan y sobre todo la inconmensurable labor instrumental del guitarrista Ritchie Blackmore y del teclista Jon Lord, puntales básicos de esta mítica formación británica.

Javier Platas

Aquí les dejo un video de "Lazy" en vivo una gira por Escandinavia de 1972.

Ian Gillan, otro que no se anda con chicas, quizá pecando de soberbia, nunca le rindió a Blackmore la deferencia que él creía merecer, lo que hacía que la relación mutua por momentos se hiciera insufrible. Sin mencionar que, últimamente, Ian había empezado a hacer abuso de la bebida.  “Ian parecía haber enloquecido a causa del alcohol. Daba la impresión de querer ser un fastidio tan grande como lo fuese Ritchie”, recuerda Roger.

Todo este escenario pronto sumió a la banda en un profundo tedio y los roces no tardaron en hacerse presentes: primero, como bromas pesadas; luego, en ataques personales. Y Glover se ganó el papel principal como víctima de una de esta serie de bromas pesadas. En una ocasión, lo desnudaron y lo arrojaron al hall del hotel; haciendo gala de un autocontrol impresionante, Roger se dirigió al mostrador, pidió sus llaves y tomó  el ascensor, en medio del escándalo de los horrorizados huéspedes.  El rol de bufón le estaría por siempre reservado, cada vez que Blackmore anduviera cerca, no salvándose en Rainbow ni en la vuelta de la Mark2.


Aquí les dejo un video de "Fireball" en vivo en estudio de TV, y con un montón de tarados bailando y jodiendo el video... en fin, es lo que hay.

Durante todo este periodo, el setlist de la banda permaneció casi inmutable, debido a las ya mencionadas restricciones de tiempo. En un esfuerzo por reposicionarse en USA, se intentó montar una mini versión del Concerto en el Hollywood Bowl que los ayudara a promocionarse de cara a sus giras americanas, pero aquí no les resultó como en Inglaterra y fallaron como escopeta de feria. Finalmente, la gira se dividió en varios tramos y terminó frustrándose por problemas de salud, luego de los cuales volvieron a Inglaterra a tomarse un mes de vacaciones.

El tiempo apremiaba y los contratos exigían un próximo álbum que se esperaba fuera tan exitoso como su predecesor. Lo que se supone sería un mero trámite, terminó por consumirles gran parte del segundo semestre, y sus buenos deseos de terminar el disco en un par de sesiones, fueron hechos trizas y acabaron repitiendo la historia de In Rock, haciendo las primeras tomas durante septiembre, entre medio de presentaciones de TV, festivales franceses y el esperado Gemini Suite en vivo.


Ya para fines de junio, se graban las mezclas finales de Demon’s Eye, el cual fue incluido en algunos shows, y los Purple salen con álbum nuevo bajo el brazo. También trataron con Anyone’s Daughter, pero a ésta no le fue tan bien y pronto la desecharon. El merecido descanso llegó en agosto, abocándose completamente a la promoción de Fireball durante septiembre, que alcanza a ser top de ventas tal como In Rock aunque no por mucho tiempo. “Sentíamos la presión de tener que sacar un superventas, algo a lo que yo no estaba acostumbrado”, recuerda Roger. “Si bien no es tan duro y agresivo como In Rock, me parece un disco mucho más admirable. Que no le haya ido tan bien, fue una decepción, pero decir que sea inferior, es una desconsideración tremenda. Fue un gran avance para la banda y una época de mucha exploración”.

Una gira nacional acompañó el lanzamiento de la placa, presentándose a tablero vuelto en el Royal Albert Hall, recinto que al poco quedaría vedado para el rock. Durante los meses siguientes, el setlist fue más cambiante de lo normal, ya que empezaron a experimentar con el material nuevo. Primero lo hizo No no No; luego Paint it Black sería remplazado por The Mule. Al cabo, Fireball también haría su debut en vivo, durante los bises.

Debe haber extrañado en demasía a los asistentes del primer show en Portsmouth, comprar el nuevo álbum y darse cuenta que no venía ningún Highway Star en el disco, canción creada de camino a alguna presentación. Ni hablar de Lazy, también en el show, pero desarrollada durante los ensayos. Al parecer, la banda ya se había hecho a la idea que Fireball tenía sus días contados en los escenarios.




