Djabe feat. Steve Hackett - Summer Storms & Rocking Rivers (2013) ---ScRaBBlE

Empezamos el lunes con todo, y es que últimamente el Mago Alberto viene yéndose a la mierda y esto lo confirma. Altísimo CD donde el señor Hackett la descose con los húngaros de Djabe que también la descocen, reversionando, transformando y modificando clásicas canciones de Genesis pero en formato étnico-jazzero ¿se imaginan?. A continuación y para empezar a poner en tema al público cabezón, una experiencia asombrosa, un CD en vivo excelente, Hackett combina magníficamente con la banda, sus contribuciones se sienten completamente integradas y viceversa, "Summer Storms & Rocking Rivers" no solamente es un registro excelente, tan enigmático como su nombre lo sugiere y digno de muchas escuchas repetidas, sino que también es una fuerte promesa de una colaboración que seguramente se prolongará en el tiempo y nos traerá no sólo exquisitos sonidos del pasado sino nuevas aventuras musicales, que seguramente florecerán (y ya está sucediendo) desde esta genial asociación de genios musicales.

Artista: Djabe & Steve Hackett
Álbum: Summer Storms & Rocking Rivers
Año: 2013
Género: Eclectic Prog / World Music
Duración: 78:58
Nacionalidad: Hungría / Inglaterra


Un álbum en vivo con el legendario guitarrista de Genesis y el espectacular grupo húngaro Djabe. "Summer Storms and Rocking Rivers" fue registrado en un concierto en Bratislava en julio de 2011 y en un concierto en Budapest en noviembre de 2012, y su música cuenta con algunos de los más conocidos temas de Hackett como "The Steppes" y "Ace of Wands", junto con el legendario material de Genesis como "Firth of Fifth", "Blood on the Rooftops", "In That Quiet Earth" y "Los Endos".

Djabe, por su parte, se formó hace veinte años y es uno de los grupos de jazz más aclamados de Hungría, pero no sólo en Hungría sino también en el mundo. Tocando una fascinante fusión de estilos que va desde el jazz al rock muy particular y creando un estilo propio que no deja nunca de lado su historia musical folklórica y lo que tan mal se conoce como "música del mundo". En su asociación con Steve Hackett, no solo el guitarrista aparece en el escenario junto con ellos interpretando material en solitario de Genesis y Hackett, sino que también tocan material Djabe y hasta lanzan composiciones compartidas, en una asociación fructífera que esperemos continúe. En el Festival de Jazz de Garana en Rumania, Steve Hackett & Djabe se presentó a una audiencia de 13000 personas, y "Summer Storms & Rocking Rivers" captura maravillosamente la magia de esta colaboración en el escenario.
Aquí los dejo con el comentario del Mago, que es quien les presenta este tremendo disco que hará caer de culo a más de uno:

Djabe es considerada hoy como una de las bandas de jazz-rock-world más importantes de Europa, fundada en 1995, desde Hungría y para el mundo. Una banda muy singular por su sonido, en especial por la intervención siempre acertadisima del violín y la trompeta, y por ser músicos super profesionales.
En este trabajo se une Steve Hackett para matizar uno de los trabajos en vivo más espectaculares de los últimos años, si cabezonas/es, éste es un disco sencillamente HERMOSO, si bien los trabajos solistas de Hackett muchísimas veces estan rodeados de ese halo aburrido por estar todo el tiempo reversionando canciones de Genesis, en este caso no sucede lo mismo, es todo lo contrario, las versiones de Genesis son ESPECTACULARES, sí, asi con mayusculas!!!.
Desde el primer track esto suena prolijo, ejecuciones exquisitas, sonido extraordinario, y aquí debemos mencionar que los señores de Djabe desde su nacimiento siempre le dieron una importancia superlativa al sonido, a tal punto que algunas de sus presentaciones en vivo las realizaron en 5.1, acompañadas de una luminaria de última generación, y aquí realmente se nota.
La versión de "Firth Of Fifth" es una perla musical que muchos cabezones van a saber disfrutar, el resto del disco fluye con una delicadeza instrumental muy pocas veces escuchada. Y ni contar lo que hacen con "Ace Of Wands" del primer disco solista de Hackett y Los Endos. Así que ¡agarrate Catalina!.
Si Hackett en un arranque de ingenuidad decidiera unirse a Djabe como miembro estable, sin lugar a dudas nadie en el mundo cuestionaría esa decisión, sencillamente escuchar el desarrollo de la guitarra en este concierto es descomunal, una unidad musical indiscutida.
Generalmente somos con el Vampiro de recomendar algunas producciones, pero créanme que este disco es TREMENDO!!. Una joya que se grabó en vivo en 2011 at the MMC Club, Bratislava, Eslovakia. Y que desembarca en el blog cabezón para brindar placer supremo.

Mago Alberto

Con apenas 79 minutos, es un álbum perfecto para llevar en el auto en un viaje o simplemente para relajarse mientras hacés alpedismo en tu casa. Aclaro que si bien está la versión en DVD, lo que presentamos aquí es la versión en CD.
Nunca había escuchado a Djabe antes y estoy empezando a preguntarme por qué han estado fuera de mi radar musical. Increíblemente eclécticos, con una mezcla de prog, blues y folk con un toque de jazz húngaro (lo cual no es realmente una sorpresa ya que Djabe es de hecho húngaro, y en el blog cabezón ya conocemos la calidad de todo lo que sale desde allí).

Por otro lado también conocemos a Steve Hackett y su genialidad, y las versiones de sus clásicos junto con un par de composiciones de Genesis son simplemente asombrosas, su uso de la estructura de acordes y la magia musical es sublime. Lo hace parecer sin esfuerzo pero rebosante de poder y emoción.
El sonido es genial, claro y cristalino, un registro en vivo con un sonido asombroso.
Esto es simplemente un disco increíble con música exquisita. Y si es que lo recomienda de esa manera el Mago Alberto, es para que lo tengan en cuenta y ojo que el Mago no recomienda cualquier cosa.

