Poil - Dins O Cuol (2012) ---ScRaBBlE

La vanguardia está de joda: cuatro canciones demenciales salidas de la locura, paridas por un trío de dementes generando el más intrincado RIO francés y lanzando un arcoiris de sonidos que conforman un disco díscolo especialmente recomendado para los enfermos que disfrutan del disco de Industrial Soup que hace poco trajo el Mago Alberto, responsable también de traer a estos delirantes franceses. También gustará a los amantes del Zappa más extremo, a quienes gusten del Avant Metal con su ensalada de estilos enfermos. Un diso para caer en la catatonia rítmica, ideal para que en este fin de semana el cerebro les quede como el flancito del colifa del gordo Casero. Y debo decir que este disco me lo hizo conocer el Mago al poco tiempo que nos conocimos. Un disco especialmente dedicado por el Mago a Callenep y Marce J. Tull, y para todo cabezón de ley que no tenga miedo a adentrarse en los sonidos más extraños, raros y dementes que haya creado el ingenio humano.

Artista: Poil
Álbum: Dins O Cuol
Año: 2012
Género: RIO / Avant-Prog
Duración: 40:09
Nacionalidad: Francia

Aquí un verdadero grupo de vanguardia y rock in opposition, que combina la locura y libertad propia del género y lo hace con mucho virtuosismo.
Ellos dicen que como punto de partida, fueron bastante influenciados por Zappa o por varios artistas clásicos como Chopin o Stravinsky, y también de las bandas sonoras de las películas de Chaplin, je. Y algo de ello se nota. Yo me imagino lo que deben ser los ensayos de estos tipos, tocando hasta cualquier hora mientras se bajan litros de bebidas espirituosas, fumando porquerías de las que pegan más duro y cagándose de risa a más no poder. Esa vitalidad ácida está impresa en el disco, y que ya que estamos, debemos decir que no es el mejor que han sacado, se van a venir algunos torpedos de esta banda... pero eso ya es otra cuestión.
Aquí los dejo con la presentación del Mago Alberto, que dice de estos franceses lo siguiente:

Cuando lo conocí al Vampiro hace unos años, este fue el primer disco que le compartí en un pendrive, pero por supuesto ni se debe acordar donde está el pendrive, así que directamente vamos a reseñar este trabajo de Poil, un trío francés que se las trae, y que junto a bandas como NI, Scherzoo, Chromb, Icsis conforman un movimiento que podríamos encasillarlos en el RIO más extremo o un Avant Prog delirante, pero lo que sí es seguro es que a estos muchachos los sacan un par de horas del hospicio y los vuelven a meter adentro, esa es la única explicación de lo que hacen.
Antoine Arnera, tecladista y voz, hace un trabajo tan espectacular que bien vale la pena emparentarlo con el tecladista de Industrial Soup, por eso recomiendo muy especialmente este disco a Callenep y a Marcelo J. Tull quienes disfrutaron ese disco. Los frenéticos fraseos pasan de lo vibrante a una intensidad propia de los riff de guitarras, pero Arnera lo hace todo todito con las teclas, así que doble mérito por ese buen gusto.
Hay un sincronismo tan perfecto en los arreglos sincopados y complejos que denotan muchísimas horas de ensayo y demencia.
Segundo trabajo de Poil, una catarata de sonidos que te traspasan el cerebro como los stereos de Santana y de la cual es difícil sustraerse.
Verdaderamente la escuela academica de estos franchutes es de excelencia, y el resultado es una producción repleta de fragmentos donde se puede apreciar la ductilidad de estos muchachos en un formato bastante particular, teclados, bajo y batería, pero que les rinde sobremanera.
Para los entendidos del RIO más intrincado, para los amantes de Zappa, de Primus, esto es parte de la ensalada.
Acá no hay nada lineal, esto es una fiesta de ácido en mal estado, esto es como encontrarse en un boliche a las 4 de la mañana con Charly García, la Tota Santillan, la Kermesse Redonda, Billy Bond, el Pity Alvarez, el Diego y El Vampiro, todos en estado catatónico.
El último track tiene un espacio en blanco de varios minutos, pero es parte de la locura.
La irreverencia y el desenfado de Poil llegó al blog cabezón, no sabemos si es una buena o mala noticia pero acá están para que puedan averiguarlo.

Mago Alberto

Esta locura, en el único lugar que puede caer para presentártelo, es en el blog cabezón. Solamente cuatro canciones donde despliegan todo su alegre caudal imaginativo hasta el límite...

El primer tema "Tronche À Cul" suena como Zappa mezclado con Zeuhl pero también hay toques de un post-punk bizarro, pop y punk punzante sobre la base de una densa complejidad experimental, y esto es tan alegre que hasta te podrías imaginar que podríamos bailar con sus canciones, pero en realidad si lo intentas vas a ver que no podemos... Todo suenamuy cínico, divertido pero muy adictivas a la vez, mientras que sentimos una llama innovadora a través de su paisaje sonoro mágico y distintivo.

La siguiente canción "Trouille Cosmique" puede definirse exactamente como una carrera de trepidante vértigo musical. El desarrollo caleidoscópico es frecuente y abundan los sonidos coloridos y atractivos, todo alusivo a ideas explosivas. A veces cercano a un RIO-funky como Zamla Mammas Manna, a veces con sonidos pesados ​​y ritmos rápidos como disparos de ametralladoras delirantes, con el sintetizador creando melodías teatrales con excentricidad y versatilidad.
La tercera pista es una obra maestra llamada "Dins O Cuol" con su loca inteligencia, el tema está inundado de sonidos traviesos y voces que no pueden (ni quieren) cantar con seriedad y menos son solemnidad, todas son malformaciones sonoras pero unidas bajo una misma gracia que los termina haciendo ver, aunque ellos no quieran, como algo "elegante" dentro de su bizarrada. Interesante sin embargo. Es de destacar no solamente el virtuosismo de estos locos sino además todo el juego vocal que despliegan... no hay solamente joda, esto es diversión inteligente que sale luego de muchas horas de trabajo.
En el último tema "Le Vilain Mandarin" podemos sentir otra vez su magnífica indignación sonora. Creo que intentan sonar escandalosos, de hecho. Bueno, si hay algún sonido bullanguero, bullicioso, revoltoso, alborotador, inquieto, juerguista, lo vas a encontrar en este disco.

