Azymuth - Aurora (2011) ---ScRaBBlE

Para los cabezones amantes del jazz brasileño, les presentamos la anteúltima grabación del super trío carioca, quienes han puesto muy en alto el nombre de Brasil en el campo del jazz contemporáneo. Siendo su más reciente trabajo "Fénix" del año 2016, aquí tenemos una banda con 40 años encima y que se sigue manteniendo con parte de la frescura que tenía el primer día, siendo el 13º disco de Azymuth presentado en el blog cabezón y vaya uno a saber cuantos discos sacaron en realidad estos prolíficos y veteranos músicos. Y este disco es histórico en su biografía, ya que fue el último donde participó el maestro de las teclas José Roberto Bertrami, ya que en el siguiente año fallecería en el año 2012, así que este es un pequeño homenaje en su nombre. Así empezamos el día, a puro funk brazuca, con el "Aurora" de los geniales Azymuth.

Artista: Azymuth
Álbum: Aurora
Año: 2011
Género: World Fusion / Funk / Soul / Latin Jazz
Duración: 48:25
Nacionalidad: Brasil

Creo que éste debe ser uno de los grupos más infravalorados en el mundo de la música, teniendo en cuenta su trayectoria, la cantidad de discos y su musicalidad y estilo. Azymuth es uno de los grupos más transgresores e influyentes de la música brasileña. Ellos definen su estilo como "samba loca", aunque en sus composiciones se puede apreciar desde su bossa nativa hasta el funk pasando por el jazz más clásico, la samba, el rock e incluso la música disco.
Hoy en día tienen un nuevo álbum llamado "Fénix" (su primer álbum en cinco años) y terminaron una gira europea. los brasileños lograron recrear la energía de las hipnóticas sesiones de los años setenta que, a la vez, los lanzó al mercado internacional y que los hizo ser reconocidos como una de las bandas más exitosas de Brasil.
Un viaje de doce temas que toca en todos los puntos de la brillante fusión expresionista que los Azymuth practican, complementada sólo por la energía cósmica y la musicalidad que cabría esperar de la mejor orquesta formada por tres hombres.

Desde cierto punto de vista, podemos considerar al jazz como un estilo que fue creada por gente negra esclavizada, que les ayudó a olvidarse de sus problemas al mismo tiempo que revitalizaba sus orígenes, para luego ir convirtiéndose en una música de baile, en muchos casos. Uno recuerda los disturbios raciales de Boston que aplacó James Brown con un concierto. Con el paso del tiempo ha ido creciendo y evolucionando hasta convertirse en un estilo de música sofisticado de improvisación, pero sigue siendo el aspecto inicial de baile lo que, en muchas ocasiones, lo inspira. El funk nació del jazz, simplificándolo y golpeando con más fuerza que nunca, no necesitabas saber bailar para poder sentir el funk. La combinación de estos dos estilos es para mí la fórmula musical más emocionante, llegándome hasta el alma.
Otro aspecto vendría a ser el jazz o el funk pero desde el punto de vista de América Latina, entonces tenemos ejemplos asombrosos, desde los más hondo de Cuba, desde el Uruguay (sobretodo mezclada con el candombe), desde la experimentación en Argentina y Chile, y como no, desde su personal punto de vista en Brasil, y aquí es donde surge Azymuth como una banda que no podemos dejar de lado, y menos en el blog cabezón.