Esto es material imperdible!!!


Lista de Temas:
1. City Of Habi
2. The Steppes
3. Butterfly
4. Scenes - Above Poland
5. Scenes - Sunset At The Seaside
6. Steve's Acoustic Set
7. Ace Of Wands
8. Flowers Stillness
9. Rush For Ménes
10. Strange Places
11. Rush For Ménes Reprise
12. Last Train to Istanbul
13. Summer Storms
14. Rocking Rivers (Angklung)
15. Firth Of Fifth
16. In That Quiet Earth
17. Distant Dance
18. Los Endos

Alineación:
- Attila Égerházi / guitar, percussion
- Ferenc Kovács / vocals, trumpet, violin
- Zoltán Kovács / keyboards
- Tamás Barabás / bass guitar
- Szilárd Banai / drums
Special guest:
- Steve Hackett / guitars, vocals

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Azymuth - Aurora (2011) ---ScRaBBlE

Para los cabezones amantes del jazz brasileño, les presentamos la anteúltima grabación del super trío carioca, quienes han puesto muy en alto el nombre de Brasil en el campo del jazz contemporáneo. Siendo su más reciente trabajo "Fénix" del año 2016, aquí tenemos una banda con 40 años encima y que se sigue manteniendo con parte de la frescura que tenía el primer día, siendo el 13º disco de Azymuth presentado en el blog cabezón y vaya uno a saber cuantos discos sacaron en realidad estos prolíficos y veteranos músicos. Y este disco es histórico en su biografía, ya que fue el último donde participó el maestro de las teclas José Roberto Bertrami, ya que en el siguiente año fallecería en el año 2012, así que este es un pequeño homenaje en su nombre. Así empezamos el día, a puro funk brazuca, con el "Aurora" de los geniales Azymuth.

Artista: Azymuth
Álbum: Aurora
Año: 2011
Género: World Fusion / Funk / Soul / Latin Jazz
Duración: 48:25
Nacionalidad: Brasil

Creo que éste debe ser uno de los grupos más infravalorados en el mundo de la música, teniendo en cuenta su trayectoria, la cantidad de discos y su musicalidad y estilo. Azymuth es uno de los grupos más transgresores e influyentes de la música brasileña. Ellos definen su estilo como "samba loca", aunque en sus composiciones se puede apreciar desde su bossa nativa hasta el funk pasando por el jazz más clásico, la samba, el rock e incluso la música disco.
Hoy en día tienen un nuevo álbum llamado "Fénix" (su primer álbum en cinco años) y terminaron una gira europea. los brasileños lograron recrear la energía de las hipnóticas sesiones de los años setenta que, a la vez, los lanzó al mercado internacional y que los hizo ser reconocidos como una de las bandas más exitosas de Brasil.
Un viaje de doce temas que toca en todos los puntos de la brillante fusión expresionista que los Azymuth practican, complementada sólo por la energía cósmica y la musicalidad que cabría esperar de la mejor orquesta formada por tres hombres.

Desde cierto punto de vista, podemos considerar al jazz como un estilo que fue creada por gente negra esclavizada, que les ayudó a olvidarse de sus problemas al mismo tiempo que revitalizaba sus orígenes, para luego ir convirtiéndose en una música de baile, en muchos casos. Uno recuerda los disturbios raciales de Boston que aplacó James Brown con un concierto. Con el paso del tiempo ha ido creciendo y evolucionando hasta convertirse en un estilo de música sofisticado de improvisación, pero sigue siendo el aspecto inicial de baile lo que, en muchas ocasiones, lo inspira. El funk nació del jazz, simplificándolo y golpeando con más fuerza que nunca, no necesitabas saber bailar para poder sentir el funk. La combinación de estos dos estilos es para mí la fórmula musical más emocionante, llegándome hasta el alma.
Otro aspecto vendría a ser el jazz o el funk pero desde el punto de vista de América Latina, entonces tenemos ejemplos asombrosos, desde los más hondo de Cuba, desde el Uruguay (sobretodo mezclada con el candombe), desde la experimentación en Argentina y Chile, y como no, desde su personal punto de vista en Brasil, y aquí es donde surge Azymuth como una banda que no podemos dejar de lado, y menos en el blog cabezón.

