Djabe feat. Steve Hackett - Summer Storms & Rocking Rivers (2013) ---ScRaBBlE

Empezamos el lunes con todo, y es que últimamente el Mago Alberto viene yéndose a la mierda y esto lo confirma. Altísimo CD donde el señor Hackett la descose con los húngaros de Djabe que también la descocen, reversionando, transformando y modificando clásicas canciones de Genesis pero en formato étnico-jazzero ¿se imaginan?. A continuación y para empezar a poner en tema al público cabezón, una experiencia asombrosa, un CD en vivo excelente, Hackett combina magníficamente con la banda, sus contribuciones se sienten completamente integradas y viceversa, "Summer Storms & Rocking Rivers" no solamente es un registro excelente, tan enigmático como su nombre lo sugiere y digno de muchas escuchas repetidas, sino que también es una fuerte promesa de una colaboración que seguramente se prolongará en el tiempo y nos traerá no sólo exquisitos sonidos del pasado sino nuevas aventuras musicales, que seguramente florecerán (y ya está sucediendo) desde esta genial asociación de genios musicales.

Artista: Djabe & Steve Hackett
Álbum: Summer Storms & Rocking Rivers
Año: 2013
Género: Eclectic Prog / World Music
Duración: 78:58
Nacionalidad: Hungría / Inglaterra


Un álbum en vivo con el legendario guitarrista de Genesis y el espectacular grupo húngaro Djabe. "Summer Storms and Rocking Rivers" fue registrado en un concierto en Bratislava en julio de 2011 y en un concierto en Budapest en noviembre de 2012, y su música cuenta con algunos de los más conocidos temas de Hackett como "The Steppes" y "Ace of Wands", junto con el legendario material de Genesis como "Firth of Fifth", "Blood on the Rooftops", "In That Quiet Earth" y "Los Endos".

Djabe, por su parte, se formó hace veinte años y es uno de los grupos de jazz más aclamados de Hungría, pero no sólo en Hungría sino también en el mundo. Tocando una fascinante fusión de estilos que va desde el jazz al rock muy particular y creando un estilo propio que no deja nunca de lado su historia musical folklórica y lo que tan mal se conoce como "música del mundo". En su asociación con Steve Hackett, no solo el guitarrista aparece en el escenario junto con ellos interpretando material en solitario de Genesis y Hackett, sino que también tocan material Djabe y hasta lanzan composiciones compartidas, en una asociación fructífera que esperemos continúe. En el Festival de Jazz de Garana en Rumania, Steve Hackett & Djabe se presentó a una audiencia de 13000 personas, y "Summer Storms & Rocking Rivers" captura maravillosamente la magia de esta colaboración en el escenario.
Aquí los dejo con el comentario del Mago, que es quien les presenta este tremendo disco que hará caer de culo a más de uno:

Djabe es considerada hoy como una de las bandas de jazz-rock-world más importantes de Europa, fundada en 1995, desde Hungría y para el mundo. Una banda muy singular por su sonido, en especial por la intervención siempre acertadisima del violín y la trompeta, y por ser músicos super profesionales.
En este trabajo se une Steve Hackett para matizar uno de los trabajos en vivo más espectaculares de los últimos años, si cabezonas/es, éste es un disco sencillamente HERMOSO, si bien los trabajos solistas de Hackett muchísimas veces estan rodeados de ese halo aburrido por estar todo el tiempo reversionando canciones de Genesis, en este caso no sucede lo mismo, es todo lo contrario, las versiones de Genesis son ESPECTACULARES, sí, asi con mayusculas!!!.
Desde el primer track esto suena prolijo, ejecuciones exquisitas, sonido extraordinario, y aquí debemos mencionar que los señores de Djabe desde su nacimiento siempre le dieron una importancia superlativa al sonido, a tal punto que algunas de sus presentaciones en vivo las realizaron en 5.1, acompañadas de una luminaria de última generación, y aquí realmente se nota.
La versión de "Firth Of Fifth" es una perla musical que muchos cabezones van a saber disfrutar, el resto del disco fluye con una delicadeza instrumental muy pocas veces escuchada. Y ni contar lo que hacen con "Ace Of Wands" del primer disco solista de Hackett y Los Endos. Así que ¡agarrate Catalina!.
Si Hackett en un arranque de ingenuidad decidiera unirse a Djabe como miembro estable, sin lugar a dudas nadie en el mundo cuestionaría esa decisión, sencillamente escuchar el desarrollo de la guitarra en este concierto es descomunal, una unidad musical indiscutida.
Generalmente somos con el Vampiro de recomendar algunas producciones, pero créanme que este disco es TREMENDO!!. Una joya que se grabó en vivo en 2011 at the MMC Club, Bratislava, Eslovakia. Y que desembarca en el blog cabezón para brindar placer supremo.

Mago Alberto

Con apenas 79 minutos, es un álbum perfecto para llevar en el auto en un viaje o simplemente para relajarse mientras hacés alpedismo en tu casa. Aclaro que si bien está la versión en DVD, lo que presentamos aquí es la versión en CD.
Nunca había escuchado a Djabe antes y estoy empezando a preguntarme por qué han estado fuera de mi radar musical. Increíblemente eclécticos, con una mezcla de prog, blues y folk con un toque de jazz húngaro (lo cual no es realmente una sorpresa ya que Djabe es de hecho húngaro, y en el blog cabezón ya conocemos la calidad de todo lo que sale desde allí).

Por otro lado también conocemos a Steve Hackett y su genialidad, y las versiones de sus clásicos junto con un par de composiciones de Genesis son simplemente asombrosas, su uso de la estructura de acordes y la magia musical es sublime. Lo hace parecer sin esfuerzo pero rebosante de poder y emoción.
El sonido es genial, claro y cristalino, un registro en vivo con un sonido asombroso.
Esto es simplemente un disco increíble con música exquisita. Y si es que lo recomienda de esa manera el Mago Alberto, es para que lo tengan en cuenta y ojo que el Mago no recomienda cualquier cosa.

Esto es material imperdible!!!


Lista de Temas:
1. City Of Habi
2. The Steppes
3. Butterfly
4. Scenes - Above Poland
5. Scenes - Sunset At The Seaside
6. Steve's Acoustic Set
7. Ace Of Wands
8. Flowers Stillness
9. Rush For Ménes
10. Strange Places
11. Rush For Ménes Reprise
12. Last Train to Istanbul
13. Summer Storms
14. Rocking Rivers (Angklung)
15. Firth Of Fifth
16. In That Quiet Earth
17. Distant Dance
18. Los Endos

Alineación:
- Attila Égerházi / guitar, percussion
- Ferenc Kovács / vocals, trumpet, violin
- Zoltán Kovács / keyboards
- Tamás Barabás / bass guitar
- Szilárd Banai / drums
Special guest:
- Steve Hackett / guitars, vocals

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Azymuth - Aurora (2011) ---ScRaBBlE

Para los cabezones amantes del jazz brasileño, les presentamos la anteúltima grabación del super trío carioca, quienes han puesto muy en alto el nombre de Brasil en el campo del jazz contemporáneo. Siendo su más reciente trabajo "Fénix" del año 2016, aquí tenemos una banda con 40 años encima y que se sigue manteniendo con parte de la frescura que tenía el primer día, siendo el 13º disco de Azymuth presentado en el blog cabezón y vaya uno a saber cuantos discos sacaron en realidad estos prolíficos y veteranos músicos. Y este disco es histórico en su biografía, ya que fue el último donde participó el maestro de las teclas José Roberto Bertrami, ya que en el siguiente año fallecería en el año 2012, así que este es un pequeño homenaje en su nombre. Así empezamos el día, a puro funk brazuca, con el "Aurora" de los geniales Azymuth.