Aquí, los brasileños lograron recrear la energía de las hipnóticas sesiones de los años setenta que, a la vez, los lanzó al mercado internacional y que los hizo ser reconocidos como una de las bandas más exitosas de Brasil. Los veteranos también ofrecen otros estados de ánimo más reflexivos, logrando un buen equilibrio entre ellos y aquellos más festivos.
Aún compuesto por los tres miembros originales que comenzaron el grupo en 1972, Azymuth se estaba acercando al final de su cuarta década sieguiendo siempre su estilo propio, luego vendría la tragedia y el resurgimiento, pero eso es otra historia. "Aurora" continuaba la asociación productiva que han tenido desde su nacimiento como banda. La diferencia más notable fue la falta de cuerdas y saxos que aparecieron en su último álbum, "Butterfly", de 2008. Pero por el contrario, "Aurora" vuelve a típicos sonidos disco de la década de los 80, pero también vuelve parece poner énfasis en sus raíces y su expresión en la samba.
El repertorio es variado y trae, además de la progresiva pista que da nombre al disco, y de la ya citada fusión de diversos géneros, algunas totalmente disco y retro como "É Mulher", la experimental "Crazy Clock" y las suaves y bellísimas "In My Treehouse Prelude 1" e "In My Treehouse Prelude 2".
Este es uno de esos álbumes raros que son tan consistentemente atractivos y bien secuenciados que parece casi injusto seleccionar lo más destacado. Pero debe mencionarse "In My Treehouse", que se repite con dos preludios espectrales al final. Tanto esta canción como "É Mulher" se alimentan de los placeres de la música disco y están decorados con una lluvia de tambores sintetizados (¿un gesto irónico, quizás?). "Isso É Partido Alto" es una relajada exposición de samba a lo Azymuth, con Bertrami tomando un papel protagónico en su brillante Rhodes y el conjuro haciendo el soporte, siendo un ejemplo típico del enfoque instrumental de Azymuth sobre una lírica determinada.
Sabrina Malheiros agrega su voz a "Meu Mengo", con su padre Alex ocupado en el bajo funky y la guitarra acústica con sabor a bossa nova. "Aurora" elabora ritmo memorables uno tras otro. "Aurora" no es exactamente un álbum moderno ni sorprende por la innovación (al menos para quien ha escuchado otras grabaciones del grupo). Pero tiene la combinación explosiva de talento, técnica y huella brasileña, en el mejor sentido de la palabra. Esto significa que, para estas fechas en que se grabó el disco, Azymuth continuaba con una vibración que no se había apagado a pesar de las décadas, con una energía y una creatividad que dejaban muriendo de envidia a mucho grupo gringo y muchos se preguntaban cómo era posible. En sus treinta años de carrera, han lanzado más de veinte álbumes, un éxito planetario que data de 1979, en el que el grupo brasileño parece vivir en rendimiento contínuo basaado en su estilo personal de una fusión (samba-funk) que se ha convertido en el sello distintivo de cada uno de sus discos, y este "Aurora" es una pequeña excepción en su exploración de sonidos de los 80s, pero no desentona para nada en su historial.
Habrá que ver cómo es su resurrección con su últimdo disco "Fénix", en cuanto a éste, es un disco encantador, equilibrado y muy recomendado.


Lista de Temas:
01. Aurora
02. In My Treehouse
03. Ta Nessa Ainda Bicho?
04. Isso E Partido Alto
05. Carnaval Legrand
06. Diz No Pe
07. Meu Mengo
08. Crazy Clock
09. Que Bom
10. E Mulher
11. In My Treehouse (Prelude 1)
12. In My Treehouse (Prelude 2)

Alineación:
– Alex Malheiros / Bass, Acoustic Guitar, Vocals
– Ivan Conti / Drums, Percussion, Vocals
– Jose Carlos / Electric Guitar
– Robertinho Silva / Percussion
– José Roberto Bertrami / Piano [Fender Rhodes], Piano, Synthesizer [Mini Moog, Arp Strings], Keyboards, Organ [Hammond], Vocals
With:
David Brinkworth / Vocals (tracks: 7)
Marcio Lott / Vocals (tracks: 1, 7)
Sabrina Malheiros / Vocals (tracks: 1, 7)

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Rubén Blades y Son del Solar - Live! (1990) ---ScRaBBlE

