02 de diciembre 1905 - Nacimiento de "El Santo Ateo" Osvaldo Pugliese (El Patrono de los Músicos): nacido en Buenos Aires en el barrio de Villa Crespo un 2 de diciembre de 1905, intentó de muy chico escapar al destino familiar (aunque su padre le había regalado un piano), pero el mismo ya estaba marcado. Su vida no fue muy simple ni sencilla, pasó por tramos muy duros, sobre todo en la cárcel, épocas oscuras de su prohibición. Pero Don Osvaldo nunca estuvo solo. En aquellas presentaciones de su orquesta sin él, los músicos, sus músicos, ponían un clavel rojo sobre su piano, en señal de la ausencia que nunca fue tal. Gran símbolo ese clavel que nunca se vió marchito. Su bastón, su sostén y su dignidad fueron la música, siempre la música. Desde fines de la década del 20 hasta 1939 en que crea su propia orquesta, hasta la época de los 40 y los 50 (la gran época oscura) ya que por estar afiliado al partido comunista le costó caro. Y en Río Cuarto donde se lo detuvo previo a una actuación.
El 2 de diciembre de 1905 nacía Osvaldo Pugliese en el barrio porteño de Villa Crespo. Pianista, compositor y director de orquesta dedicado al tango, Pugliese tuvo un compromiso militante que sostuvo toda su vida. Por su legado como músico, militante comunista, pero ante todo "buen tipo", Pugliese permaneció en la memoria colectiva como símbolo de buen augurio. Un repaso por la vida y obra del "antimufa", el santo ateo.
"Nunca me consideré un artista, sino un laburante de la música. Y un laburante bastante cómodo, porque trabajar, trabajan los de las fábricas, el puerto. Pero digo que siempre me sentí uno más".
Olvaldo Pugliese
Nació en el seno de una familia trabajadora con afición a la música. Su padre Adolfo era un obrero del calzado que tocaba la flauta en conjuntos de barrio. Sus dos hermanos mayores, Vicente Salvador y Alberto Roque tocaban el violín. Fue su padre quien lo alentó a dar los primero pasos en la música al regalarle un violin e inscribirlo en el conservatorio Odeon del barrio, donde Osvaldo descubrió el piano y decidió cambiar el violín por el instrumento que lo acompañaría el resto de su vida y con el que se destacaría como pocos. En 1935 impulsó el Sindicato Argentino de Músicos del que fue el afiliado número 5. Allí empezó una lucha "donde el trabajo sea una dignidad personal y no un castigo". Pero su activismo no pasó desapercibido para la Cámara Patronal de los cabarets, de donde provenían los principales ingresos de músicos y afines. Terminó en una lista negra y fue perseguido. Se le hizo imposible conseguir trabajo en un local nocturno. En 1936 se afilió al joven Partido Comunista Argentino. Esto y sus ideas provocaron que fuera perseguido, censurado y encarcelado durante el gobierno de Juan Domingo Perón y luego durante el gobierno de facto conocido como la autodenominada Revolución Libertadora. Pero durante el tiempo que duraron sus penurias, su orquesta no dejó de tocar, aunque huérfana de su director. Fue en los años 50 que la orquesta del maestro Pugliese animó las milongas del Club Atlético Palermo, que por entonces era un reducto opositor a las políticas oficiales de gobierno, en tanto su orquesta estaba prohibida en radiodifusión. Cuando la orquesta actuaba con su director y pianista encarcelado el clavel rojo aparecía. Nadie tocaba el piano. La orquesta se presentaba sin piano. El clavel rojo estaba en reemplazo de Pugliese y representaba todo un símbolo, un mensaje. Y todo el mundo entendía ese mensaje.
Tuvo una obra prolífica con grandes obras musicales que son clásicos como “Recuerdo” o “La Yumba” por solo citar alguna. Como muchos artistas que son considerados “yetas” o “mufas”, por otros celosos artistas o por malos periodistas, ante el gran talento que ellos manifiestan. Muchos quisieron hacer de Pugliese un yeta también, pero, como se suele decir, el tiro les salió por la culata, y Don Osvaldo Pugliese se convirtió en un Santo protector de los músicos. Tuve la suerte de verlo actuar en nuestro Teatro Municipal en 1992. Increíble e inconfundible el sonido acompasado de su orquesta, desde el piano y con su mirada que parecía perdida, vertían sus manos las obras de su vida. Me quedo con esa imagen y ese sonido de la mano izquierda y una frase que me dijo en el camarín: "¿Sabés pibe? Yo soy zurdo para dar las cartas, zurdo en el piano y zurdo en el corazón, ¿ta´ claro no?". Y un pensamiento que debe ser nuestra antorcha: "La soberanía nacional se defiende también con la Cultura".
