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[Ornithology • 2017] Myzomela irianawidodoae • A Colourful New Species of Myzomela Honeyeater from Rote Island in eastern Indonesia ---ScRaBBlE

Myzomela irianawidodoae Prawiradilaga, Baveja, Suparno, Ashari, Ng, Gwee, Verbelen & Rheindt, 2017  photo:   Philippe Verbelen  e-journ...

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Wednesday, March 20, 2019

Premiata Forneria Marconi - Emotional Tattoos (2017) ---ScRaBBlE

Otro de los aportes de nuestro amigo Lino, ahora nuevamente con la gran banda progresiva italiana por excelencia: Premiata Forneria Marconi en su último disco de este mismo año, trabajo que tiene una versión en inglés y otra en italiano, y otro disco del cual no hablaré demasiado porque recién lo empiezo a escuchar ¿mi primera impresión? Bueno, lean un poquito más que la entrada recién empieza... De este trabajo, la banda comenta que ya en la portada vemos novedades como esa nave espacial que muestra cómo PFM se encamina a lugares que nunca antes había explorado, con sonidos renovados. Piensan sus integrantes que los tatuajes emocionales a los que hace mención el título del álbum dejará, precisamente, emociones a flor de piel.

Artista: Premiata Forneria Marconi
Álbum: Emotional Tattoos
Año: 2017
Género: Rock progresivo italiano / Pop rock
Duración: 61:54
Nacionalidad: Italia


He sido un gran admirador de PFM desde que escuché "Per un amico" del año 1972. No solo por sus momentos maravillosos, sino también que fue mi entrada al mundo de rock progresivo italiano, imagino que del mismo modo les habrá pasado a ustedes también. Y cuando escuché que van a lanzar un nuevo álbum de estudio sólo esperé que la misma no sea un fiasco. Vamos, la Premiata es una banda muy extraña, después de lanzar docenas de álbumes durante los 70 y 80, solo uno en los 90 es un verdadero camaleón en el nuevo milenio, lanzando solo dos esfuerzos reales de estudio y los experimentos creativos con "Drácula" y el álbum de Mozart, ahora aquí se embarcan en una fusión de pop-rock ligero con progresivo, con un "Emotional Tattoos" que se lanza en dos formas, en inglés y en italiano (aunque nunca escuché la versión en inglés y probablemente nunca lo haga), y marca la incursión de PFM en el pop. Claro, es un buen pop y al escucharlo pensé en el último disco de Steven Wilson. Lo que tenemos aquí es más de 60 minutos de buen pop con chispas de progresivo, mayormente notorio en algún instrumental. Y... ¿Entonces es "Emottional Tattoos" un buen disco? Bueno, depende de con qué lo compares, obvio que no es ni remotamente tan bueno como sus álbumes clásicos, pero ojo que aquí el estilo es distinto entonces no los podemos comparar. Pero como álbum pop deberíamos decir que es excelente. Entonces ¿qué es lo que diferencia lo bueno y lo malo más allá de nuestras expectativas?. Creo que justamente lo que lo diferencia son nuestras expectativas, por lo que te recomiendo escuchar este disco sin expectativa alguna...
De este trabajo, la banda comenta que ya en la portada vemos novedades como esa nave espacial que muestra cómo PFM se encamina a lugares que nunca antes había explorado, con sonidos renovados. Piensan sus integrantes que los tatuajes emocionales a los que hace mención el título del álbum dejará, precisamente, emociones a flor de piel.





Comenzaron a componer el disco en 2016 y lo grabaron desde inicios de este 2017, el cual se ha registrado tanto en inglés como en italiano. Con este disco, intentan sonar desde como era de esperar a los PFM más clásicos, pero pasando por música clásica al estilo Mozart, música de películas, grandes atmósferas... 'Emotional Tattoos' se puede observar desde varias perspectivas. Lo dicho anteriormente con el disco de Eloy: no voy a hacer una reseña de un disco que no escuché lo suficiente, por lo que prefiero dejar el comentario de un tercero que opina sobre el último trabajo de los tanos de oro en su nuevo experimento.

No nos esperábamos un disco de PFM a estas alturas, y es que desde 2013 no sabíamos de ellos, pero ya ven, en vez de “bicho malo nunca muere” tenemos que decir que “músicos buenos siempre sorprenden”.

La banda es decana del progresivo italiano y una de las supervivientes de aquellos grupos que florecieron en los primeros setenta en el país que hace siglos fue un imperio. Tal vez fue la persistencia, tal vez el hecho de ser muy eclécticos y mezclar el rock, el prog y la música clásica.

Históricamente deberían ser reconocidos a la altura de Yes o Camel, y espero que en su país lo sean. No se prodigan en giras internacionales, o al menos no por aquí, y esto es un factor que cuenta. Sin embargo, en Japón siempre están en las listas de éxitos. También están en el UK Classic Rock Hall of Fame de los 100 artistas más importantes del mundo, en la posición número 50.

'Emotional Tattoos' marca el regreso de la banda a su sonido tradicional después de los experimentos que resultaron ser sus dos discos anteriores. Lo primero que llama la atención es el sonido claro. El hecho de que sean siete músicos no afecta la limpieza del sonido. El bajo juega un papel protagónico en estos momentos en que los productores han decidido enterrar el instrumento bajo capas de ruido.

El sendero que siguen las canciones es el de un rock progresivo de corte melódico. La voz de Franz Di Cioccio es la típica de cantantes como Andy Tillison de The Tangent. Y como ellos y muchos otros grupos de prog, que para eso es el prog, van dando giros a sus canciones de maneras impredecibles. Ya sean arreglos orquestales, un timbre de moog, momentos guitarreros y dulces baladas, siempre hay un cambio, una manera diferente de ver las cosas.

Igualmente ocurre con las letras, que están relacionadas porque muchas hablan de la conexión que existe entre la música y los sueños de una manera casi esotérica. El disco no tiene altibajos y resulta imposible destacar una composición. Las 11 piezas están magistralmente compuestas, engarzando partes que juegan muy bien con el resto. No parece haber una ruptura dentro de cada pieza y los cambios radicales solo aparecerán en la próxima pista.