Aquí, los brasileños lograron recrear la energía de las hipnóticas sesiones de los años setenta que, a la vez, los lanzó al mercado internacional y que los hizo ser reconocidos como una de las bandas más exitosas de Brasil. Los veteranos también ofrecen otros estados de ánimo más reflexivos, logrando un buen equilibrio entre ellos y aquellos más festivos.
Aún compuesto por los tres miembros originales que comenzaron el grupo en 1972, Azymuth se estaba acercando al final de su cuarta década sieguiendo siempre su estilo propio, luego vendría la tragedia y el resurgimiento, pero eso es otra historia. "Aurora" continuaba la asociación productiva que han tenido desde su nacimiento como banda. La diferencia más notable fue la falta de cuerdas y saxos que aparecieron en su último álbum, "Butterfly", de 2008. Pero por el contrario, "Aurora" vuelve a típicos sonidos disco de la década de los 80, pero también vuelve parece poner énfasis en sus raíces y su expresión en la samba.
El repertorio es variado y trae, además de la progresiva pista que da nombre al disco, y de la ya citada fusión de diversos géneros, algunas totalmente disco y retro como "É Mulher", la experimental "Crazy Clock" y las suaves y bellísimas "In My Treehouse Prelude 1" e "In My Treehouse Prelude 2".
Este es uno de esos álbumes raros que son tan consistentemente atractivos y bien secuenciados que parece casi injusto seleccionar lo más destacado. Pero debe mencionarse "In My Treehouse", que se repite con dos preludios espectrales al final. Tanto esta canción como "É Mulher" se alimentan de los placeres de la música disco y están decorados con una lluvia de tambores sintetizados (¿un gesto irónico, quizás?). "Isso É Partido Alto" es una relajada exposición de samba a lo Azymuth, con Bertrami tomando un papel protagónico en su brillante Rhodes y el conjuro haciendo el soporte, siendo un ejemplo típico del enfoque instrumental de Azymuth sobre una lírica determinada.
Sabrina Malheiros agrega su voz a "Meu Mengo", con su padre Alex ocupado en el bajo funky y la guitarra acústica con sabor a bossa nova. "Aurora" elabora ritmo memorables uno tras otro. "Aurora" no es exactamente un álbum moderno ni sorprende por la innovación (al menos para quien ha escuchado otras grabaciones del grupo). Pero tiene la combinación explosiva de talento, técnica y huella brasileña, en el mejor sentido de la palabra. Esto significa que, para estas fechas en que se grabó el disco, Azymuth continuaba con una vibración que no se había apagado a pesar de las décadas, con una energía y una creatividad que dejaban muriendo de envidia a mucho grupo gringo y muchos se preguntaban cómo era posible. En sus treinta años de carrera, han lanzado más de veinte álbumes, un éxito planetario que data de 1979, en el que el grupo brasileño parece vivir en rendimiento contínuo basaado en su estilo personal de una fusión (samba-funk) que se ha convertido en el sello distintivo de cada uno de sus discos, y este "Aurora" es una pequeña excepción en su exploración de sonidos de los 80s, pero no desentona para nada en su historial.
Habrá que ver cómo es su resurrección con su últimdo disco "Fénix", en cuanto a éste, es un disco encantador, equilibrado y muy recomendado.


Lista de Temas:
01. Aurora
02. In My Treehouse
03. Ta Nessa Ainda Bicho?
04. Isso E Partido Alto
05. Carnaval Legrand
06. Diz No Pe
07. Meu Mengo
08. Crazy Clock
09. Que Bom
10. E Mulher
11. In My Treehouse (Prelude 1)
12. In My Treehouse (Prelude 2)

Alineación:
– Alex Malheiros / Bass, Acoustic Guitar, Vocals
– Ivan Conti / Drums, Percussion, Vocals
– Jose Carlos / Electric Guitar
– Robertinho Silva / Percussion
– José Roberto Bertrami / Piano [Fender Rhodes], Piano, Synthesizer [Mini Moog, Arp Strings], Keyboards, Organ [Hammond], Vocals
With:
David Brinkworth / Vocals (tracks: 7)
Marcio Lott / Vocals (tracks: 1, 7)
Sabrina Malheiros / Vocals (tracks: 1, 7)

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Oregon - Music of Another Present Era (1973) ---ScRaBBlE

Generalmente los lunes empezamos trayendo alguna bomba musical, y esta vez no es la excepción. Es que el Mago Alberto nos trae a la formación más clásica del grupo, conformada por Ralph Towner, Paul McCandless, Glenn Moore y Collin Walcott, para el que quizás sea el más inspirado y probablemente el mejor disco de Oregon, tanto que "puso un sello indeleble en todo lo que vino después, basta mencionar el proyecto de Shakti con John McLaughlin para darnos una idea de la influencia de este enorme álbum", según nos cuenta el Mago Alberto, que también nos dice "es quizás el disco más innovador que se haya grabado en la década de los 70 y eso ya es mucho decir, por esto y mucho más dedico este posteo a Callenep y la Reclusa que estoy seguro sabrán apreciar esta maravilla". Para un lunes donde tenemos que soportar el triunfo fascista en el mundo entero (y ya con los pies en latinoamérica y en puertas de casa) es adecuado balancear un poco con algo que renueve la esperanza en que dentro de no mucho tiempo vamos a ver que el alma humana vuelve a encontrar su luz, y aquí hay una excelente expresión de todo lo mejor que puede aportar el arte a esta cruel realidad.

Artista: Oregon
Álbum: Music of Another Present Era
Año: 1973
Género: Jazz fusión / World music / Contemporánea / Chamber Music
Nacionalidad: EEUU

Para los querubines que aún no conocen esta banda estadounidense de jazz contemporáneo, les puedo decir que su música refleja la variedad de estilos presentes en la música toda, desde el jazz, elementos de música docta y contemporánea, hasta los géneros de rock, ambient y rhythm and blues. Un álbum variado, hecho de temas cortos con momentos vanguardistas o meditativos, y cada uno desarrolla un estado de ánimo peculiar. Una gran introducción a la banda para aquellos que no la conocen y todo un clásico para el resto, con la adición particular de esas percusiones étnicas que agregan un elemento rítmico extra que le da cierta velocidad y rapidez a su música.
A continuación el comentario del Mago Alberto sobre este gran disco, un clásico de todos los tiempos.

Hay discos que marcan una época, una década, y este es uno de ellos, un trabajo fundacional, por dar cuenta de una movida que luego se conocería, como la musica de fusión. Es que los Oregon se atrevieron a presentarse en sociedad, precisamente fusionando lo mas representativo de Oriente y Occidente. Este es un lugar donde la dinámica astuta de la música clásica se encuentra con la libertad del jazz post-bop en una combinación perfecta de los ritmos y armónicos mundiales.
Cabezones/as este es un disco especial para dejar correr y que los sonidos vayan posicionandose en cada rincón de tu ambiente, modificando la atmósfera e inundarnos de buenas sensaciones, de buenas vibraciones.
Sin dudas este es uno de los mejores discos de Oregon, no solo por su atemporal producción sino porque puso un sello indeleble en todo lo que vino después, basta mencionar el proyecto de Shakti con John McLaughlin para darnos una idea de la influencia de este enorme álbum.
Los cuatro participantes en Oregon, el oboísta y pianista Paul McCandless, el guitarrista y pianista Ralph Towner, el bajista y pianista vertical Glen Moore, y el fallecido multiinstrumentista Collin Walcott operaron bajo la premisa de que las ideas melódicas y las armonías expansivas contribuyeron a una música que no unió culturas, sino que las borró y las erradicó.
"Music of Another Present Era" ("La música de otra era actual") es quizás el disco más innovador que se haya grabado en la década de los 70 y eso ya es mucho decir, por esto y mucho más dedico este posteo a Callenep y la Reclusa que estoy seguro sabrán apreciar esta maravilla.
Y también dedicado a los jóvenes de ayer, a los nuevos de hoy, y a los jóvenes viejos del futuro, por cuanto esta música no tiene ni espacio ni tiempo.
Materia obligatoria, de examen, en la Escuelita Deteriorada de Moe.