Aquí, una fantasía distorsionada creada por una banda de increíbles delirantes que se hacen llamar Poil y muestran el estilo francés (este disco representa muy bien las extravagancias realizadas por los franceses) de muy buena gana. Ideal para zambullirse y sumergirse en su paisaje sonoro y pasarla realmente bien en una buena noche de joda. Eso sí, no cualquier joda, que esto no tiene nada que ver con Los Pericos!.


Lista de Temas:
1. Tronche À Cul
2. Trouille Cosmique
3. Dins O Cuol
4. Le Vilain Mandarin

Alineación:
- Antoine Arnera / keyboards, vocals
- Boris Cassone / bass, vocals
- Guilhem Meier / drums, vocals

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François Bréant - Sons Optiques (1978) ---ScRaBBlE

La verdad que no tengo idea de cómo llego "Sonidos opticos" a la Biblioteca Sonora, a veces los cabezones me recomiendan disco, o mandan cosas, o piden... todo es bastante caótico en el blog cabezón pero es porque hay mucho movimiento. Sea como sea, pido perdón a los que seguramente dejo de lado pero no crean que es por mala onda, sino porque detrás de bambalinas hay tanto movimiento que hay cosas que se me traspapelan. Comentado eso, les comento que alguien dejó este disco del artista francés de Avant Progcercano al Zeuhl, música muy poco accesible, como una mezcla entre Magma y Univers Zero pero siendo una música muy difícil de clasificar, aunque algunos pasajes pueden parecer ridículamente sencillos, pero no es un álbum recomendado para todo el mundo, aunque vale la pena que le peguen una escuchada, ya que es un raro pero gratificante disco de prog francés, un logro admirablemente ecléctico de un artista ignoto que quizás debería haber sido más conocido fuera de su país natal.

Artista: François Bréant
Álbum: Sons Optiques
Año: 1978
Género: RIO / Avant-Prog / Experimental
Nacionalidad: Francia

François Bréant es uno de esos personajes ineludibles de la música francesa, a finales de los 60 fue el tecladista de Cruciferus, banda que grabó el legendario y oscuro "A Nice Way Of Life" (ahora uno de los discos franceses más codiciados) para luego por pasar por muchos de los principales grupos franceses de la época. Tocaba seguido con muchos de los miembros de Magma en diferentes proyectos. Durante la última parte de los 70s se convirtió en uno de los principales protagonistas musicales del cantante francés Bernard Lavilliers, cuyos conmovedores textos y letras referidos a su condición de ex convicto y verdadera figura rebelde de la izquierda lo convirtieron en un icono de culto en la escena francesa. A finales de los 70, grabó dos álbumes solista, repletos de electrónica y el inevitable toque de la voz del Zeuhl, a menudo cerca de RIO, aunque el segundo disco está mucho más orientado a la electrónica.
Bréant ha escrito muchas obras de teatro y ballet, películas y trabaja como arreglista de muchas estrellas.

Este disco produce una sensación especial quizás por la increíble mezcla de influencias. El concepto a lo largo del álbum es una descripción sonora de las diferentes etapas de la vida de un niño durante la Segunda Guerra Mundial. Esta idea cinemática tiene su correlación en la música, por supuesto. Ya la foto de portada muestra a Bréant aferrándose a lo que parece ser un carrete de película de 35 mm: una pista visual de la naturaleza cinematográfica de su música completamente instrumental. Puedes escucharlo en la primera fanfarria dramática que abre el disco, completada con escalofriantes gritos y ominosos arpegios de piano. Y quizás, si supiésemos francés, podríamos discernir si la narrativa imaginaria tiene su correlato con los títulos de las canciones.

La energía de los primeros temas no se mantiene durante todo el álbum, y en el medio del disco Bréant parece apretar tantos sonidos como puede, pero la música es notablemente inferior a la primer sección. Pero ello no hace mella en su calidad perdurable.
Un puñado de viejos compañeros de bandas y conocidos músicos ayudaron con las grabaciones, como el guitarrista Marc Perru, con quien Breant colaboró ​​en todos los grupos anteriores, como el bajista de Magma Guy Delacroix, y varios miembros de la antigua banda Nemo (no confundir con los Nemo actuales): el instrumentista de vientos Albert Marc'ur, el bajista Pascal Arroyo, el baterista Emmanuel Lacordaire y Didier Lockwood en violines.

La flexibilidad musical de Breant ya era conocida desde el pasado y "Sons optiques" es otro buen ejemplo de sus diversos gustos musicales en la composición. Su teclado y su trabajo de piano dominan todo el álbum y Breant explora los territorios y límites entre diferentes campos, como música electrónica, Zeuhl, jazz, jazz fusion y Avant-Garde. Esta combinación no termina de sonar del todo homogénea y quita un poco de la consistencia del álbum, pero el resultado general es realmente experimental de una manera positiva, con Breant ofreciendo una actuación virtuosa, con algunas texturas de piano inventivas y disonantes, a menudo coqueteando con oscuros paisajes de Avant-Garde, y una atmósfera realmente espacial creada por sus sintetizadores. Lo ayudan los violines y las percusiones para hacer que este enfoque suene aún más extravagante. Otras pistas están más cerca de jazz y la fusión, especialmente cuando lso saxos toman el relevo, con magníficos movimientos de piano y sintetizador y todo el grupo de respaldo ofreciendo una base sólida. Hasta estas piezas tienen una sensación cósmica general debido a la extraña electrónica de Breant.

