Más jazz rock progresivo de este 2018, otra vez con una banda española, aunque ahora canten (y ojo con la utilización de las voces aquí) en inglés. Una derivación de AppleSmellColour, una banda que hemos presentado y que ha gustado a varios. aquí en un proyecto más jazzero, más ambient, más tranquilo y con toques de Canterbury, que invita a dejar volar la imaginación y disfrutar del sabor rojizo y embriagador escondido tras cada nota. Con composiciones del guitarrista Lluís Barceló (AppleSmellColour) tienen una producción estupenda (realmente es para destacar el sonido que tienen!), donde se puede apreciar cada detalle, cada arreglo y donde se percibe el juego de cada instrumento a la perfección. Con algún que otro arranque más dinámico (siendo el más importante el de "A New Robin Hood", canción por demás detacable y además comprometida) el disco logra crear la tensión basada en la delicadeza, manteniendo la calidad desde el principio hasta el final de este disco notable. Si te gusta el sonido Canterbury bien pausado y tranquilo, este disco es para vos!
Artista: Fireplace Álbum: Test Pressing Año: 2018 Género: Jazz Fusión / Canterbury Duración: 36:00 Nacionalidad: España
Como muchos de ustedes saben, el "test pressing" es la primera copia que se hacía de un disco de vinilo para comprobar que éste había sido grabado correctamente. Y seguramente los músicos quisieron usar este concepto para definir y nombrar al primer larga duración de este proyecto. La primera es porque este concepto se refiere a una época en el que las grabaciones se hacían en su mayoría en vivo y en pocas tomas, y así lo han hecho, grabando los temas en directo.
Fireplace nos transporta a un instante de magia ante una chimenea. Ahí, absortos y mirando las llamas, saboreamos, un vaso de vino. Y cada trago desgrana canciones con sabor a fruta y madera, que resuenan desde dulces y ligeras hasta secas y amargas. Diez músicos sobre el esenario con un sonido que va del Folk al Jazz, pasando por el Rock, el Funk o el Sonido Canterbury. Canciones que son crónicas de historias singulares y perfiles de personajes que, de una manera u otra, deben enfrentarse a lo salvaje.
Fireplace
Además, el "test pressing" es sólo una parte del proceso, trasladando así una manera de entender la música, en la que los temas se hacen líquidos cada vez que se tocan y se materializan de forma distinta en función de donde los lleva la propia música cuando está viva. Así, cada seccióon es una parte de un todo, pero que va cambiando con cada presentación, va mutando y transformándose, un concepto clave para entender la música de esta banda.
Recuerden que al traer y presentar el disco de AppleSmellColour les dije que eso no terminaba allí y que traeríamos más proyectos derivados de aquel. Nobleza obliga, ahora que estamos repasando algunos discos del 2018 no podíamos dejar en el olvido la promesa y traemos la opera prima de Fireplace para presentarla en sociedad. Espero les guste.
Entre fraseos extendidos, su manejo de armónicos donde la guitarra, los bronces pero sobretodo los coros consucen los motivos principales de cada tema, lo que oirán en el disco es el fruto del primer año de trabajo como banda. Algunos de estos temas, de temáticas diversas, serán eventualmente regrabados e irán formando parte de los próximos trabajos que la banda piensa publicar próximamente.
A veces acercándose al romanticismo, siempre meditativo y bucólico, creando un andamiaje sonoro creado desde la delicadeza y los sonidos puros. Las composiciones del guitarrista Lluís Barceló (G.A.N.A., AppleSmellColour, Epítet) son interpretadas por la voz de Uri Mas, Rafa Lagunas a la batería, Noel Alzola al bajo fretless, Arnau Bonet al saxo y Miguel González al piano y teclados. El resultante se maridada con las voces del cuarteto vocal barcelonés Les Fourchettes (Paula Sánchez-Valverde, Iris Di Cassi, Eulàlia Rosa y Elia Piera).
En fin, es un disco muy personal y muy íntimo, podría quizás ser una creación de Pedro Aznar, pero ellos son los Fireplace y los presentamos en el blog cabezón en esta serie de buenos discos del 2018. Repito, un trabajo muy recomendable salvo que estés buscando un crudo rock visceral. Pueden escuchar el disco completo desde el espacio de Bandcamp de la banda
Lista de Temas: 1. Apple Smell Colour 2. The Crazy Acrobat 3. The Hermit 4. After The Victory 5. A New Robin Hood 6. The River's End 7. And You By My Side
Alineación: - Lluís Barceló (AppleSmellColour) / guitars - Uri Mas (AppleSmellColour) / lead vocals - Noel Alzola / fretless bass - Miguel Gonzalez / piano & keyboards - Rafa Lagunas / drums - Arnau Bonet / saxophone - Paula Sánchez-Valverde / backing vocals - Iris Di Cassi / backing vocals - Eulàlia Rosa / backing vocals - Elia Piera / backing vocals
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Empezamos la seman con Tricantropus y su música que está más que bien, muy agradable la mayoría de las veces, toda una encrucijada de diferentes estilos, como el progresivo sinfónico, el folk, intercalaciones de jazz o incluso partes psicodélicas están presentes aquí y allá. La complejidad de los pasajes es obvia en cada pieza, incluso en los momentos más suaves y más calmados, muy fuertes son las secciones instrumentales. Si tienes ganas de entrarle a un progresivo tranquilo, casi ambiental pero a la vez cambiante y muy bien armado, te recomiendo que escuches a estos españoles.
Artista: Tricantropus Álbum: El Sueño De Arsinoe Año: 2011 Género: Prog Related Nacionalidad: España
Tricantropus es una banda madrileña formada en 2005 por tres curtidos músicos. Por una parte tenemos al teclista Manuel Manrique ex- miembro del mítico grupo de los 70 Azahar, Pedro Párraga se ocupa del bajo y Javier L. Pardo de la guitarra. Una nueva banda de rock progresivo y los veteranos de la fusión, la banda se formó con el objetivo de explorar las posibilidades actuales de rock progresivo. El sonido de la banda tiene una base sinfónica claro, pero el resultado general de las composiciones y los arreglos se encuentra en una encrucijada de diversas tendencias: el factor sinfónica es algo predominante, sin embargo, va más fluida en combinación con el jazz-rock, la psicodelia y el new age. Algunas de las piezas son largas, mostrando gran potencial y musicalidad en todas ellas. La banda podría ser similar con italianos Castello di Atlante, o incluso se los podría comparar con Azahar, una delicia del prog setentero bastante conectada con el estilo de Tricantropus en múltiples niveles. Un agradable y alegre disco que será amado por los fanáticos de prog más cercanos a Camel.
Un poco de historia: durante dos años van perfilando su primer disco, "Recuerdos del Futuro", que se edita en 2007 y es distribuido por el sello chileno Mylodon Records. La grabación cuenta con la colaboración de Willie Sagnon (batería), Óscar Gavilán (teclados), Marina Martín (viola), Curro Cueto (fauta) y Carlos Ramírez (guitarra rítmica ). El disco contiene 11 temas ce corte progresivo sinfónico onda Camel fundamentalmente. En 2010 se incorporan de pleno derecho al grupo Luis Hidalgo (batería) y Daniel Denis (guitarra). Con esta formación editan su segundo trabajo, "El sueño de Arsinoe", en 2011. La grabación comienza con el llanto de un bebe, recuerdo que los Bloque ya lo hicieron hace años en "El hijo del Alba". El temas es el que da título al disco y nos recibe con una nube de teclados y guitarras etéreas y suaves. Sonidos que nos pueden recordar a los riffs de Andy Latimer. "Al filo de lo imposible" nos muestra una mayor interacción entre teclas y guitarras con cambios de ritmo aunque todo muy light. "You"re Me Pet Peeve" es uno de los temas mas largos del disco y podrían trasladarte lejanamente al "Mother Focus" en sus primeros compases para poco a poco transformarse en lineas mas mediterráneas. "Dionisio De Magnesia" continua en la línea marcada en su primera composición, riff relajados y muro de teclados.