Artista: Azymuth
Álbum: Aurora
Año: 2011
Género: World Fusion / Funk / Soul / Latin Jazz
Duración: 48:25
Nacionalidad: Brasil

Creo que éste debe ser uno de los grupos más infravalorados en el mundo de la música, teniendo en cuenta su trayectoria, la cantidad de discos y su musicalidad y estilo. Azymuth es uno de los grupos más transgresores e influyentes de la música brasileña. Ellos definen su estilo como "samba loca", aunque en sus composiciones se puede apreciar desde su bossa nativa hasta el funk pasando por el jazz más clásico, la samba, el rock e incluso la música disco.
Hoy en día tienen un nuevo álbum llamado "Fénix" (su primer álbum en cinco años) y terminaron una gira europea. los brasileños lograron recrear la energía de las hipnóticas sesiones de los años setenta que, a la vez, los lanzó al mercado internacional y que los hizo ser reconocidos como una de las bandas más exitosas de Brasil.
Un viaje de doce temas que toca en todos los puntos de la brillante fusión expresionista que los Azymuth practican, complementada sólo por la energía cósmica y la musicalidad que cabría esperar de la mejor orquesta formada por tres hombres.

Desde cierto punto de vista, podemos considerar al jazz como un estilo que fue creada por gente negra esclavizada, que les ayudó a olvidarse de sus problemas al mismo tiempo que revitalizaba sus orígenes, para luego ir convirtiéndose en una música de baile, en muchos casos. Uno recuerda los disturbios raciales de Boston que aplacó James Brown con un concierto. Con el paso del tiempo ha ido creciendo y evolucionando hasta convertirse en un estilo de música sofisticado de improvisación, pero sigue siendo el aspecto inicial de baile lo que, en muchas ocasiones, lo inspira. El funk nació del jazz, simplificándolo y golpeando con más fuerza que nunca, no necesitabas saber bailar para poder sentir el funk. La combinación de estos dos estilos es para mí la fórmula musical más emocionante, llegándome hasta el alma.
Otro aspecto vendría a ser el jazz o el funk pero desde el punto de vista de América Latina, entonces tenemos ejemplos asombrosos, desde los más hondo de Cuba, desde el Uruguay (sobretodo mezclada con el candombe), desde la experimentación en Argentina y Chile, y como no, desde su personal punto de vista en Brasil, y aquí es donde surge Azymuth como una banda que no podemos dejar de lado, y menos en el blog cabezón.

Aquí, los brasileños lograron recrear la energía de las hipnóticas sesiones de los años setenta que, a la vez, los lanzó al mercado internacional y que los hizo ser reconocidos como una de las bandas más exitosas de Brasil. Los veteranos también ofrecen otros estados de ánimo más reflexivos, logrando un buen equilibrio entre ellos y aquellos más festivos.
Aún compuesto por los tres miembros originales que comenzaron el grupo en 1972, Azymuth se estaba acercando al final de su cuarta década sieguiendo siempre su estilo propio, luego vendría la tragedia y el resurgimiento, pero eso es otra historia. "Aurora" continuaba la asociación productiva que han tenido desde su nacimiento como banda. La diferencia más notable fue la falta de cuerdas y saxos que aparecieron en su último álbum, "Butterfly", de 2008. Pero por el contrario, "Aurora" vuelve a típicos sonidos disco de la década de los 80, pero también vuelve parece poner énfasis en sus raíces y su expresión en la samba.
El repertorio es variado y trae, además de la progresiva pista que da nombre al disco, y de la ya citada fusión de diversos géneros, algunas totalmente disco y retro como "É Mulher", la experimental "Crazy Clock" y las suaves y bellísimas "In My Treehouse Prelude 1" e "In My Treehouse Prelude 2".
Este es uno de esos álbumes raros que son tan consistentemente atractivos y bien secuenciados que parece casi injusto seleccionar lo más destacado. Pero debe mencionarse "In My Treehouse", que se repite con dos preludios espectrales al final. Tanto esta canción como "É Mulher" se alimentan de los placeres de la música disco y están decorados con una lluvia de tambores sintetizados (¿un gesto irónico, quizás?). "Isso É Partido Alto" es una relajada exposición de samba a lo Azymuth, con Bertrami tomando un papel protagónico en su brillante Rhodes y el conjuro haciendo el soporte, siendo un ejemplo típico del enfoque instrumental de Azymuth sobre una lírica determinada.
Sabrina Malheiros agrega su voz a "Meu Mengo", con su padre Alex ocupado en el bajo funky y la guitarra acústica con sabor a bossa nova. "Aurora" elabora ritmo memorables uno tras otro. "Aurora" no es exactamente un álbum moderno ni sorprende por la innovación (al menos para quien ha escuchado otras grabaciones del grupo). Pero tiene la combinación explosiva de talento, técnica y huella brasileña, en el mejor sentido de la palabra. Esto significa que, para estas fechas en que se grabó el disco, Azymuth continuaba con una vibración que no se había apagado a pesar de las décadas, con una energía y una creatividad que dejaban muriendo de envidia a mucho grupo gringo y muchos se preguntaban cómo era posible. En sus treinta años de carrera, han lanzado más de veinte álbumes, un éxito planetario que data de 1979, en el que el grupo brasileño parece vivir en rendimiento contínuo basaado en su estilo personal de una fusión (samba-funk) que se ha convertido en el sello distintivo de cada uno de sus discos, y este "Aurora" es una pequeña excepción en su exploración de sonidos de los 80s, pero no desentona para nada en su historial.
Habrá que ver cómo es su resurrección con su últimdo disco "Fénix", en cuanto a éste, es un disco encantador, equilibrado y muy recomendado.


Lista de Temas:
01. Aurora
02. In My Treehouse
03. Ta Nessa Ainda Bicho?
04. Isso E Partido Alto
05. Carnaval Legrand
06. Diz No Pe
07. Meu Mengo
08. Crazy Clock
09. Que Bom
10. E Mulher
11. In My Treehouse (Prelude 1)
12. In My Treehouse (Prelude 2)

Alineación:
– Alex Malheiros / Bass, Acoustic Guitar, Vocals
– Ivan Conti / Drums, Percussion, Vocals
– Jose Carlos / Electric Guitar
– Robertinho Silva / Percussion
– José Roberto Bertrami / Piano [Fender Rhodes], Piano, Synthesizer [Mini Moog, Arp Strings], Keyboards, Organ [Hammond], Vocals
With:
David Brinkworth / Vocals (tracks: 7)
Marcio Lott / Vocals (tracks: 1, 7)
Sabrina Malheiros / Vocals (tracks: 1, 7)

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Varga János és a Mediterrán Combo - Latin Fantázia (2006) ---ScRaBBlE

Cerramos una semana a pura buena música húngara y muchos guitarristas geniales con otra faceta desconocida, hasta ahora, del maestro Varga János, ya que en este álbum se larga a las interpretaciones de... música flamenca, confirmando la enorme flexibilidad de este músico genial. The Mediterranean Combo es una nueva forma de Varga János, un trío de música latina con un temperamento virtuoso que mezcla nouve flamenco, bossa nova y jazz, en el cual los instrumentos acústicos juegan un papel prominente, creando un disco que además de sus propias composiciones, también interpretan obras de guitarristas mundialmente famosos: Al Di Meola, Paco de Lucía, John Mc Laughlin. Otra vez el fundador de la banda de rock progresivo húngaro East nos da una sorpresa, pero eso es algo a lo que deberíamos acostumbrarnos ya que con cada producción el Botafogo húngaro se encarga de dejarnos con la boca abierta. Y esta no es la excepción.