Para cerrar con el cuarteto de discos de Rubén Blades y Seis/Son del Solar que veníamos comentando hace algunas semanas, tenemos una placa fabulosa: el Live! con versiones de los discos anteriores del combo, tal como deben ser: en vivo y bailando. Los conciertos de los que se han tomado estos cortes sucedieron en el Lone Star Roadhouse de Nueva York, el 29 y 30 de octubre de 1989, y en ellos tenemos a esa gran banda en pleno interpretando lo más bailable de su producción y aumentando un tema que no había grabado Son del Solar, el mismísimo ultrahit de Blades y de la salsa en general, ¡“Pedro Navaja”! El compositor comprometido aparece aquí abanderando sin tapujos sus ideas, apenas unas semanas antes de que el gringo loco de aquellos días (no muy diferente que el de ahora) decidiera invadir Panamá.

Artista: Rubén Blades y Son del Solar
Álbum: Live!
Año: 1990
Género: Son / salsa / fusión funk
Duración: 1:14:01
Nacionalidad: Panamá, Puerto Rico, EUA


Si “la música en vivo siempre es mejor”, como decían Madaleno y Daniel Pérez Arcaraz, conductores de un viejo programa de la TV mexicana, El club del hogar, el son en vivo es siempre muchísimo mejor. Una música que mueve al baile logra, en el concierto, en el dancing club, en el cabaret, donde sea, una conexión especial entre músicos y público. A través del baile, la gente se hace partícipe y confabula con los músicos la maravilla de las notas entrelazadas y el ritmo. Ningún ejemplo como este discazo de Blades y los del Solar. Además, el registro contiene momentos en que don Rubén conversa demostrando que es un enorme showman además de compositor, actor y cantante, incluyendo alguna mención a cierto percance que sucedió a alguien del público y que el artista tiene el decoro de mantener presente y comentarlo en el escenario. Pero de las anécdotas que narra, es divertidísima la que introduce “Pedro Navaja”: cuenta que cuando la presentó (a Fania) fue rechazada porque era muy larga y eso, apoyado en el éxito rotundo que acompañaría a la versión que grabó con Willie Colón, le da pie para burlarse de las decisiones que toman los ejecutivos de las empresas, en este caso una disquera, bromeando (y guardando las proporciones del caso: “no es que yo me ponga en esa categoría”, justifica) sobre qué le hubiera pasado al Quijote si los editores de Cervantes hubieran sido esos ejecutivos: “¡Hubiera salido un pasquín!”

Pero vamos a la música: la grabación abre con “Decisiones”, la rola humorística que cuenta las peripecias de tres indecisos aparecida originalmente en Buscando América. A diferencia de la versión en estudio, acá el arranque es un dueto baladero de teclado y trombón sobre el que truena el combo con una energía de percusiones que sólo anuncia lo que será el disco. En esta ejecución en vivo no sólo los músicos le meten más candela que en el estudio; el propio Rubén improvisa comentarios, bromas, juegos que vuelven el todo más vital.

En segundo lugar, “Cuentas del alma” (de Escenas) nos regresa al momento más experimental de Blades con los Seis. Es una tremenda fusión son/rock/funk en la que la batería marca el paso para esta profunda canción sobre el amor y la ausencia. También aquí se siente a un Rubén más dispuesto a improvisar fuera del marco del original y definitivamente la orquesta suena más poderosa siendo Son que siendo Seis, especialmente en el puente instrumental que conduce al solo de piano de Oscar Hernández. Si ya conocíamos al enorme pianista que es, aquí está otra prueba de que es capaz de hacer del teclado un tambor que navega sobre el mar alocado del funk. Hay que poner atención en los timbales de Ralph Irizarry porque aquí se transforman en redobles de batería propios de un gran jam.