Vale destacar, ese toque bromista mezclado con folk de “A Day We Share” o el inicial toque bluesy de “There's A Fire In Me” que luego cambia a una orquestación basada en las cuerdas, dos de las piezas centrales que muestran además que no se ha utilizado el concepto de poner el gancho al inicio. No hay gancho comercial de hecho, esto es una apreciación continua de bellas melodías.

Han hecho una versión de doble CD, en la que cantan las mismas composiciones, con diferente título, en inglés e italiano. El disco fue grabado entre mayo y julio de 2017 en los Metropolis Recording Studio con Alessandro Marcantoni.
Tony González



Lista de Temas:
CD 1 - Italian version
1. Il Regno (7:12)
2. Oniro (6:06)
3. La lezione (5:08)
4. Mayday (5:56)
5. La danza degli specchi (6:03)
6. Il cielo che c'è (4:55)
7. Quartiere generale (5:27)
8. Freedom Square (Instrumental) (4:47)
9. Dalla Terra alla Luna (5:57)
10. Le cose belle (5:16)
11. Big Bang (5:07)

CD 2/ 2LP - English version
1. We're Not An Island (7:12)
2. Morning Freedom (6:06)
3. The Lesson (5:08)
4. So Long (5:56)
5. A Day We Share (6:03)
6. There's A Fire In Me (4:55)
7. Central District (5:27)
8. Freedom Square (Instrumental) (4:47)
9. I'm Just A Sound (5:57)
10. Hannah (5:16)
11. It's My Road (5:07)

Alineación:
- Franz Di Cioccio / drums, vocals
- Patrick Djivas (Zivas) / bass
With:
Lucio Fabbri / violino, 2nd keyboards, 2nd guitar, vocals
Marco Sfogli / guitar
Alessandro Scaglione / keyboards
Alberto Bravin / additional keyboards, vocals
Roberto Gualdi / 2nd drums





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14 Bis - II (1980) ---ScRaBBlE


Y ya que empezamos el día con Hermeto... ¿Qué les parece si seguimos con Brasil?. Para presentarles a 14 Bis, una banda de rock progresivo pero bien en la onda brazuca, con mezcla de bossa nova y bastante pop, y los presentamos con su segundo disco titulado justamente "II". Con un estilo entre Camel, Gal Costa, Lito Vitale, Beatles, Milton Nascimento (quien partiipa en éste disco como invitado) y Tom Zé (sin pretender ser demasiado exacto, aclaro) pero con innovaciones armónicas, vocales e instrumentales. Luego de este disco, la banda comenzaría a cambiar poco a poco su estilo, deslizándose hacia un Pop-Rock radial pero de notable calidad, llegando así a su cuarto álbum "Além Paraíso" (1982) donde culminarían su carrera artística. En todo caso, una disco y una banda muy interesantes para conocer.

Artista: 14 Bis
Álbum: 14 Bis II
Año: 1980
Género: Rock progresivo / Pop Rock / Folk Rock
Duración: 35:58
Nacionalidad: Brasil


La banda tomó su nombre del avión "14 Bis" de Santos-Dumont que voló en 1906, se formaron a finales de los 70 en el estado de Minas Gerais, Brasil, cuando los miembros de dos bandas, la sinfónica O Terço y el popular Bendegó decidieron fusionarse. El género musical de 14 Bis es bastante variado, mientras que la banda siempre mencionó a The Beatles y al cantante brasileño Milton Nascimento como sus principales influencias, pero su música contiene fuertes elementos folclóricos y de música popular brasileña (MPB) más la influencia del rock progresivo a lo Emerson Lake & Palmer, Yes y el estilo del rock progresivo italiano como PFM y Le Orme también son bastante evidentes en muchas de sus composiciones, como en el uso de teclados analógicos y arreglos vocales complejos.
La banda (todavía activa en 2008) alcanzó el pico de su éxito durante los años 80 con composiciones notables y la interpretación de canciones brasileñas populares. Es gracioso que, quizás debido a su estilo suave, de clima alegre, feliz y relajante de muchas de sus composiciones, la banda fue bastante popular entre los niños. Y es que pareciera que la banda pudo plasmar la inocencia de la infancia en sus discos y en su estilo, pero esta muestra de inocencia no oculta que también fueron ¿o debería decir son? un grupo muy talentoso.







En los decadentes años 80, ellos demostraron que había una audiencia para este tipo de música elaborada, y aunque los críticos los consideraban una banda con un estilo obsoleto, por fortuna sus canciones eran muy populares y encontraron un nicho entre los brasileros que aprendieron a amar la manera de tocar rock progresivo en los años 70. Como de costumbre, hay algunas referencias aquí y allá, especialmente con un gesto a los Beatles y The Rolling Stones en los arreglos.
Encontré que este CD es muy agradable. Y muy apreciado por los fanáticos, por cierto. Tiene momento de picos muy altos e interesantes, pero también el álbum sufre de una falta de homogeneidad y una calidad desigual de las composiciones. El trabajo de voces y armonías es sin embargo impresionante. Las partes más interesantes son aquellas en las que Flávio Venturini está involucrado en la composición, quien aporta una dimensión progresiva real a los temas, aunque en general más ligero, más pop y menos pomposo.



Así que se los dejo para que lo conozcan... y si en el blog cabezón queremos hacer conocer las cosas perdidas de nuestra música latinoamericana, no podemos dejar a 14 Bis de lado!