Artista: Varga János és a Mediterrán Combo
Álbum: Latin Fantázia
Año: 2006
Género: Música mediterránea
Nacionalidad: Hungría


Como ya deben saber, la carrera musical de Varga János comenzó, oficialmente aunque antes había tocado en otros conjuntos, como el fundador de la banda East como compositor y guitarrista, en 1975. Desde allí el tipo ha realizado muchísimas obrqas en distintos ámbitos: orquestal, música de ballet, grupos de música de vanguardia, teatro, contribuyó con la biblioteca alemana de música Sonotel, ha producido obras experimentales visuales-musicales, contribuyó al en decenas de comerciales como compositor (incluso tiene un premio Oscar para la categoría de películas comerciales), etc.
También este inquieto y talentosísimo músico aún se mantiene como músico invitado o como miembro de grabaciones musicales varias, pero deja en claro que lo suyo es el álbum de autor.

Y es por ello que hoy vamos a dejar un disco distinto al que generalmente publicamos, porque es parte de un músico que no para de ampliar sus horizontes. Esta fantasía mediterránea sigue el camino iniciado en el lejano 1975 con East, ahora con esta música acústica que es un hechizo. Acompañado esta vez por su compañero en las teclas de Varga János Project, Varga János Jr en guitarras ¿será el mismo hijo que participó en su último disco de Varga János Project? pregunto porque allí toca batería y percusión pero aquí la guitarra... parece que la eficacia musical viene en el ADN!
Si te place escuchar una música suave, sin estridencias y cercano a la música mediterránea, bueno, aquí tenés un disco perfecto para que conozcas otra faceta de ese verdadero genio llamado Varga János...

Y disculpen pero no voy a escribir mucho más, demasiado escribí sobre él aunque de verdad todas las palabras son pocas, su obra hay que escucharla, disfrutarla y compartirla. Un verdadero genio (otro más) que se hace presente en el blog cabezón y que presentamos en sociedad.
Y con esto vamos cerrando la semana, veremos qué nos depara la semana que viene, veremos qué aportes hará el Mago Alberto y sobre qué tenemos ganas de escribir...

Pero por ahora tienen para entretenerse, y de sobra.

Lista de Temas:
1. Mediterrán éjszakák
2. Copacabana
3. Hölgyválasz
4. Samba
5. Flamenco fodrok
6. Bacardi
7. Mikor hozzád indulok
8. Kasztíliai dombok
9. Távolodó felhők
10. Könnyű álom

Alineación:
- János Varga / guitar
- János Varga Jr. / guitar
- Zsolt Nagy / piano
With:
László Szitkó Jr. / piano solo (1 - 5)

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Mizmar - Mixit (2014) ---ScRaBBlE

Miren que hay maravillas dentro de la música progresiva (ojo que digo "música" y no "rock progresivo", porque de acá rock hay poco y nada). Ahora nos metemos de cabeza dentro de música étnica arábica y oriental al que no le faltan muchos destellos de jazz, todo ello aparece en el sonido de los franceses de Mizmar. Y ojo que si bien digo que aquí no hay mucho rock, esto no está demasiado alejado de vuelos psicodélicos muy atmosféricos y espaciales de este electro jazz oriental. Un trabajo con corto como disfrutable, los invito a conocer a Mizmar y su asombrosa y exquisita música.

Artista: Mizmar
Álbum: Mixit
Año: 2014
Género: Fusión / Folk Progresivo / Música del Mundo
Duración: 33:30
Nacionalidad: Francia


Podríamos preguntarnos porqué a los miembros de la comunidad de eso que mal llamamos "música progresiva" nos gusta tanto algunas expresiones de la música popular étnica o elementos de lo que mal llamamos "música del mundo", tanto que hay hasta un sobestilo de rock progresivo también mal llamado prog folk...
Y por algo será, a ver si el siguiente video nos da una idea de porqué nos gusta tanto:

Mizmar es un grupo formado por el compositor francés Rodrigue Lecoque, tecladista de Amethyst.
En 2012, Rodrigue Lecoque se unió a Nabil Ghannouchi en la flauta tradicional Tunisiana y Agata Nowak en batería y percusión, para dar vida a Mizmar, que vió la luz desde unos nuevos sonidos creados desde otros más tradicionales y acústicos.

Ahora los invito a darse un vieja de exótica belleza con estos músicos que crean un disco de un poco más de media hora realmente exquisito. Producido por el sello francés de rock progresivo por excelencia (Musea, quienes ya habían publicado el primer disco de Mizmar) llega a nosotros "Mixit", un verdadero mix de sonidos que les aseguro van a disfrutar.

A través de ese álbum, Rodrigue Lecoque se desvía un poco de la música de jazz-rock de su banda Amethyst (ojo que no los conozco pero los voy a chequear), con el fin de realizar una obra más personal e íntima. Esta es una forma donde él comparte todo el alcance de su mundo musical.
Este es el segundo disco de la banda francesa Mizmar, y creo que fue su último disco. El grupo para esta oportunidad fue un trío que se centró en la fusión de la música de Oriente Medio con el jazz y la electrónica. El primer álbum del grupo fue la banda sonora original de "Contes De La Main Gauche", una antología escrita por Guillaume Lecoque que fue realizada durante el otoño y el invierno 2001-2002, y se relaciona con las "Mil y una Noches". "Mixit" revisita algunas de las piezas del proyecto inicial y también presenta nuevas canciones acústicas.

A la inspiración generada por los "Contes De La Main Gauche" se le sumaron los sets de fotografías tomadas en Yemen por Guillaume Lecoque y, por supuesto, la música tradicional a lo que los músicos se sumergieron. El resultado de ello confluyó en canciones que incluían música electrónica, trip-hop y rock progresivo a través del aspecto sinfónico de ciertas piezas. Los músicos usaron muestras especialmente capturadas en Yemen, facilitando una fusión de la música occidental y de Medio Oriente.