La sigue otro de los grandes temas de Buscando América: “El padre Antonio y el monaguillo Andrés”, aquel dedicado a los curas libertarios que han caído en América Latina a manos del oscuro poder, basada en la tragedia de monseñor Romero. “Al padre lo halló la guerra un domingo en misa...” dice esta fusión-conga que crece en vivo si se la compara con el original, no sólo por la vivacidad de la ejecución sino porque extiende el mensaje aprovechando la situación de concierto: “Suenan las campanas por la libertad de mi América”. Y en esto estaremos siempre de acuerdo con don Rubén mientras lo vemos salir sobre un sabroso compás de seis octavos.

Sobre los aplausos Rubén inicia una narración para presentar la siguiente rola: “Cuando yo escribí esta canción originalmente, me dijeron que esta canción nunca iba a tener éxito en la compañía (cuyo nombre no voy a mencionar ahora) porque era una canción muy larga”, y actúa al personaje imaginado: “Oye, Cervantes, chico, quítale un poco de hojas a eso, que eso está muy grueso. La gente no va a leer eso. La parte de la Dulcinea sí me la dejas ahí, a la gente le gusta eso, pero lo demás… ¡Sancho Panza! ¡Quita a ese tipo de ahí, chico! ¡Quién quiere ver a un gordo ahí!” Pedro Navaja resultó uno de los mayores éxitos en la historia de la música popular afrocaribeña. Y, con todo respeto al admirado Willie Colón, esta versión de Son del Solar es mucho mejor que la original. “A ver quién se acuerda de la letra”, reta Rubén a un público que corea íntegra la historia del bandido newriqueño. Los arreglos son los de Colón, pero aquí tiene mucho más dinamismo, tanto en la velocidad como en la interpretación, además de que al final los clásicos pregones –“la vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida, ay Dios”–, que presiguen al borracho bamboleante son muy divertidos.

El disco incluye “Todos vuelven” (de Buscando América), el vals peruano de César Miró, himno de los migrantes, en versión sonera extraordinaria, y luego la sigue la divertida “Canción del final del mundo” (Escenas). Como no tengo el original del disco Agua de luna (1987) de Rubén y los Seis, no lo hemos comentado. Aquí hay una muestra de su contenido: “Ojos de perro azul”, dedicada al relato del mismo título de Gabriel García Márquez, es un son fabuloso y en esta versión en vivo también, Rubén se extiende en los pregones. Lo más destacado de este tema son las figuras en tumbao con que abre y cierra, podría asegurar que están entre los momentos más luminosos de esa gran banda que son los del Solar.

“Buscando América”, ese himno, se extiende en el concierto casi tres minutos más que la versión original, aunque parte de ese tiempo es una intervención de Blades, en español y en inglés, que aclara que se refiere al continente pues, claro, el disco original no dejó de ser leído por el mercado estadounidense como una referencia al país que carece de nombre y decidió expropiar el que es de todos nosotros.

El cierre del disco es “Muévete”, el songo de Escenas que Blades tomó prestado de los Van Van (y le cambió la letra, como ya comentamos en el post de ese disco). Destaca en el final el solo de batería de Robert Ameen y luego la forma en la que Blades va presentando a los músicos de la banda: en un largo fade out, cada ejecutante deja de tocar en el compás en que es mencionado su nombre, hasta quedar solo Rubén, un cencerro que marca la clave y la despedida. Se extraña, sin embargo que no se hubiera incluido ningún tema de Antecedente (nos hubiera encantado una versión en vivo de “Contrabando” o “La marea”).

Sólo seis semanas después de estos conciertos; días apenas luego de que las grabaciones fueran masterizadas para poner el disco en el mercado, Bush el viejo, entonces presidente de los Estados Unidos, ordenó la invasión de Panamá. “Operación Causa Justa” llamó a la intervención ilegal y asesina con la que decidió destronar al asesino Noriega, títere que él mismo había encumbrado (cuando era director de la CIA) en el poder de la nación istmeña y que se le había “salido de control”. El 20 de diciembre de 1989, cincuenta días después de que Rubén afirmara ante su público que “En Latinoamérica matan a la gente pero no matan a la idea”, los batallones de seals y marines desembarcaron en Panamá y desataron una violencia que acabaría con la vida de cientos de inocentes, desplazaría a miles más y hundiría al pequeño país centro-sudamericano en una crisis sin fondo. Quizá fue ese hecho lo que decidió a Rubén, el abogado, a incursionar en la política, llegando a postularse a la presidencia en 1994 (quedó tercero de siete candidatos, con un 20% de los votos) y fungiendo como ministro de turismo entre 2004 y 2009.