La extraña mezcla de sonidos de "Sons optiques" es realmente atractiva e inventiva. Recomendado, especialmente si te gustan los trabakjos más experimentales, electrónicos o de vanguardia que aparecen en el blog cabezón. Eso si, me quedo con la intriga de saber quién fue el que compartió este disco...


Lista de Temas:
1. Les journaux annoncent le guerre Generique
2. Vacances a Concorneau
3. De retour a Paris
4. Scenes de foule et de pursuite pendant le Carnaval
5. Dilemme de Jeanne au restaurant Chinois
6. Survol del Rio
7. Et retrouvailles avec Bruno
8. Baiser au crepuscule et Fin
9. Les souffleurs de Verre
10. L'age d'or a Montlhery

Alineación:
- Francois Breant / piano & digital keyboards; vocalizes
Eric Letournex / alto saxophone
Jean-Luis Chautemps / tenor saxophone
Albert Marceur / percussion
Emmanuel Lacordaire / drums & percussion
Guy Delacroix / bass
Pascal Arroyo / bass
Didier Lockwood / violin
Marc Perru / guitar

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Frank Zappa - Rotterdam 1980 (Bootleg - 1980) ---ScRaBBlE

Y aparece el Mago Alberto para darle color a este lunes. Porque sigue trayendo figuritas difíciles, bootlegs, rarezas, y con la mejor calidad de sonido. Aquí lo tenemos a Frank en Rotterdam en un bootleg especial, difícil de conseguir en esta calidad, todo un acto de magia coon toda la magia del blog cabezón.

Artista: Frank Zappa
Álbum: Rotterdam 1980 (Bootleg)
Año: 1980
Género: Avant Garde / Experimental
Nacionalidad: EEUU


Los dejo, de una, con el comentario del Mago Alberto sobre esta bootleg que hace magia...

Si existe una materia difícil en La Escuelita de Moe, es ésta, y se llama Frank Zappa. Un militante antimperialista como pocos, un tipo que defendió la libertad de expresión toda su vida, que dió cátedra de principios ante políticos y los señores tijeras del país del norte, que con su música extraordinaria como pocas, su humor ácido y su ironia letrística cuestionó la sociedad norteamericana, la iglesia católica, el neoliberalismo y los pacatos hombres de negocios, un verdadero e indiscutido luchador de los derechos humanos, un antisistema declarado. Un genio enorme de nuestra época moderna.
Si bien hay varios posteos de su material en el blog, y nos vemos en la obligación de seguir engrosando los mismos con verdaderas joyas que el seguidor y fan de Zappa sabrá apreciar.
El presente es un concierto de 1980 realizado en Rotterdam, en la Holanda Meridional, año en el cual Zappa no había lanzado ningún álbum de estudio, un bootleg soundboard que suena excelente, la mayoría de las canciones pertenecen a "You Are What You Is" que se grabaría en Los Angeles después de la conclusión de la gira, y otras de "Joe's garage", y de el Sheik Yerbouti, un mix de esos que solo FZ podía producir.
Este set list se puede encontrar en otros bootlegs muchas en versión mono, y otras con intervenciones de locución y propagandas, debido a que el concierto fue emitido por una radio FM local, esta es la versión estereo sin interrupciones y completa.
Para destacar el solo de guitarra en Easy Meat, demostrando porque es y será considerado como uno de los más grandes violeros de todas las épocas.
Concierto para disfrutar en cualquier momento, dejarlo que se meta en nuestra piel, al fin y al cabo el Frankie es como un tatuaje, una vez que se te mete en la piel no se te va más.
Una muestra de como sonaba Zappa en vivo en aquellos años, placer absoluto para egresados y principiantes de oídos inquietos.

Mago Alberto

"AHOY, EIGHTIES!"
FRANK ZAPPA AND A STRANGE NEW DECADE
1980 found Frank Zappa at an interesting point. He had not released a single record that year, having released five (yes FIVE) records in 1979, including the triomphant "Joe's Garage, Acts I, II & III". A tour of the USA and Europe for March through July of that year had been booked, though with a smaller band than usual, including Arthur Barrow on bass, Ike Willis on guitar and vocals, Ray White on guitar and vocals, and Tommy Mars on keys. Vinnie Colaiuta, Zappa's most recent (and perhaps greatest) drummer,- had reportedly attempted to squeeze a raise out of Frank (a big no-no), and as a result was replaced at the last minute by David Logeman, a Berklee graduate who beat out 54 candidates for the gig, and did an admirable job considering the impossible shoes he had to fill.
The repertoire consisted largely of tunes that would comprise the "You Are What You Is" album, which would be recorded back in Los Angeles after the tour's conclusion (featuring "Sirat Abuse" by newcomer Steve Vai, who was not yet a part of the band during this tour). 11 songs in total were performed from that as-yet unrecorded LP, accompanied by a generous helping of "Joe's garage" tracks (which did much to highlight Colaiuta's absence) as well as some Zappa staples.
The gig at the Ahoy in Rotterdam was only the second gig of the European leg of the tour, followinll approximately 36 dates throughout the States. In "The Real Frank Zappa Book", Frank described the Ahoy as "a charming sort of Dutch indoor bicycle racing grena with a concrete floor and a bankod wooden track all around the room." The show itself was typical of the tour: opening with a heavy guitar number, in this case "Chunga's Revenge" (which alternated the opening slot with "Watermelon In Easter Hay" and "Treacherous Cretins"), then launching into a couple tracks from "Joe's Garage": "Keep lt Greasy" and a gorgeous "Outside Now". Soon after, the band launches into a massive suite of tracks from the future "You Are What You Is", before heading back in time to "Cosmik Debris", then even farther back with "You Didn't Try To Call Me" and "I Ain't Got No Heart", concluding the trip down memory lane with the doo-wop track "Love of My Life" from "Cruising With Ruben and the Jets". The rest of the gig would rely on relatively current tracks, including pre-release versions of what would be the title track from the new record, as well as "I Dont Wanna Get Drafted", followed by more from "Joe's Garage" and "Sheik Yerbouti". "The Illinois Enema Bandit" ended the show, sung, as it always should be, by the incomparable Ray White.
Having been broadcast by Dutch radio, this show was soon widely circulated on bootleg, including "Personality" on LP, and "Boot the Beats", a copy of that LP on CD, however both of these releases were in mono. A better, stereo source surfaced in the 90's, released by Take lt Or Leave lt Music as "Ahoy Rotterdam — June 24, 1980" (the date is incorrect). What you have before you now is the definitive version of this show, from two sources seamlessly edited together to present the music as it should be, devoid of DJ interruptions, radio bumpers, or tape flips. Enjoy this glimpse into Zappa's past as he looked into the future, towards what would be perhaps his most important decade for changing
the world: the 1980s.