Mago Alberto

La formación se conforma de una guitarra acústica de 12 cuerdas, piano, oboe, corno inglés, contrabajo, tablas y sitar. Una formación que nos habla también de su música tan especial que ofrece tantos pasajes de gran riqueza.
Así que empezamos el lunes

La fusión de estos músicos es muy personal y especial. Tiene un carácter acústico predominante, con raíces étnicas muy presentes (sobre todo música de la India), un destacado acento en la improvisación y una estética cercana a la música de cámara.
Considerero que Oregon como uno de los pocos grupos de jazz fusión que en realidad no se basan mucho en el rock; ya que sus influencias principales (aquellas que no son propias del jazz) son la música folclórica y la contemporánea, a la que sumamos la música étnica indú. Esta última se filtra a través de la tabla de Collin Walcott y sitar, y este álbum tiene esa rica inclursión en la experimentación característica de tanta música de los años 70.

"Oregon se proyectó como un grupo que, partiendo de la música del Consort de Paul Winter, mezclaba influencias de la música de cámara europea con músicas tradicionales de distintas partes del mundo, especialmente orientales, además de elementos propios de la música ambiental y del jazz de vanguardia"

Wikipedia

Aquí podemos hablar tanto de los discos de la banda como de sus miembros; pero en todo casi siempre será música que invita a relajarse con una catarata de musicalidad, nada más escuchar los dos maravillosos primeros trabajos "Our first record" (grabado en 1970) y este "Music of another present era" que el Mago nos trae hoy para continuar con la Escuelita de rock. Bueno, aunque esto formalmente no sea rock, ni tenga la filosofía de rock, pero sí es un disco "muy cabezón", de esos que nos gustan tanto, que tiene la política de destrozar barreras, de ser expansivos, de sorprender, de innovar, de crear la mejor música que uno se pueda imaginar.

Así es que, con ustedes, uno de los mejores discos de los fabulosos Oregon, y agradezcan al Mago Alberto a ver si en una de esas se enoja con los fachos que andan pululando por el blog y les corta el chorro a todos.


Lista de Temas:
01. North Star
02. The Rough Places Plain
03. Sail
04. At the Hawk's Well
05. Children of God
06. Opening
07. Naiads
08. Shard
09. Spring Is Really Coming
10. Bell Spirit
11. Baku the Dream Eater
12. The Silence of a Candle
13. Land of Heart's Desire
14. The Swan
15. Touchstone

Alineación:
- Paul McCandless / oboe, English horn
- Glen Moore / flute, acoustic & electric bass
- Collin Walcott / violin, guitar, sitar, tabla, mridangam, esraj, percussion
- Ralph Towner / 6 & 12-string guitars, mellophone

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Jaco Pastorius - Invitation (1983) ---ScRaBBlE

"Jaco Pastorius en la cima!!" exclama el Mago Alberto que trae su zarpe diario de excelente música. Un registro en vivo en Budokan, Tokio, acompañado por grupo de lujo conformado por músicos como Don Alias (Weather Report, Blood, Sweat & Tears, Miles Davis, Joni Mitchell, etc.), Randy Brecker (Mingus Big Band, Parliament, Blood, Sweat & Tears, etc.), Peter Erskine (Weather Report, etc.) y Bobby Mintzer (Eumir Deodato, Tito Puente, Thad Jones-Mel Lewis Big Band, Buddy Rich, etc.) más una Big Band que es un lujo. Un registro en vivo del genio de las cuatro cuerdas en una presentación en Japón. Un disco que tampoco puede faltar en el blog cabezón!!! Recomendado es poco.

Artista: Jaco Pastorius
Álbum: Invitation
Año: 1983
Género: Jazz fusion
Nacionalidad: EEUU


Discazo del malogrado Jaco Pastorius grabado a principios de los 80 en Japón.... cuando nadie sabía de sacarle partido al bajo eléctrico ahí andaba el amigo Jaco robándose todo el protagonismo. Acompañado de una excelente banda, todo ello con un gran elenco de temas. Adornados con un grupo de vientos, una fabulosa harmónica solista y un inolvidable tren motor de percusión.... palabras mayores para un disco obligatorio en cualquier discoteca de peso.
Aquí viene la presentación del Mago Alberto que últimamente está que hecha chispas!