Diez años después de la invasión (diez años después de los conciertos que hoy comentamos), Rubén dedicó por fin una canción a esos hechos: “20 de diciembre” del disco Tiempos (1999); una excelente producción solista, diversa y sentida, más próxima al folclor latinoamericano, que ya traeremos más adelante a Cabeza de Moog.

¡A bailar, cabezonxs! (disculpen mi errático postear y andarles siempre debiendo discos).



Lista de Temas:
1.Decisiones
2. Cuentas del alma
3. El padre Antonio
4. Pedro Navaja
5. Todos vuelven
6. La canción del final del mundo
7. Ojos de perro azul
8. Buscando América
9. Muévete

Alineación:
- Oscar Hernández / piano
- Mike Viñas / bajo
- Ralph Irizarry / timbales
- Edwin “Eddie” Montalvo / congas
- Arturo Ortiz / sintetizadores
- Robert Ameen / batería
- Roger Páiz / bongós
- Marc Quiñones / congas
- Ángel “Papo”Vásquez, Reinaldo Jorge, Leopoldo Pineda / trombones
y Rubén

Y pa' cerrar, una reseña de afuera:

En AllMusic, por Evan C. Gutierrez:
All Rubén Blades fans know his wizardry in the studio to be beyond comparison in the salsa world. Though some artists have difficulty making the transition from studio to stage, Blades takes on the challenge like a champ. His prowess as a live performer is in equal proportion to his inventive studio presence. The only disappointing aspect of his 1990 release, Rubén Blades y Son del Solar...Live!, is that it's Blades' only live in concert performance in his large discography. Backed up by the 11-piece band Son de Solar, Blades concentrates on repertoire that pleasingly mixes material from recent collaborations with the band, Agua de Luna and Buscando América, and his days with Fania. The play list is one crowd-pleaser after another, including recent hits like "Ojos de Perro Azul" and classics like "Pedro Navaja." Though favoring a now dated synth-heavy sound, the musical performances are so powerful that they must have shaken the club to its foundation. Son de Solar are themselves an amazing conflagration of Latin star power, including pianist Oscar Hernandez, timbalero Ralph Irizarry, Marc Quiñones, and drummer Robby Ameen. The pedigree of musicianship shows through in the flawless, achingly funky grooves and virtuosic solos. Blades proves himself not only to be a master musician, but also a wonderful communicator and entertainer, as is evident in his often humorous interactions with the crowd. The unacquainted will be won over, and dedicated fans will hear their beloved cantante as never before.

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Cuásares - Afro-Progresivo (1973) ---ScRaBBlE

Aquí, el Santo grial psicodélico del under argentino, una joya arqueológica completamente perdida que sale a la luz. Ahora presentamos una alucinante y esotérica mezcla de funk psicodélico, groove afro–latin, latin jazz y música progresiva a la italiana pero salida de lo más recóndito del interior argento. Ácidas guitarras, explosiones de sintetizadores analógicos, vibráfono, percusiones, órgano distorsionado, flauta, sección rítmica funk y exóticas partes ambientales pueblan este extraño disco, todo un adelantado en la experimentación en aquel lejano de 1973. Originalmente editado en Argentina en un pequeño sello en 1973 como una mini edición para ser distribuida unicamente a estaciones de radio, Cuásares permaneció oculto para el mundo durante décadas hasta su descubrimiento hace unos años por intrépidos coleccionistas, de esos que nunca faltan y menos en lo que se refiere a rock progresivo. Así que esta es la primera vez que se reedita oficialmente, desde aquel 1973 hasta hoy, y ahora tienen posibilidad de conocerlo. Una rareza para volaaaaaar bien alto!