En tiempos difíciles donde un año duro termina y el panorama coyuntural no se presenta alentador, resulta pertinente recordar estos personajes inspiradores y sin delegar responsabilidades en la superstición tomar su ejemplo como aliento. Y si, por las dudas, no está demás alzar la copa en este fin de año, y decir tres veces “¡Pugliese, Pugliese, Pugliese!” para enfrentar dignamente el año venidero.
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Un ensamble uruguayo “de tango de cámara sin bandoneón pero con polenta”: la Camerata Punta del Este fusionó el barroco con el candombe, el clásico con el tango y la milonga, con el jazz y el bossanova y llevó su mensaje fabuloso por el mundo. Perseguida por la dictadura absurda que se dedicó a aplastar cualquier cosa que no fuera ella misma, la Camerata se exilió en México y nos dio la oportunidad de conocer la música porteña y afrouruguaya con un espíritu de vanguardia y fusión que nunca antes habíamos visto ni oído en el altiplano mesoamericano, en un ambiente libre y antisolemnte como el café-concert. Alternaron con Piazzolla, con Mercedes Sosa y con un joven Negro Rada. Esta es una antología editada en México en 1981 que recoge mucho de lo mejor de esa tremenda orquesta.
Artista: Camerata Punta del Este Álbum: Camerata Punta del Este Año: 1981 Género: Tango, candombe, jazz, música de cámara Duración: 1:02:16 Nacionalidad: Uruguay
Camerata Punta del Este fue un ensamble de cámara que logró fusionar, con espíritu libre y vanguardista, las exigencias de la música académica y las libertades de la popular. Como ningún otro, la Camerata llevó el barroco al café-concert, en esa tradición de las viejas vanguardias, y el candombe a la sala de conciertos, borrando la falsa línea de separación entre “alta” y “baja” cultura. Este “conjunto de tango de cámara sin bandoneón pero con polenta”, como lo describía su fundador, Manolo Guardia, nació en 1969 como Camerata del Tango, tocaba en locales de Montevideo y Punta del Este y se presentaba con frecuencia en Buenos Aires. Pero los militares, igual que hicieron los nazis con los cafés de Berlín, cerraron los boliches y la desmembraron entre Venezuela, el destino de Guardia, y México, donde se asilaron sus compañeros en 1976. Los que llegaron a la ciudad de México la rebautizaron Camerata Punta del Este y nos dieron allá en mi tierra la oportunidad de vivir el tango, el candombe y la milonga como si estuviéramos en el Río de la Plata. El cartón que ilustra la portada es obra de Naranjo, recientemente fallecido, uno de los grandes moneros mexicanos, y muestra cuánto nos gustaba la música de estos genios.
Entre 1976 y 1984, Camerata Punta del Este trabajó en la ciudad de México y nos enseñó (yo era un adolescente entonces) a apreciar el tango, la milonga y el candombe desde su muy particular aproximación: la música de cámara. Se trata de un ensamble conformado por músicos uruguayos que tuvieron que partir al exilio perseguidos por los militares que arrasaron con Uruguay en aquellos años de terror.
En México, los gobiernos de los 70 intentaron “aplacar” la movilización social mediante una política de “puertas abiertas” que fue efectiva para desactivar el temeroso descontento post 68. El método consistió en canalizar las simpatías por todo aquello que sonara a izquierda —siempre que fuera “decente”, moderada y urbana— hacia una puesta en escena de tolerancia. Era un teatro: mientras neutralizaban, en las filas de la burocracia, especialmente la educativa y cultural, a algunos sobrevivientes de las luchas de los 60 (otros seguían en prisión), desataban una guerra sucia y asesina contra los campesinos que se alzaban en armas en apartadas e inaccesibles provincias, hartos de olvido y humillación.