Lista de Temas:
1. Bola De Meia, Bola De Gude (Fabric Ball, Marble Ball)
2. Cacador De Mim (Hunter of Me)
3. Planeta Sonho (Planet Dream)
4. 14 Bis (part I) - 14 Bis (part II) (Instrumental)
5. Nova Manha (New Morning)
6. Pra Te Namorar (To Love You)
7. Esquina De Tantas Ruas (Corner of Many Streets)
8. Carrossel (Carroussel)
9. Pedras Rolantes (Nas Ondas Do Radio) (Rolling Stones (in the Radio Waves))

Alineación:
- Flávio Venturini / vocals, keyboards and acoustic guitar
- Vermelho / keyboards, bass and vocals
- Magrão / bass, acoustic guitar, percussion and vocals
- Cláudio Venturini / Electric guitars, acoustic guitar, harmonica and vocals
- Heli Rodrigues / drums and percussion
Guest musicians:
Milton Nascimento / acoustic guitar (1)
Tavito / 12 string guitar (2), 10 string guitar (8) and percussion (1)
Kimura / hamonica (3 and 6)
Marcos Fernandes / vocals (9)






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Arritmia - Redes (2016) ---ScRaBBlE

En su primer álbum-manifiesto, presentamos a los Arritmia, una banda chilena que deambula entre el rock crudo, pop bien desarrollado, pero al mismo tiempo instrospectivo y explorador. Sin entras en ghettos musicales que encasillan a una banda en un estilo, la banda se lanza en un interesante desarrollo por la vía de ritmos electrizantes, guitarras con carácter y bajos movedizos, son algunos de los elementos que definen su base instrumental. Mientras que las voces aportan con melodías desgarradoras y letras que van desde vivencias personales hasta experiencias colectivas como el malestar social, la superficialidad, el desamor y el deseo de reencontrarse con uno mismo. Aquí empezamos otro día en el blog cabezón que se sigue sumergiendo de cabeza en el buen under latinoamericano.

Artista: Arritmia
Álbum: Redes
Año: 2016
Género: Rock pop progresivo
Nacionalidad: Chile


"Ni la mentira más grande podrá ocultar...la verdad, tú verdad". Conflicto que reina en nuestro entorno y mente. Con líricas que abordan la vanidad y el doble estándar presente en la sociedad actual, invitando a la búsqueda de nuestra propia personalidad, se lanza Arritmia a buscar la suya en busca de un viaje de denuncias, confesiones y revelaciones. Influencias hay a montones, pero ninguna de ellas es definitiva para la búsqueda de la banda.





"Rock Bipolar. Ritmos electrizantes, guitarras con carácter y bajos movedizos. Melodías desgarradoras en la voz y letras que te harán vibrar". Así se denominan a sí mismos los Arritmia, banda chilena bien actual, dentro de un rock progresivo clásico. Un juego de instrumentos, voces y arreglos que también es llevado a la parte melódica, con una combinación de preguntas y respuestas entre los estimulantes sonidos que dan forma al disco, que a veces busca la serenidad que parece romperse por momentos pero que siempre termina volviendo a la calma, pero como conteniendo la furia.
Arritmia es una agrupación que nace a fines del año 2013 con la intención de crear su propio sonido dentro del Rock. Ritmos electrizantes, guitarras con carácter, bajos movedizos y profundos, son algunos de los elementos que definen su base instrumental. Mientras tanto las voces aportan con melodías desgarradoras y letras que van desde vivencias personales hasta experiencias colectivas como el malestar social, la superficialidad, el desamor y el deseo de reencontrarse con uno mismo. Durante los años 2014 y 2015 con la difícil tarea de la autogestión por delante, la agrupación graba lo que sería su primer trabajo de estudio, el álbum Redes, lanzado el 1 de abril de 2016, el cual fue presentado en vivo en Sala Master de Radio Universidad de Chile. Al mismo tiempo la banda empezaría a plasmar el trabajo compositivo de los años anteriores en tocatas dentro del circuito santiaguino, llamando la atención por su particular y poderoso sonido en vivo, elemento muy comentado en cada presentación del grupo musical.

Con un sonido perfectamente representativo del mensaje que pretende transmitir cada canción: la duda existencial sobre quién es uno mismo. No podemos negar que se trata de un disco claramente introspectivo aunque a veces el ritmo de las canciones no lo parezca, y cuyo ánimo reflexivo queda reflejado, no sólo en la letra, sino también en la composición instrumental, y no puedes dejar de prestar atención hasta que la última nota deja de sonar del todo. Arritmia ha sabido innovar con un sonido humano, sincero y real, mientras en el disco se dan vuelta y se reinventan buscando su propio rumbo. Un disco interesante, que no tiene momentos descollantes pero que es sobretodo sincero y no decae, reivindicando el esfuerzo de buscar tu propia identidad. La de ellos y la de todos.

Pueden escuchar y comprar su disco completo en su espacio de Bandcamp

https://www.facebook.com/arritmia.music
https://www.twitter.com/arritmiamusica
https://www.instagram.com/arritmiamusica


Lista de Temas:
01. Ninfomanía
02. Despídete de mí
03. Redes
04. Una historia más
05. El Viaje
06. Imposible
07. Segunda Piel

Alineación:
- César Gutiérrez / voz
- Aldo Gajardo / guitarra
- Carlos Cornejo / bajo, coros
- Diego Burgos / batería, coros
Invitado:
Benjamín Acevedo / bajos en tracks 1,2,3,4 y 6







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Leo Felipelli - Holograma (2017) ---ScRaBBlE


Indie, electrónico, rock y pop. Ahora presentamos una suerte de EP casero que realizó Leo Felipelli, un músico argentino que nos presenta su proyecto, con bocha de sintes, bajo, guitarra, voces y programación (una roland TR-09), luego de mezclar y seleccionar los temas, llegamos a este EP final, canciones con cierta impronta spinettiana, armonías jazz-friendly, valiéndose de la influencia de discos como "Madre en años luz" (Spinetta Jade), "Modern Clix" (Charly García) y "Varios nombres" (Hugo Fattoruso), en música basada en experiencias que atraviesa todo ser humano en una movida artística, creativa e innovadora. Los invito a conocerlo a este tal Leo, el resto depende de ustedes.

Artista: Leo Felipelli
Álbum: Holograma
Año: 2017
Género: Pop rock indie
Duración: 14:10
Nacionalidad: Argentina


Desde 2005 a la fecha tocó en varias formaciones musicales como La Secuela (prog rock), Lapislázuli (prog rock) y su banda actual, Mismo Ser (rock). En 2017, produjo los Ep’s "Mutar" y "Holograma", interpretando todos los instrumentos. Leo representa un nuevo panorama argentino de la música, cercano a Spinetta y a muchos otros clásicos, pero alejado también de ellos en su estética general. Elementos de la música latinoamericana de todos los tiempos y el rock clásico argentino, más una atmósfera moderna, indie y electrónica. Sus bases mantienen un ritmo sólido que forman melodías dulces que se funden con la suave voz de Leo, y sin renunciar a un camino experimental, se explayan temas cortos en un cuasi formato canción, donde la importancia no está tanto en el despliegue instrumental (aunque tiene algunos desarrollos muy interesantes) sino una expansión melódica basada en las líricas.
Un trabajo para que investiguen por ustedes mismos... ya saben, esto es tarea para la casa.