Un disco muy rico, poblado de imágenes evocadoras a través de sus sonidos únicos. Los invito a un verdero viaje a través de la imaginación. Todo un placer para los oídos y el buen gusto.
Pueden escucharlo completo en su espacio de Bandcamp: https://mizmar.bandcamp.com/releases

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Lista de Temas:
1. La Troisième Porte
2. Deux Oasis
3. Médit'
4. Sanaagroove
5. Oudjammer

Alineación:
- Rodrigue Lecoque / keyboards
- Nabil Ghannouchi / Oud and Nay
- Agata Nowak / drums and percussions

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Secret Chiefs 3 - Xaphan: John Zorn's The Book of Angels Volume 9 (2008) ---ScRaBBlE

Nuestro amigo Lean nos presenta, entre otros discos que ya hemos presentado de Secret Chiefs 3, a esta colaboración entre la banda ecléctica y el genio jazzero de John Zorn para el monumental proyecto "Masada" (quien no lo conozca lo explico más abajo). Esto es, de hecho, la conjunción de fuerzas musicales que tienen mucho sentido, ya que la música klezmer es aquí la protagonista pero junto a muchas otras formas, y ello tiene su historia más allá de Zorn ya que una de las tradiciones musicales de Secret Chiefs 3 es haber incursionado en la música tradicional judía en sus discos anteriores. Una banda con muchas habilidades técnicas e instrumentales puesta al servicio creativo del señor Zorn pero al mismo tiempo libre de crear y desarrollar su estilo, en un álbum con distintos sonidos,  en un disco que sucumbe a los diferentes diferentes estilos musicales, con gran consistencia en la diversidad. Tremendo trabajo que no lo hemos presentado antes porque un cabezón (no recuerdo quien) se comprometió a hacer un review (luego de perdirnos por favor) pero nos dejó pagando, así que no lo esperamos más y les presentamos esta belleza para que disfruten en este fin de semana.

Artista: Secret Chiefs 3
Álbum: Xaphan: John Zorn's The Book of Angels Volume 9
Año: 2008
Género: Avant / Folk / Ecléctico
Duración: 55:31
Nacionalidad: EEUU


He aquí un esquema sobre el proyecto más importante y prolífico del saxofonista norteamericano: Masada. En principio, no haré hincapie en el contenido musical de cada uno de los discos (son más de 50) ni a cada uno de los temas que los componen, ya que en realidad este artículo es la base sobre el que se haría en un futuro un estudio más detallado.
En septiembre de 1992, John Zorn crea su composición "Kristallnacht", que narra musicalmente varios aspectos de la vida de los judios durante la segunda guerra mundial, de su supervivencia y de su futuro como pueblo. Para ello, Zorn se acerca a la música Klezmer del siglo 17 y 18 y la mezcla con otras tendencias más modernas. Por otro lado, tras 20 años de carrera, el músico norteamericano piensa en dotar de melodias más definidas a sus composiciones y crear, según sus propias palabras, “un libro de temas inspirado en los catálogos de grandes compositores como Burt Bacharach, Thelonius Monk, Kurt Weill o Ornette Coleman“. De esta forma se crea el concepto “Masada”, que hasta el momento consiste en unos 500 temas, con una estructura similar, compuestas con unas reglas muy concretas pero dejando espacio suficiente para la improvisación. Zorn se inspira en la tradición judia y mezcla la música Klezmer con otras de influencia balcánica y árabe, acercándola al terreno del jazz, del rock o de la música clásica dependiendo de la formación que elija para interpretarla.

Amantes de lo Raro, aquí os dejo a Secret Chiefs 3, un grupaco con gente de Mr Bungle y Estradasphere. Su música va desde el death metal a la música étnica, árabe o el surf.
En este caso participan en el proyecto de John Zorn, otro volumen del Book of Angels (el noveno) y como en los anteriores volúmenes trata de mitología judía y cristiana. En este caso Xaphan, un ángel caído que ayudó a Lucifer.
No esperéis música de fácil entrada, ni rock, esto es un extraño viaje a un lugar exótico con la banda sonora perfecta.

el_fonzio

Comento que 
"Masada" es la formación más conocida y mejor valorada en el mundo del jazz de todas las que ha liderado John Zorn. Después de escribir las composiciones sobre las que se construyó el universo original de "Masada", Zorn escribió 300 piezas más (en sólo tres meses) y otras tantas luego completando más de 500, y decidió encomendar su grabación a artistas de su entorno completamente dispares, produciendo entregas que van desde la intimidad del piano solo al desenfreno caótico de formaciones sin ninguna frontera estilística. Todas las composiciones (y los discos) van firmadas por Zorn y, aunque en algunos grupos participa como conductor (a la manera de un director de orquesta), no toca en prácticamente ninguno (tan sólo un tema en el volumen 12, junto al Masada Quintet).

No me voy a poner a escribir en demasía porque no tengo mucho tiempo y no quiero dilatar la presentación de este gran disco, así que les dejo más textos de terceros para instroducirlos en el fascinante mundo de Secret Chiefs 3 aliado a John Zorn...

Apasionante extensión de la delirante mente de Trey Spruance, enloquecido multiinstrumentista a quien muchos recordarán por el grupo Mr. Bungle o por su parte en la grabación de King For A Day... Fool For A Lifetime de Faith No More. Secret Chiefs 3 es precisamente eso, un conglomerado de influencias (desde el surf al death metal, pasando por varias músicas folcloricas y extravagancias variadas. Trevor Dunn, habitual de Zorn y miembro a su vez de Mr. Bungle, Fantomas, Tomahawk, etc, estará en San Sebastián, pero no tocará con la banda de Spruance. Quien sí estará es el fabuloso baterista Ches Smith, que no es poco. Es difícil saber qué sonará durante el concierto de los Secret Chiefs 3, y ese es, precisamente, su encanto.