Lista de Temas:
 1. Fireball
 2. No No No
 3. Demon’s Eye
 4. Anyone’s Daughter
 5. The Mule
 6. Fools
 7. No one Came
 8. Strange Kind of Woman (Remix 96)
 9. I’m Alone
10. Freedom
11. Slow Train
12. Demon’s Eye (Remix 96)
13. The Noise Abatement Society Tapes
14. Fireball (Instrumental)
15. Backwards Piano
16. No one Came (Remix 96)

Alineación:

- Ritchie Blackmore / Guitarra

- Ian Gillan / Voz

- Roger Glover / Bajo

- Jon Lord / Teclado

- Ian Paice / Batería

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Night Sun - Mournin' (1972) ---ScRaBBlE

Volvemos con una rareza que ya fue publicada en el blog y sirve como para empezar la semana. Atentos cabezones y entusiastas de la música progresiva; llega al blog un ejemplar "raro"; un ejemplar que al principio solo fue aceptado por un escaso público a nivel local y que conllevó a la desaparición de su banda progenitora siendo todavía una banda "en pañales" (solamente en tiempo; porque la calidad de su material es magnifico) y que luego se convertiría para los indagadores en el mundo progresivo, avant garde, ecléctico, en un disco de culto. Esta es la historia de Night Sun y su hijo llamado "Mournin". Un aporte del cabezón Leandro.


Artista: Night Sun

Álbum: Mournin'
Año: 1972
Género: Metal Progresivo, Progresivo Ecléctico
Duración: 40:54
Nacionalidad: Alemania

Night Sun fue una banda alemana de proto-metal formada en 1970, recordada en la actualidad por ser una de las primeras bandas en la escena del metal alemán junto a Scorpions y Lucifer's Friend, especialmente por su incursión en lo que más tarde se conocería como metal progresivo.
Night Sun se originó a partir de la banda de jazz de finales de los 60 llamada Take Five. Inicialmente se llamaron Night Sun Mournin', integrada por Bruno Schaab, Walter Kirchgassner, Knut Rossler y Ulrich Staudt, pronto retiraron la última palabra y lo usaron, en su lugar, como el título de su único trabajo discográfico Mournin', el cual se imprimió a través del sello Polydor Records en 1972. Producido por el respetado ingeniero y productor musical Conny Plank, el álbum, con notorias influencias de King Crimson y Black Sabbath, fue comparado con artistas como Uriah Heep, Atomic Rooster y sus compatriotas Lucifer's Friend.
Con un resultado siendo tal vez demasiado ecléctico y diverso para su época, la banda apenas gozó de un mínimo éxito en su escena local, provocando que Night Sun se separara prematura y permanentemente en 1973, sin ningún otro registro a su haber.
Su frontman Bruno Schaab obtendría un reconocimiento adicional cuando brevemente se unió al grupo de krautrock Guru Guru, a diferencia del resto de los miembros de Night Sun, quienes pronto cayeron al olvido,​ convirtiendo a Night Sun en una banda de culto y atrayendo poco a poco seguidores entusiastas con el origen tanto del heavy metal como del metal progresivo mismo.
Su actividad más reciente fue el re-lanzamiento en edición limitada de Mournin' a través del sello Second Battle en 2012

Wikipedia

Mournin' es el primer y único trabajo discográfico de la banda alemana de hard rock Night Sun, publicado en 1972. Se trata de uno de los primeros exponentes de lo que con los años sería conocido como metal progresivo, caracterizándose por la fuerte influencia del rock progresivo proveniente de finales de los años 60, mezclándose con la textura y la densidad del heavy metal de principios de los 70. Es considerado también como uno de los primeros álbumes de heavy metal provenientes de Alemania junto al álbum Lucifer's Friend de 1970 de la banda del mismo nombre.
El álbum contó con muy poca popularidad luego de su lanzamiento debido a la mezcla de sonidos tan poco usuales tanto en época como en locación, por lo que resultó no ser suficiente para mantener y animar a la banda a continuar con su carrera musical, provocando su separación tan solo un año después.
Producto de su inusual estilo, con el paso de los años se convirtió en una pieza fundamental para el posterior desarrollo del metal progresivo, volviéndose también una pieza de colección para muchos fanáticos del género musical, obteniendo además puntajes y reseñas muy elevadas y positivas de páginas especializadas como Allmusic.