Gordon Gartrell

Lista de Temas:
CD 1
01. Tuneups
02. Chunga's Revenge
03. Keep lt Greasey
04. Outside Now
05. City Of Tiny Lites
06. Teenage Wind
07. Bamboozled By Love
08. Pick Me I'm Clean
09. Society Pages
10. I'm A Beautiful Guy
11. Beauty Knows No Pain
12. Charlie's Enormous Mouth
13. Cosmik Debris

CD 2
01. You Didn't Try To Call Me
02. I Ain't Got No Heart
03. Love Of My Life
04. You Are What You Is
05. Easy Meat
06. Joe's Garage
07. Why Does lt Hurt When I Pee?
08. Encore Break 1
09. Dancin' Fool
10. Bobby Brown
11. Ms. Pinky
12. Encore Break 2
13. I Don't Wanna Get Drafted
14. The Illinois Enema Bandit
15. Outro

Alineación:
- Frank Zappa / Voz y guitarra
- Ike Willis / Guitarra y voz
- Ray White / Guitarra y voz
- Arthur Barrow / Bajo
- Davis Logeman / Batería
- Tommy Mars / Teclados

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Sonnetdelta - Lyra (EP - 2016) ---ScRaBBlE

Presentamos un disco de buena música experimental de una interesantísima banda argentina. Modernos, elegantes, sólidos, frescos, pulcros, rítmicos, justos, precisos, esas son algunas de las propiedades que podemos encontrar en este disco pero no son las únicas, y no alcanzan a englobar su estilo por completo: enérgicos, melódicos, experimentales, ... deslumbrantes!!!. Su experimentación, su visión liberadora del rock, todo reunido en un rock progresivo experimental que los han llevado a mezclar sonidos y géneros con la intención de mantener su particular estilo. Escúchenlos por favor... personalmente me han resultado todo un placer.

Artista: Sonnetdelta

Álbum: Lyra
Año: 2016
Género: Rock progresivo experimental
Duración: 23:00
Nacionalidad: Argentina

Hay bandas que desde los 70 hasta la actualidad han mantenido vigentes ciertas técnicas experimentales y sonoras que nunca conquistaron el mainstream. Y es muy probable que nunca más, desde esos gloriosos 70, lo conquisten, pero no importan, allí están para dar su punto de vista de lo más artístico de la música y del rock, imprimiendo su sello y su estilo, y produciendo discos de muchísima calidad como el que ahora presentamos. Muchas de estas bandas, lejos de quedarse clavadas en los 70s, evolucionan hacia un sonido muy actual y moderno, y se han ganado el respeto de los músicos y los oyentes más jóvenes.
Pero este rock under tiene sus zonas de sombra, consecuencia de una frágil industria propia y ciertos déficits de marketing propios de una banda under. En nuestras antologías encontramos muchísimas bandas que con su propio estilo y su propia forma encaran el terreno de la música de manera sumamente talentosa, pero les es muy difícil darse a conocer. Este es otro caso, una banda excelente que se viene haciendo un lugar que se merece, aunque más que una banda tenemos que hablar de un proyecto personal de... su alma mater que prefiere mantenerse en el anonimato, al igual que todos sus colaboradores. Y ahora la presentamos en sociedad en el blog cabezón.

Elegante, sólido y con mucho groove. Así describiría el sonido de esta reciente banda, que con su material debut busca tomar rumbo dentro de la escena under argenta. Con canciones ricas en ideas y sonidos que caminan bajo un concepto en constante transformación, con dinámicas bien establecidas y un sentido fresco.
Abruptos cambios de paisajes sonoros y de ritmos, riquezas tímbricas, complejidades armónicas y unos arreglos muy bien pensados, caracterizaron el repertorio ofrecido por una banda que seguramene dará que hablar si continúan su camino emprendido aquí.

Y sobre el disco, qué mejor que hacernos eco de las propias palabras de su creador para presentarla:

Hola Moebius, ¿cómo estás? en principio te agradezco por la respuesta. No soy de poner información en realidad, porque a veces prefiero dejar que la música sea la protagonista y nada más.
Pero sé que a veces es necesario al menos cuál es el plan de todo ésto. Así que te pido disculpas por obviarlo o no darme cuenta.