Hace un par de años una conocida revista de jazz publicó los 20 mejores discos del género, cosa con la cual particularmente no coincido por cuanto estas publicaciones con datos de ventas y otras yerbas, publican como si fueran postulados estos rankings, cuando en realidad la música varía según los gustos del público, la difusión y los países donde se consume. Así que podemos coincidir con algunos albumes pero no con todos. Pero en el medio de joyas y bodrios, fue mencionado este álbum que hoy compartimos. Un punto altísimo en la corta carrera solista de Jaco Pastorius, un verdadero innovador y referente indiscutido del bajo fretless, y un músico que fue pilar del jazz-fusion o jazz-rock.
Un registro en vivo en Budokan, Tokio, acompañado por músicos afines y una Big Band, que hacen de este álbum un "imprescindible", si fue considerado como una de las grandes realizaciones del jazz, algo debe tener, y sí, tiene y mucho, un paseo musical donde Jaco hace gala de sus armónicos y escalas tocadas a velocidades que solo él podía interpretar.
El trabajo de Don Alias en percusión es sobresaliente y los caños a cargo de Randy Brecker y Bobby Mintzer son de excepción, y ni hablar de las intervenciones de la Big Band, que no hace mas que agregarle una cuota de polenta impresionante. Basta escuchar el primer track para encontrarlos a todos a full.
Por supuesto los japoneses deben haber flasheado en este show, y más por el formato en que se presentó Pastorius, y del cual no hay muchos registros. Los cabezones curtidores de Weather Report, Return to Forever y otros referentes de la época van a disfrutar esto, muchísimo. Transcribo un comentario de esta producción que pone un poco más de luz sobre la cortísima carrera y vida de un grande de la musica.-"Dos palabras podrían definir la carrera de Jaco Pastorius: genialidad fugaz. Con una gran imaginación y habilidad técnica, Pastorius logró que el bajo, ese instrumento rítmico que casi siempre se mantuvo discreto al fondo del grupo, se colocara al frente de cualquier grupo de jazz y tuviera la misma importancia que el saxofón o la guitarra. Es a partir de Jaco cuando los bajistas pudieron liberarse por completo de los estereotipos musicales. Usando una técnica de octavas característica de los guitarristas y aparentemente fuera del alcance de los bajistas, combinándola con una virtuosa ejecución de acordes y una técnica propia de la flauta dulce. Jaco tocaba el bajo como si fuera la voz humana. "Invitation" refleja el mejor momento de Pastorius: una de sus giras por Japón en 1983. El disco está plagado de grandes nombres: Randy Brecker, Peter Erskine, “Toots” Thielemans, Don Alias, pero lo más grande es escuchar el bajo de Pastorius, sus arreglos y la dirección musical justo antes de que la locura se instalara en él".-
Jaco Pastorius en la cima!!, asÍ que poco mas que agregar. El sonido es excelente. Recomendado es poco.

Mago Alberto

No hace falta decir más, con ustedes el gran Jaco!

Jaco Pastorius (1951-1987), en el breve paso que tuvo por este mundo, dejó una marca imborrable en la escena musical de su tiempo. Este mítico bajista y compositor estadounidense de formación autodidacta es considerado, con justicia, un auténtico ícono en su instrumento y una cita ineludible de la historia jazzista del siglo XX.

En su venerada trayectoria asoman –entre muchos otros trabajos- un breve paso por la bandas Wayne Cochran and the C.C Riders y Blood, Sweet & Tears, la colaboración con Pat Metheny (a quien acompañó en "Bright Size Life" de 1976), los discos que grabó con Joni Mitchell ("Hejira" en 1977, "Mingus" de 1979 y "Shadows and Light" en 1980) y la incorporación al legendario Weather Report, documentada en los álbumes "Black Market" de 1976, "Heavy Weather" en 1977, "Mr. Gone" de 1978, "8:30" en 1979, "Night Passage" de 1980 y "Weather Report" en 1982.
La discografía solista de Jaco Pastorius abarca apenas tres álbumes oficiales: "Jaco Pastorius" de 1976, "Word of Mouth" en 1981 e "Invitation" de 1983– y un sinfín de ediciones (en las que se incluyen grabaciones en vivo, bootlegs, compilados y videos) publicadas después de su trágica desaparición en 1987.

De esta manera el Mago sigue tapando los baches que teníamos en el blog cabezón, excelente buena música que sí o sí tenía que estar en la Biblioteca Sonora.

Lista de Temas:
1. Invitation
2. Amerika
3. Soul Intro / The Chicken
4. Continuum
5. Liberty City
6. Sophisticated Lady
7. Reza / Giant steps / reza (reprise)
8. Fannie mae / Eleven

Alineación:
- Don Alias / Percussions
- Randy Brecker / Trumpet
- Peter Erskine / Drums, Tympani & Cong
- Bobby Mintzer / Tenor & Soprano sax
Special Guest :
John "Toots" Thielemans / Harmonica
Elmer Brown, Forest Buchtel, Jon Faddis / Trumpet
Wayne Andre / Trombone
David Bargeron / Trombone, Tuba
Peter Graves, Bill Reichenbach / Bass Trombone
Mario Cruz / Tenor & Soprano sax, Clarinet, Alto Flute
Randy Emerick / Baritone sax, Clarinet, Alto Flute
Alex Foster / Tenor, Alto & Soprano Sax, Clarinet, Piccolo
Paul McCandliss / Tenor Sax, oboe, English horn
Peter Gordon, Brad Warnaar / French Horn

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Cyro Baptista - Infinito (2009) ---ScRaBBlE

Otro disco de este loco brasilero, el percusionista brasileño que ha colaborado con varios músicos de renombre, como Brian Eno, David Byrne a Daniel Barenboim, Caetano Veloso o John Zorn con su música multicultural que trasciende las fronteras en una propuesta a la vez fresca y compleja. El brasileño Cyro Baptista es considerado uno de los percusionistas más creativos y excéntricos en el ámbito del jazz, pero a la vez más innovadores de la actualidad. Mientras la gráfica que acompaña al cuarto álbum de Cyro Baptista afirma que se trata de "canciones pop brasileñas experimentales", aquellos que han llegado a amar su trabajo en sus tres álbumes anteriores no deberían preocuparse, Baptista no puede ser enrolado por ninguna clasificación. Él es simplemente uno de los músicos más ilimitados que existen actualmente, como lo demuestra una lista de las personas a las que ha tocado como acompañante. Aquí, un heredero de toda la musicalidad brasilera para cerrar una semana en la que tuvimos mucha incursión latinoamericana, el segundo disco de este artista que aterriza en el blog cabezón pero seguramente no será el último.