Pero aquí tenemos una descripción más completa, de parte de nuestro eterno comentarista onvoluntario de siempre:
3 años después de su excelente álbum debut "Recuerdos Del Futuro", el ensamble español Tricantropus vuelve al ruedo con un segundo disco que supone una progresión excelsa en términos de sofisticación compositiva y profundidad sonora: este segundo disco es "El Sueño De Arsinoe". Si el primer disco se armó con la base tripartita de Manuel Manrique (uno de los gestores de Azahar), Pedro Párraga y Javier López Pardo, acompañada de una pléyade de músicos invitados, ahora la base grupal se completa con el guitarrista Daniel Denis y el baterista Luis Hidalgo. No es que el grupo renuncie ahora a tener colaboradores, que los tiene al oboe, violín, saxo y teclados adicionales, pero sí se siente que las composiciones y los arreglos disponen de un sonido más lleno en sí mismos, lo cual repercute muy positivamente en la expresividad de las florituras típicamente progresivas que Tricantropus convierte en voz propia. Con el llanto de un recién nacido y un dulce canto femenino se inicia "El Sueño De Arsinoe", pieza serena y contemplativa, muy a lo Camel-PF en el comienzo, luego tornándose más afín al sendero del sinfonismo mediterráneo de vieja escuela, siendo así que la incursión del oboe añade efectivos matices a los ya aportados por la guitarra solista y las capas de teclado. El momento de "Al Filo De Lo Posible" es uno de colorida extroversión donde la dinámica inherente al desarrollo melódico es manejada con soltura, reflejando una magnificencia que nunca se desborda a pesar de dejar bien mostrado su vigor. "You"re Me Pet Peeve" es el segundo tema más largo del álbum con sus 11 minutos de duración. La variedad de motivos y ambientes está manejada con impoluta fluidez, en una sólida confluencia de sensibilidad y pulcritud de parte de los músicos involucrados. Su espíritu general se sitúa en un punto intermedio entre las dos piezas precedentes, alternando la cálida vibración contemplativa de una con el colorido autoafirmativo de la otra. El tema más largo resulta "Plan 9 From Outer Space", el cual dura casi 12 minutos y contiene 7 secciones autónomamente tituladas. Ya desde su inicio con sonidos ambientales de grillos y múltiples capas cósmicas de sintetizador, el tema promete remontar a la mente del oyente hacia una interesante gama de paisajes sonoros: de hecho, este prólogo se siente conectado con el epílogo del tema precedente "La Barca De Caronte". Pero bueno, a medida que la pieza avanza en su desarrollo temático, nos complacemos con una diversidad de ambientes muy bien hilada, pasando de pasajes moderadamente robustos a otros más delicados, y de allí a otros que ofrecen pautas intermedias que pueden tirar más hacia el lado de lo introvertido o hacia una soltura del swing. Con la calculada adición ocasional del oboe en ciertos pasajes, el bloque sonoro gana en riqueza textural, aunque lo usual es que entre la guitarra solista y los teclados se concretice una eficaz labor de liderazgo para la orquestación general de la banda. No vale pasar por alto que, entre los dos temas largos mencionados en el párrafo anterior, se encuentran cuatro piezas de estupenda factura: todas ellas, una a una, van completando la proyección sonora de Tricantropus. "Dionisio De Magnesia" porta una musculatura sobria que permite a la banda hacer gala de su nervio peculiar cuando aborda su faceta más extrovertida: pasando de una predominancia de atmósferas genesianas a una secuencia final floydiana con leves acentos crimsonianos, la pieza aprovecha con una musicalidad muy rica su espacio de poco más de 6 minutos. "Manderley" comienza inclinándose por el lado del jazz-rock con sazones sinfónicas, casi como un Pegasus remodelado con matices Camelianos; luego, el asunto sinfónico pasa a ser el foco exclusivo, llegando a empaparse de nostálgicos aires pastorales cuando entra en acción la vocalista invitada Esperanza Martin. "Señoras" es, al igual que "Manderley", una tríada temática: su ambientación inicial es calmada, en base a una estructura melódica sencilla pero tremendamente cautivadora; para los minutos finales, la ambientación se agiliza por causa de la reactivación ejercida por la dupla rítmica, creándose así un momentum dirigido al alimón por la guitarra y el sintetizador, con oportunas intervenciones del saxo y el violín de parte de invitados especiales (Coco Laini y Héctor Perpiñá, específicamente). "En La Barca De Caronte" saca buen provecho del clímax conclusivo de la pieza anterior para seguir explorando sonoridades esplendorosas, siempre con la sobriedad que le es esencial: incluso los interludios lentos, lejos de meterse por los recovecos de la melancolía, mantienen esa aureola alegre propia de la base melódica en curso. El epílogo cósmico es curioso e impactante a la vez, un cierre psicodélico inesperado pero gratificante. "Hortalezas" ocupa los últimos 4 BE minutos del disco, culminándolo con un espíritu celebratorio patentemente jovial: en una lírica confluencia de Camel de la etapa "Breathless", jazz-funky estándar y fusión, la banda se sacude un poco de la solemnidad de los temas precedentes y diseña este mensaje musical de despedida con una sonrisa de oreja a oreja. Todo esto fue "El Sueño de Arsinoe", una obra hermosa que queda como uno de los mejores aportes al progresivo de línea sinfónica que se han hecho en este año 2011 no solo en España sino también en Europa. Tricantropus es sinónimo de elegancia dentro del discurso progresivo del nuevo milenio. !!Recomendado a ojos y oídos cerrados!!
Y así empezamos la semana, esperemos que nos depare bastantes sorpresas... bueno, como todas las semanas en el blog cabezón.
Lista de Temas: 1. El Sueño De Arsinoe a. El Sueño b. Ander's Song c. Cerca De Ti 2. Al Filo De Lo Posible 3. You're Me Pet Peeve 4. Dionisio De Magnesia 5. Manderley a. Manderley b. Interludio c. La Balada Del Invierno 6. Señoras a. La Mujer Misteriosa b. La Mujer De Tu Vida c. Para Todas Aquellas Chicas 7. En La Barca De Caronte 8. Plan 9 From Outer Space a. Luces En Noche b. Algo Que No Es De Este Mundo c. Eros Y Tanna - d. Bela Lugosi e. La Canción De La Lluvia f. Vampirella g. La Última Batalla 9. Hortaleza
Alineación: - Daniel Denis / guitars - Luis Hidalgo / acoustic & electronic drums - Javier López Pardo / electric & acoustic guitars, keyboards, programming - Manolo Manrique de Lara / piano, organ, synthesizers - Pedro Párraga / fretted & fretless basses, keyboards Collaborators Didi Arpaia / oboe (1, 8) Abel Franco / guitar (6) Eduardo García Salueña / keyboards (6, 8) Esperanza Martin / vocals (1, 5, 9) Héctor Perpiñá / violin (6) Costanzo "Coco" Laini / alto sax (6) Carlos Ramírez / keyboards (6) Olga Velasco / narrations (6)
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The Circle Project: el gran proyecto musical español con un elenco impresionante, musicalizando textos literarios. La génesis de esta reunión tuvo lugar en el seno de un grupo de Facebook para amantes del rock progresivo (Prog Circle) que cuenta con casi tres mil miembros. Su fundador, Ángel G. Lajarín, observando que entre los miembros más activos se encontraban numerosos músicos con interesantes trayectorias, propuso formar un proyecto colectivo para aunar sus talentos más allá de las barreras geográficas, conformando un grupo ecléctico que fusiona literatura con música de diversos estilos, principalmente art rock. Intervienen en su composición, interpretación y arte quince artistas, lo que hace de este proyecto una propuesta compleja pero coherente gracias a la dirección musical del multiinstrumentista Rafael Pacha en estrecha colaboración con German Fafian (guitarras) y Raúl Díaz (teclados y batería).