Te puedo contar de qué se trata, ya que no tengo escrito ningún material de difusión.

Es mi proyecto solista bajo el nombre de Sonnetdelta, tiene más o menos 2 años y medio de vida. Nació a partir de una necesidad de hacer música solo, pero bajo el concepto de banda. En donde exista la libertad para bucear artísticamente sin limitaciones sonoras pero con una personalidad marcada de todos modos, y combinando todo aquello que me gusta, desde el rock experimental, cosas más progresivas, electrónica, o simplemente canciones directas.

Así se germinó "Lyra", es un disco que habla de un Niño, que viene de la constelación de Lyra para acceder a una experiencia humana y seguir con su evolución.
Tiene una mirada esotérica todo el disco, y cada track es una continuidad de su paso por la tierra.

Lo produje y grabé yo en mi estudio, y tuvo algunos invitados que son parte de un anonimato que forma parte de el concepto de Sonnetdelta que es 'El mensajero no es importante', ya que la idea primaria es usar la música para dar mensajes sin importar demasiado lo demás.

Estoy grabando un disco de larga duración, que será grabado en todo el 2017, en donde se desarrolla aún más ésta idea mencionada, y a partir de él se gestará todo para que sea tocado en vivo.

Cualquier cosa que precises quedo a tu disposición y no importa el tiempo, ya que te tomes el trabajo de simplemente escucharlo ya es suficiente.
Te dejo un abrazo.

Anónimo

Ya desde el primer tema cantado en francés, rock progresivo experimental con mucho pop, mucho ritmo, con una excelente batería y sinergia en todos los instrumentos que forman un bloque compacto, enérgico pero también con mucha atmósfera, muchas veces creadas desde el teclado, los sintetizadores y la electrónica. Voces femeninas y masculinas que entran y salen junto con diferentes idiomas, colchones de sintetizadores,
Como referencias, me suena mucho a un Porcupine Tree más electrónico, rítmico y a la vez ambiental, como unido a su vez a Radiohead y Van der Graaf Generator, aires a veces de Krautrock, otras de rock psicodélico, otras de atmosférico... pero lo mejor es que los escuchen por ustedes mismos, mientras esperamos que salga la versión completa de este trabajo que realmente me ha dado una gran satisfacción y una gran sorpresa.
Otra sorpresa más que nos depara en el under argento ¿cuantas sorpresas aún nos faltan conocer?...

Y pido perdón a Sonnetdelta por haber tardado tanto en disfrutar este disco. Ahora quiero escuchar su continuación!!!!

Lo espero ansioso. Muy recomendable!!!

Pueden escuchar el disco en su espacio de Bandcamp, pueden visitar su web, o... Spotify, Itunes, Amazon, o visitar su espacio en Face: https://www.facebook.com/sonnetdelta

 

Lista de Temas:
01. L'irréparable
02. Lyra
03. Líridas
04. Indigo
05. St.Love
06. Pentangle

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Se Busca... Madárfogás - Rögeszmék (2016) ---ScRaBBlE

Seguimos con el pedido de discos inconseguibles, hoy traemos a la pesquisa a unos jóvenes húngaros (no podía faltar la escuela húngara) que hacen un rock progresivo con muchos toques de metal y muy nostálgico a la vez, con músicos muy bien dotados que se han destacado por entrarle tanto a la música del mundo como hasta al jazz, todos egresados de escuelas de música y con estudios formales, así que aquí hay mucho impacto poético (aunque nadie entienda un carajo las letras, el impacto está ahí, y se nota), mucha melancolía, mucho poder, mucha musicalidad. Buenos coros, buenas armonías, un bajo atronador, mucha sinergia, muy buen gusto y mucho dramatismo explosivo para un disco que me impactó apenas apenas lo escuché. Complejo pero a su vez fácil de escuchar incluso por quienes no acostumbren a escuchar a King Crimson. Un disco que se basa en la obra de János Pilinszky y cuenta un poema en cada canción. Muy melódico, oscuro, sencillo en su complejidad, efectivo, con mucho sentimiento y con mucha garra. Aquí, el primer disco de un grupo venido de la lejana Polonia. Y este es uno de lo últimos pedidos que aparecerán en el blog cabezón.

Artista: Madárfogás
Álbum: Rögeszmék
Año: 2016
Género: Post metal experimental
Duración: 49:33
Nacionalidad: Polonia

A veces en el universo de la música progresiva aparecen preguntas apasionantes y abrumadoras de la filosofía moderna.

Nacido en Budapest en 1921, el poeta Janos Pilinszky provenía de una familia acomodada: su padre era ingeniero y su madre trabajaba en correos. Estudiante de Letras y Derecho en la Universidad Péter Pázmány donde se especializó en literatura húngara e italiana e historia del arte, fue como muchos de sus compatriotas, movilizado forzosamente a fines de 1944 en el inútil esfuerzo de guerra por parte de la dictadura fascista húngara para detener, en concordancia con una ya derrotada Alemania nazi, el avance del ejército soviético hacia el corazón de Europa. Así, entre noviembre de 1944 y marzo de 1945, Pilinszky no sólo participa de los últimos y desesperados combates en el Frente Oriental contra los rusos, sino que también es testigo del horror de descubrir los campos de concentración nazis, como a su vez, multitud de campos de prisioneros de uno y otro bando con toda su secuela de barbarie, inhumanidad y salvajismo. Esta singular experiencia marcará de por vida su modo de comprender la poesía y le impulsará hacia una afanosa búsqueda íntima de carácter existencial bajo el alero del cristianismo católico.