Sabemos que estás cansado de escuchar siempre las mismas canciones en todos los sitios de Internet. Tranquilo, no eres el único. Así como vos, nosotros también estamos hartos de no encontrar algo diferente en este mundo virtual. Si lo pensamos un poco, es extraño que siendo el Internet tan vasto, casi infinito, nos topemos una y otra vez con los mismos temas. Por algo debe ser... habiendo las maravillas que pululan por todos lados, alguna razón debe haber. Y esa razón no está lejos del movimiento general del sistema, pero eso es otro tema y del que ya hemos hablado en repetidas veces.

Al fin de cuenta, por algo existe el blog cabezón, si el ambiente sería distinto y siempre primara el arte en nuestra sociedad, seguramente nosotros no estaríamos acá, y nadie nos extrañaría. Pero... la cosa es muy distinta, y por eso nos vemos en la necesidad de divulgar estos nuevos jóvenes artistas. Alguien se puede preguntar "¿pero qué pasa con las bandas que están iniciando y no tienen algún contrato con una discográfica?". Si estos grupos quisieran que sus canciones aparecieran dentro de Spotify, por ejemplo, tendrían que apegarse al estricto reglamento del mercado. Si buscan alternativas libres, probablemente carguen su material a sitios underground, que debido a su naturaleza oculta, pasan casi inadvertidos porque no tienen apoyo o difusión.

Ritmos electrónicos que juegan entre el synth pop y el indie rock, pero que no deja de lado la influencia del rock clásico y menos el argentino, así como la música latinoamericana en general, con ritmos sólidos nunca pasarán de moda, en una línea muy sólida.

Ya está presentado, como decía antes, el resto dependerá de ustedes... Pueden escuchar el disco desde su espacio en Bandcamp.



Lista de Temas:
1. Ausencia
2. Enjambre
3. Abismo estelar
4. Historia real
5. Holograma vital

Alineación:
- Leo Felipelli / Voces, guitarras, sintetizadores, bajos, Nord Electro, Nord Drum, programación de baterías, grabación, mezcla y edición




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David Byrne - The Catherine Wheel (1981) ---ScRaBBlE

A mí me parecía raro que el Mago Alberto nunca había presentado nada del músico, escritor, productor, actor, director y artista David Byrne, uno de los artistas que más influyeron a la generación actual de músicos independientes, porque sé que le gusta, pero acá lo tienen, y justamente presentado por el Mago. Aquí, David Byrne junto a un equipo de lujo que incluye muchachos como Adrian Belew, Brian Eno, Bernie Worrell (Parliament-Funkadelic, Talking Heads), Yogi Horton (John Lennon, Aretha Franklin, etc.) y varios músicos más, que acompañan este disco que se debe centrar dentro de lo más interesante lanzado en la musicalmente decadente década de los 80. Aquí, el inclasificable David Byrne lanzando este experimento tan paricular que se dió a llamar "The Catherine Wheel"....

Artista: David Byrne
Álbum: The Catherine Wheel
Año: 1981
Género: Pop rock / Experimental
Nacionalidad: EEUU



"The Catherine Wheel" es la banda de sonido creada por David Byrne para la obra homónima de Twyla Tharp estrenada en Broadway el 22 de Septiembre de 1981, en el Winter Garden Theatre en New York City.
Y quizás hay algunos que no conozcan al señor Byrne, así que rebobinamos un poco...
David Byrne (Dumbarton, Escocia, 14 de mayo de 1952) es un cantante, guitarrista, compositor, cineasta y actor escocés nacionalizado estadounidense desde los 8 años. Es un músico destacado y fue miembro fundador, vocalista y compositor de la banda Talking Heads (1975-1991).
Wikipedia

Aquí, los tracks "Big Blue Plymouth", "My Big Hands", "Big Business", y "What a Day That Was", fueron tocados en vivo por los Talking Heads en 1982 y 1983; las ultimas dos canciones aparecen en el film Stop Making Sense , y "What a Day That Was" aparece en el album.
Hechas las presentaciones necesarias para que todos puedan más o menos entender de qué va esto, aquí está el comentario del Mago Alberto que nos cuenta sobre este álbum.
Cabezonas/es open mind, acá tienen un disco para ustedes, ¿que disco?? DISCAZO!!! una producción del más alto nivel a cargo de David Byrne, musicalizando el espectáculo de danza de Twyla Tharp; "The Catherine Wheel". El espectáculo se estrenó el 22 de septiembre de 1981 en el Winter Garden Theatre de la ciudad de Nueva York. Generalmente se dice que la realidad siempre supera la ficción, pero esta regla no se cumple aquí, el vuelo de este disco, dividido en pequeñas piezas, son como un compilado de imagenes oníricas, que cada vez que lo escuchas se renuevan hasta el infinito, y deja de ser meramente una producción discográfica, acá hay muchísimo más de lo que cualquier oyente puede esperar, encima no está contaminado con las estúpidas frases rítmicas típicas de los 80, así que no se pierdan esto por nada del mundo.
Música profunda, trival, tecno-afro (si se me permite el término), bajo un contexto de sensaciones, de dolor, pasión, misterio.
Conocemos perfectamente el talento de Byrne, pero esta magnífica obra es la muestra más acabada de lo que circulaba en aquellos años por su mente, una enorme cantidad de fragmentos que te llevan de emoción en emoción, pinceladas de un cuadro estelar. Sin dudas esta es la mejor obra de David Byrne.
Muy buenos momentos van a pasar escuchando esta obra, un disco atrapante de principio a fin. Así que ajusten cinturones que van a volar muy pronto de esos sillones.
Esto si que lleva pocas palabras. No es necesario, se explica solo. Brian Eno y Adrian Belew, acompañan... que tull?
Mago Alberto





Luego de toda esta etapa, sus producciones para bandas sonoras lo acercaron más que nunca a la música instrumental y clásica. Experimentó con los ritmos latinos desde el sello Luaka Bop, colaborador incansable junto a su viejo amigo Brian Eno.Todo eso se puede decir del señor Byrne, y mucho más...