Artista: The Circle Project Álbum: Bestiario Año: 2016 Género: Art rock Nacionalidad: España
En su debut ofrecen este "Bestiario", donde consiguen plasmar la impronta personal de cada uno de ellos, describiendo al detalle un apasionante catálogo de extraordinarias criaturas de ficción. Nueve canciones llenas de pasajes y emociones de minuciosa musicalidad instrumental y vocal, introducidas por las locuciones de Alexandro Baldassarini narrando los textos, que, al igual que las letras, son en su mayoría obra del escritor Carlos Romeo. Debo decir que no me ha gustado del todo, como que la juntada de músicos no ha sido del todo fructífera y no ha quedado muy homogénea, y la verdad que las canciones tipo Rata Blanca hechan todo a perder. Pero no deja de ser un interesante proyecto como para presentarlos en el blog. The Circle Project es una banda ecléctica que fusiona literatura y diferentes géneros musicales, pero principalmente Art Rock. 15 artistas han participado en la composición y grabación de las piezas, varias de ellas muy aclamadas en la escena musical española, pero esta es una obra variada y compleja pero coherente. Luego de su primer álbum, presentan este "Bestiario" donde logran capturar la personalidad musical única de cada artista mientras describen en detalle un emocionante catálogo de extraordinarias criaturas de ficción. Aquí, la percepción de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre:
Demorando un poco nuestra tardanza como cantaba Germán Coppini en una de las canciones más populares de GOLPES BAJOS, nos ponemos ahora a reseñar “Bestiario”, un disco publicado en la primera mitad del mes de octubre del año 2016 por un ensamble muy especial: THE CIRCLE PROJECT. Este ensamble surge de la inquietud de varios músicos, melómanos y escritores por aunar las creatividades específicas de la música y la literatura sobre la base de las ambiciones intelectuales del art-rock. El repertorio de “Bestiario”, genuino concept-album, alterna minúsculas secciones narradas y piezas propiamente musicales, lo cual realza oportunamente la inspiración literaria con que se motivó el origen y ulterior desarrollo de este proyecto: es como abrir la caja del espíritu a través de las posibilidades que el arte nos da para entender la realidad de algunos mundos posibles. Los músicos constantes de THE CIRCLE PROJECT son Rafael Pacha [guitarras, teclados, mandolina, banjo, bajo, flauta, percusión, autoarpa, mellotrón], Germán Fafián [guitarras, teclados, bajo, batería y mellotrón] y Raúl Díaz [teclados, batería y pad], siendo cruciales las presencias recurrentes de Ana Marín [bajos eléctricos con y sin trastes] y Javi Herrera [batería y voz]. El nutrido ensamble de apoyo ocasional se completa con José Carbadillo [solos de guitarra], Manoel García [guitarra acústica], Daniel F. Campañá [voz y coros], Aser Nova [batería, berenjenas y cencerro], Clara Morant [voz], Alexandro Baldassarini [narraciones] y Amador Gásquez [voz]. Por supuesto, también hay aportantes creativos en lo literario y para eso está Carlos Romeo, quien se hace cargo de todas las letras (salvo en el sexto tema del álbum ‘Equus Neptunialis’, cuya letra pertenece a Pachas). También aparecen como figuras importantes de la logística de THE CIRCLE PROJECT los productores Ángel G. Lajarín (quien funge también de manager, además de realizar el diseño gráfico y arte del disco) y Patricia García (quien además hizo la transcripción del manual del disco). Con la ilación del monólogo de ‘Manual De Criptozoología – Prólogo’ y la pieza instrumental homónima se da el puntapié inicial al repertorio: esta última exhibe una musicalidad cristalina bajo la guía de la guitarra solista y con un bien equilibrado ropaje de los diversos teclados que entran en acción. Los aires de CAMEL y GENESIS se hacen notar hasta cierto punto pero el arreglo global se condice más con el paradigma de THE ALAN PARSONS PROJECT. Algo totalmente inesperado, en el sentido de ser una grata sorpresa, nos depara el arribo de ‘Equus Neptunialis’, una pieza majestuosa cuyas vibraciones místicas son manejadas en primera instancia con una luminosidad evocativa y melancólica, pasando finalmente a un clímax bizarro donde las líneas de las guitarras se desdoblan en explosivos retorcimientos flotantes mientras el esquema rítmico labora un groove sutilmente complejo donde el señorío reinante puede acomodar la expansión de su fulgor esencial. ‘Xiuló Farcit’ nos remite a una mezcla de sinfonismo moderno y prog clásico dentro de su esquema de balada: los paradigmas del GENESIS de la segunda mitad de los 70s, el MARILLION de los primeros años y THE ALAN PARSONS PROJECT se conjugan sabiamente bajo una aureola contemplativa que se impone sin aspavientos, simple y llanamente dejándose llevar por la intensidad emocional que brota del desarrollo melódico en curso y del talante apasionado del canto. Por su parte, ‘El Hada De Las Volutas De Humo’ emerge para cumplir con la misión de explayarse en sonoridades etéreas donde lo introspectivo se deja arropar por volátiles capas de teclado, las cuales se ornamentan ocasionalmente con retazos de guitarra y cálidos laminados de flauta. El fulgor bucólico que impera aquí se reviste efectivamente de una amable nebulosidad cósmica. Bien puede ser apreciada esta canción como la otra cara de ‘Equus Neptunialis’. Cuando llega el turno de ‘Hyosube’, el grupo vuelve a subir la dosis de expresividad rockera, siendo así que el empleo de un compás no demasiado rápido conlleva un realce dramático: para este fin, el canto funciona a las mil maravillas, así como el solo de guitarra. El dinamismo del desarrollo temático es manejado con buen pulso, algo que nos prepara para recibir la ambientación central de la siguiente canción, ‘Pectoide Verde’: ésta apunta a un vigor más pronunciado que el de la canción precedente pero su agilidad tiene una orientación decididamente centrada en un intermedio entre el AOR y el pop-rock. Podemos ver aquí una mezcla del ASIA de los dos primeros álbumes y el FOREIGNER de la época 81-84. Los dos temas más extensos del disco son ‘Umátodo Obscuro’ y ‘Nubes Vivere’, durando casi 9 minutos y 8 minutos, respectivamente. ‘Umátodo Obscuro’ brilla con luz propia a punta de aguerrida vitalidad; en efecto, tenemos aquí a la canción más filuda del álbum mientras elabora un ambiente sólidamente pulido bajo pautas típicamente progresivas. Aunque su musculatura no llega a igualar a la de ‘Hyosube’, sin duda hay aquí una acentuación épica en la ilación de los diversos motivos melódicos, a veces creando algunos matices tétricos. Ya desde el tono calmado del prólogo se sospechaba que un despliegue de intensidad rockera nos aguardaba en el horizonte próximo, y las sospechas se confirman cabalmente. Mientras se instaura un interludio etéreo que combina lo manierista con lo espacial, se prepara el terreno para un glorioso cierre en clave neo-progresiva (como el mejor PENDRAGON) para los tres últimos minutos. Por su parte, ‘Nubes Vivere’ se remonta hacia la dimensión más vulnerable de la naturaleza humana explotando el formato de balada sinfónica en un punto intermedio entre los GENESIS de fines de los 70s y los CAMEL de la etapa 76-78. Muy efectiva la realización de las alternancias entre los cantos masculino y femenino, así como el juego de mutuas transversalidades entre las guitarras y los teclados, lográndose así un equilibrio melódico envolvente. Para el epílogo instrumental, el bloque sonora adopta una agradable aureola pastoral que nos hace recordar un poco al modo del lado folk de YES. Los últimos tres cuartos de minutos del disco están ocupados por la narración final de ‘Manual De Criptozoología – Epílogo’, siendo su aura netamente melancólica a través de su patente ceremoniosidad. Enormemente agradable ha resultado este paseo por el catálogo de bestias y criaturas musicales diversas que el colectivo de THE CIRCLE PROJECT ha diseñado para nosotros, los amantes del rock en general y los apreciadores del art-rock en particular. “Bestiario” tiene en la versatilidad de sus coloridos sónicos y la refinada estilización vertida en la ilación del repertorio sus cualidades más saltantes.
Este proyecto surge como un esfuerzo comunitario de miembros del grupo de Facebook Prog Circle, creado hace años por el forero Ángel Gómez Lajarin. Con música de Raúl Díaz, el fantástico guitarrista Rafael Pacha y Germán Fafian, y letras, casi en su totalidad, de Carlos Romeo, este disco de rock progresivo sinfónico cuenta también con la colaboración de Manoel Macía (Caballero Reynaldo), Javi Herrera (Kant Freud Kafka), José Carballido (Khitara) y muchos otros miembros de Prog Circle. Viene presentado en un bonito digipack, con libreto ilustrado de 12 páginas. The Circle Project es un grupo ecléctico que fusiona literatura con música de diversos estilos, principalmente art rock.
Los que conocéis el universo 'Subterranea' y todos los colectivos que lo integran conoceréis también la iniciativa Circle Project. Pues bien, bajo el elenco de maravillosas personas que lo integran nace el proyecto musical The Circle Project, que a continuación os desgranamos. Si bien la iniciativa Circle Project había anunciado recientemente la segunda edición de su festival homónimo, a celebrarse el 17 de diciembre en Sevilla, ahora llega este lanzamiento mucho más impactante. Se trata de un primer disco bajo la firma de The Circle Project y cuyo título es 'Bestiario'. En él colaboran conocidos de nuestro entorno progresivo nacional como el multiinstrumentista Rafael Pacha o el guitarrista German Fafian, a quien muchos seguiréis por su presencia en el programa de radio 'Subterranea'. De ese mismo programa y su equipo participan Ángel G. Lajarín, quien es el fundador del colectivo Circle Project, y también a Alexandro Baldassarini. Además, participa Carlos Romeo, la persona que más sabe de King Crimson en nuestro país y que en su día publicó un genial libro sobre la mítica banda. Así se presentan ellos: "The Circle Project es un grupo ecléctico que fusiona literatura con música de diversos estilos, principalmente art rock. Intervienen en su composición, interpretación y arte 15 artistas, algunos de ellos muy valorados en el panorama nacional, lo que hace de este proyecto una propuesta compleja pero coherente gracias a la dirección musical del multiinstrumentista Rafael Pacha en estrecha colaboración con German Fafian (guitarras) y Raúl Díaz (teclados y batería)". Y añaden: "La génesis de esta reunión tuvo lugar en el seno de un grupo de Facebook para amantes del rock progresivo (Prog Circle) que cuenta con casi 3.000 miembros". Tocan también Ana Marín (de Psychosound) al bajo, Javi Herrera (de KantFreudKafka) y Aser Nova a las baterías. Componen temas y cantan Javi Herrera, Daniel F.Campañá (de Quorum) y Jose Carballido. Amador Gázquez ejerce de segunda voz en una canción y también cuentan con la colaboración especial del prestigioso Manoel Macía (guitarra) y la maravillosa voz de Clara Morant, quien canta a dúo con Daniel en el tema final. 'Bestiario' plasma la impronta personal de cada uno de ellos, describiendo al detalle un apasionante catálogo de extraordinarias criaturas de ficción. Contiene 9 canciones llenas de pasajes y emociones de minuciosa musicalidad instrumental y vocal, introducidas por las locuciones de Alexandro Baldassarini narrando los textos, que, al igual que las letras, son en su mayoría obra del escritor Carlos Romeo.