Artista: Cyro Baptista
Álbum: Infinito
Año: 2009
Género: Jazz fusión / Word Music / Chamber Music / Avant Garde
Nacionalidad: Brasil


Aquí convive Frank Zappa de principios de los 70, Hermeto Pascoal, Teese Gohl, Miles Davis y todos los mejores músicos que te puedas imaginar. Debemos partir de la libertad creativa para entender la obra de Cyro Baptista: se mueve en los terrenos del jazz, la improvisación y la percusión. Desde allí combinan con humor, primitivismo y sofisticación sonidos que provienen de la comunidad judía, melodías brasileñas, pop, rock y sonidos del medio oriente.
Ninguna de las canciones de este disco podrían llamarse canciones "pop", al menos en ningún sentido reconocible de la palabra. Estas son aventuras salvajes que combinan numerosas formas musicales brasileras, música gaúcha, diversas tradiciones musicales afrocubanas, además de otras músicas latinas y africanas, el jazz y el funk. Numerosas músicas existen dentro de una sola composición. En otras palabras, esta es la visión expansiva de la música de Baptista.

Cyro Baptista nació en Sao Paulo en 1953. Luego de haber estado expuesto a vertientes muy variadas de la percusión afrobrasileña, el jazz y la música de cámara local durante más de veinte años, emigró a Estados Unidos en 1980 y se unió al centro de vanguardia musical Creative Music Studio, fundado en 1971 por Karl Berger y Ornette Coleman. En 1988 debutó para el legendario sello Incus con el disco Cyro en compañía de la leyenda de la improvisación, el guitarrista Derek Bailey.
Desde ese momento se posicionó como uno percusionistas más requeridos por músicos de la escena del rock y del jazz mundial. Integró, entonces, a la banda de Paul Simon con quien realizó giras a lo largo de dos años. Ha tocado en las bandas de Sting, Wynton Marsalis, Caetano Veloso, David Byrne, Brian Eno, Bobby McFerrin, Santana, Milton Nascimento, Laurie Anderson y varios proyectos del compositor John Zorn como Electric Masada y The Dreamers.

Compositor, multiinstrumentista, director de orquesta y arreglista, él tiene todas las herramientas como para hacer brillar su sonido, con riffs de guitarra funky montados encima de congas, palmas y melodías latinas sobre ritmos africanos, con pulsos rítmicos cambiantes. Una ensalada de estilos donde no falta ni una melodía folclórica judía sefardí ni el flamenco, y la dinámica se transforma por completo de manera "infinita", tal como su nombre lo indica. Baptista se hace cargo de una variedad de instrumentos de percusión, pero que contiene melodía y contrapunto.

El multitalentoso percusionista Cyro Baptista quizás tenga el más deslumbrantemente ecléctico curriculum vitae de la música contemporánea. Ha tocado y grabado con jazzeros mainstream como Herbie Hancock y Wynton Marsalis; experimentalistas como John Zorn y Laurie Anderson; iconos del pop como Sting y Paul Simon y estrellas brasileñas como Milton Nascimento e Ivan Lins. Y puede ser el único artista en el mundo que puede contar tanto a Yo Yo Ma como Snoop Dogg entre sus créditos.
La cuarta grabación de Baptista en el sello Tzadik de Zorn, y su segundo con su banda Banquet of the Spirits, es presentada como una colección “de canciones pop experimentales brasileñas”. Pero es diferente de cualquier música pop que usted probablemente escucha en la radio, si usted la sintoniza en Sao Paolo o Nueva York. Infinito es una exuberante, aventurera, de vez en cuando frenética mezcla de músicas de jazz, funk, brasileña, Afro/Cubanas y otras latinoamericanas tejidas juntas dentro de una sola composición. “Kwanza”, una melodía escrita por el tecladista Brian Marsella, por ejemplo, comienza con una fusión funky-eléctrica de Miles, apareada con percusión latina antes del cambio de ritmo; la dinámica e instrumentación revelan una dulce melodía folk. Pero a pesar de las fuentes de amplio rango e inspiraciones, la música nunca suena forzada o torpe; el sonido es perfecto y orgánico, debido a la visión de la música altamente desarrollada del líder, como un arte global que existe más allá de las divisiones artificiales de nacionalidad o género.
Baptista toca una enorme serie de instrumentos de percusión de Brasil y del mundo entero, así como instrumentos caseros como un caño de gas, la manguera de una aspiradora y algo que llamó un teléfono de agua. Un corte, “In Vitrous”, destaca una colección de instrumentos sobre todo hechos de cristal. Su grupo principal (Marsella, Shanir Blumenkranz en el bajo y oud y Tim Keiper en batería) es aumentado con invitados incluyendo la gran guitarra brasileña de Romero Lubambo, el mago de la electrónica Ikue Mori y la saxofonista y estrella del clarinete, Anat Cohen. Varias melodías, como la del título, el magnífico “Adeus Às Filhas” y la vívida “Cantor Cuidadoso” tiene vocalizaciones, pero el énfasis en todas partes está sobre la alegre exploración instrumental. Infinito es un convite alegre, parecido a un carnaval para los oyentes que aprecian la música sin fronteras.

Joel Roberts para http://www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota

A pesar de la ambición caleidoscópica de "Infinito", y su ritmo a veces frenético, el álbum es bastante accesible, es un placer para escuchar y disfrutar. Música colorida y emocionante, justo como para dar un poco de vida a este fin de semana lluvisoso sobre Buenos Aires.