En las ciudades, al mismo tiempo que una incipiente contracultura rockera mexicana era acorralada y desaparecida, el gobierno alentaba la llegada de exiliados argentinos chilenos uruguayos brasileños paraguayos bolivianos y aprovechaba su presencia para darse una imagen de apertura, progresismo y tolerancia que no era realmente tal. Sirvió, sin embargo, para domesticar las inquietudes justicieras de una clase media “progre” que aplaudía revoluciones en los cafés y en las “peñas”, donde aprendía sobre zambas, milongas, cuecas, huaynos, chacareras y otras formas de la música tradicional suramericana.
Los héroes culturales de la revolución cubana (Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola y otros) venían a México con frecuencia y alternaban con exiliados, refugiados y trashumantes suramericanos como Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Roberto Darwin, Daniel Viglietti y Patricio Manns; grupos de folclor y protesta como Inti Illimani y Quilapayún y muchos otros artistas que encontraban en ese México, a la vez hipócrita y solidario, un lugar donde decir su mensaje y sobrevivir a la salvaje persecución de que eran objeto en sus países de origen.
La Camerata Punta del Este era uno de esos grupos; algunos de sus integrantes fueron efectivamente apresados por la dictadura y luego forzados al destierro. Pero el suyo no era un arte panfletario: era más relevante porque no esgrimía el discurso de canción-protesta como los demás, sino que expresaba su compromiso con la libertad de una voluntad vanguardista, revolucionaria, en proceso de experimentación. Su fusión de ensamble “culto” con las tradiciones populares uruguayas; su ejecución perfecta de géneros que van desde la música barroca de cámara hasta el jazz y, muy especialmente, su visión del tango, la milonga y el candombe, eran arte libre como ninguno; tocaban en centros nocturnos con un concepto de café-concert.
Yo los vi una vez en el Auditorio Nacional en agosto de 1977. Tenía 14 años y fuimos a un festival llamado Jornadas de Solidaridad con la Cultura Uruguaya en el Exilio porque tocaba Zitarrosa y mi mamá estaba enamorada de él. A mí me llamaba la atención Silvio Rodríguez, que también iba a estar. Compramos el disco que luego de los conciertos produjo Radio Educación (perteneciente a la Secretaría de Educación Pública, ejemplo de cómo el gobierno nos daba palmaditas en el lomo) que incluía “Gris tango”, un tema alucinante (desgraciadamente este tema no está en la antología que hoy reseño, así que se los pongo en versión Youtube. Díganme si no es otra cosa. [el video está programado para comenzar en “Gris tango”].
Camerata Punta del Este, es una antología de grabaciones anteriores editada en México en 1981 (el catálogo de ediciones Pentagrama dice que ha sido reeditada en 2007; la que aquí comento es una reimpresión de 1997 que debo haber adquirido ese mismo año). Incluye temas representativos de la amplia diversidad de su extenso repertorio: tangos, desde Troilo (la versión de “La última curda” es fabulosa) hasta Piazzolla (“Prepárense”, “Piazzoleses”); candombes con Rubén Rada (su “Chinga Chilinga” es maravillosa), composiciones de los miembros de la propia Camerata (“Tangueses”, “Bichitos”, “Rosina”); el barroco de Boismortier y Manfredini, el suave swing “Misty” (standard de Erroll Garner) y una rica versión de cámara de Jobim (“Brasiliana”). En este disco asistimos a un ensamble que cruza fronteras y cierra completamente la brecha entre lo “culto” y lo “popular”. Dice el crítico Fernando Curiel en las notas que incluye el disco: “¿Mozart o Muerte? ¿Trova, sí; Luciano Berio, no? Absurdo”.
Con ustedes, cabezonas, cabezones, el ensamble que le enseñó a querer al tango a este melómano mexicano y que afiló su pasión por lo uruguayo y lo argentino: la extraordinaria Camerata Punta del Este, a la que mi país tuvo la suerte de guarecer de la estúpida persecución política. Pido disculpas a los uruguayos y argentinos por meterme a hablar de lo suyo sin saber nada, sólo ¡me encanta! ¡Disfrútenla!