"The Circle Project" es un proyecto ideado por Ángel G. Lajarín (programa radio Subterranea ), que además modera el foro del grupo facebook "PROG CIRCLE", que viendo que había muchos músicos en el grupo, les propuso crear este primer trabajo titulado "Bestiario". Pues bien bajo la dirección musical del multinstrumentista Rafael Pacha con la colaboración de German Fafian (guitarras) y Raúl Díaz (teclados y batería) reúne a través de internet y a distancia, a un grupo ecléctico de 15 personas para fusionar literatura con música progresiva. Cada tema es introducido por el relato a cargo de Alexandro Baldassarini de la historia de cada una de las bestias (El Gusano Del Bosque Gris, Equus Neptunialis, etc..) que van a protagonizar el leitmotiv de este trabajo. El resultado musical, de una hora y once minutos de duración, resulta bastante variopinto, temas cantados en castellano e ingles por Javi Herrera, Daniel F.Campañá y Jose Carballido, composiciones donde destaca los pasajes instrumentales, el folk, lo épico y el art rock. La intro pianista que arranca "Bestiario", un tema instrumental fantástico de corte alegre pero con un trasfondo de tono misterioso y onírico con un excelente solo de guitarra eléctrica en su tramo final, le sigue "El Gusano del Bosque Gris" que le da una aire de opera rock, un tema que me resulta algo disperso en ideas. "Equus Neptunialis" es un tema cantado en ingles con dos claros protagonistas, la parte vocal y la parte final con solos de guitarra y teclados con cierto aire morisco, muy dilatado por eso. Continua con la minimalista y marcial "Xiuló Farcit" que nos relata a esta bestia en forma de lagarto. Me encanta el tema ensoñador del capitulo cuarto "El Hada de las Volutas de Humo" por su carga emotiva y juego de melodías y armonías con la inclusión al final del tema de un solo de flauta. El rabioso y rockero "Hyosube" o no el menos intenso "Pectoide Verde" o la oscura y densa "Umátodo Obscuro" donde la parte vocal me gusta mas que en el resto de temas y los arreglos de teclados. Cierra este trabajo la romantica"Nubes Vivere" cantado a dúo por Daniel F. Campañá y Clara Morant. Resultado de imagen de Ángel G. Lajarín the circle project En definitiva un trabajo que va de menos a mas, que podríamos decir que es una especie de Opera Rock con buenos arreglos compositivos claramente progresivos en la mayoría de ocasiones, huyendo de las inspiraciones de los grandes grupos, porque especialmente se nota las ganas de crear algo original en detrimento de hacer algo muy personalizado.
Internet tiene cosas muy buenas y también muy malas. Entre las muy buenas están la posibilidad de que propuestas (verdaderamente) independientes como KFK tengan la posibilidad de difundir y promocionar su música, y también la posibilidad de contactar y colaborar con otros músicos de cualquier parte del mundo. Hoy voy a hablar de esto último, puesto que he tenido el placer de contar con dos colaboraciones remotas para Onírico, es decir, dos músicos que he conocido en otros proyectos pero con los que no he tenido contacto físico y a los que pregunté si les apetecería embarcarse en este proyecto aportando un poco de su arte. Se trata de German Fafian a las guitarras y Rafael Pacha al salterio, las guitarras acústicas, el bouzouki y la mandolina (y no ha tocado más instrumentos porque le dije que ya era suficiente, que si no... ;-) ) He tenido la suerte de conocer a estos dos magníficos músicos gracias a mi participación en un proyecto colaborativo a distancia que unos quince músicos de rock progresivo de toda España hemos llevado a cabo, y que atiende al nombre de The Circle Project, con el que acabamos de lanzar un disco llamado Bestiario, que podéis encontrar aquí. Pedí tanto a Rafa como a German su participación en Onírico, y su respuesta no ha podido ser más positiva. Rafael Pacha, multiinstrumentista afincado en Córdoba (España), dice de sí mismo en su bandcamp: "Cosecha del 61, con mas de 40 años dedicado a esto de la música. He trabajado en los estilos que me han gustado,en los que me han interesado y he efectuado algunas colaboraciones (Javier Paxariño, Alain Piñero, Manoel Macía, Jose María de la Rosa...), pero siempre bajo la premisa de que lo que compongo guarde el máximo respeto por la Música (sí, con M grande...).". Os invito a visitar su bandcamp y escuchar algunos de sus discos en solitario, y también las colaboraciones con Manoel Macia, ex-guitarrista de los míticos Galabriel. Por su parte, German Fafian es un guitarrista residente a caballo entre Madrid y Colonia (Alemania), con varios discos en el mercado en una interesante línea prog/psicolelia/electrónica, como podéis apreciar en su bandcamp. German explica su currículum musical: Mi “carrera musical” comenzó a los 15 años al comprarme una guitarra española y sentarme a aprender a tocar por mi cuenta, ya que las clases de Cuatro (un instrumento tradicional de Venezuela) no me satisfacían. La primera canción que aprendí fue “Iron Man” de Black Sabbath y casi de inmediato, y con la ayuda de un método para aprender a tocar guitarra comprado por fascículos, comenzó mi interés en comprender la estructura de otras canciones y cómo aplicarlas a mis propias creaciones.La primera banda en la que tomé parte se llamaba Super Sonic Transport. Era una banda de covers que tocaba en bares de moteros en la Zona de Greensboro, Carolina Del Norte. Con ellos toqué durante 2 años hasta que tuve que mudarme a Venezuela en el año 1987.Durante este tiempo formé parte de varias bandas y talleres del Tecnológico de musica de Valencia. Fué allí donde conocí a Juan Cristobal Moreno y Franco Nassi, dos guitarristas y profesores que me inculcaron la curiosidad por el Jazz fusion y el estudio de armonía y la técnica, ya que hasta entonces había sido autodidacta.Algunas de las bandas de las que formé parte fueron Metro, Valynor (banda formada junto con Denis Miraldo y que aún sigue en activo), La Iguana Azul y Elohim. Por motivos personales tuve que mudarme nuevamente en el año 1999, esta vez a España. Fué allí donde conocí al excelente batería Eric Rovira y decidimos formar la banda de Metal Progresivo EGO junto con Dani Soto al bajo, Alex Vijande a las voces y Xavi Pol a la guitarra. Con ellos grabé una demo llamado “Lucifer´s Rebellion Pt1” Esta banda se mantuvo hasta 2003, tras lo cual decidí hacer mi música en solitario aprovechando los nuevos avances en ordenadores y aplicaciones para grabar en casa, y así poder mezclar mis diversas influencias musicales a mi gusto.Mis influencias son muy diversas, ya que disfruto de estilos muy variopintos que van desde la música electronica de Jean Michel Jarre hasta heavy mas crudo como Motorhead o el AOR de Boston y pop como The Beatles. Entre mis guitarristas favoritos destacan Jimi Hendrix, Randy Rhoads, Eddie Van Halen, Joe Satriani, Steve Vai, Michael Schenker, Steve Morse, Steve Lukather o Frank Zappa, pero la lista es casi infinita. La grabación de Onírico está prácticamente acabada, solo quedan unos flecos con las guitarras que, si todo va bien, remataremos el miércoles que viene.
The Circle Project
Lista de Temas: 01 - Manual de Criptozoología - Prólogo 02 - Bestiario 03 - Capítulo 1 04 - El Gusano del Bosque Gris 05 - Capítulo 2 06 - Equus Neptunialis 07 - Capítulo 3 08 - Xiuló Farcit 09 - Capítulo 4 10 - El Hada de las Volutas de Humo 11 - Capítulo 5 12 - Hyosube 13 - Capítulo 6 14 - Pectoide Verde 15 - Capítulo 7 16 - Umátodo Obscuro 17 - Capítulo 8 18 - Nubes Vivere 19 - Manual de Criptozoología - Epílogo
Alineación: - Rafael Pacha: Dirección Musical y Composición. Guitarras, Teclados, Mandolina, Banjo, Bajo, Flauta - German Fafian: Composición, Guitarras, Sintetizadores, Mellotron - Raúl Díaz: Composición, Sintetizadores, Hammond - Ana Marín: Bajo y Diseños - Javi Herrera: Batería y Voces - Jose Carballido: Voces y Guitarras - Daniel F. Campañá: Voces y Harmonías Vocales - Manoel Macía: Solo de Guitarra Acústica en “Nubes Vivere” - Aser Nova: Batería, Berenjenas y Cowbell - Carlos Romeo: Letras - Alexandro Baldassarini: Narración - Clara Morant: Voces - Amador Gázquez: Voces
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Me lo pidieron en la lista de correo, aquí lo tienen. Un tremendo disco que no me canso de escuchar y del cual traeremos más al blog cabezón. "La mejor forma de vivir sin escrúpulos"... No, no me refería al neoliberalismo, sino a éste disquito raro que estamos presentado ahora: un viaje alrededor de la falta de escrúpulos desde varios sujetos y puntos de vista: universo y naturaleza, amor y locura, dinero y sociedad, arte y poder, tiempo y muerte. y si bien no es necesario que te metas en el concepto para disfrutar de este gran trabajo, ya que cada canción es digna y está muy bien organizada, pero el resultado de la suma de todos los elementos crean un encastre que es sumerior a cada elemento por separado: emociones, sentimientos, vitalidad, musicalidad pero planificadas y llevadas adelante de manera natural pero muy eficaz. Altamente recomendado, AppleSmellColour es una banda que merece ser escuchada, y "Unscrupulousness" es un trabajo fino y variado que funciona bien con el estilo que quieras; segmentos acústicos tranquilos influenciados por el jazz, entrenamientos divertidos en base a King Crimson, paisajes sonoros sinfónicos radicales, todo con una interpretación maravillosa que completan un gustazo sonoro.