En la contraportada del disco en vivo de Talking Heads, Stop Making Sense (1984) (soundtrack de la película del mismo nombre, dirigida por Jonathan Demme), se leen algunas preguntas: ¿por qué dejar de tener sentido?, ¿de dónde vienen los movimientos extravagantes?, ¿por qué un traje grande? Éstas parecieran evidenciar lo que David Byrne se ha propuesto a lo largo de su carrera artística: crearnos extrañeza y maravillarnos en ella, ante lo absurdo convertido en arte.

Talking Heads fue ese grupo de la escena punk neoyorquina que, incluso sólo con verlos, rompía con el estereotipo que apenas estaba formándose. Mientras que Richard Hell afirmaba pertenecer a la generación vacía vistiendo ropa sostenida apenas por seguros, los Ramones aceleraban el rock n’ roll de los cincuentas y principios de los sesentas en su uniforme de chamarras de cuero, jeans y tenis, y Blondie y Patti Smith daban dos versiones muy diferentes de feminidad en el rock, una sensual y otra aparentemente asexuada, Talking Heads eran juzgados de pretenciosos, usando frases en francés en “Psycho killer” y luciendo como estudiantes universitarios.

De hecho, el núcleo de Talking Heads se conoció en la Rhode Island School of Design: Chris Frantz, Tina Weymouth y David Byrne fueron compañeros de universidad hasta que este último abandonó “porque los pobres son mejores que el resto”. Ese es el tipo de declaraciones David Byrne suele hacer, similares a esas frases que hacen memorables sus canciones, como “me enamoré de una hermosa carretera”, u “odio a la gente cuando no es amable”. Otro ejemplo: “I wish I was a postcard”, la segunda línea de “Everybody’s coming to my house”, primer sencillo de su más reciente álbum American Utopia (2018). Nacido en Escocia en 1952, David Byrne fue un niño tímido y curioso que de grande quería trabajar de cartero para leer las tarjetas postales en su saco mientras hacía sus entregas. Gracias a sus performances como estudiante y a su personalidad errática, a The Artistics, primera versión del grupo, solían llamarle “The Autistics”. Años después, Byrne escribió en su diario: “era un chico peculiar… Asperger, supongo”.

En un periodo de 15 años, Talking Heads añadió a su música elementos punk, new wave, funk, disco, latinos y africanos, pero desde el principio ésta fue clasificada como art rock; terminaron contando con piezas de artistas como Robert Rauschenberg, Howard Finster y Ed Ruscha para sus discos. Andy Warhol fue uno de sus primeros fans famosos, además de Lou Reed. Brian Eno tituló una canción suya “King’s lead hat”, un anagrama del nombre del grupo, y Susan Sontag fue vista en uno de sus conciertos. David Bowie le confesó a Byrne imitar su forma de cantar en el tema “DJ”; nada mal para alguien que, en palabras de un crítico musical, sonaba como si estuviera a punto de gritarle a su mamá.

Byrne capturó la atención del público y fue identificado como líder del trío, pronto convertido en cuarteto al integrar a Jerry Harrison. Sus ideas, dentro de la música y fuera de ella, incluyen frecuentemente referencias a las pequeñeces y ridiculeces de la vida contemporánea estadounidense, y no tardó en convertirse en ícono cultural americano: alguien a quien escuchar lo que tenga que decir, aunque parezca un disparate, como entrevistarse a sí mismo o hacer música con edificios. Tal fue su reconocimiento que en 1986, la revista Time le dedicó su portada, nombrándolo “hombre del renacimiento” por su trabajo como músico, cantante, compositor, cineasta, actor, escritor y fotógrafo, entre otros. El acontecimiento abrió una grieta más en la siempre lastimada relación con sus compañeros de grupo, especialmente entre él y Tina: hubo allegados que creían que esa tensión era porque ella estaba enamorada de Byrne, aunque fuera la mujer de Chris, el baterista.

A la par de su trabajo con el grupo, Byrne compuso la música para The Catherine Wheel (1981), obra de la coreógrafa Twyla Tharp y colaboró con Brian Eno en el disco My Life in the Bush of Ghosts (1981), quien produjo tres discos para Talking Heads (25 años después, Byrne y Eno volverían a editar un álbum firmado por ambos, con el título Everything That Happens Will Happen Today (2008)). Dirigió la película True Stories (1986) y el documental sobre religión africana en Brasil llamado Ile Aiye: The House of Life (1989). El afamado director Bernardo Bertolucci vio True Stories en un festival de Florencia, donde los asistentes se levantaron de su asiento para bailar en los pasillos, a lo que afirmó: “ése es mi sueño, hacer que la gente baile frente a una de mis películas”. La experiencia hizo que el italiano solicitara a Byrne la música para The Last Emperor (1987), junto a Ryuichi Sakamoto y Cong Su, por la que ganaron un premio Óscar; Ennio Morricone y John Williams estaban nominados también, éste último dos veces.

Para cuando Talking Heads dejó oficialmente de existir, Byrne ya había editado su primer disco solista, Rei Momo (1989), de ritmos latinos como salsa, cumbia, merengue y son cubano, editado por su propio sello, Luaka Bop. Con él, ha difundido artistas fuertemente influidos por las raíces musicales de sus países de origen, muchos de los que sin duda Donald Trump calificaría como “shitholes”, como hizo a principios de 2018 para referirse a Haití, El Salvador y países africanos. Ante los cometarios racistas del presidente de Estados Unidos, David Byrne no se quedó callado y compartió con sus seguidores una breve crítica acompañada de una playlist de música de África y del Caribe. No sorprende entonces su proyecto multiplataforma actual, llamado Reasons to be Cheerful: un intento de contrarrestar el clima político y social de nuestros tiempos con expresiones alentadoras que pueden tomar cualquier forma: charlas, textos, canciones o presentaciones, entre otras, con la intención de brindar esperanza a quien les preste atención.