Artista: Cuásares
Álbum: Afro-Progresivo
Año: 1973
Género: Prog Rock / Jazz-Rock / Funk
Nacionalidad: Argentina

Miren que el recorrido del rock progresivo hay historias extrañas, pero como esta, habrá pocas. Esto sí que vuelve de la niebla del olvido!!! Es de esos discos extraviados que tanto nos gusta dar a conocer!!!
El "Afro-Progresivo" de Cuasares fue un disco de estudio creado por el visionario pianista y arreglista argentino Waldo Belloso (director de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, músico folcklórico y médico, además creador del personaje infantil "Margarito Tereré", quien muere a los 52 años). Un enigmático proyecto donde encontramos una mezcla salvaje de funk psicodélico, groove afrolatino, jazz con condimentos hippies, sonidos cósmicos y todo sobresaturado de órganos.

Aquí, el Santo grial psicodélico del under argentino. Fácilmente uno de los descubrimientos más increíbles en el último año, gracias a la búsqueda de un puñado de coleccionistas europeos y estadounidenses. Esta sesión muestra a un misterioso grupo dirigido por el pianista Waldo Belloso, acertadamente llamado "Afro Progresivo" por razones obvias...
Ideal para que lo conozcan y escuchen en este feriado.

No se nada de Waldo Belloso, el líder de este proyecto. Pero a raíz de este descubrimiento empecé a investigar un poco sobre él y su obra, les comparto un poco de todo ello...

Waldo Belloso (Capilla del Señor, provincia de Buenos Aires, 4 de abril de 1933 – Buenos Aires, 14 de junio de 1985) fue un pianista, arreglista, director de orquesta y compositor argentino.
(...) Comenzó a estudiar piano a la edad de seis años con la profesora María Elena Etchegoin, del Conservatorio Alberto Williams. A los trece años se recibió de profesor. Desde chico hizo folclore, dirigiendo la faz musical de los espectáculos infantiles que se daban en la escuela.
En 1952 participó en un concurso para ocupar una cátedra en la Escuela Nacional de Danzas, donde fue profesor. Integró varios conjuntos como pianista, entre ellos el muy conocido de Los hermanos Abrodos. Pudo grabar todas las danzas tradicionales, siguiendo el orden utilizado en la Escuela Nacional de Danzas. La grabación original se hizo en tres discos de larga duración (LP), denominados: Danzas del primer curso; Danzas del segundo curso y Danzas del tercer curso.
Se recibió de médico oftalmólogo, su otra vocación, a mediados de la década del 60. Sin abandonar la actividad como músico y compositor, ejerció su profesión de oculista en el Hospital San José y en el consultorio del Dr. Luis Coco Terrarossa.
Debutó en Radio Belgrano en el programa Aquí está el folklore, dirigiendo la orquesta estable de la emisora y más tarde la de Radio Splendid. También dirigió el Conjunto folclórico que llevó su nombre. En esa misma época estudió armonía y composición con Carlos García.
Se desempeñó como director de la Orquesta Sinfónica de Córdoba durante 6 temporadas en el Festival de Cosquín de la provincia de Córdoba. Desbordante de creatividad e innovación, supo ser el primero en realizar conciertos de música folclórica sinfónica en los años sesenta, presentándose en varias ocasiones en Canal 7 de la televisión argentina. Waldo Belloso ofreció conciertos como solista de piano en casi toda Latinoamérica, así como también en Italia y España.
El 4 de abril de 1963, contrajo matrimonio con la escritora y poetisa Zulema Alcayaga, con quien tuvo dos hijos, Waldo Horacio (hoy destacado médico infectólogo) y María Gabriela. Junto a su esposa, creó el personaje infantil «Margarito Tereré» de exitosa trayectoria en el espectáculo para niños en la década del 70, además de ser autor y productor musical de más de 15 espectáculos del mismo género. También le puso música al musical folclórico infantil Canciones para argentinitos (una aventura pentagramada transitando por todos los ritmos del folclore argentino, haciéndose conocer en el viaje más de 20 personajes, dentro de las dieciséis canciones que componen el espectáculo); la canción más conocida El gato de la calesita, fue un éxito en la voz de Hernán Figueroa Reyes.
Compuso más de 500 obras de raíz folclórica argentina, entre las que se destacan Anocheciendo zambas, Malambo en rojo, La gavota de Buenos Aires, Cuando llegue el alba, Frontera norte, La capillera (para su pueblo natal), Doña Emma (dedicada a su abuela), Exaltación, entre otras.
En 1965 escribió la música para la película Cosquín, amor y folclore, protagonizada por Elsa Daniel y Atilio Marinelli. Los solistas y conjuntos más importantes del folclore argentino, en el momento culminante del Festival de Cosquín, participaron de la misma. Junto con Beatriz Durante, fue co-autor del libro Danzas folclóricas argentinas.
A los 52 años de edad muere repentinamente un 14 de junio de 1985, en vísperas del estreno en el Teatro Maipo de Buenos Aires, del espectáculo infantil Frutillitas y los ositos cariñosos, que habían creado con su esposa Zulema Alcayaga.