Artista: AppleSmellColour
Álbum: Unscrupulousness Año: 2015 Género: Crossover Prog / Art rock Duración: 56:42 Nacionalidad: España
AppleSmellColour son una banda de rock progresivo nacida en el año 2012 en Tarragona, España, aunque lamentablemente cantan en inglés. Y ese "lamentable" punto en contra (siempre me gusta escuchar el idioma propio del lugar de donde son los músicos) es la única contra (y ojo, "contra" es un punto de vista que muchos no compartirán conmigo) de este disco genial. Aunque al menos el nombre del grupo, que parece una pegatina de combinaciones de palabras aleatorias, en realidad corresponde a poema un "Habitación de Otoño" del poeta, crítico y lingüista Gabriel Ferrater, otro un ejemplo poco común de rock progresivo que se oye en Alemania, Japón o Canadá: canciones de diez minutos con mucha poesía para un disco conceptual sobre temas existenciales.
"Without yearning, the light is dying on us that was honey-coloured, and that now has the apple smell colour."
Gabriel Ferrater - Bedroom in Autumn
Grabado como resultado de una exitosa campaña de crowdfunding, los 11 temas de "Unscrupulousness" son una escucha muy agradable con la idea de hacer pensar, pero bajo un camino que incluye sonidos sinfónicos, algo de influencia de King Crimson, Pink Floyd pero más modernizado y acercándose al sonido de los suecos The Flower Kings dentro de una estructura que funciona muy bien y no descuida nada e incorpora el ambient, el jazz, el rock alternativo en un todo bien estructurado, interpretado y marcado, por lo me despertó el deseo de zambullirme más ampliamente en la obra luego de la primera escucha, y las obras posteriores me confirmaron que se trata de un gran trabajo que espero sepan apreciar. Un álbum hecho a pulmón por una banda que merece ser escuchada ampliamente.
Interesante propuesta la que llega desde Tarragona: Apple Smell Colour son el ejemplo de que, si bien el auge del Rock Progresivo tuvo lugar en la década de los 70, actualmente el género se está reinventando; conserva la esencia que lo vio nacer, pero al mismo tiempo, incorpora nuevos matices que enriquecen la escucha. Apple Smell Colour también son el ejemplo de que las buenas ideas son apátridas: lo británico no es necesariamente un sinónimo de súmmum compositivo; sino que bandas de cualquier zona, que gocen de menor o mayor popularidad, pueden dar en el clavo y ofrecer un planteamiento que roza la perfección. Es por tanto necesario que escuchemos y no oigamos, que dejemos esos fundamentalismos cuando la lengua materna no es la inglesa, y que apartemos esos prejuicios que nos impiden ver objetivamente y limitan sobremanera el rango de grupos a los que estamos dispuestos a prestar atención. El grupo está articulado por Lluís Barceló (guitarra y voces), Uri Mas (voz principal y guitarras), Pep Espasa (flauta travesera, saxo tenor, guitarras, lap Steel, voces), Mo Espasa (piano, teclado), Loti Arroyo (bajo, voces) y Marc Claramunt (batería). Los seis integrantes gozan de una dilatada trayectoria musical y han unido sus fuerzas en AppleSmellColour y en su primer trabajo discográfico, Unscrupulousness. Unscrupulousness es una obra conceptual que versa sobre la falta de escrúpulos de la sociedad contemporánea en su ámbito universal más extenso, como en la explotación de recursos, en los conflictos sociales o en las contradicciones que van asociadas a nuestras relaciones con el prójimo. A modo de introducción, ‘Strings Field’ recoge parte de un discurso del Dr. Michio Kaku, físico cofundador de la Teoría de Cuerdas o Teoría del Todo: “¿Qué es la física? La física no es sino las leyes de la armonía que puedes escribir en las cuerdas vibracionales. ¿Qué es la química? La química no son sino las melodías que puedes tocar en cuerdas vibracionales que interactúan. ¿Qué es el universo? El universo es una sinfonía de cuerdas vibracionales”. Siguiendo en este hilo, ‘I’m an atom in the world’ se inicia mostrando un rock progresivo herencia de King Crimson, con un tono algo sombrío y una cadencia variable. Después se presenta con una base de jazz que se hace patente por completo pasado el minuto 3, momento en que emerge el saxo. A partir de entonces se suceden una serie de ritmos sincopados, ornamentados con piano de brillante soltura, que se desarrollan en clave de poesía. Pasado el ecuador del tema, el compás se vuelve anárquico y desfilan por él todos los instrumentos hasta llegar a un punto álgido; a partir de él, la calma vuelve a sobrevenir, aunque de forma muy puntual. En esta parte se canta de nuevo “I’m an atom in the world” acompañada de una sección de batería, bajo y guitarra muy crimsonianas. Tras ello, se exhibe otra vez la maestría del saxo, con un breve solo en descenso que va acallándose para elevarse posteriormente, rodeado en todo momento por un piano omnipresente. Como muestra de eclecticismo, ‘Mary Monster’ rompe con lo establecido anteriormente. Juega con una dosis de extravagancia y teatralidad, y precedida de una sección instrumental hay una breve parte inesperada concebida en formato operístico. ‘Chris’ apuesta por atmósferas más cristalinas y por un talante más optimista, encuadrado todo en un esquema más lineal y menos cambiante. El tema que da nombre al disco, ‘Unscrupulousness’, se delinea con movimientos entre el jazz y el rock progresivo, logrando crear un dinamismo meritorio a lo largo de toda su duración. A continuación, ‘Boss of Wizards’ comienza con un despliegue percusivo que al poco es escoltado por un órgano, secundado después por acordes de guitarra y bajo y posteriormente es el turno de la voz. En cuanto a la lírica, ‘Boss of Wizards’ hace referencia a esa falta de escrúpulos, a la ética a merced del poder del dinero. A la Bolsa y al poder desmedido de las finanzas, en suma. Por su parte, ‘Oil Slick’ se aventura con una línea vocal algo cambiada, en la que se ha impreso más fuerza y carisma. Podríamos cerrar los ojos y pensar que estamos escuchando una banda de blues–jazz de los 60. ‘Landscape’ opta por una melodía nítida, pausada, que es iniciada por una guitarra acústica y en la que antes del primer minuto debuta el saxo, que contribuye a que la pieza se traslade completamente al plano jazzístico. En el segundo minuto hay una breve sección apoyada por punteos de bajo y guitarra y por redobles de batería, que dan a paso seguidamente al piano. Finalmente, se suceden los punteos y el saxo, hasta que el tema concluye. ‘Blank Look’ se concretiza en un estilo más intimista, sin duda gracias a la flauta travesera, que ostenta el papel protagonista y crea reminiscencias de Focus, por ejemplo. En una línea semejante se desenvuelve ‘Death In The Mirror’. Finalmente, ‘Eleventh Dimension’ funciona a modo de outro, e incluye extractos de un discurso de Michio Kaku, presentes también en la intro ‘Strings Field’. Nota: 9 / 10
Por suerte, hay muchos comentario de terceros por traer, acá van algunos, y les darán un vistazo aompleto de lo que aquí ofrece la banda.
Primer disco de la banda de Tarragona AppleSmellColour, formada por músicos de calidad con una trayectoria a nivel regional más que decente que se han reunido para dar a luz un proyecto muy ambicioso a la altura de obras maestras de todos los tiempos. Su título dice mucho de la temática de las letras, así como de la propia música, no se asustan ante nada, hacen lo que quieren sin escrúpulos de hacerlo mal o no encajar en los cánones que marca la sociedad. Su nombre se debe a la estrofa “Sin nostalgia / se nos va muriendo la luz, / que era color / de miel, y ahora es / color de olor de manzana” del escritor Gabriel Ferrater, en concreto al último verso. El disco toca varios palos musicales, la inclusión de elementos de viento y guitarras semiacústicas le dan un toque más amplio, no solo dentro del rock progresivo. De las influencias que más he podido notar en las veces que he escuchado el debut son Camel, los proyectos de Neal Morse, Genesis, Bruce Springsteen e incluso Mr. Big. Nada más comenzar con “Strings Field” a modo de intro a piano con ambiente de fondo y un discurso del Dr. Michio Kaku acerca del universo y teoría de cuerdas en el que compara la vida en el universo con la música, nos hacemos una idea de lo que viene. “I’m An Atom In The World” son ocho minutos en los que todo transcurre con respecto a ese título, hasta cuatro estrofas musicales de diferentes tipos de música, por orden: rock progresivo, blues, jazz y progresivo en general. Como novedad notamos un saxofón muy protagonista, que deja de ser el elemento que redondea los temas para ser el principal. Mi favorita del disco sin duda. La rockera y clásica “Mary Monster” recuerda a las influencias mencionadas anteriormente, sobre todo Camel en el aspecto progresivo y Mr. Big en el ritmo general y sonido de guitarras, sin embargo la voz tranquila es mucho más propia. Ha empezado con muy buen nivel y un sonido envidiables. “Chris” continúa la estela de su predecesora, aunque es de carácter tranquilo, con guitarras acústica y sin distorsión, agregando coros femeninos en la recta final para redondear más y no ser tan lineal. ¿Queda algo que se pueda añadir a este fenomenal comienzo? Pues una instrumental, también hay hueco en este proyecto, ¿quién lo dudaba? “Unscrupulousness” no hace falta que tenga letra para que nos demos cuenta mientras la estamos escuchando cuál es el mensaje que quiere mostrar. Progresivo a la antigua, sintetizador estilo Genesis, saxofón a los Bruce Springsteen, cambios constantes de estilo musical, y todo con coherencia. Es decir, no hay hueco para los escrúpulos. La más larga del disco, con unos diez minutos, “Boss Of Wizards” es la que puede sonar más actual, un progresivo de línea contemporánea eso sí, con influencias clásicas. La flauta aparece dejando el saxo un poco aparcado. Muy buena elección y buen ojo la de no incluir los dos al mismo tiempo, ya que los toca la misma persona y en los directos quedaría cojo el tema. El intermedio instrumental con flauta travesera sirve de conexión para la recta final con solo de guitarra y piano de acompañamiento que finaliza con el estribillo. Un tema muy completo y muy bueno, sin brechas. Habiendo pasado la mitad de disco lo normal es encontrarse con temas que estén en la onda de lo escuchado ya, efectivamente “Oil Slick” recuerda a las dos primeras, con ritmo variable intercambiando el rock tradicional con blues y jazz, al final la guitarra eléctrica se marca unos buenos punteos, atentos. Le sigue otra instrumental en la que vuelve el saxofón tomando el control, “Landscape” vuelve al tono acústico y sin distorsión, un estilo que cada vez es más popular en los grupos de rock progresivo de los últimos años. Estos temas tienen menor duración y son más llamativos a pesar de la etiqueta bajo la que vienen, “Blank Look” es la continuación con letra de la anterior, su estructura es la misma y la finaliza contando la historia para que no sea pesado con ayuda de flauta. Finalmente “Death In The Mirror” y el outro “Eleventh Dimension” finalizan el disco de la misma forma con la que ha empezado. Mucho nivel es el que se ha demostrado tener aquí, por ello la nota con la que califico el disco es de un 8,1/10. Un verdadero referente dentro del rock progresivo y de la música en general a nivel nacional.