De Reasons to be Cheerful se desprende el álbum American Utopia, cuya gira está a punto de alcanzar tres escenarios mexicanos: el Teatro Metropólitan de Ciudad de México (3 de abril), el Auditorio del Pabellón M en Monterrey (5 de abril) y el festival Corona Capital en Guadalajara (7 de abril). Tres oportunidades de escuchar a uno de los artistas que más influyeron a la generación actual de músicos independientes, un hombre del renacimiento, y preguntarse: ¿de dónde vendrán esos extravagantes movimientos?
La Zona Sucia


Bueno, otro aportazo del Mago... directo a la Biblioteca Sonora.


Lista de Temas:
1. Light Bath (instrumental
2. His Wife Refused
3. Adé (instrumental
4. Walking (instrumental
5. Two Soldiers
6. Under The Mountain (instrumental
7. Dinosaur (instrumental
8. The Red House
9. Wheezing (instrumental
10. Eggs In A Briar Patch
11. Poison
12. Cloud Chamber
13. Black Flag (instrumental
14. My Big Hands (Fall Through The Cracks)
15. Combat (instrumental
16. Leg Bells (instrumental
17. The Blue Flame (instrumental
18. Big Business
19. Dense Beasts (instrumental
20. Five Golden Sections (instrumental
21. What A Day That Was
22. Big Blue Plymouth (Eyes Wide Open)
23. Light Bath (1:10)

Alineación:
- David Byrne / bass, guitar, Oberheim OBX (5,6,11,21) & Prophet synths, triggered flute (1,23), piano (7,16,19), Fx (5,10,19), clavinet (7), organ (13,19,20), percussion (12,14,17,19), vibes (13,20), vocals (2,11,14,16,18,21,22), composer & producer
With:
Dollette McDonald / vocals (11)
Susan Halloran / vocals (22)
Adrian Belew / electric (5,9,10) & steel drum (2) guitars, Fx (6)
Brian Eno / bass (3,5,10), guitar (3), piano (5), vibraphone (10), Prophet synth (17), composer (3,5)
Bernie Worrell / MiniMoog (2), piano (2,15), clavinet (18)
Jerry Harrison / clavinet (10), organ (19), percussion (12)
Richard Horowitz / flute (17)
Douglas Gray / euphonium (20)
Yogi Horton / drums, Concert toms (22)
John Chernoff / percussion, congas (3,5), gong (2,10,20), piano (15), guitar (18), composer (4,15,16,18)
Twyla Tharp / percussion (12)
John Cooksey / drums (21)
Steve Scales / congas (21)





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Shura Multivac - El Valle Inquietante (2017) ---ScRaBBlE

Shura (ahora Multivac) aterriza nuevamente en el blog cabezón con su rock scifi para seguir presentando sus discos, ahora con "El valle inquietante" su último y más que recomendable disco que contiene 10 canciones que continúan el concepto sonoro y lirico de "Sonidos de la Tierra" (2012), disco lanzado de manera independiente y que hace poco trajimos a colación en este blog perdido en la inmensidad del universo de Internet, pero siempre tan cerca de las cosas realmente artísticas que se hacen acá cerca y por gente amiga. Como en este caso, por ejemplo. Los temas de Shura Ruchtein siguen utilizando imágenes fantásticas para contar universos personales, con canciones que desde la base acústica casi de cantautor se despliega hacia el rock y el pop, formando una dicotomía contínua, un art rock de la mejor calidad para un muy buen disco salido el año pasado.

Artista: Shura Multivac
Álbum: El Valle Inquietante
Año: 2017
Género: Art rock
Nacionalidad: Argentina


Isaac Asimov planteaba en sus obras un futuro donde los humanos podrían dedicarse al ocio y las artes debido a que los robots nos reemplazarían en la fuerza de trabajo. Se supone que son el pie para crear un futuro más justo para todos, y que estaríamos a salvo de cualquier error gracias a las tres leyes de la robótica. Sin embargo, no solo ese momento aún está lejos, sino que está cada vez más lejos porque justamente utlizan la robótica para reducir personal, y por tanto utlizan la robótica para generar un paisaje completamente opuesto al planteado por Asimov. Convengamos, eso sí, en que la robótica (y la tecnología de idéntica manera) no es lo que genera el problema, sino que el problema es hacia donde los direccionan quienes detentan el poder.
... las sonrisas forzadas, los ojos vacíos de expresión, el factor impredecible de las nuevas tecnologías, y la ficción que nos entrenó para temerles, entre otras cosas. Una de las teorías que mejor explica el fenómeno es la de Uncanny Valley, el “valle inquietante“. Esta dibuja una función donde se relaciona el parecido de varios objetos con un humano, y el sentimiento que genera en quien lo ve. La teoría postula que esto nos genera tranquilidad sólo hasta que son demasiado parecidos, y ahí los sentimientos positivos se desvanecen. Sin embargo, si el objeto es efectivamente humano, esta sensación se invierte completamente para permitir relajación y confianza. Esta curva en la función es el “valle inquietante“, una pronunciada bajada que se acentúa aún más cuando un objeto está en movimiento.
La teoría fue postulada por el especialista en robótica Masahiro Mori en 1970, y se ve validada con el desarrollo de la tecnología de las últimas décadas. El postulado básico es que un robot claramente no-humano nos parece adorable, pero uno que simula demasiado un comportamiento humano sin ser perfecto, es perturbador.