Este material se basa en un concepto que toma su raíz en el pensamiento y la obra de János Pilinszky (uno de los más importantes poetas húngaros del siglo XX) y cuenta una historia (un poema) en cada canción, generando un álbum conceptual que significa un desarrollo a lo largo de todo el disco.

Aquí les dejo dos videos que correspondes a este disco, y al disco entero lo podrán escuchar en el último video que incrusté en este posteo. Un disco altamente recomendado de una banda interesantísima, como para que vean que en la escena under todos lados del mundo salen maravillas por demás interesantes....

Por mi parte, no tengo nada más para agregar que recomendarles este disco y que se sumen a la búsqueda de él en buena calidad de sonido.
Los invito a escuchar (y si quieren, comprar) este gran trabajo tan emotivo, en los siguientes sitios:


Deezer: http://www.deezer.com/album/12958606
Spotify: https://open.spotify.com/album/0oaV22...
Itunes: https://itunes.apple.com/hu/album/rog...
Google play: https://play.google.com/store/music/a...
Amazon: https://www.amazon.com/gp/product/B01...
Tidal: http://listen.tidal.com/album/59866304




Lista de Temas:
1. Eszmelet - Dogma
2. Eszmelet - Beletorodes
3. Eszmelet - Vidd El
4. Ur - M-Elmelet
5. Ur - Elruhaz
6. Ur - Ketseg
7. Feny - Turelem
8. Feny - Ido
9. Feny - Dogma II

Alineación:
- Makay Andras / vocals
- Tyukasz Botond / guitar
- Kristof Martin / guitar
- Pesti Matyas / bass
- Huszar Akos / drums

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Sebkha-Chott - De l'Existence de la Mythologie Chottienne en 7 Cycles‎ (2004) ---ScRaBBlE

Algo que había quedado en nuestro borrador desde hace ya años, una locura hecha canción, unos franceses delirando y haciendo un Avant Garde durísimo, al mismo tiempo que disfrutable. Música arriesgada, visceral, compleja, ecléctica, que seguramente no va a ser para todos pero que si le cazás la onda, seguro te va a hipnotizar, un disco con nombre larguísimo al igual que el listado de sus influencias y fusión de estilos.

Artista: Sebkha-Chott

Álbum: De l'Existence de la Mythologie Chottienne en 7 Cycles
Año: 2004
Género: Experimental/Avant Garde/Súper Ecléctico
Duración: 55 Minutos
Nacionalidad: Francia

El primer disco de una banda que luego sacó otro excelente trabajo titulado "Nagah Mahdi - Opuscrits En 48 Rouleaux" para luego caer en una locura musical sin sentido ni gusto alguno. Pero con esta ópera prima y el "Nagah Mahdi" (si es que lo consigo porque es una figurita difícil) van a disfrutar de lo lindo...
Si no me creen, escuchen por favor.

Bandcamp es más grande que Gardel, capítulo XI: Sebkha-Chott

Nada que ver con toreros, toros, tauromaquia y porquerías por el estilo en este disco, no se dejen engañar!

Ya estoy seguro de haber dicho varias veces (una de ellas acá, refiriéndome al espectacular conjunto japonés Naikaku), que estar completamente de atar y no tener ni un miligramo de cordura puede llegar a ser productivo y no mal visto en el ámbito del arte. Me limito a linkear el post para no tener que escribir de vuelta alguna boludez referida a la relación demencia-arte. Y sólo porque para hablar de este grupito francés voy a necesitar recortar letras de algún otro lugar.

Los Sebkha Chott aparecieron en el 2000, cuando dos aspirantes a estudiantes querían dar un paso fuera de los límites de la música "normal". Dejando las etiquetas de lado, nos topamos con uno de los más variados e inesperados entrecruces de géneros e ideas musicales que el llamado Avant-prog ha visto desde el Sr. Bungle a esta parte. Durante los siguientes tres años, la banda experimentó una transición periódica que abarca varias formas diferentes y adiciones de formación.
El álbum mezcla con estilo las influencias que oscilan entre los reinos de Frank Zappa, Magma, Mr Bungle, Fantomas, por mencionar solo algunos. A través de improvisaciones teatrales representan su peculiar posición en un mundo extraño poblado de extravagantes habitantes personificados por los músicos.Cambiando el estilo, desde metal a jazz o soul, todo en un abrir y cerrar de ojos, Sebkha Chott seguramente gustará a los más enfermitos fans de Fantomas o Mr Bungle. Pero no les encasillemos a esa minoría; si eres fanático de la música desafiante, tienes que escuchar esto. Muy recomendable.

Y lo mejor, el disco se puede descargar desde Bandcamp gratuitamente, así que no tienen excusas para no escucharlo y atesorar esto como una locura con mucho talento.

Lista de Temas:
1. Pinok'io (6:12)
2. Pour le comte del amafia (6:16)
3. Le Cirque Des Enfers (5:34)
4. Carpe Diem (9:02)
5. Bienvenue à Babylone (8:35)
6. Manuel (9:24)
7. La Chute d'Ohreland (9:16)

Alineación:

- Yüla Slipobitch: Batería y voz
- Wladimir Ohrelianov II:  Bajo, máquinas, narraciones y voz
- Alter Frabrovitch: Teclados
- Anton Pinokiov: Guitarras
- Labial Aerostick: Saxofones
- Marx Bronosov: Trombón
- Cristobal Del Amafia: Trompeta
- Mustach'Man: Voz líder

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Alessandro Guglielmelli - Sol Um La (EP - 2017) ---ScRaBBlE