Wikipedia

Noviembre de 1949 – Nº 5: Waldo Belloso, con la profesora Nélida Petrucelli y compañeros de 4º año del Inst. Estrada.

Bueno, y aquí tenemos a una de las creaciones más conocidas de Belloso:

Y se lo puede ver en muchísimos discos folcklóricos argentinos:

Este disco no aparece en su catálogo oficial. Parece que el Waldo una noche se fumó mucha porquería, se juntó con sus peores amigotes y se deliraron a lo grande, por suerte quedó registrado y hubo quien lo descubriera y lo preservara del olvido.
Disculpen que no haga aquí una reseña más amplia, pero no lo he escuchado lo suficiente como para ello, esto es algo recién encontrado. Lo que sí les puedo asegurar es que es un delirio asombroso, y les recomiendo empecinadamente que no lo dejen pasar!

Pueden escucharlo entero y comprarlo desde el espacio de Guerssen Records en Bandcamp: https://guerssenrecords.bandcamp.com/album/afro-progresivo. Todo un descubrimiento para que se quemen la cabeza en este feriado de mañana miércoles!

http://www.guerssen.com/press/543/



Lista de Temas:
01. Cuásares
02. Transmigración
03. Colisión
04. Mutación
05. Ancestral
06. Vertical
07. Evanescente
08. Amalgama
09. Pentatonik
10. Simbiosis

Alineación:
- Waldo Belloso / piano, organ, composition
- Hector Quattromano (Mingo) / various instruments, composition
- Tomás Gubitsch / guitar
- Enrique “Zurdo” Roizner / drums

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Bob James - Rhodes Scholar: Jazz-Funk Classics 1974-1982 (2013) ---ScRaBBlE

Antes de que llegue el fin de semana, nuestro otro amigo venezolano; Pedro Manuel, nos presenta al legendario pianista mientras dice "para la Escuelita de Rock del blog cabezón, humildemente le presento Bob James. Para mi unos de los más grade pianistas y compositores del jazz". Y como Padro lo trae a la palestra, no podemos sino sumarnos al reconocimiento de uno de las grandes de las teclas. Con ustedes, una colección de canciones del señor Bob James.