Bueno, imagino que de ahí es que llegó la idea de este "Valle Inquietante", un disco más emotivo que inquietante, rock pop muy artístico y con algo de psicodelia. Y eso no es extraño. Musicalmente, recordemos que la psicodelia fue el sonido alumbrado por los nuevos desarrollos tecnológicos de su momento (la música electrónica concreta y el rock espacial, entre otros) y por el imaginario que traía la carrera espacial, eso sumado a la revolución sexual, por la fuerte introducción del pensamiento oriental, la vida en comunas, el ecologismo, las protestas sociales ante el escenario bélico configuró toda una época y una actitud y movilizó a los jóvenes hippies de entonces. No es raro, entonces, que esta música que si bien es un rock-pop, tenga fuertes dosis de psicodelia no solamente en su música sino también en los vuelos líricos. En este mestizaje entre rock, pop y psicodelia, Shura funda las bases de una especie de fusión que nos permite hablar de una expresión musical genuina.
Shura [Multivac] es el proyecto musical de Shura Ruchtein, oriundo de Buenos Aires, Argentina. El Valle Inquietante es su segundo disco. Es la continuación del "Sonidos de la Tierra" (2012) disco editado como Shura & Monos en Trance.
El Valle Inquietante, presenta 10 canciones originales, mezcladas y producidas por Nicolas Magistrelli y Shura Ruchtein. Ejecutado y arreglado por varios músicos de la escena local.

"El Valle Inquietante" es un excelente experimento para complacer tanto a los públicos más exigentes como a los más acostumbrados a escuchar el rock pop tradicional y comercial, en un momento donde la necesidad de dejar plasmada nuestra huella para marcar un camino se hace evidente. Otro muy interesante disco, muiy bien producido, excelentemente interpretado, con el mismo espíritu de su anterior disco pero también con vueltas de tuercas, con sonidos (sobretodo de batería) muy ochentosos,




Shura tiene, en esta oportunidad, nuevos acompañantes pero la misma alma aventurera y cantautora, una nueva plataforma de despegue para una banda que se presenta fresca, reflejando una vibra emocional especial en cada canción.


“El Valle Inquietante” (2017), es el segundo disco de Jorge Shura Ruchtein, esta vez bajo el alias de SHURA [MULTIVAC] .
Son 10 canciones que continúan el concepto sonoro y lirico de “Sonidos de la Tierra” (2012), disco lanzado de manera independiente bajo el nombre Shura & Monos En Trance (disco de buena aceptación en los medios lo que les valió ganar el MICA 2013, apadrinados por Pedro Aznar).
A diferencia de aquel proyecto aquí el énfasis esta puesto en el uso de sintetizadores, guitarras eléctricas, voces procesadas y programaciones.
El disco fue coproducido y mezclado por Shura y Nicolás Magistrelli, en el Estudio Submarino Naranja.
Las composiciones de Shura Ruchtein siguen utilizando imágenes fantásticas para contar universos personales.
Canción Retro futurista para el corazón Sci-fi. El lugar en donde la ciencia se junta con la ficción y el rock-pop con lo experimental.
Un universo marcado por grandes obras del cine y la literatura en el que conviven personalidades como Carl Sagan, La Dimensión Desconocida, David Cronenberg, John Carpenter e Isaac Asimov. Las cuales son referencias tan fuertes y palpables como las influencias sonoras de Gustavo Cerati, Charly Garcia, L.A. Spinetta, y gran parte de la música inglesa y norteamericana de la década de los 80`s.
El titulo “El Valle Inquietante” alude a una teoría científica, una metáfora para explicar la curva de las reacciones humanas en el campo de la robótica, pero los investigadores sugieren que puede ayudarnos a entender otros aspectos de la mente humana, como el funcionamiento de la empatía.
Conceptualmente, las letras abordan las dificultades de conexión real en tiempos de inmediatez y vínculos artificiales. Y los sentimientos oscuros que surgen de esa alienación.
La búsqueda entonces fue unificar ese concepto con el tratamiento sonoro adecuado. Un sonido distinto al habitual, tan característico y original como las canciones que lo conforman.
El disco fue grabado por destacados músicos de la escena independiente porteña: Eduardo Rottari (sobreviviente de Monos En trance) guitarras eléctricas y coros.
Ignacio Gaztañaga (bajo) y Emiliano Garcia Remine (batería) base rítmica de TRIOL, entre otros muchos proyectos. Santiago Szulman (PARQUE MONTAÑA) la mayor parte de los sintetizadores.
Nicolás Magistrelli en guitarras, sintetizadores, programaciones y percusión.
Shura grabo voces, guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores, programaciones y compilo los samples que se escuchan a lo largo el disco.
Que sea Rock



Un ritmo zigzagueante, letras voladoras y un cantautor para ir al espacio para un nuevo y sofisticado concepto de rock en Argentina. Bienvenido Shura al blog cabezón. Es hora de que los cabezones los conozcan!


Lista de Temas:
1. El Niño Dentro del Robot
2. Vida Artificial
3. Lovver
4. Casi un Lugar Seguro
5. Arecibo
6. Energia Oscura
7. Voz Me Dictas
8. La Ciencia No Para
9. Síntesis
10. Uróboros


Alineación:
- Shura Ruchtein / Guitarra eléctrica, Bajo Sintetizador; Sintetizador, Voz, Coros, Programación, Samples
- Emiliano Garcia Remine / Batería
- Ignacio Gaztañaga / Bajo
- Eduardo Rottari / Guitarra eléctrica.
- Santiago Szulman / Sintetizadores.
- Nicolas Magistrelli / Sintetizador, Programación
Invitado:
Leandro Pazos / Octapad





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Nocheósfera - Interiores (EP - 2017) ---ScRaBBlE

Ahora viajamos a Chile para mostrarles otra faceta del under latinoamericano con este dúo que ofrece música delicada y oscura, tomando elementos del shoegaze, del noise, el rock alternativo el dark y hasta del dream pop y synthpop, repleto de atmósferas melancólicas, buscando contrastar la belleza natural de un mundo atemporal con la fragilidad de la vida humana, en base una música que se desenvuelve en un plano atmosférico, incorporando sonoridades electrónicas, programaciones, samples vocales, entre otras, en base a composiciones muy cuidadas y sonidos limpios. Les invitamos ahora a conocer otra de las bandas que se presentaron en el blog cabezón, y que tuvimos el gusto de escuchar. El resto, será cosa de cada uno de ustedes...

Artista: Nocheósfera
Álbum: Interiores
Año: 2017
Género: Dark / Shoegaze
Duración: 19:55
Nacionalidad: Chile


Nocheósfera nace el año 2016, integrado por Francisco Hofmann (voz y guitarra) y Paula Martínez (bajo y sintetizadores). Este EP contiene cinco canciones y ha sido el resultado de un año de experimentación sonora que llevan por variados pasajes oscuros y matices sonoros que contrastan entre corrientes del pop y el rock.
Nocheósfera es un dúo formado por Pau Red y Francisco Hofmann, nace en Chile en el año 2017, con sonoridades influenciadas por Noise Rock, Dream Pop, Shoegaze y Witch House.