Y seguimos con lo mejor del under argento! Alessandro recientemente sacó este disco que aglomera muchas de las variaciones que viene trabajando en su música, entre lo tribal, lo abstracto y lo psicodélico. Música electrónica "cósmica" con la energía y actitud atrevida del arte contemporáneo, esta vez con un trabajo más orgánico, con más abundancia de instrumentos, lanzado desde un bajo con trazos gruesos y profundos y los sonidos de metales (trompetas) a los que se suman los omnipresentes sintetizadores, quenas, violines, baterías electrónicas, percusión, mandolina y varis elementos más. Y parece que Alessandro estuvo en sintonía con nosotros y se lanzó a hacer algo de lo que pedimos en nuestro anterior comentario, aunque todavía se tiene que animar a desarrollar más cada idea, pero igualmente les aconsejo que escuchen este disco porque personalmente me pareció muy bueno y recomendable, en una variación dada por ruidismo, la ambientación, las disonanacias discretas dadas, los sonidos de teclados y el bajo y percusión manteniendo el ritmo, dando una exploración muy rica y valiente sobre terrenos musicales peligrosos pero sumamente disfrutables.

Artista: Alessandro Guglielmelli
Álbum: Sol Um La
Año: 2017
Género: Electrónica / Minimalismo / Ambient
Duración: 16:24
Nacionalidad: Argentina


El sonido de este trabajo se basa en una variación dada por ruidismo, la ambientación, disonanacias discretas dadas por los teclados, a veces cercanas al típico sonido músicas electrónicas de los 70, con los secuenciadotes y sintetizadores analógicos, dando un efecto flotante de fascinantes melodías con escasas variaciones, salpicadas con algunos elementos tanto eléctricas como acústicas, todo ello muy etéreo, sereno y contenido, lo que da lugar a un efecto hipnótico y relajante en esta especie de viaje espacial.
Debemos de comentar que toda la base melódica del disco se encuentra acompañada por muy diversas manifestaciones experimentales lo que hace a este trabajo por demás atractivo. Indicado para todos aquellos amantes del Rock Experimetal/Avant-Garde, porque este es un disco con sonoridades tanto ambientales como industriales,.

El disco (mejor dicho EP) comienza estupendamente, con el tema "Erótica Síndrome" dando una oscura ambientación donde se desarrolla una melodía que es una mezcla entre las estructuras rítmicas y dinámicas de King Crimson y la electrónica de Tangerine Dream en una perfecta combinación de estilos, creando una delicia de música pero de muy corta duración, ya que la idea da para mucho más, y cuando queremos acordar el tema varió, cambió hacia su lado más climático y electrónico, y terminó, dejándote con las ganas de más, mucho más!.
Entonce hace su aparición "Ahorezal" con sus teclados y sintetizadores metiendo climas espaciales y aire oriental. Yo diría que es un tema que parece de relleno, o al menos de intrucción al temazo que viene, porque los dos minutos de "Duomo Diea" son absolutamente geniales, con esa mezcla de ritmos electrónicos, trompetas, guitarras eléctricas muy en el estilo de Robert Fripp, tema que empieza como si fuese un carnavalito electrónico pero enseguida deriva en un estilo que muy bien pudiése ser considerado como irrelevante porque es sumamente cambiante, con una multi-instumentación que le da un toque muy propio a la música interpretada. Debo decir que otra vez lo negativo es la corta duración de los temas, ya que si bien para algunos temas atmosféricos basados en sintetizadores esta brevedad está muy bien y sirve de puente entre tracks, tanto en "Erótica Síndrome" como "Duomo Diea" son temas que se basan en ideas excelentes y que dan para muchísimo más, y personalmente me da la impresión de que eçnos estamos perdiendo de verdaderos temazos.
El "Duelo de flautistas" abre con una discreta tonalidad del bajo, acordes sencillos, el cual se hace acompañar de un piano eléctrico y el teclado con sonido de "flauta" es sólo una introducción a los casi dos minutos de "Dijazturia" y su climática frialdad electrónica, seguida de la libre "Los Dientes del Universo", donde las trompetas se suman a la electrónica y dan paso a "Críodo Bríodo", que desde su inicio con coros tribales, se intercala la voz distante que se complementa con cambios y variaciones enérgicas al que se van insertando los instrumentos, en una canción más orgánica, una radiante pieza en que las líneas musicales a veces siguen al excepcional manejo del bajo, creando un resultado por momentos discretamente disonante, mientras un oleaje de sonidos cercanos al noise o al ruidismo se dejan escapar de la interpretación
El tema homónimo es una extraña mezcla que han intentado entre música y voz con el sintetizador simulando una voz humana, y a la vez la vos humana sintetizada, aunque por la brevedad del tema (cuyo clima creo que da para bastante más) queda como una idea medio inconclusa que da paso al último tema, muy bien logrado, donde se desarrollan prácticamente todos los elementos comentados hasta aquí.
LLemçgamos así al último tema del disco, titulado "Médano Afractal", donde tras un discreto preludio las trompetas acompañan a una melodía que nos recuerda a el rock psicodélico andino de Los Jaivas, percusiones finas donde el sintetizador hace su trabajo, envolviendo a la pieza en una atmósfera al principio tranquila y por momentos que predispone a la ansiedad, pero cuando nos vamos predisponiendo se corta abruptamente dejando la sensación de que algo quedó inconcluso.
Siempre el teclado y el sintetizador hacen su trabajo, envolviendo a los temas en una atmósfera por momentos tranquila y por momentos que predispone a la ansiedad, donde la delicadeza, la sutileza, se hacen presentes de continuo a lo largo del trabajo. En definitiva, este es un disco recomendable, especialmente si gustas de musica progresiva con sonido actual y sin miedo a riesgos, aunque la mayoría de canciones son bien accesibles.
El disco tambièn está disponible para la descarga gratuita desde su espacio en Bandcamp, así que tambièn los invito a conocerlo.