¿Buscas un poco de color en tu vida? ¿Te has comido todas tus ceras de colores y no encuentras más? Dos consejos: sé que parecen apetecibles, pero no te comas las ceras, y presta atención a la reseña de hoy. El grupo que hoy reseñamos viene de Tarragona, ¿su nombre? Applesmellcolour. ¿Campo? Musical. No es la mejor introducción de la historia, pero algún día aprenderé. Digamos que, si fuesen pintores, la paleta de colores de los Applesmellcolour (a quienes llamaré “Manzanas” de aquí en adelante para ahorrar saliva) comprendería un espectro bastante amplio. Algo que es difícil encontrarse en la música son propuestas que logren provocarte diversas emociones, alegría, tristeza… esto… bueno, ya sabéis de que va eso de las emociones, ¿no? El caso es que pocas bandas diversifican tanto su propuesta en un mismo disco. Las Manzanas lo hacen, y con muy buen gusto, mezclando estilos como el jazz, blues y e influencias de los más grandes del progresivo. Seis son los integrantes que vienen a ofrecernos los gajos de esta suculenta manzana que es su álbum “Unscrupulousness” (y que nadie me pregunte si existe semejante palabra). Ellos son Uri Mas a la voz y la guitarra, Lluís Barceló a la guitarra, Pep Espasa tocando el saxo, flauta travesera junto a otros instrumentos, Mo Espasa al piano y teclado, Loti Arroyo al bajo y Marc Claramunt a la batería. Mencionar también que Lluís, Pep y Loti también contribuyen a las voces. El disco comienza con una intro, “Strings Field”, a modo de sample, donde se trata sobre la teoría de cuerdas de forma muy poética, amenizada por un piano y un sintetizador místicos, y que empieza este viaje a lo más bajo del ser humano y su naturaleza desde esta óptica tan curiosa. El caso es que la intro da paso ya sin comerlo ni beberlo a una de las mejores y más alocadas canciones del álbum, “I’m an Atom in the World”. Su locura se hace más patente a partir de los tres minutos, cuando las melodías un tanto oscuras se desmadran al entrar un magnífico saxo que hace honor al señor Coltrane. Las cosas se empiezan a desmadrar unos minutos después, cuando el mismo saxo se marca un solo de órdago y cambian todos los esquemas de la canción, quedando la aventura en un desparrame la mar de crimsoniano. Un lánguido gemido acaba las cosas por la puerta grande. Una delicia al paladar y al oído. “Mary Monster” abre un poco más las alas de la creatividad de la banda, rompiendo con la seriedad del tema anterior y dando paso a un rock más alegre y saltarín, en el que igualmente se intercalan dos partes muy diferenciadas, como la primera parte cantada que me recuerda un tanto a la amiguita bizca de los Tull, “Cross Eyed Mary” (¿será casualidad lo del nombre?), y la siguiente parte con un riff bien potente seguido de una sorprendente parte operística. En el siguiente tema, “Chris”, bajan revoluciones para regalarnos un tema acústico en el que el que guitarra acústica y voz cobran protagonismo tejiendo una melodía muy sentida y relajante, acompañada de un piano delicioso. Esa falta de concordancia, esa locura desatada (que al final parece concordar y atarse por arte de magia) que ya veíamos en “I’m an Atom in the World”, vuelve a darse en el tema título, “Unscrupulousness”, que de nuevo nos lleva por cientos de mundos, uno dentro del otro, formando parte de un todo, un todo unido por el lazo de una base rítmica cojonuda y un saxofón que siempre sabe donde actuar y que notas tocar para darle ese sabor único. El contraste con la siguiente, “Boss of Wizards”, se hace patente desde el comienzo de la canción, con un curioso trabajo del batería acompañado de un órgano que otorgan la gravedad necesaria al tema y a su mensaje (el poder del dinero y, como bien dice el título, la falta de escrúpulos) y marcan el camino sosegado y sobrio que seguirán las melodías. Si bien el tema principal se hace un poco pesado, hacia la mitad hay elementos suficientes (incluyo un magnífica pasaje de flauta) para darle el dinamismo necesario para brillar por sí sola. Tras “Oil Slick”, canción con un trabajo soberbio del bajo y de la voz que le dan un rollo más bluesero, y donde el cantante se atreve a darnos una interpretación distinta del resto de temas, algo más intensa y teatral, llega el plato más flojillo del álbum (y aún así sigue siendo un temazo), “Landscape”, que haciendo honor a su nombre nos dibuja un paisaje repleto de tonos que cubren todo el espectro, y donde también aparece el saxo y unos punteos y un piano que de nuevo hacen gala de un buen gusto exquisito. Lo de plato flojo, en definitiva, venía porque a mí no me ha llenado tanto como el resto, se me hace un tanto lenta, aunque tiene un rollo inigualable de club de jazz, lleno de humo y magia hasta los topes. “Blank Look” continúa el tono introspectivo de la anterior y le añade un nuevo y sugestivo elemento, la flauta travesera, que aporta el ingrediente distintivo durante toda la canción. Al igual que esta, “Death in the Mirror” conserva el mismo tono y ritmo, dando a estas últimas canciones un sentido de unidad. Aunque sinceramente, me habría gustado más algo más movido para concluir el álbum, ya que lo único que resta es la outro. Y por aquí llega, efectivamente, “Eleventh Dimension”, corta y bella, que nos trae de nuevo el discurso del comienzo, y que cierra de forma íntima este álbum de contrastes, de subidas, de bajadas, y de constantes descubrimientos. ¿Qué es “Uncrupulousness” sino el fresco olor de una manzana tintado con los colores del ocaso? Señores y señoras, la verdad hoy se disfraza de cursi en mis palabras. Disfruten el sabor de la buena música.