Yahvé M. de la Cavada

Secret Chiefs 3 no nació tan directamente de la muerte de Mr. Bungle, ya que poco antes que la banda lanzara Disco Volante SC3 ya existía en espíritu y lanzó un single en el preciado y perdido The Legendary Paper Project, un vinilo promocional con la canción Platypus. Dentro de sus integrantes encontramos a 4 personajes de Mr. Bungle: Trey Spruance, Trevor Dunn, "Bär" MacKinnon y Danny Heifetz, mezclados con dos miembros de la destacada y talentosa banda Estradasphere; los grandes Jason Schimmel y Timb Harris. Con estos sujetos ya podemos deducir lo que se viene... una fusión y manifestación físico-sensorial de talentos que pocas veces se puede ver/oir/sentir.
Si alguien alguna vez les dice que SC3 suena como Mr. Bungle pueden mandarlo a la cresta apenas cierre su apestosa boca. Puede que su sonido, eclecticidad (palabra que puede no existir pero se entiende por su lexema) y experimentación nos recuerde un poco a los dioses californianos que volaban la raja musicalmente a RHCP, pero quiza en uno o dos temas, como Desert Search for Techno Allah o Ars Moriendi, pero de ahí no pasa. SC3 es un poco más mesurado en su locura, la que veríamos a lo más en el primer disco, pero de ahí solo encontramos piezas hermosas en cuanto a ejecución y sonoridad junto a talento metalero del bueno. Menos mal que llegué a ese punto. ¿A que suena, entonces? muchos lo definen como Surf rock oriental con toques de soundtrack italiano y death metal, pero... nah, esa definición queda chica y a la vez reduce mucho. Algunas canciones son claramente Surf rock con rasgos arábigos o indios, pero otras son grindcore puro y duro, sin fusión ni nada, solo tarro y guturales potentes, pero de más de un minuto para salirse de la tradición core.
¿Que podemos decir sobre su historia? No se, soy un fan de SC3 desde hace años, pero en verdad no tengo mucho que decir sobre su existencia y todo eso. Algo importante es saber que su lineación no siempre se mantiene fija, lo que me lleva a pensar en King Crimson y en el concepto de "escuela" que Fripp le dio a la banda. Dentro de lo lírico no hay mucho que decir, ya que tienen 3 canciones, si no me equivoco; el resto solo es instrumental. Otra cosa que hay que saber antes de pensar que son un grupo de terroristas infiltrados es que tanto los títulos de sus temas como su música están inspirados en literatura filosófica de varias religiones como el Islam, el zoroastrísmo y una que otra del hinduísmo, así como en la ciencia ficción, la metafísica y el sufismo, excepto en el último disco que dio un giro en 180° a lo que hacía la banda.
El último punto vital que hay que conocer es que la banda en realidad está compuesta por 7 bandas satélites (The Electromagnetic Azoth, Ishraqiyun, Ur, Forms, Holy Vehm, Traditionalists y NT Fan) y que sus temas son puestos en los discos siguiendo un orden cabalístico (de la cábala hebrea, no la mierda que usan en Hollywood). Cada banda ha lanzado sus discos apartes, que son más singles que discos, pero para mi que lo de las bandas no es más que para aumentar la mística en su trabajo, ya que los miembros de SC3 son los mismos que los de estas bandas. Esta división correspondería más a una división musical, porque una toca surf-oriental, otra death metal, otra electrónica y así, según los varios estilos de la banda.
(...) Para el ojo/oído experto ese nombre podría parecer familiar, así que analicemos. Nombre raro, seguramente de algún ángel del talmud o algo, libro de los ángeles, volumen... si su respuesta es perro están mal, porque esta no es otra cosa que Secret Chiefs 3 trabajando en base a composiciones del lolosaurio John Zorn para uno de sus libros de su banda Masada. Como toda la serie de Masada, los temas se basan en la mitología judeo-cristiana, al parecer en los escritos de grimorios como el Diccionario Infernal y La llave menor de Salomón. Si no me equivoco, no tocaban música hebrea/judía, como quieran, desde el cover de Exodus. Genial ¿no? (no)

Alsophocus


Lista de Temas:
01. Sheburiel
02. Akramachamarei
03. Shoel
04. Barakiel
05. Bezriel
06. Kemuel
07. Labbiel
08. Asron
09. Balberith
10. Omael
11. Hamaya

Alineación:
- Trey Spruance / baritone & electric guitars, organ, piano, synth, autoharp, bass (2,3), percussion, arranger & producer
- Jason Schimmel / guitar
- Jai Young Kim / Hammond B3
- Timb Harris / violin, trumpet
- Elena Doroftei "Anonymous 13" / viola, voice
- Rich Doucette / sarangi
- Shahzad Ismaily / bass
- Ches Smith / drums, congas
With:
John Zorn / composer, executive producer
Adam Stacey/ clavinet
Monica Schley / harp
Tim Smolens / cello, double bass

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Hugo Fattoruso & Leo Maslíah ‎- Montevideo Ambiguo (2015) ---ScRaBBlE

Una celebración de buena música uruguaya a través de dos de sus multifacéticos exponentes contemporáneos, talentosos pianistas, cantantes y compositores uruguayos. A dos pianos y dos voces, en "Montevideo Ambiguo" proponen un recorrido por canciones y temas instrumentales compuestas por ambos. Mientras estaban embarcados en la gran cantidad de proyectos de cada uno, los dos músicos uruguayos encontraron un tiempo para un concierto compartido, sugerido por sus productores, en el que está registrado el recorrido de la historia de ambos. Otra jugosa expedición del Mago Alberto por la buena música del otro lado del río, que ahora les presenta al público cabezón.

Artista: Hugo Fattoruso & Leo Maslíah
Álbum: Montevideo Ambiguo
Año: 2015
Género: Latino / World / Humor
Nacionalidad: Uruguay


Hoy tuvimos un día a puro dúo. Ahora se trata, ante todo, de dos músicos clásicos y de vanguardia al mismo tiempo. Ahí está, quizá, la ambigüedad del título. Artistas con obras muy reconocibles y distintas entre sí tienen, sin embargo, algunos puntos en común: "la pasión y la entrega a la hora de tocar" según Fattoruso y "la variación rítmica de elementos provenientes de la música popular", según Maslíah. La idea de "debutar" como dúo fue de ciertos productores en común. Ambos ya habían confluido parcialmente a principios de la década del ’90 del siglo pasado, cuando Fattoruso invitó a Maslíah a compartir un tema con él, y con su hermano Osvaldo, en el Teatro Solís de Montevideo. Después hubo otro encuentro, casi casual, en un festival en Chaco.
Aquí, entonces, el Mago Alberto nos trae un registro antológico, y nos lo describe de esta manera:

Y ya que vino un aire rioplatense con Leo Masliah, vamos a agregarle un poco más de ritmo y pasión, trayendo este trabajo en vivo de dos genios de todas las épocas, Hugo Fattoruso y Leo Masliah, nada más y nada menos que en vivo.
Que bueno poder acercarnos a este viaje sonoro, indescriptible, un concierto que los encuentra a los yorugas en un momento de extrema madurez musical y con cientos de horas de vuelo cada uno, dos músicos con tanto desarrollo musical que a medida que pasan los años parecen no tener techo, aparte ¿porqué esperar un techo? cuando estos seres de luz tienen estricta conexión con el cielo, con lo más sublime de Dios, y hacia alla van cargando en sus espaldas una mochila gigantesca de corcheas y semicorcheas, pentagramas arrugados, atriles desechos, suelas gastadas de escenario. Si, cabezonas/es, estos tipos son tan inmensos que no caben en ningún lugar, aún no se a fabricado ni un recinto, ni una habitación, ni una sala de ensayo, ni un escenario para contenerlos.
Este concierto los encuentra entreverados de ritmos ciudadanos, de nostalgia candombera, de sutilezas jazzisticas, y de puro sentimiento, una ola enorme de música te sacude desde La Papa hasta en Himno montevideano por excelencia que es Biromes y Servilletas, quizás una de las mejores versiones que van a escuchar.
Quien esté curtido de Chic Corea, de Mays, de Hancock, de Jarret, va a saber degustar esto de manera suprema. El resto que aún no se anima les recomiendo escuchar el Himno antes mencionado y después me cuentan.
Una vuelta por la casa de nuestros primos nunca viene mal, al fin y al cabo lo primero es la familia (esto lo escuche en alguna parte). Suban sin temor, el avión esta piloteado por Fattoruso y Masliah, ¡viaje asegurado!.

Mago Alberto

Mientras Maslíah se formó extensivamente en la academia y concibe tanto la música popular como la "culta" como materiales a ser intervenidos desde el afuera de su peculiar programa estético, el no menos idiosincrásico Fattoruso trabaja desde adentro de los distintos géneros, pero puede incluir en un candombe o en una milonga una construcción de acordes o una disposición melódica que no responden a ninguna otra escuela que a la forjada por su propia imaginación.

"Compartir un escenario con Hugo Fattoruso es un inmenso placer, pero más que nada es un error de producción, yo ya les dije a los productores que a Hugo prefiero escucharlo desde la platea y no estar ahí molestando con otro piano que sobra. Pero insistieron y no quise que se malinterpretara mi negativa como un desaire."