Lista de Temas:
1. Infinito Coming
2. Batida De Côco
3. In Vitrous
4. Kwanza
5. Noia
6. Adeus As Filhas
7. Coronation Of A Slave Queen
8. Cantor Cuidadoso
9. Pro Flavio
10. Blindman
11. Infinito Going

Alineación:
- Cyro Baptista / percussion, vocals
- Brian Marsella / keyboards, melodica
- Tim Keiper / drums
- Shanir Blumenkranz / bass, oud
- Kevin Breit / guitar
- Erik Friedlander / cello
- Romero Lubambo / guitar
- Ikue Mori / electronics
- Anat Cohen / clarinet, saxophone
- Zé Mauricio / conga
- Chikako Iwahori / surdo
- Scott Kettner / alfaia
- Anne Pope / caixa
- Sergio Brandao / bass.

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Mahavishnu Orchestra - Mahavishnu (1984) ---ScRaBBlE

Y vamos esta incursión mahavishneana que tuvimos esta semana con el último disco de la banda, una nueva resurrección. En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans (el otro Bill Evans) en saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham en percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo, aunque esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, en parte por el uso de sintetizadores de parte de McLaughlin. Otro disco que no podía faltar en el blog cabezón!

Artista: Mahavishnu Orchestra
Álbum: Mahavishnu
Año: 1984
Género: Jazz fusión ecléctico
Duración: 42:01
Nacionalidad: Multinacional

Un día, a mediados de los ochenta, John McLaughlin resucitó a su amada Mahavishnu Orchestra, e incluso consiguió que su antiguo compañero Billy Cobham ocupara el puesto de la batería en el primer álbum de la banda. Pero esta es una concepción completamente diferente a cualquiera de las resurrecciones de la Mahavishnu de los 70. El sonido es más más "ochentoso", menos estridente, completamente dominado por texturas electrónicas avanzadas, incluida una guitarra digital elegantemente tocada a través de un Synclavier. En lugar de un violín, Bill Evans aporta algunos trabajos de saxo con remolinos a veces bop, y McLaughlin obtiene soporte del tecladista Mitch Forman y de un jovencísimo Jonas Hellborg en el bajo. Los homenajes continúan; la apertura de "Nostalgia" es exactamente eso, un retroceso a "In a Silent Way" como filtrado a través del equipo digital. Si bien esto es, sin lugar a dudas, música eléctrica maravillosamente progresiva y con bases jazzeras y funkys, ya no es el jazz rock "absorbente" que era; pero la calidad del material y el nivel de músicos que aquí aparecen son demasiado altos. Incluso, en mi humilde opinión, el resultado obtenido es inferior al que podrías suponer que seguramente pueden alcanzar las bestias que aquí participan.

Aunque en cada una de las encarnaciones de la Mahavishnu Orchestra en los setenta fueron distintas entre sí, los dos discos grabados en esta etapa son otra historia también distinta. Aunque esté Billy Cobham, no es "el mismo" que en "Birds Of Fire", por ejemplo. No son discos tan fieros y se nota mucho la producción y el synclavier por todas partes. No están mal pero son discos un tanto raros, yo creo que fundamentalmente por el hecho de que salgan bajo el paraguas "Mahavishnu". Quizás quitándonos ese prejuicio podríamos escuchar el álbum como algo nuevo sin relación a nada en el pasado, y lo podríamos (quizás) disfrutar un poco más.
En realidad, parece que McLaughlin estaba en contra de que a esta formación se la llame "Mahavishnu" ya que fue una decisión de la discográfica para que haya más ventas. No suena nada como lo hizo la Mahavishnu. Por ello, en realidad es un álbum de la Mahavishnu (sin "orquesta" como para marcar una pequeña diferencia)
Como anécdota, el grupo argentino de jazz rock Madre Atómica (para quien no los conozca, un supergrupo formando en 1973 por Lito Epumer en guitarra y voz, Juan Carlos "Mono" Fontana en batería, Alfredo Somoza en percusiὀn y Pedro Aznar en bajo) tuvo, a mi entender, un derrotero parecido a la Mahavishnu pero en menor escala: en sus primeros tiempos fueron de un ardiente jazz rock (lástima que no grabaron nada en esta etapa), luego se separaron para, en 1985 resucitaría pero ya con otros músicos y otro espíritu, siendo directametne otra banda, con Fontana como tecladista, César Franov en bajo y Jota Morelli en batería, y su único disco grabado en esta etapa suena justamente como este de la Mahavishnu.
Ese fue un comentario al margen, volvamos al disco de Mclaughlin & Co.

Pasado el tiempo y con ganas de volver, Mclaughlin actualiza al grupo con simplemente “Mahavishnu” en 1984, nuevo trabajo de Mahavishnu Orchestra para esta parte de su historia. En esta producción incluye a su antiguo integrante Billy Cobham para la batería como en el primer álbum del grupo.
Este trabajo se considera como una concepción completamente diferente lograda con cualquiera de las formaciones anteriores. El sonido es más frio y menos estridente dominado por texturas electrónicas avanzadas de la época, usando por ejemplo un Synclavier (guitarra digital) por parte de Mclaughlin, en lugar de un violín Bill Evans aporta con un singular sonido de saxo, además de la contribución de Mitchell Forman en el teclado y Jonás Hellborg en el bajo.
Cobham es reemplazado por Danny Gottlieb para sus presentaciones en vivo. También estuvo involucrado Jim Beard.
Esta obra musical es uno de los mejores esfuerzos de la banda por su alta energía electrónica como si fueran los álbumes de los inicios pero con nueva tecnología, la tecnología de los 80, sobre todo por el uso de la guitarra digital de Mclaughlin.