Wikipedia

Dándole una pausa a la serie de música clásica que venía compartiendo aquí; hoy traigo un "raroide" que todo seguidor de la movida progresiva debe escuchar.

"Mournin" es el único trabajo de la banda alemana que solo tuvo 3 años de vida; sí.. Así como lo lees. "Night Sun" (Night Sun Mournin' en sus primeros días de vida) nació en 1970 a partir de una banda jazzera exitosa en la región llamada "Take Five" en los nostálgicos y lejanos 60's.

No es hasta 1972 que "Night Sun" decide tener un hijo llamado "Mournin'"; sustantivo que recibe por nombre luego de haber sido separado del nombre de la banda en sus inicios.

Un disco que muchos consideran pionero (o de los pioneros) de lo que luego se iba a llamar "Metal progresivo" debido a las fuertes influencias en sienten de King Crimson, Frank Zappa, Deep Purple, Black Sabbath, con un interesante giro en los lados.. Teniendo un primer lado muy "hard rock, heavy" con sintetizadores en algunas partes y  un "Crazy Woman" coqueteandole al vanguardismo; por otro lado tenemos un segundo lado muy detallado y cuidado; con música elaborada propia de la camada jazzera que llevaban los integrantes del grupo (sobretodo Bruno Schaab; quien luego de morir "Night Sun".. Emigró a "Guru Guru", banda jazzera experimental y Avant-Garde) que clausura nuevamente como empezó el primer lado.

Quizás por ser muy vanguardistas, muy eclécticos o muy avant-garde la banda gozó de poca popularidad y aceptación; teniendo solo una pequeña acogida entre el público local, por estos motivos la banda decide con solo 3 años de trayectoria finalizar el proyecto que había sido un fracaso (en cuanto a reconocimiento); cayendo en el olvido todos los miembros a excepción de Schaab. Con el pasar de los años la banda empieza a convertirse en un "raro" de la movida; y a su vez su hijo "Mournin'" se colocaba como un hito y una obra de culto para aquéllos interesados en la historia del metal progresivo y para aquéllos fanáticos de la movida progresiva ecléctica en todo su esplendor.

El último re-lanzamiento de "Mournin'" se hizo en 2012 por el sello "Second Battle".

Lista de Temas:
1. Plastic shotgun
2. Crazy woman
3. Got a bone of my own
4. Slush pan man
5. Living with te dying
6. Come down
7. Blind
8. Nightmare
9. Don't start flying

Alineación:

Bruno Schaab / Vocalista, bajista
Walter Kirchgassner / Guitarrista
Ulrich Staudt / Baterista, percusión
Knut Rossler / Órgano, piano, trompeta, fagot

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Pastoral - En El Hospicio (1975) ---ScRaBBlE

Lo pidieron en la lista de correo y gentilmente lo trae nuestro amigo Carlos el Menduco. Con letras rebuscadas y poéticas, creando un álbum melancólico y experimental en su sonido, el segundo álbum de estudio de Pastoral es uno de esos clásicos casi inconseguibles. Editado en 1975 bajo los arreglos y dirección de Litto Nebbia, dos años más tarde de homónimo álbum debut, el disco contó con las participaciones brillantes de músicos como Néstor Astarita en batería, Jorge Gonzalez en contrabajo (del trío de Litto Nebbia), Mozzalini en bandoneón y Carlos Testai en guitarra eléctrica, logrando un álbum muy bien producido, con un sonido bien logrado y equilibrado a nivel instrumental, que dejó en evidencia las posibilidades creativas del dúo, y que profundiza las temáticas abordadas en el primer disco (además aparece aquí una de las primeras letras del rock con explícito sentido ecológico: "Opresión Natural"). He aquí un curioso disco, tan introspectivo y melancólico como aclamado en su momento, excelente disco de uno de los dúos más emblemáticos y talentosos de toda la historia del rock argento.