Lista de Temas:
1. Erótica Síndrome
2. Ahorezal
3. Duomo Diea
4. Duelo de Flautistas
5. Dijazturia
6. Los Dientes del Universo
7. Críodo Bríodo
8. Sol Um La
9. Médano Afractal

Alineación:
- Alessandro Guglielmelli / sintetizadores, teclado, voces, guitarra eléctrica, bajo, baterías electrónicas, percusión, mandolina
- Pablo Laire / quenas y violines
- Federico Russo / trompetas.

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Fabrice Bony - 7 + ∞ (2018) ---ScRaBBlE

"7 + ∞" se llama este muy buen disco de un músico francés llamado Fabrice Bony, otra de las presentaciones de este año para que degusten y disfruten. Un disco dedicado a nuestro amigo sergio Sir Galahad que seguramente disfrutará de este prog francés, mezcla cinematográfica con algo de neo-prog, crossover prog, jazz rock, folk, experimentación avant garde cercana al RIO, ambient y algunos ingredientes más, ya que sus fuentes de inspiración también incluyen la música minimalista de Steve Reich y Philip Glass. Este es un disco con mucha armonía, donde descubrimos las múltiples facelas de un músico talentoso, inclasificable y virtuoso que nos ofrece otro gran disco de este 2018 Y ahora lo damos a conocer en el blog cabezón.

Artista: Fabrice Bony
Álbum: 7 + ∞
Año: 2018
Género: Experimental / Crossover prog
Duración: 57:32
Nacionalidad: Francia

Fabrice Bony es un multi-instrumentista y compositor francés que comenzó a estudiar percusión a los seis años. Tocó con Ange en su gira "Les larmes du Dalaï-Lama". Después de eso, grabó con muchas otras bandas y cantantes de blues y rock franceses y estadounidenses, también compuso y tocó música para la televisión francesa.
Aparte de la batería, Fabrice también toca la guitarra, el piano, el sintetizador, el bajo, violín, órgano, Mellotron, xilófono, Glockenspiel y aquí me detengo, al menos al nombrar los instrumentos que toca, porque aparte de su parte intepretativa está además la faceta de un compositor consumado. En 2003, comenzó a trabajar en su primer álbum en solitario, "Between Day". Llevaría cinco años completar su álbum conceptual sobre la historia de la vida de un hombre desde su nacimiento hasta su muerte, llamado "Inner Lands" y habría que traerlo al blog por su calidad, luego "Lithophonic" en el 2016 y ahora con su último trabajo. Aquí está su resultado, un lindo disquito que tiene un poco de todo, y todo lo que tiene lo tiene bien puesto.
Como dice nuestro amigo Lino, para muestra basta un botón...

El tipo desarrolló desde el 2011 al 2014 un universo sonoro basado en el litófono. Grabó la música para documentales, compuso álbums completamente dedicado al litófono (ese instrumento que el franchute toca en el siguiente video). También grabó para películas, toca regularmente con el percusionista japonés Tomoo Nagai en el colectivo franco-japonés de música de improvisación LULI, desarrolló con el trompetista de jazz Marc Niess un nuevo proyecto litofónico en vivo, mezclando música improvisada, minimalista y jazz. Y ahora que Fabrice Bony lanzó su 4to álbum solista, con el raro nombre de "7 + ∞". Esta es otra prueba de la excelencia de este músico. Y en cuanto al título un tanto extraño de este álbum, en realidad se explica fácilmente porque se refiere a que hay siete temas reales en este álbum, el octavo es una especie de manifiesto humanista, mitad cantado a media voz en muchos idiomas, y que incluyendo muchas voces diferentes.
Aquí, en el siguiente video, pueden verlo al francés con su litófono.

Los temas de "7 + ∞" son claros como el cristal. Y tienen muchos estilos combinados como para que no se aburran en lo más mínimo, aquí conviven el jazz, el folk, la experimentación, el avant garde, el ambient. Es un gran parámo que se brinda para una actuación inolvidable de una música es muy hermosa, muy evocadora, con una suntuosa mezcla de estilos y melodías. Imaginen que las partes más atmosféricas tienen mucha relación con la sección más climática del "Awake" de Yes, o en otros momentos se asemeja a su paisano Jean-Michel Jarre, todo un muy bonito y también muy expresivo. También hay viajes folk al mundo celta, o intensos jazz-rock. Todo en este hermoso álbum está bellamente diversificado, llegando a su punto máximo en el tema más largo de este álbum, de casi 11 minutos, "Ukiyo-E", un pináculo de delicadas armonías donde Fabrice Bony toca con inmenso brío todos sus instrumentos, acompañado por la sorprendente voz de Samantha Claire Zaccarie y el delicado saxo de Satoru Kita y generando un tema realmente asombroso.
En todo caso, a esto lo tienen que escuchar y descubrir ustedes, no valen mucho las explicaciones...

Pueden escuchar el disco desde su espacio en Bandcamp. Espero les agradeé en todo caso es algo muy interesante para investigar.

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Lista de Temas:
1. Tuatha de Danann
2. Toundra
3. Caravan of Whales
4. Ukiyo-e
5. Celtia
6. Lament for the Ocean
7. Silex
8. Frequency of Dreams

Alineación:
- Fabrice Bony / Drums, lithophones, percussions, bass, folk & electric guitars, piano, rhodes, mellotron, glockenspiel, synths, virtual strings orchestra, lead & backing vocals
With:
Samantha Claire Zaccarie / Lead & backing vocals, Jew's harp
Satoru Kita / Alto & soprano saxophones, cello
Marc Niess / Trumpet
Héléna Boistard / Electric violin
Damien Fadat / Flutes, Bansuri

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