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Este álbum es bueno, muy bueno incluso y aunque traiciona la fecha en la que se grabó, no deja de ser un bello disco que, finalmente, varios estarán muy contentos de poder "adquirirlo". Bueno, si vienes a este álbum después de escuchar "Birds of Fire", seguro que estarás muy decepcionado, pero si disfrutas este suave álbum de fusión de forma completamente independiente a lo que has escuchado antes, te aseguro que esta es una escucha agradable.
En definitiva, un disco relajado, sereno y cerebral, creado por tremendos músicos en un momento de so


Lista de Temas:
1. Radio-Activity
2. Nostalgia
3. Nightriders
4. East Side, West Side
5. Clarendon Hills
6. Jazz
7. The Unbeliever
8. Pacific Express
9. When Blue Turns Gold

Alineación:
- John McLaughlin / electric & synth (Synclavier II) guitars, arranger & producer
- Mitchell Forman / piano (5), Fender Rhodes, Yamaha DX7
- Bill Evans / flute, tenor & soprano saxes
- Jonas Hellborg / bass, fretless bass
- Billy Cobham / percussion, drums
With:
Katia Labeque / piano, Synclavier II & Yamaha DX7 (9)
Zakir Hussain / tabla (9)
Hari Prasad Chaurasia / flute (9)
Danny Gottlieb / percussion

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Art Metal - Viakyhyan Kar (2007) ---ScRaBBlE

Empezamos la semana a lo grande, con un disco desconocido por casi todos pero que es realizado por una banda de ensueño, un grupo platónico haciendo una fórmula ue combina rock + jazz + escalas hindúes y orientales + Suecia + elementos progresivos + y mucho virtuosismo ¿Qué más podría querer?. En el bajo, tenemos el autor intelectual de este grupo: Jonas Hellborg liderando este dream team, secundado en la guitarra por Mattias "IA" Eklundh, un virtuoso con un estilo muy definido, y otras bestias más, en un disco extremadamente recomendable para cualquiera que guste de la compleja fusión del jazz con múltiples elementos. Otro aportazo del Mago Alberto que sigue haciendo del blog cabezón un lugar especial donde reina la buena música. ¡Y qué música!

Artista: Art Metal
Álbum: Viakyhyan Kar
Año: 2007
Género: Jazz metal / Metal progresivo
Duración: 49:40
Nacionalidad: Suecia

Esto continúa en la tradición de las fusiones experimentales que Hellborg comenzó su carrera en solitario a finales de los años 80, jazz fusión muy pesado con ritmos orientales, sobretodo indúes. Quizás este sea uno de esos discos que necesiten bastantes escuchas para que lo aprecies como se debe, por su complejidad y la ambivalencia en el uso de elementos "livianos" y "pesados", pero con tal alto nivel experimental que hace brillar a músicos como Jens Johansson (batería) y Jens Johansson (teclados) de Stratovarious, y sobretodo Mattias "IA" Eklundh (guitarra), quien definitivamente pertenece a la escuela de Holdsworth, además de Jonas Hellborg que hace brillar al bajo. Si crees que conoces a todos los grandes bajistas y no conoces a Hellborg, entonces tienes una pieza que falta.
Aquí, las palabras del Mago presentando este tremendo disco que no tiene desperdicio alguno...

Hace un tiempo presentamos a Art Metal en el blog cabezón, el proyecto de Jonas Hellborg y ese discazo que es "The Jazz Raj", pero ahora volvemos con un trabajo anterior al citado, que desatornilla cerebros a más no poder, "Viakyhyan Kar", que en sueco significa "Hazlo Bien", y en honor al título estos suecos lo hacen excelentemente bien, porque es sabido que Jonas Hellborg es uno de los grandes bajistas del mundo y Mattias "IA" Eklundh es simplemente una BESTIA, un guitarrista admirable, con "su sonido" tan particular que podrías identificarlo a kilómetros de distancia. Ambos junto a Anders Johansson en batería, Jens Johansson en teclados y Selvaganesh en Kanjira conforman un grupo que básicamente te sacuden la modorra, te sacan del ostracismo, te transportan, te conmueven con un álbum totalmente inclasificable, extremadamente moderno, y a su vez casi místico.
Sí cabezonas/es, esta música te entra por los oídos y se te mete bajo la piel como el bicho de Alien.
Al blog diariamente pasan a dar vuelta la página muchisimos curiosos, viejos dinosaurios, globoludos, trolls, músicos, paracaidistas, y creanme que para cualquiera de ellos esto es sorprendente.
Un trabajo donde el bajo de Hellborg juguetea todo el tiempo con la guitarra de "IA", y te llevan a visitar paisajes orientales, futuristas, podríamos trazar un paralelismo con la Mahavisnu, con toda la intención musical de John McLaughlin, vale la pena escuchar el trabajo que posteamos en el blog de ellos dos juntos para dimensionar la estructura de este disco.
Desde el primer track se despierta una sensación de que acá hay mucho para escuchar y disfrutar, y esa sensación no es equivocada, es la que siempre se despierta cuando estamos al frente de un buen disco.
Placer absoluto para los amantes del bajo y la guitarra, acá te esperan dos monstruos sagrados de dichos instrumentos. Huelgan las palabras cuando la que habla es la música.

Mago Alberto

Hasta ahora este es un disco que no ha sido muy apreciado, tal vez el tiempo lo ponga en su lugar, pero nosotros en el blog cabezón no podemos esperar y aquí tiene el lugar y sitial de honor que se merece. Un discazo que aparece en el blog cabezón gracias al Mago Alberto. Otro discazo más en su haber.

Ya no agrego nada más, como muestra basta un botón y para ello tienen el video, pero siempre viene bien acompañarlo con alguna imagen que como dice el dicho, vale más que mil palabras...

Lista de Temas:
1. Muthucutpor
2. Manirambha
3. Nataraja
4. Solitude
5. The Three Princes of Serendip
6. Round Metal Hat
7. Vyakhyan-Kar
8. Art Metal

Alineación:
- Mattias "IA" Eklundh / Guitar
- Jonas Hellborg / Bass
- Anders Johansson / Drums
- Jens Johansson / Keyboards
- Selvaganesh / Kanjira

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