Su música apunta al sentir humano y la búsqueda por generar una controversia en el cómo vivimos en sociedad. Esto plasma en las líricas una visión misantrópica, cuestionando el antropocentrismo y los principios que rigen la sociedad. El disco fue producido, grabado y mezclado por Francisco Hofmann y Paula Martínez de forma casera
No solo ricos queso y uvas nos entrega la ciudad de Ovalle, sino que también hay una camada de nuevos artistas que nos regalan interesantes propuestas que van desde el rock más puro al pop. Justamente eso y más muestra el dúo limarino Nocheósfera, quienes acaban de lanzar su álbum debut “Interiores”, un EP de cinco canciones que navegan por sonidos propios del shoegaze y dreampop.
La banda integrada por Paula Martínez y Francisco Hofmann, actualmente radicados en Viña del Mar, llevan su pololeo más allá, concretándolo en un proyecto que a todas luces resulta interesante al escuchar, más aún cuando se hizo de forma tan casera y sin muchos recursos. Si bien la masterización se hizo en Estudio Tarkus, la composición, grabación, mezcla y producción del EP fue realizado por el dúo en la intimidad de su hogar.
“Soñar”, “Lapislázuli”, “Viaje de Mar”, “Espejos” y “Adiós” son los temas que componen el debut discográfico de ambos compositores, que también son parte de la banda ovallina Keygen, donde muestran su cara musical más rockera y cruda.
“Keygen marcó un antes y un después en lo que respecta a mi visión de la música, fue la primera vez que pude conectar con alguien en el tema de composición, junto con Soria creo que aprendimos hartas cosas, fue un proceso súper bonito. Influyó bastante en este proyecto para serte honesto. Con Keygen seguimos activos, pero son sonidos distintos que nos gustan por igual”, señala el dúo.
Influencias de Sonic Youth, Björk y “Al Sol de Noche” de Miss Garrison se ven plasmados en este EP, que claramente se presenta como una de las revelaciones de este semestre. Los invitamos a escuchar “Interiores”, a continuación:
Cristobal Galleguillos




Con la oscuridad de Santa Sabina, la melancolía de Radiohead, lo etéreo de Björk, el art rock de Muse, la emotividad de Sigur Rós, la electrónica de Kraftwerk o Tangerine Dream, el indie de Arctic Monkeys y el pop de Depeche Mode, todo ello unidos en la propuesta de una misma banda que suena muy bien y los invito a escucharlos y conocerlos.

"Tiene una influencia noise pop, trip hop, un estilo más noventero. Fusionamos la corriente del rock, que nosotros tenemos como súper fuerte y el pop que empezamos a indagar recientemente. Nos influenciamos de grupos como Radiohead, Sonic Youth y en lo más electrónico a Crystal Castles".
Nocheósfera


Convengamos que la estructura general de las canciones me pareció muy agradable, dulce y delicada, aunque las canciones de base (mejos dicho, batería) electrónica a mí no solamente no me gustan sino me molestan bastante, sobretodo cuando suenan con ese estilo plástico que me suena tan ochentoso. Pero el resto de las canciones, aquellas más etéreas que no requieren de la inclusión de elementos percusivos salvo ocasionales y sutiles incursiones, me convencieron mucho más. En todo caso, me parece una muy buena propuesta como para que se den una vuelta y los conozcan y disfruten.
Otra muestra de la grandiosidad y diversidad de la escena under latinoamericana.

Un viaje a los Interiores de Nocheósfera
Sobre la explanada de posibilidades que se tejen dentro del universo de la música, existen ciertas maneras de mirar y concebir un producto totalmente acorde al clima que rodea a los involucrados. Muchos de estos conjugan un catastro de ideas finamente maquilladas por todo tipo de adornos y progresiones, las cualen encumbran hacia un rumbo de identidades claras o bien se pierden dentro de ese abismo de trazos inconclusos. El caso de Nocheósfera no es del todo claro, pues su Ep debut utiliza este segundo aspecto, forjando un trasfondo que da pie a un trabajo extrañamente único y efectivo. Algo así como un nuevo descubrimiento.
Intentar definir el sonido del Interiores de Nocheósfera es tal vez un ejercicio no del todo útil. Acá no se trata de encasillar, ni mucho menos de intentar racionalizar los paradigmas que definen su esencia, pues la gracia de un trabajo como este se haya más bien entre el limbo de lo intuitivo y sensitivo. Los aspectos cercanos a lo atmosférico, danzan de manera mágica en esa mezcolanza que alcanza tintes Dream Pop, bajo una capa de posibilidades que lo atrae hacia vértices como el Trip Hop y las incontables progresiones rebozantes de distorsión Noise. Es ahí la clave de temas como Sueños, la cual aborda lo pasivo/agresivo de manera oscura pero épica, o la catarsis de Espejos, situada en un universo distante de resonancia musical.
En sólo 5 canciones, Nocheósfera logra algo tan mágico y alejado de toda escritura previa al significado de lo que significa hacer música. Ahí yacen temas como Lapislázuli -quizás la joya del Ep – dispuesta a ser encapsulado como una declaración de principios del dúo o la inquietante pero certera Adiós. Incluso hay lugar para una posible vocación Pop subterránea con Viaje de mar, canción que le aporta otra bifurcación del espacio – tiempo propio de las leyes de la física general a su sello. Interiores es esto y mucho más. Un disco distinto a lo distinto, complejo a lo complejo, pero con un corazón tan grande como una estrella brillante dentro de los horizontes más oscuros del cosmos. Se merecen un Nobel.
Expectador

Pueden escuchar y descargar el disco desde el espacio de la banda: https://nocheosfera.bandcamp.com/album/interiores

Lista de Temas:
1. Soñar
2. Lapislázuli
3. Viaje de Mar
4. Espejos
5. Adiós

Alineación:
- Pau Red
- Francisco Hofmann





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