Artista: Pastoral

Álbum: En El Hospicio

Año: 1975
Género: Folk rock
Duración: 41:49
Nacionalidad: Argentina


Hace mucho nos dejó este disco el Mago Alberto, con comentario y todo (como siempre) así que de nuevo lo revivimos:

Hay algunas figuritas difíciles de conseguir en cualquier colección y ésta es una de ellas, un verdadero incunable que hoy compartimos con muchísimo gusto y para el beneplacito de muchísima gente del blog cabezón.
Como una segunda avanzada del rock argento surgía espléndido, espontáneo, humilde, poético, comprometido, el dúo Pastoral, Alejandro y Miguel se habrían camino junto a la etapa mas triste de nuestra historia, allí por marzo del 76 con este proyecto titulado "En El Hospicio".
Pastoral tuvo a partir de éste, su segundo trabajo, un éxito inédito para esos años, no había nadie que curtiera un poco de nuestro rock vernáculo que no conociera alguna canción del dúo, y desde allí cada proyecto fue esperado con espectativa creciente, y siempre tuvieron la cualidad de superarse a ellos mismos y presentar en cada trabajo algo diferente, se supieron codear con cuanto músico conocido había en el ambiente rockero en ese momento, desde Billy Bond, Charly García, León Gieco, Crucis, Alas o Litto Nebbia (este último productor de esta obra), y tuvieron un público cautivo que los acompañó a cuanto concierto daban. Hasta que el genio compositivo de Alejandro quedara trunco en un accidente de auto frente al Planetario, una curva cerrada mal tomada a excesiva velocidad y un árbol, exponente máximo de nuestra naturaleza, como paradoja de su poesía, le cortó el sueño terrenal para siempre.
Miguel continuó una carrera solista, con altibajos y sin la respuesta por parte del público, dejando la escena local años mas tarde y refugiandose en la nunca ocasional y enigmática ciudad de Rio Gallegos, lugar donde tuve la suerte de conocerlo, compartiendo el escenario con León Gieco en ocasión de una gira en el año 1999, pequeñas perlas que se pierden en el tiempo y de las cuales sólo queda la anécdota.
Pastoral se convirtio con el tiempo en una banda de culto, y quizás toda la poesía de Alejandro y Miguel marcaron muchísimos corazones, en especial los femeninos, y a medida que pasan los años, la música y las letras de sus canciones siempre rondan por nuestros momentos especiales.
Un disco realmente muy difícil de conseguir en esta calidad, pero estos muchachos se lo merecen sobradamente.

Mago Alberto

Un disco que no puede quedar afuera del blog cabezón...

Vamos con la joyita de la semana traída por el Mago Alberto, un disco inconseguible en esta calidad que por ningún motivo debe quedar afuera de la memoria colectiva, por lo que representa, por su lírica, por todo.

Para aquel que recién llega a este blog y no conoce de esto, les comento que Pastoral fue un dúo de folk rock y rock progresivo argentino, integrado por Alejandro De Michele y Miguel Ángel Erausquin, caracterizados por un estilo desafiante y vanguardista, con música acústica, bellas melodías y letras con una marcada línea poetica. Su aparición se produjo en 1973. A lo largo de los años varios músicos los acompañaron, sobre todo en presentaciones en vivo: nuestro querido Daddy Antogna, Hugo Villarreal, Pedro Aznar y Oscar Moro, entre otros.
Este disco fue producido por Litto Nebbia.

Nos complace cada vez que podemos presentar este tipo de cosas en buena calidad y para que esta obra no se pierda, aquí tienen otra joyita que desde el blog traemos para hacer justicia y rescatarla del olvido, señoras, señores, un hito en la historia del rock argentino increíblemente perdido en el tiempo...
Luego del primer disco, grabado en pobres condiciones, sin apoyo en la producción y difusión, Pastoral afrontaba el reto de poder demostrar sus posibilidades a pleno de cara a la grabación de su segundo álbum.