Leo Maslíah

Y empieza el disco con los pasajes compartidos de "La papa", el instrumental de Hugo y su hermano Osvaldo, y de ahí no pararon. Le siguió "Milonga De Nagoya" que Hugo Fattoruso compuso junto con Tomohiro en ese proyecto titulado Dos Orientales, mientras que "Corcheas blancas" encontró a ambos músicospartiendo de un mismo motivo de piano, seguida por "Fin De Temporada" de Fattoruso, "Luna Sola" de Maslíah, otra de Fattoruso: "Mi prima Mabel", marcada por el uso de las métricas irregulares, seguida por la jugosa "La Casa Grande", y así se pasan los temas, que son 14 y no vale la pena hablar de ellos sino escucharlos.
Aquí, el espectáculo según la agencia Télam:

Los músicos uruguayos Leo Maslíah y Hugo Fattoruso, sobresalientes compositores a nivel internacional, presentaron anoche en el Teatro Sha de Buenos Aires, un recital donde conjugaron la versatilidad de dos pianos, juego de voces, cruces estilísticos y una buena dosis de humor. Comenzó con una bella milonga de Fattorusso arreglada por el autor de “Corriente alterna”.
Y siguió con la primera humorada de la noche, una versión del tango “Uno”, de Mariano Mores, con las frases musicales estiradas, titulado “Uno coma cinco”, donde Maslíah demostró su capacidad para desarmar una melodía y Fattoruso se lució con el acordeón.
Después, Fattoruso, cálido y cordial, se retiró del escenario para dejarlo a Maslíah, siempre inmutable, quien ofreció parte de su enorme repertorio musical, cruzado por la formación académica, la tradición popular y el humor absurdo.
Así fueron apareciendo temas como “Respuestas a un joven poeta”, una milonga donde un editor le contesta duramente a un aficionado a la poesía; “Zamba del desfasado”, una bella canción con los verbos mal conjugados; y “Película ciega”, una impresionante pieza clásica que el autor definió como el reverso del cine mudo.
Luego llegó “Argumentos tendientes a una fundamentación de por qué te amo”, una extraordinaria canción de Maslíah, donde apareció por primera vez la guitarra, mientras que Fattoruso agregó las texturas y matices con el piano eléctrico.
Después, Fattoruso se sentó al piano de cola para interpretar algunas de sus creaciones, muchas de ellas marcadas por el uso de las métricas irregulares, como la pieza “Mi prima Mabel”, donde se percibe un impecable equilibrio de formas tradicionales y de irrupciones estéticas.
Hacia el final, el ex integrante de Los Shakers y del Opa Trío, deslumbró con una versión de “Tierra virgen”, compuesta por Carlos Morales y Eduardo Méndez, y, para terminar, se impuso con una explosiva versión de “La Papa”, tema creado junto a su hermano Osvaldo, donde, a dos pianos, se podía percibir una secuencia similar a las de Steve Reich.
Los compositores, referentes indiscutibles de la música rioplatense, se despidieron ante los prolongados aplausos del público y regresaron para hacer como bis una bella canción de Maslíah, “Biromes y Servilletas”, donde el autor tocó el piano eléctrico y Fattoruso le puso voz.

Sólo queda esperar que Montevideo ambiguo tenga continuidad, para que así Fattoruso y Maslíah exploten las posibilidades arreglísticas que logran ese plus que convierte un muy buen disco como este en mucho más que la suma de sus partes. Hasta ahora lo tenemos pendiente...

"La idea de juntarnos en un escenario es de nuestro amigo y productor Javier Celoria", explica Fattoruso, pilar fundamental de la música uruguaya desde los años 60, cuando irrumpió en la escena rockera liderando a Los Shakers, junto a su hermano Osvaldo. El nombre del show, Montevideo ambiguo, fue idea de Maslíah: "Tiene que ver con el hecho de que los dos somos montevideanos, pero que ello repercute en nuestras músicas de manera diferente, entonces es como dos sentidos musicales diferentes de Montevideo combinados."
¿Sienten que comparten un lenguaje musical?
Fattoruso: Se me hace difícil opinar al respecto. Leo es un músico muy preparado y su alcance es infinitamente mayor al mío...
Maslíah: Creo que más allá de las diferencias cualitativas, ya que Hugo es un músico de gran importancia a nivel mundial, hay una zona compositiva común, quizá en la investigación o práctica de músicas que vienen de lo popular pero se desarrollan en métricas o compases diferentes de los habituales en esos géneros de donde estas músicas proceden.
Leo, ¿cuál es tu primer recuerdo musical ligado a Hugo?
Masliah: Los Shakers. Cuando yo tenía 12 ó 13 años iba a una heladería que quedaba cerca de mi casa, donde había una rocola, y ponía canciones de Los Shakers. Cuando escuché a Opa ni siquiera sabía que los mismos tipos que tocaban ahí (Hugo y Osvaldo) eran los que integraban Los Shakers.
¿Y qué es lo que más te impacta de Hugo?
Maslíah: Como intérprete me impacta en muchos planos porque tiene varias facetas. Es uno de los mejores pianistas de música popular y de jazz del mundo y aparte de tocar muy bien varios otros instrumentos, es uno de los cantantes más expresivos que haya escuchado nunca. Como compositor me impacta su inventiva constante y siempre renovada a lo largo de décadas, que puede sintetizar con igual eficacia una fórmula melódico-rítmica sencilla y pegadiza pero de gran profundidad (como la canción del mundial pasado, que aparece firmada por Airto Moreira pero es de Hugo) o una avalancha de notas que reúna en pocos minutos ochenta años de ciencia jazzística.
En un rasgo muy montevideano, Maslíah es una especie de hombre del renacimiento: escritor, autor de canciones, obras de música contemporánea, ópera, tremendo pianista. ¿Qué es lo que vos admirás más de él?
Fattoruso: Su genialidad , su musicalidad , su imaginación , cómo toca el piano (¡lo descose!), su histrionismo y su corazón...
Cuando Leo irrumpe en la escena montevideana a fines de los 70, como alumno del taller de Coriún y Graciela, vos no vivías en el Uruguay. ¿Cuándo fue que lo conociste? ¿Cuál es el primer recuerdo que tenés de él?
Fattoruso: "Agua podrida", se la escuché en un recital que estaba dando en la parte de atrás del Velódromo, en los 80. Me pareció genial y liego de ese encuentro salí corriendo a buscar sus discos.
¿Tuviste algo que ver en la versión que Milton Nascimento grabó de "Biromes y servilletas"?
En esa época yo estaba trabajando con Milton, pero solamente organicé al quinteto que hizo esa grabación. Milton tomó esa idea de la cantante brasileña Clara Sandroni. En ese entonces, ella vivía en Montevideo y grabó esa brutal balada-canción a ese paso. Milton quedó cautivado y decidió grabar su propia versión.