Lista de Temas: 1. Prepárense (Astor Piazzolla) 2. La última curda (Aníbal Troilo) 3. El Caburé (A. de Bassi) 4. Tangueses* 5. Piazzolleses (Astor Piazzolla) 6. Bichitos* 7. El Garrón (C. Ferrer) 8. Rosina* 9. Sonata en La menor, adagio-allegro (J. B. de Boismortier) 10. Boedo (J. de Caro) 11. La puñalada (P. Castellanos) 12. Brasiliana (Caymmi / Jobim) 13. Chinga Chilinga (Rubén Rada) 14. Ser o no ser* 15. Pasatiempo (Rubén Rada) 16. María (Aníbal Troilo) 17. Candombeses* 18. Misty (Erroll Garner) 19. Concierto Núm. 10, adagio-allegro (Manfredini) * de la Camerata o alguno de sus integrantes
Alineación: - Carlos Vinitzki / Primer violín - Daniel Lasca / Segundo violín - Juan José Rodríguez / Tercer violín - Moisés Lasca / Viola - Fernando Rodríguez / Cello - Vinicio Ascone / Contrabajo y bajo eléctrico - Michel Philp / Piano - Héctor Ocampo / Batería y percusión - Rubén Rada / Voz - María Vidal / Voz
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Hoy el Mago Alberto no trae a "Olympia 77", el único registro de la actuación de Piazzolla al frente de un conjunto que completaban Tommy Gubitsch en guitarra, Luis Ferreyra en flauta y saxo alto, Ricardo Sanz en bajo, Gustavo Beytelmann en piano eléctrico, Osvaldo Caló en órgano, Daniel Piazzolla en sintetizador y percusión, y Luis Cerávolo en batería. Grabado en vivo en el Teatro Olympia de París por Astor Piazzolla y su Conjunto Electrónico durante las presentaciones llevadas a cabo durante 3 semanas en abril de 1977, quizás el año en el que más se acercó al Jazz Rock dejando un tanto de lado el Nuevo Tango. Otro aportazo enorme del Mago Alberto para empezar la semana con todo.
Artista: Astor Piazzolla Álbum: Olympia 77 / L`Ultime Concert Año: 1977 / Género: Tango fusión Nacionalidad: Argentina
La joya más buscada de Astor. Un épico concierto en el Olympia de París donde el maestro configuró su célebre conjunto electrónico con músicos nétamente orientados al rock y el jazz. "Olympia 77" es la veta más experimental desde que Piazzolla es Piazzolla. Fusión de fusiones, con el tango como cimiento conceptual, el jazz como eslabón de cadena, la potencia del rock y los arreglos contrapuntísticos de la escuela clásica. Todo convive en eléctrica armonía, todo suena al más puro y genial Piazzolla. Aquí el comentario del Mago Alberto...
Acorde a los tiempos que corren, vamos con un 2 X 1 que es una gema. Primero con una figurita difícil que es Astor Piazzolla en vivo en el Olympia de Paris en 1977, registro de uno de los conciertos más memorables de su extensa carrera, porque durante dos semanas Astor y su octeto llenaron el Olympia en el momento donde su fama ya había trascendido en todo el mundo, y todo el ambiente progresivo en total ebullición, se rendía con profunda admiración a la propuesta del marplatense. Había marcadas intenciones muy novedosas en toda la estructura musical de Piazzolla que sin duda inundaba teclados y fraseos de muchísimos músicos alrededor el mundillo musical. Este es el disco mas "progresivo" de Astor, y para que ello se produjera convoco a un puñado de músicos de excelencia, tal el caso de Tommy Gubistch que venía de tocar en el Invisible de Spinetta, y de grabar con Rodolfo Mederos, un jovencito prodigio que luego se comería a media Europa, Gustavo Beytelman en teclados, un muchacho que venía de dirigir el Ensamble Musical de Buenos Aires y grabar la Biblia orquestada, aquel trabajo de Vox Dei, junto a la masa más importante del rock argentino de entonces, llámense La Pesada del Rock and Roll, Sui Generis, Claudio Gabis, Raúl Porchetto, etc, etc,; Osvaldo Calo en teclados, un músico académico que venía de experiencias rockeras también, como integrante de la banda de Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre, y también integrante de Ave Rock, Ricardo Sanz en bajo, que también habéa integrado Spinetta y la Banda, y el trío junto a Santiago Giacobbe, Luis Ceravolo también integrante de Spinetta y la Banda, junto a Rubén Rada, Daniel Piazzolla (hijo de Astor) en sintetizador, o sea una selección bien rockera para darle forma a una propuesta como ya mencioné anteriormente, muy pero muy progresiva. Un botón basta de muestra dice el dicho, y este concierto resumido del Olympia comienza con la guitarra solista de Gubistch que va increscendo con toda la banda hasta la incursión del bandoneón, una intro terrible que seguro habrá despeinado algún peluquín. Lo