Para su segundo disco cuentan con la producción artística de Litto Nebbia y la participación con su trío como grupo de apoyo. El resultado es uno de sus trabajos más célebres, En el hospicio, editado en 1975. Este disco (con una portada diseñada por el propio Alejandro, mostrando una estética casi gótica en sus fuertes contrastes de blanco y negro) profundiza lo insinuado previamente. La música de Pastoral era calma y de una sobria corrección técnica, sin alardes de virtuosismo pero con un evidente buen gusto en su instrumentación. Las armonías vocales eran uno de los sellos característicos del dúo, y en este disco se hace fuerte hincapié en ellas. A estas alturas, los focos de la prensa especializada se dirigían a la figura del introspectivo y discreto De Michele, que comenzaba a mostrarse como uno de los más grandes poetas argentinos. Otros, más allá de su temática, ponían el acento en su delicada voz de barítono.
En el hospicio fue un éxito en lo comercial, pero sobre todo en la faz artística: con letras que versaban sobre la locura, la muerte y la autodestrucción hasta llegar a pasajes casi nihilistas, Pastoral había definido su estilo y se diferenciaba claramente de otros grupos de la época por la profundidad de su propuesta musical.

Xantiago

Quiero atrapar el sol
en una pared desierta.
Me siento tan libre que
hasta me ahoga esa idea.
Me hace mal la realidad
de saber que el perro es perro
y nada más.
Quiero descolgar al sol,
chapalear entre las hojas,
estirar mi soledad,
correr entre los pasillos y buscar la realidad
de que el perro no sea perro
y nada más.
Encierro real; claustro de barro.
Sólo sombras, sombras.
Porque supe al despertar
que mis sueños eran ciertos
y mi propia realidad
superó la fantasía
de ser vos la fuerza que
de la nada hizo vida y me la dio.
Porque me dejan pensar
en toda esa gente humana
y después, para jugar, hasta me atan a mi cama.
Puedo ver la realidad
de que el perro sea perro
y nada más.

En El Hospicio

Litto Nebbia, productor del disco, relata sus recuerdos de aquel momento:

Allá por el año 75 un día aparecieron por mi casa los chicos del dúo Pastoral. Alejandro De Michele y Miguel Angel Erausquin. Me pedían que les produjera su nuevo disco. Sería su segundo álbum, también para el sello Cabal, donde habían registrado el anterior. El término Productor, tiene varias facetas. Puede ser quien banque económicamente la grabación, quien la dirija, quien haga los arreglos, quien elija el repertorio y así. En mi forma personal, siempre he estado ligado totalmente al plano Musical. Ha sumarle a un álbum, texturas y tímbricas que considero favorecen los temas y/o la interpretación del Artista. Si hacen falta arreglos, los hago. Si puedo tocar la guitarra o el piano, lo hago. Si solo tengo que dirigir la estética sonora, me ocupo de eso solo. En el caso de "En el Hospicio", ellos me pasaron en crudo las canciones. Abrí armónicamente algunas. Grabé otras con la base rítmica del Trío que mantenía en ese tiempo, Jorge "Negro" Gonzalez contrabajo eléctrico y Néstor Astarita bateria. Puse un bandoneón aquí, un órgano allá y de esa manera, hasta que consideré que el disco estaba terminado y preparado para que ellos pusieran sus voces. Sugerí la compaginación, y quise además realizar la mezcla final del álbum. Esto último no pude concretarlo porque la compañía no quería pagarme el trabajo. Creo que ha sido el álbum más exitoso de Pastoral a través del tiempo. En alguna de sus tantas reediciones, descubrí penosamente que nunca han puesto el crédito de mi tarea de producción y arreglos. Cosas de la Industria Discográfica. Mi relación con Alejandro y Miguel fue cálida, y la grabación del álbum se desarrolló siempre en armonía. Contábamos además con el divino Jorge da Silva como técnico de grabación. Creo que el bandoneón era Juan Jose Mossalini, antes que se marchara a vivir a Francia. Humildemente traté de crearles un clímax para las canciones, para que se luciera la característica vocal del dúo. También tratando de buscar un sonido que no se asemejara a Sui Generis, ya que al inicio "comercialmente" muchos pensaban que por ser un Dúo, se trataba de los mismo. Cierto que lo eran, pero las canciones eran bien distintas, estilísticamente.

Litto Nebbia

Sin dudas, "En El Hospicio" fue un éxito en ventas y posicionó al dúo como un referente de nuestro rock. Estoy seguro que varios cabezones se van a rasgar las vestiduras con la publicación de este disco en buena calidad.