Humphrey Inzillo

Lista de Temas:
1. La Papa
2. Milonga De Nagoya
3. Corcheas Blancas
4. Fin De Temporada
5. Luna Sola
6. Mi Prima Mabel
7. La Casa Grande
8. Milonga De La Luna
9. Mosaico Ibérico
10. Afro Express
11. Moda Retro
12. Respuestas A Un Joven Poeta
13. Bailongo
14. Biromes Y Servilletas

Alineación:
- Hugo Fattoruso / Teclados y voz
- Leo Masliah / Teclados y voz

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The Tango Kings - The Tango Kings (1996) ---ScRaBBlE

Le entramos al Avant Garde y la World Music con interpretaciones had hoc de Gismonti, Piazzolla, Pat Matheny, Gullin, Reinhardt y las suyas propias. Quizás algún cabezón erudito conozca al pianista finlandés Iiro Rantala (uno de los pianistas más importantes de Finlandia) o el yanky Gil Goldstein. The Tango Kings, formación del pianista finés Iiro Rantala con músicos como Biréli Lagrène, Gil Goldstein o Toninho Horta. Tango que no solamente es tango. Aquí, el único disco de esta agrupación efímera que dejó esta joyita en su único legado. Con ustedes, The Tango Kings pero en su versión finlandés-americano. Otra rareza para los amantes del buen gusto, de esos que pululan en el blog cabezón.

Artista: The Tango Kings
Álbum: The Tango Kings
Año: 1996
Género: World music / Avant garde / Tango fusión
Duración: 59:56
Nacionalidad: Multinacional

En varias oportunidades hemos hablado de nuestro gusto por la música que se hace en Finlandia (la Princesa Vicky no nos deja mentir, y cuenta de ello son la cantidad de discos de dicho país publicados a lo largo de la historia del blog cabezón), y por algo será porque parece que hay alguna sonoridad compartida, ya que el tango forma parte de la cultura finlandesa, inserto también en el jazz y el rock. Y este es un disco que incluye, entre otras cosas, "Loro" de Egberto Gismonti, con un invitado muy especial, un loro gris africano llamado Jodok, junto con un par de temas de Piazzolla ("Decarisimo" y "Caliente"), varios temas del mismo Iiro Rantala, "Nuages" del guitarrista jazzero belga-gitano Django Reinhardt, un tema del saxofonista sueco Lars Gullin y "Antonia", grabada originalmente por su autor, Pat Metheny, en "Secret Story" de 1992.
Con versiones personales donde no falta la creatividad y la pasión, así empezamos otro día en el mundo de la buena música, ese que vive en el blog cabezón.

The Tango Kings fue un proyecto finlandés-americano, con una banda de buenos músicos de soporte interpretando canciones originales de Astor Piazzolla como elementos protagonistas, pero donde no falta ni Gismonti ni Metheny. El proyecto personal del pianista Iiro Rantala y otros miembros oriundos de Estados Unidos, este disco fue lanzado sin grandes ensayos ni tomas previas, y no se ha producido ningún otro desarrollo especial durante los años que duró la existencia del grupo.

Las primeras influencias de la música latinoamericana en la vida musical de Finlandia se remontan a la segunda mitad del siglo XIX con el arribo de la habanera. Pero el género latinoamericano que más ha impactado en la música y la vida musical finlandesa ha sido el tango rioplatense, que se conociera en Finlandia en la segunda década del siglo XX. Éste echó raíces de tal modo y en tal magnitud, que Finlandia se conoce actualmente como un país tanguero, con la existencia de una especie diferenciada de la rioplatense: el tango finlandés. Sin embargo, en los últimos años hay investigadores (por ej., Kärjä 2012), que ponen en cuestión la existencia de un género llamado “tango
finlandés”.
El tango rioplatense llegó a París en la primera década del siglo XX, donde triunfara en los primeros años de la década siguiente. Desde la
ciudad-luz el tango conquistó Europa, que conoció un breve período de “fiebre del tango” entre 1911 y 1913. Desde el punto de vista del estilo musical el tango llegó a Finlandia desde París vía Alemania y Suecia. En este período se componen nuevos tangos en muchos países europeos, y en cada lugar el tango va adoptando paulatinamente características propias.
En Finlandia esto comenzó a ocurrir a partir de la década del 30 y especialmente en la del 40.
El tango en Finlandia ha conocido seis períodos y dentro de ellos ha habido algunos años de auge del género. La primera fase va desde el arribo del tango a Finlandia (1912-1913) hasta 1928. La segunda se extiende desde las primeras grabaciones de tango realizadas por músicos
finlandeses (1928-1929) hasta fines de las dos guerras contra la Unión Soviética (1944). Durante el tercer período –mediados de los 40 hasta mediados de los 60– nace estilísticamente el tango finlandés y se fortalece como el género más dinámico de la música popular
finlandesa. Desde mediados de los 60 hasta la primera mitad de los 80 el tango finés vive un período de crisis, especialmente en el volumen de venta de discos.
El siguiente –mediados de los 80 hasta fines de los 90– el tango finlandés vive un nuevo período de auge, que influye en otros campos musicales, y durante el cual el tango rioplatense comienza a ser asimilado en una relativamente amplia gama de estilos. Me atrevo a denominar la fase actual del tango finés –la sexta– como pluralista, donde coexisten muchos estilos, y en la cual la influencia del nuevo tango o tango nuevo piazzollano y post-Piazzolla es muy notoria.
(...) El tango finlandés tiene presencia también en el jazz. El compositor y saxofonista Paroni Paakkunainen (n. 1943) compuso tangos ya en los 60, y lo mismo ocurre con generaciones posteriores de jazzistas, como Jukka Linkola (n. 1955; CD 1990), el bajista y músico de jazz y fusión Pekka Pohjola (n. 1952-2008; CD 1991 y 1995], el vibrafonista Severi Pyysalo (n. 1967), el saxofonista Jukka Perko (n. 1968; CD en 2000), quien arreglara varias piezas de Toivo Kärki para su cuarteto, y especialmente el compositor y pianista Iiro Rantala (n. 1970; CD en 1995, 1997, 2009).
En este período el tango tradicional finlandés comienza a formar parte del catálogo de muchos compositores contemporáneos, lo que evidencia
que el tango se consolidó como género identitario de la cultura finlandesa. Numerosos compositores, en marcos genéricos, estéticos y estilísticos diferentes, y para formaciones muy diversas, lo incorporaron a su obra como material musical de base y posicionamiento cultural.
(...) La obra de Piazzolla ejerce una enorme influencia en numerosos músicos y compositores de jazz, rock, fusión y de música contemporánea.
Esto se percibe en la obra de compositores como los jazzistas Iiro Rantala, Jukka Linkola y Kirmo Lintinen, Maria Kalaniemi, las ya mencionadas Milla Viljamaa y Johanna Juhola. No se trata, sin embargo, de una simple copia de la receta piazzollana, sino que, a partir de allí, han buscado caminos personales, donde se nota, por cierto, el background musical de cada uno de ellos, el jazz en los primeros nombrados, y la música folclórica y popular de Finlandia y otros países, en el caso de las tres últimas. Todas y todos tienen también sólida formación en la tradición docta occidental.
Quizás lo más importante que Piazzolla les ha dado, es que en la música no hay fronteras, nada está, en principio, prohibido, hay muchos caminos por explorar. Todo esto ha llevado también a la composición de tangos y obras en colaboración con orquestas sinfónicas de diversos puntos del país.
(...) El tango finlandés se ha ido transformando en un elemento esencial de la identidad cultural y nacional en Finlandia. El tango es algo tan finlandés como el sauna o esquiar en el bosque (Gronow 2009:15). El tango finlandés ha conocido etapas de mucho éxito y de gran recepción popular, y otros de crisis serias. Hoy constituye un campo multifacético, pluralista y que se expresa en gran parte del mundo musical con nuevas generaciones de compositores y músicos, que aportan al tango elementos provenientes de su propia formación, que se nutre de fuentes musicales y culturales muy diversas.