que sigue es una verdadera fiesta musical, si cabezonas/es esto es Astor Piazzolla en la cresta de la ola!! Este material es muy difícil de encontrarlo en buena calidad, y no tengo la menor idea de cómo apareció, así que aprovechen este dos x uno que no se da todos los días. La segunda presentación. y acá voy a ser breve simplemente por respeto a la inmensidad de Piazzolla, van a escuchar el ÚLTIMO concierto de Astor en vida. Luego de grabar este disco, una trombosis lo llevaría a la eternidad, el famoso "Último Concierto", el recuerdo final de una trayectoria profesional innovadora, rebelde, de excelencia, incomparable, genial, el resumen de un talento que cruzó todas las fronteras, cautivó a todo el mundo, y dejó para la posteridad obras tan impresionantes como las dos que presentamos hoy en el blog cabezón. ¡¡¡¡ETERNO!!!!
Mago Alberto
Grabado en vivo a partir de una serie de actuaciones en el Olympia de París durante abril de 1977, Olympia 77 muestra a un Piazzolla eléctrico y acaso más sofisticado, fresco de las experiencias por ejemplo de Libertango, el disco que había registrado en Italia en 1974, trabajo en el que asumía incluso otras formas de grabación, en las que a la manera de los grupos de rock el trabajo de estudio resultaba determinante para el sonido final. La música de este Piazzolla era el producto de una época de cambios y búsquedas, sobre todo tímbricas y formales del compositor. Epoca que, si bien no dejaría mucho para sus estilos sucesivos, marcó un momento de vitalidad especial en un artista interesado en sonar nuevo sin salir de su tradición, y sin embargo rodeado de músicos ligados más bien al jazz y al rock (que por entonces, con el término “progresivo”, planteaba caminos dignos de ser explorados). “... un grupo que lograría valor casi de leyenda para la escena argentina y que mucho tuvo que ver con el fugaz romance entre Piazzolla y el mundo del rock...”, escribe Fischerman en las notas que acompañan la edición. La característica más saliente de este Piazzolla respecto de otros Piazzolla, más allá de enchufes, perillas, tradiciones y patrimonios generacionales, podría estar en el empleo del tiempo. Son más de aquellos “tres minutos con la realidad” los que esta música necesita para construir su identidad. Sobre amplios espacios de tiempo, los temas pasan por los solistas para enriquecer diálogos, contrapuntos, contrastes. Hay juego y dinámica, como siempre en Piazzolla. Y hay también transcursos amplios sostenidos con gestos que saben a improvisación. Los entonces flamantes “Libertango”, “Meditango” y “Violetango” de la serie grabada en Italia, y “Zita”, de la Suite troileana, y “Adiós Nonino” respiran de otra forma y caracterizan este período de Piazzolla.
Es sabido que en los últimos años de su carrera a Piazzolla le atraían cada vez más las actuaciones con orquesta. La cuestión resulta un poco misteriosa, ya que la orquesta no es algo que verdaderamente parezca interesarle a Piazzolla desde “adentro”, sino como una mera figura de acompañamiento. Cuando el bandoneonista transmitió el proyecto sinfónico a los músicos de su último sexteto, el guitarrista Horacio Malvicino observó que eso era como dejar a una mujer maravillosa para acostarse con una muñeca inflable. Sea como fuese, el inquieto maestro parece no haber dejado de perseguir algo hasta el final. La “muñeca” griega es la Orquesta de los Colores, que creó Hadjidakis en 1989 con la idea de tender un puente entre la tradición clásica y el repertorio popular contemporáneo. El programa incluye Tres tangos para bandoneón y orquesta y el Concierto para bandoneón y orquesta (que en el fondo son otros tres tangos para bandoneón y orquesta), más una rimbombante orquestación de Adiós Nonino con bandoneón, piano, arpa y percusión. Este disco tiene un especial valor simbólico, pero en medio de todo eso hay un fragmento musical que no se debería pasar por alto: es el segundo de los Tres tangos para bandoneón y orquesta , “Moderato místico”, una de las piezas lentas más curiosas de Piazzolla a pesar de su simplicidad, de la reiteración de una misma frase con variantes. Más que un tema propiamente dicho, parece una entonación íntima y desnuda. La introducción en bandoneón es maravillosa; a los dos minutos entra la orquesta, pero la pieza no se arruina: la determinación expresiva del solista es tan fuerte que la música permanece a perfectamente anclada en su sitio.