Artista: Bob James
Álbum: Rhodes Scholar: Jazz-Funk Classics
Año: 2013
Género: Jazz / Smooth Jazz / Jazz-Funk
Duración: 2:24:28
Nacionalidad: EEUU


El legendario teclista y compositor Bob James es uno de los principales arquitectos del sonido jazz-funk de los 70, y también es conocido entre la generación criada en el hip hop, ya que también es reconocido como uno de los que impulsó los fundamentos musicales del hip hop. Aquí presentamos una colección en el lado más funky del vasto catálogo del músico. Las 22 canciones aquí son una muestra de la maestría musical de este hombre.Dedicamos este posteo al pianista Bob James y algunas de sus más destacadas colaboraciones junto a artistas de la talla de Frank Sinatra, Chuck Loeb, Hubert Laws, Harvey Mason, Lee Ritenour, Michael Franks, Chris Botti, Kirk Whalum, Patti Austin, Jeff Golub y Grover Washington Jr.

Bob James su nombre real : Robert McElhiney James
Durante los años setenta, Bob James tuvo un papel importante en convertir el jazz fusión en música popular. Angela, el tema instrumental de la comedia de situación Taxi, es posiblemente la obra más conocida de Bob James. También son conocidas sus obras de fusión Westchester lady (del disco Bob James Three) y Nautilus.
James es reconocido como uno de los progenitores del smooth jazz (jazz suave). Su música ha tenido una profunda influencia en la historia de la música hip hop, y ha sido sampleada frecuentemente. Dos canciones de James —Nautilus (del disco One, de 1974) y Take me to the Mardi Gras (del disco Two, de 1975)
Mientras estaba en la universidad en Michigan, James tocó jazz gratis con músicos en Ann Arbor y Detroit. En 1962, su banda ingresó al Festival de Jazz de Notre Dame Collegiate, donde los jueces incluyeron a Henry Mancini y Quincy Jones . Después de que la banda de James ganó la competencia, Jones firmó a James para un contrato de álbum con Mercury Records . Mercury lanzó el primer álbum de James, Bold Conceptions (1963), una exploración de jazz libre que fue producida por Quincy Jones y que difería del jazz suave por el que más tarde sería conocido. [3] [4] [2]
En la ciudad de Nueva York, James trabajó como arreglista y fue contratado como acompañante de piano para la cantante de jazz Sarah Vaughn . Se reunió con Quincy Jones cuando Jones le pidió que hiciera algunos arreglos para las sesiones de estudio. Creed Taylor , productor y fundador de CTI Records , estuvo en las sesiones y contrató a James para que trabajara para CTI como productor, arreglista y músico de estudio . En la década de 1970, James trabajó en álbumes de Gabor Szabo , Milt Jackson , Stanley Turrentine , Grover Washington, Jr. y Maynard Ferguson

Wikimedia

Aquí, un CD doble para homenajear a este gran músico.

Aquí tienen, para quienes aprecien al músico, su música o directamente este tipo de música, como para que entretengan en el fin de semana....



Lista de Temas:
CD 1:
01. Nautilus (05:00)
02. Valley Of The Shadows (09:37)
03. Farandole (L'Arlesienne Suite #2) (08:24)
04. (Take Me To The) Mardi Gras (05:45)
05. You're As Right As Rain (05:26)
06. One Mint Julep (09:03)
07. Storm King (06:32)
08. Tappan Zee (06:47)
09. Treasure Island (06:07)
10. Heads (06:37)
11. Night Crawler (06:16)

CD 2:
01. Westchester Lady (Live) (08:34)
02. Caribbean Nights (09:19)
03. I Want To Thank You (Very Much) (07:07)
04. Angela (Theme From "Taxi") (05:41)
05. Look-Alike (05:31)
06. Sign Of The Times (05:35)
07. The Steamin' Feelin' (05:19)
08. Love Lips (feat. Earl Klugh) (06:31)
09. Shamboozie (05:16)
10. Spunky (06:56)
11. (Take Me To The) Mardi Gras (7-Inch Version) (03:03)

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