Alfonso Padilla - “EL TANGO ES UN OCÉANO PROFUNDO”. LAS TRANSFORMACIONES ESTILÍSTICAS DEL TANGO FINLANDÉS: DIALÉCTICA ENTRE MÚSICA, SOCIEDAD Y CULTURA

Interpretado desde un gusto por la buena música, la habilidad y la sofisticada pasión, el disco se despliega desde el piano de Iiro Rantala (que compate el protagonismo con... un loro!), secundado en gran medida por el excelente trabajo en acordeón de Gil Goldstein, un afamado músico jazzero estadounidense que también le entra muy bian a los sintetizadores.
Y creo que aquí ya no tengo nada para agregar, porque lo único que pueden hacer es meterle la oreja para conocer la peculiar visión del tango-jazz-Avant que tienen en Finlandia y alrededores.

Espero les guste!!!


Lista de Temas:
1. Tango Mechanique
2. Nuages
3. The Polka
4. Loro
5. Astorale
6. Danny's Dream
7. Decarisimo
8. Tango Dada
9. Tangonator
10. Waltz
11. Caliente
12. Antonia

Alineación:
- Iiro Rantala / piano
- Gil Goldstein / accordion
- Mark Feldman / violin
- Mike Richmond / bass

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Nirmāan - Indian Electric Station (2018) ---ScRaBBlE

Y no podíamos despedirnos de esta semana a puros buenos discos de este 2018 sin traer algo de folk progresivo bien étnico: esto es casi como un King Crimson nacido en una población rural de la India. Un disco bastante jueguetón, de buen humor, muchos elementos enfundados dentro de la cultura indú en su estilo que podríamos denominar "etno-pop-rock-fusión", todo amalgamado con muy buen humor. Y es bueno ir viendo todo lo que va saliendo en materia de música progresiva, porque uno se topa con este tipo de cosas que salen de la nada, joyitas que de otra manera nos perderíamos, disfrutes que nos perderíamos, felicidades llevadas por el viento del olvido. Así que en el blog cabezón les damos una panzada del mejor rock combinado con la mejor música étnica, cuyo resultado se da a llamar, en este caso, Nirmāan, banda banda que se libera de los límites de los géneros. Y creo que está de más decir que esto también está muy muy recomendado!

Artista: Nirmāan
Álbum: Indian Electric Station
Año: 2018
Género: Progressive Rock / Jazz Rock / Música étnica
Duración: 32:23
Nacionalidad: Francia / India


Personalmente me gusta la mezcla entre la música étnica y el progresivo, incluso yo digo que es una de las características por las que se puede reconocer la música progresiva (a la que generalmente se la identifica por la combinación entre elementos de improvisación libre propios e instrumentación del jazz, elementos armónicos de la música sinfónica y docta, como suites y largas composiciones conceptuales, y las experimentación de la música electrónica) pero donde siempre se olvidan de la música popular y la llamada música étnica, que siempre fue la cuarta pata de esa mesa donde todos nos sentamos a comer. Y claro, eso si hablamos de "música progresiva" sin importar el estilo, si hablamos de "rock progresivo", todo ello tiene que estar basado en un formato de rock... bueno, salvo que hablemos del RIO (Rock In Opposition)... pero bueno, esas son cuestiones teóricas y de división de la música que a muchos no nos gusta abordar, ya que la única música que se puede dividir es la buena música por un lado, y la mala música por otro. Así que dejamos de hablar de música para simplemente disfrutarla.

La formación, que incluye un clarinete bajo, violín, teclados, guitarra eléctrica y batería y percusión, donde el componente indú está principalmente arraigada en el canto de Parveen Sabrina Khan, hija de un ilustre instrumentista de tabla y experta en la creación de "maands" (canciones populares) y del canto clásico indú (bhajans, thumri) y que hace malabares con las vocalizaciones propias de la música india.
El quinteto dibuja un camino singular y fascinante en su "desenfoque" de las convenciones estipuladas entre las expresiones populares y académicas, y mezcla de lo antiguo con las proyecciones musicales contemporáneas. Ello hablando del plano musical, pero si hablamos de terrenos más espirituales podríamos decir que el disco también teje un puente entre lo mundano y lo sagrado.

Por cierto, "Nirmāan" es un término hindú que significa "creación". Y este pequeño disco demuestra que el grupo no ha usurpado su identidad. ¡Aquí hay una verdadera "estación eléctrica india" en la que es bueno tomar su correspondencia, en dirección al Trance del tercer tipo!

Los Nirmāan desarrollan una música modal que toma prestado al del rock avant-garde, algo de rock progresivo y elementos de improvisación del jazz y con ello se atreven a aventurarse en las coloridas convenciones de la música indú. Con sólo escuchar el tema introductorio, "Megh", uno se da cuenta de cómo va a sonar esta mezcla entre el canto devocional indú embebido entre las intervenciones del clarinete, el violín, la guitarra, los teclados y la batería, donde la banda dibuja relieves épicos que acentúan la inspiración devocional y poética.

Nirmāan nutre su propio universo, explorando y combinando el patrimonio multicultural y el amplio y sonoro trasfondo musical individuales de los cinco músicos, creando nuevos universos de sonidos con melodías improvisadas y amplificadas, rock progresivo, pop e influencias clásicas indias, produciendo una música poderosa, a veces furiosa, pero siempre de buen humor y grácil. Una rara mezcla de tradición y mestizaje de música acústica y eléctrica con sonidos enraizados y etéreos. Todo un experimento musical con un resultado perfecto.

Si bien ya les hemos compartido bastantes cosas como para que se quemen la cabeza a pura música en este fin de semana que se anticipa lluvioso, aquí tienen un sonido original y atípico, podrás escuchar a un grupo rompiendo esquemas como en algún momento ya lo hicieran grandes músicos como en el caso de la Mahavishnu Orchestra, cultivando una alternativa al rock convencional así como también al sonido típico del rock progresivo (si es que se podría hablar de eso).



Entre la meditación y la intoxicación sónica, entre la devoción y la tensión, entre la felicidad del alma y la emoción del cuerpo, entre las resonancias ancestrales y la paranoias modernas, podemos reconocer a esta banda como la dueña de un sonido único creado por una extrema inspiración en constante mutación, dando origen a un rock hindú con oscilaciones muy estimulantes.

Pueden escuchar el disco completo de su espacio en Bandcamp. Y si les interesa saber algo más de ellos pueden visitar su web oficial: www.nirmaan.fr


Lista de Temas:
01. Megh
02. 6m2 in Paris
03. Har ek pal
04. Intezaar
05. Pamultani
06. Camel steps
07. Bombay beach

Alineación:
- Stephen Cabaret / Clarinete bajo
- Pierre Droual / Violín y teclados
- Antoine LaHay / Guitarras
- Jean-Marie Nivaigne / Batería y percusión
- Parveen Sabrina Khan / Voz

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