No sospechaba el compositor Lluís Barceló (53 años) cuando daba guitarrazos punks y urgentes con Etiopía Próspera, un grupo de culto y cierto underground en la Tarragona ochentera, que más de 30 años después, tras algún proyecto desafortunado o poco visible, la música le brindaría otro caramelo apetecible, un nuevo horizonte en el que crecer. Él es el cerebro principal, el hacedor de canciones de Apple Smell Colour, un insólito grupo de rock progresivo, un género minoritario, casi único en la provincia. Lluís desparrama energía por haber visto cómo sus canciones, compuestas en casa, imaginadas en complejísimos pasajes, juegos de voces y vaivenes internos, han cogido vuelo con esta banda intergeneracional que se ha ganado el fervor de la crítica. No esperen en Unscrupulousness, su primer disco, canciones de menos de seis minutos. No confíen en música lineal, sin recovecos. «Tengo incontinencia creativa y debo contenerme, porque luego no hay tiempo para trabajar ese material. Hay canciones para dos discos más. En la composición es cuando más disfruto. Tengo necesidad de comunicar», asume él. «Hago un trabajo concreto, pero no me veo el eje. Yo viví en mi adolescencia en los 70, con esa música progresiva que estaba en lo más alto. Tengo cultura musical de esa época, y por eso es más fácil que yo lo canalice», añade el ideólogo Barceló. El rock sinfónico no es una etiqueta fácil, a pesar de las reivindicaciones recientes, como el festival Tótum Revolútum de Barcelona, con más de una quincena de bandas en cartel. «La década de los 80 fue demoledora para este género. Se querían temas cortitos, que se bailaran bien, música un poco frívola. Estos son temas más elaborados, con pasajes, con fragmentos sinfónicos, canciones de 12 ó 15 minutos. Eso quedó un poco desbancado. Luego el jazz también evolucionó mucho y entró dentro de estas sonoridades no tan ortodoxas», cuenta Lluís, que se define así en ese tour de force cotidiano en el que se sumerge en casa, entre instrumentos: «Lo que hago es casi alquimia. Pienso qué me sugiere un fragmento para continuar. Soy muy constante». En lugares como Japón, Canadá, Brasil o Alemania ya ha habido ventas y descargas de su álbum. «Cantar en inglés no es casual. Buscamos llegar al máximo número de gente. Hemos notado mucho interés», explican. Con las influencias claras de bandas como Genesis, King Crimson, Queen y, por supuesto, Pink Floyd, pero también con temas más cercanos al folk de Jethro Tull o el jazz de Pat Metheny, Lluís, en esa telaraña de conversaciones entre músicos, se rodeó de intérpretes jóvenes, con talento, ambición y bagaje académico. «Yo no tengo formación, pasé por el conservatorio muy brevemente. Los que me acompañan saben mucho más que yo», reconoce. El joven Uri Mas (fue miembro de Amena, Ol’Green o Projecte34) es la voz principal y guitarrista. El ubicuo Marc Claramunt es también el batería de Zien Años, además de diseñador de la parte visual de la novela gráfica que acompaña a la edición del álbum. Loti Arroyo (Tumbuctú, Roger Benet i els Oximorònics) está al bajo. La saga insigne de los hermanos Espasa completa la formación. Pep toca la flauta travesera, el saxo tenor, además de guitarras y el lap steel; mientras que Mo se añade al piano y los teclados. Ambos, naturales de La Canonja, son hermanos de Dani Espasa, una eminencia de la música renacentista y medieval, además de profesor de improvisación. De los coros a Gabriel Ferrater Para rizar el rizo, cuatro coristas (forman el grupo vocal Les Fourchettes) completan un combo de diez músicos, que este sábado despacharán su repertorio, en formato acústico, en el Teatre El Magatzem (20.30 h., 12/10 euros). En Apple Smell Colour, un nombre de aires sinestésicos inspirado en el poeta reusense Gabriel Ferrater, nada es sencillo. Tal ansia de expresión, una olla a presión de creatividad, se tuvo que concretar en un disco conceptual sobre la falta de escrúpulos, la ausencia de moral en cuestiones sociales o de lucha de clases pero también en el reducto personal. «Para mí, que estaba un poco retirado de la música, esto es una nueva vida», dice Lluís. La banda, que ya ha tocado varias veces en Tarragona y Barcelona, prepara el desembarco inminente en ciudades como Madrid, Zaragoza, Valencia o Pamplona. En el Teatre El Magatzem la celebración será triple: se presentará el disco en acústico Fireplace, la edición especial limitada del debut Unscrupulousness y la novela gráfica ‘Manifest de l’obstinació’.
Pueden escuchar y comprar el disco desde su espacio en Bandcamp. Realmente un trabajo muy disfrutable que ahora damos a conocer.
Lista de Temas: 1. Strings Field 2. I’m An Atom In The World 3. Mary Monster 4. Chris 5. Unscrupulousness 6. Boss Of Wizards 7. Oil Slick 8. Landscape 9. Blank Look 10. Death In The Mirror 11. Eleventh Dimension
Alineación: - Lluís Barceló / Guitarra - Àngel Arroyo "Loti" / Bajo - Marc Claramunt / Batería - Pep Espasa / Guitarra, saxofón y flauta - Mo Espasa / Piano y teclados - Uri Mas / Voz y guitarra
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El rock progresivo tiene un comienzo incierto en algún momento de la década del '60, en el que se fusionan de un modo especial el rock y el blues con la música clásica, el jazz y también mucho del folklore de cada región, dando lugar al más grandioso movimiento musical del Siglo XX. Y dentro de ese movimiento, cada región tuvo sus particularidades propias de su idioscincracia, de su cultura, de su momento político y social y, en casi todos los casos, de sus luchas contra los modelos impuestos. Ahora vamos a hacer otro repaso, ya que no es el primero que hacemos, de la originaria escena española, y ello no solo por todos nuestros puntos en común con la escena latinoamericana, sino porque además muchos de los visitantes de este blog son españoles. Así, pues, les dedicamos esta entrada a ellos, que comienza así: "Esta es la historia de unos valientes que, armados de convencimiento y una apertura de miras impropia del régimen político en el que se encontraba el estado español, pusieron en marcha una escena musical que, a pesar de no contar con la pujanza de otras como la italiana o la escandinava, pudo responder con fuerza castiza a lo que venía sucediendo en las islas británicas, y todo ello permitiendo, en algunos casos, que los españoles pudiéramos mirar a la cara sin sonrojarnos a los guiris que venían a ponerse morados como morcillas a las playas de Benidorm o Sitges".
Estos valientes plantaron la simiente que acabaría germinando en uno de los momentos más prolíficos de la historia musical española, y el cual aún hoy algunos locos seguimos disfrutando y referenciando. Comienza un repaso a los momentos más brillantes que nos ha dado el Rock Progresivo español, hoy centrado en tres bandas que pondrían las primeras piedras para un posterior florecimiento regionalizado, el cual trataremos con posterioridad. Abrocháos los cinturones, pues viajamos a la España de los años 60. Tened cuidado con lo que hacéis y con lo que decís, hay un enano gallego que os observa.
Historias de censura, rebeliones, luchas contra lo establecido y una apertura mental que se comenzó a expresar en la cultura, y dentro del rock tomó la forma más drástica y radical en lo que luego se llamó "rock progresivo". Si quieren ver como sigue, bueno, no tengan vergüenza y entren al post...
Censura y discos de importación
A inicios de la década de los años 60 era imposible conseguir en España según qué discos. A pesar del abandono de la autarquía económica a partir de 1959 gracias al plan de liberalización económica ideado por Joan Sardá Dexeus, basado en turismo y ladrillo (¿os suena?), y el proceso de aperturización obviamente necesario para llenar las playas españolas de bellas suecas y francesas sin depilar, en lo que respecta al ámbito cultural España continuaba siendo un estado oscuro e impermeable hacia cualquier influencia que pudiera entrar desde el exterior.
Este hecho, que significó la entrada en una crisis literaria sin precedentes en las letras españolas (la represión y el exilio también tuvieron mucho que ver), con salvedad de novelas pioneras como Tiempo de Silencio de Luis Martín Santos, tuvo un claro reflejo en otras artes como el cine o la música, escenarios ambos utilizados en su mayor parte para las campañas de imagen y publicitarias de sostenimiento del régimen.
Afortunadamente, y cumpliéndose el dicho de que ‘no se pueden poner puertas al campo’, la llegada de turistas, y sobre todo, la entrada de militares norteamericanos a terreno español y los viajes a Andorra realizados por artistas catalanes, permitió que poco a poco circularan por territorio español discos de géneros como la Psicodelia o el Jazz-Rock, los cuales eran compartidos por círculos reducidos, mientras en España proliferaban los festivales de canción ligera con los que el régimen pretendió contentar al pueblo momentáneamente.
Con posterioridad, ya con la década de los 60 bien avanzada, y viendo que el cierre de fronteras no era efectivo para evitar la entrada de elementos supuestamente subversivos, la táctica del caudillo cambió procediéndose a la amputación de discos eliminando canciones molestas, alterando portadas o incluyendo pitidos ensordecedores, elementos tales que convirtieron a la mayoría de ediciones españolas de los discos en cuestión en elementos de coleccionismo posterior.
Mientras todo esto sucedía, y el franquismo sufría por evitar la entrada de esa música de hippies y fumetas ingleses que cantaban al sexo y al comunismo, en tres puntos diferentes del estado español, y gracias a tres vías de entrada de música extranjera, tres bandas empezaban a gestarse, tres bandas que acabarían siendo el germen del Rock Progresivo español, el cual debe su existencia a tres discos fundamentales.
Los Módulos
Probablemente puedan ser considerados como la banda pionera del Rock Progresivo español, y deben su nacimiento a la base norteamericana situada en Torrejón de Ardoz. Como os contaba antes, a inicios de los años 60 era totalmente imposible poder encontrar en circulación discos editados en las islas británicas o Estados Unidos por culpa de la política proteccionista del régimen de Franco. Esto hizo la avalancha de bandas psicodélicas que aparecieron con el cambio de década permanecieran en el anonimato en tierras españolas en un primer momento. Sin embargo, algo con lo que no contaban los censores y vigilantes de la integridad moral cristiana, fue la posibilidad de que los soldados gringos pudieran introducir determinados discos en suelo español.
Así fue como gracias a los soldados norteamericanos se abrió una especie de mercado negro por el que circulaban discos de gente como los Beatles, Rolling Stones, The Animals… mercado que permitió que en pequeños círculos las obras en cuestión fueran difundidas y que, afortunadamente, llegaran a manos de gente como José Robles Rodríguez, figura fundamental para la divulgación del Rock Progresivo y Psicodélico en la capital del país.