Among the most famous Folk bands in Argentina, the Patoral duo was found in Buenos Aires in 1972 by Alejandro De Michele and Miguel Angel Erausquin, making their first live appearance during the autumn of 73'.The same year their acoustic self-titled debut was released on Cabal, but without any kind of promotion it went unnoticed.For their second album though they were helped by Litto Nebbia and his supporting group, while Nebbia helped Pastoral also with the production of the album.''En el hospicio'' was released in 1975, again on Cabal.
Pastoral's music is based on delicate and deeply lyrical acoustic songs with an intense Latin atmosphere due to the constant presence of vocals.Nothing to do with complex arrangements or multiple instrumental ideas.This is a pure Acoustic Rock/Folk work, mainly headed for those capable of understanding the Spanish language, with little variations or changing moods.The music remains soft all the way, the atmosphere is overall melancholic and rather depressive, but both voices of De Michele and Erausquin are beautiful and warm with a sensitive touch, somewhat overcoming the music parts of the album.Some tracks present a richer sound, featuring short and smooth electric solos, light organs and pianos and the presence of Nebbia's rhythm section and the sound obviously comes a bit closer to Folk Rock.But even these are played under a very gentle and elegant atmosphere, although there are some space for instrumental parts.
Hard to judge this one.''En el hospicio'' is far from the fundamentals even for Prog Folk fans, but its unique atmosphere and fantastic lyrical content are hard to met.Recommended, especially if you like emotional acoustic soundscapes.

apps79

Is some difficult to explain what Pastoral really is for those who grew up, as i did, in the Argentina of middle seventies and first eighties. Those where terrible years for my country, years of violence and political chaos. Pastoral was a duet formed by Alejandro De Michele and Miguel Angel Erausquin. The first of both was the songwriter of the most songs and it would be and act of justice to name it as one of the best lyrics writers born in South America. His words are bleeding, aching, depressive.. some times near of poets like Rimbaud or Baudelaire. His words talk about death, madness, loneliness... or the mother womb. En el Hospicio is one of the best argentine songs of all times and tells about the story of a friend of Alejandro De Michele, who fell in madness and he was driven to a mental health hospital ´til finally he suicided falling down from a window. I hope to translate to english in the best way i can but is something like "i want to catch the sun into a desert wall... i feel such a free man that even i am being drowned by the idea... It makes me ill... the reality to know the dog is just a dog and nothing else... I want to unhook the sun... to run through the corridors.... to breathe my own loneliness and to look for the reality of knowing the dog is not a dog and nothing else... Real cage... mud cloister.. shadows... shadows... Why don´t they let me thinking of all that human people? And then, just to play, they tie me up against my bed... It makes me ill.. the realito to know the dog is just a dog and nothing else". That is the idea... Desperation, disolation, frustration... Terrible and poetic. If we attempt to the lyrics of ·Hurgando la Genialidad" (and asking for your understanding about my effort to translate it in the most correct way) De Michele writes "I feel tired of hearing you justifying silly phrases spoken by worn-out kings of the old chess game... I am tired of labeling the beautiful, prostituting each hour of nature light... Fool genius.. You are dying coz you are mortal..." Well, these examples could give you and idea about the topics and the language in the lyrics. Musically Pastoral is basically an acoustic duet with some influences of folk of latest sixties and early seventies, but with a personal style also... I think is perfectly and act of justice to include them in a site dedicated to prog rock coz they were all time into a prog attitude and they were always searchers of new ways of expression, even when the prog direction is easier to find in the following albums, specially the third (Humanos) and fourth (Atrapados en el Cielo), when they explored a lot of new musical horizons.

Rodolfo

Espero que lo disfruten...

Lista de Temas:
1. En el Hospicio
2. Gustavo Esfumado Tras las Hojas
3. Opresión Natural
4. Folk-dos
5. Desde que
6. Grifana la Mujer
7. Es una Flor de Cartón
8. Instrumental a Secas
9. Hurgando la Genialidad
10. Alejándome Cada Vez
11. Hombre Moneda

Alineación:
- Alejandro De Michele / Voz y guitarra
- Miguel Angel Erausquin / Guitarra y voz
Con:
Litto Nebbia / Piano, guitarra
Jorge Gonzalez / Contrabajo
Nestor Astarita / Bateria
Carlos Testai / Guitarra
Juan Jose Mozzalini / Bandoneón

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