Corría el año 1969 cuando Robles decidió ponerse manos a la obra rendir su personal homenaje unos músicos, por aquel entonces, muy poco conocidos pero a los que él referenciaba. Su forma de hacerlo fue creando Módulos, banda con la que podría dar rienda suelta a su particular admiración por guitarristas como Robert Fripp o Steve Howe, pasando la influencia de ambos por un tamiz de psicodelia de la que también se consideraba seguidor.
El resultado se pudo apreciar en Realidad, álbum en el que no solo había espacio para referencias anglosajonas sino también para el más meloso Rock Progresivo de los italianos Le Orme. Aparte de todos estos elementos, Robles no pudo evitar dejarse llevar por la fuerte corriente pop que se había impuesto unos años antes en España, gracias a la cual construyó un disco que supuso la irrupción musical más importante de ese año, llegando a competir ese año en ventas con las versiones recortadas de Yellow Submarine o Abbey Road, cosa que no es moco de pavo.
A pesar de todos los parabienes que una banda como Módulos y un disco como Realidad merecen, desgraciadamente con el paso del tiempo su legado está bastante cerca de quedar en el olvido en detrimento del de otras bandas contemporáneas que sí ha perdurado con más fuerza. No sabría decir si la versión que Medina Azahara hicieron de su tema más famoso, ‘Todo tiene su fin’, es una de las causas directas, pero es obvio que dejar este hecho fuera de la ecuación sería un grave error, ya que no son pocos los oyentes que piensan que el tema pertenece a los cordobeses. Obviamente es errado reducir la trascendencia de una banda a lo que ha significado una versión de su tema insignia, pero atendiendo a los hechos, este asunto no deja de tener importancia.
Maquina!
Paralelamente a todo lo que venía sucediendo en la capital del estado, en la mucho más moderna Barcelona se venía gestando un disco que debería haber cambiado a la música española para siempre. Las circunstancias que rodean a la creación de una banda como Maquina! fueron bastante similares a lo acontecido con Módulos, por mucho que musicalmente ambas bandas no se parecieran en exceso por el prisma distinto desde el que miraban al rock.
Mientras que los jóvenes madrileños tenían que acudir al mercado negro para poder acceder a las obras que se venían editando en las islas británicas y al otro lado del Atlántico, en Cataluña comenzó a producirse una peregrinación juvenil hacia Andorra, donde tenían la posibilidad de disfrutar de música en directo e incluso adquirir discos para luego introducirlos en territorio español. Así fue como poco a poco se fue generando una interesante pero reducida y casi clandestina escena rockera en Barcelona, de la cual saldrían, a inicios de los años 70, parte de las bandas más interesantes de todo el estado.
Una de ellas fue Maquina! proyecto fundamental no sólo para valorar el esfuerzo musical de la juventud catalana, sino también para comprender realmente el auge cultural de una ciudad que nunca dejó de liderar la creación artística española logrando superar el esfuerzo represivo proveniente del Palacio del Pardo, el cual, por motivos políticos, fue más crudo que en el resto del país.
La banda de Enric Herrera y Jordi Batiste se presentó ante el público barcelonés con el single ‘Lands of Perfection/Let’s Get Smashed’ en el verano de 1969, el cual obtuvo una gran acogida por parte de la crítica debido a su buena factura y la sorpresa generada por los derroteros en los que se movía, jazz, blues, psicodelia y letras cantadas en inglés. Sin embargo, esta favorable recepción se centró en la zona de la que Maquina! eran orihundos, pues su impacto en el resto del país fue bastante limitado en un primer momento. No se sabe si por ser catalanes, si por su estilo, o por cantar en inglés, estuvieron a punto de ser linchados en su primer concierto en la oscura Madrid de 1969, aunque una combinación de las tres posibles causas puede ser la respuesta más encaminada.
Ya de regreso en Barcelona tras la gira comenzaron a preparar Why?, uno de los discos más ambiciosos jamás editados en España y el cual les catapultaría a la fama, aunque realmente fue apreciado en toda su magnitud al menos una década después de su lanzamiento (1970). En Why? continuaron con todo lo anunciado en su single de debut pero potenciando aún más la presencia de sonidos puramente anglosajones, totalmente deudores de los Beatles pero añadiendo a la ecuación frenéticas jams instrumentales donde los duelos entre hammond, instrumentos de viento y los solos de guitarra eran los protagonistas. Destaca el tema homónimo el cual apareció dividido en las dos caras del vinilo y cuya duración era de 23 minutos, todo un hito dentro de la música española, caracterizada hasta el momento por la inmediatez propia del pop que lo dominaba todo.
A pesar del éxito logrado por primer larga duración, el cual fue admirado hasta por el mismísimo Salvador Dalí (quien quedó prendado por la portada del reloj y el croissant), la banda no pudo asentarse y el ir y venir de miembros se hizo la tónica dominante ya desde el mismo lanzamiento de su primer disco. Divisiones, salidas e incluso peleas judiciales por el nombre de la banda fueron la tónica hasta que en 1972 la banda se desintegró definitivamente, habiendo pisado terrenos estilísticos en esta deriva que fueron desde el jazz al blues pero siempre manteniendo su importancia la psicodelia y las jams instrumentales.
Afortunadamente, el impacto de Máquina! y su trascendencia ha sido mayor que el representado por los madrileños Módulos, fruto de ello han sido las contínuas reediciones de Why? o la edición de …Funciona en 2004, disco en el que se recopila todo el material grabado por los barceloneses y del cual soy un orgulloso poseedor en su edición en vinilo.
Smash
Andalucía no quería ser menos y también vivió, paralelamente a Madrid y Barcelona, la gestación de una escena basada en psicodelia y Rock Progresivo, aunque la misma viviría su momento de esplendor ya avanzada la década de los 70. Sin embargo, el origen también se sitúa a finales de los años 60 y la misma también dependió en gran parte de la cercanía con Gibraltar, puerta de entrada para discos prohibidos a inicios de la década.
Tal y como sucedió en el caso catalán, una banda pionera abriría una senda que finalmente seguirían un gran número de bandas, las cuales, en el caso andaluz, acabarían dando pie a un género único que solamente se desarrollaría en tierras españolas. Esta banda es Smash y el género del que os hablo es el Rock Andaluz, del cual hablaremos en una posterior entrega de este especial.
Si en el caso de Módulos la figura de José Robles fue esencial, en el caso de los sevillanos Smash el icono fue Gualberto García, músico que es conocido no solamente por su trabajo en esta banda sino por una prolífica carrera en solitario y su colaboración con músicos de la envergadura de Camarón de la Isla o Kiko Veneno.
Smash se gestaron en el año 1967 como un proyecto del batería Antonio Smash y de Gualberto, quien ocupó el lugar de guitarrista y principal compositor. En un inicio se centraron en desarrollar un blues psicodélico bastante prototípico desde un punto de vista internacionalizado, el cual, a pesar de no contar con una gran repercusión en ventas con su álbum de debut, les permitió girar por todo el país. Sin embargo, un viaje a Estados Unidos y problemas con su compañía discográfica de entonces lo cambiaría todo.
Enrabietados porque consideraban que el apoyo recibido no se correspondía ni con la calidad que ellos entendían que atesoraban ni con el esfuerzo que realizaban, Smash estaban dispuestos a abandonar a Phillips para poder trabajar con plena libertad. Las negociaciones con la compañía para poder obtener su libertad de forma inmediata no fructificaron pero lograron acordar quedar libres tras la edición de su segundo disco. El nombre del mismo no era más que un presagio de lo que se avecinaba We come to Smash this Time (venimos a golpear esta vez), y el aspecto musical se encargó de refrendar tal hecho.
En vez del blues añejo que habían desarrollado en su debut, para esta ocasión su contraataque se basó en la inclusión de elementos progresivos y psicodélicos a su sonido, y todo ello aderezado, esta vez sí, con sonidos tradicionales andaluces y árabes, de entre los que destacó sin lugar a dudas el sitar de Gualberto y los ‘quejíos’ de Juan el Lebrijano. En una escucha, 40 años después del lanzamiento del álbum, es normal no sorprenderse tras la escucha de ‘Behind the Stars’, pero analizando contextualizada, no es difícil darse cuenta de que se trata de un tema fundacional, de un tema que acabaría creando un género, el Rock Andaluz.
Sin embargo, las sorpresas no quedaron ahí, ya que a la fusión entre Rock y Flamenco de ‘Behind the Stars’ hay que unir la jam psicodélica de ‘Fail Safe’ y sus voces distorsionadas o el claro ejercicio prog de ‘First Movement’ y un brillante clavicordio.
Se hace complicado explicar con palabras la trascendencia de una banda como Smash y de un disco como We come to Smash this Time, afortunadamente contamos con la posibilidad de escuchar el álbum y de valorar la carrera posterior de Gualberto, desarrollando operas rock en Estados Unidos o como embajador de Andalucía por el mundo entero. Y todo esto, sin tener en cuenta que Smash son además el germen del que proceden Lole y Manuel, una de las bandas más interesantes del flamenco contemporáneo.
Esta es la primera parte de este especial sobre los momentos más destacados del Rock Progresivo español. En la próxima entrega hablaremos de los herederos de Máquina! y la escena catalana, encabezada por gente como Pau Riba o Lone Star.
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