Lista de Temas: Olympia 77: 1. Libertango 2. Meditango 3. Zita 4. Adiós Nonino 5. Violentango
L`Ultime Concert: 1. Tres Tangos para Bandoneon y Orquestra: a) Allegro Tranquillo b) Moderato Mistico c) Allegretto Molto Marcatto 2. Adios Nonino 3. Concierto para Bandoneon y Orquestra: a) Allegro Marcatto b) Moderato/Presto 4. Adios Nonino.(bis)
Alineación: Olympia 77: - Astor Piazzolla / bandoneón, arreglos y dirección - Luis Ferreyra / flauta y saxo alto - Osvaldo Caló / órgano eléctrico - Gustavo Beytelmann / piano - Tommy Gubitsch / guitarra eléctrica - Ricardo Sanz / bajo - Daniel Piazzolla / sintetizadores, percusión - Luis Ceravolo / batería
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Le entramos al Avant Garde y la World Music con interpretaciones had hoc de Gismonti, Piazzolla, Pat Matheny, Gullin, Reinhardt y las suyas propias. Quizás algún cabezón erudito conozca al pianista finlandés Iiro Rantala (uno de los pianistas más importantes de Finlandia) o el yanky Gil Goldstein. The Tango Kings, formación del pianista finés Iiro Rantala con músicos como Biréli Lagrène, Gil Goldstein o Toninho Horta. Tango que no solamente es tango. Aquí, el único disco de esta agrupación efímera que dejó esta joyita en su único legado. Con ustedes, The Tango Kings pero en su versión finlandés-americano. Otra rareza para los amantes del buen gusto, de esos que pululan en el blog cabezón.
Artista: The Tango Kings Álbum: The Tango Kings Año: 1996 Género: World music / Avant garde / Tango fusión Duración: 59:56 Nacionalidad: Multinacional
En varias oportunidades hemos hablado de nuestro gusto por la música que se hace en Finlandia (la Princesa Vicky no nos deja mentir, y cuenta de ello son la cantidad de discos de dicho país publicados a lo largo de la historia del blog cabezón), y por algo será porque parece que hay alguna sonoridad compartida, ya que el tango forma parte de la cultura finlandesa, inserto también en el jazz y el rock. Y este es un disco que incluye, entre otras cosas, "Loro" de Egberto Gismonti, con un invitado muy especial, un loro gris africano llamado Jodok, junto con un par de temas de Piazzolla ("Decarisimo" y "Caliente"), varios temas del mismo Iiro Rantala, "Nuages" del guitarrista jazzero belga-gitano Django Reinhardt, un tema del saxofonista sueco Lars Gullin y "Antonia", grabada originalmente por su autor, Pat Metheny, en "Secret Story" de 1992. Con versiones personales donde no falta la creatividad y la pasión, así empezamos otro día en el mundo de la buena música, ese que vive en el blog cabezón.
The Tango Kings fue un proyecto finlandés-americano, con una banda de buenos músicos de soporte interpretando canciones originales de Astor Piazzolla como elementos protagonistas, pero donde no falta ni Gismonti ni Metheny. El proyecto personal del pianista Iiro Rantala y otros miembros oriundos de Estados Unidos, este disco fue lanzado sin grandes ensayos ni tomas previas, y no se ha producido ningún otro desarrollo especial durante los años que duró la existencia del grupo.
Las primeras influencias de la música latinoamericana en la vida musical de Finlandia se remontan a la segunda mitad del siglo XIX con el arribo de la habanera. Pero el género latinoamericano que más ha impactado en la música y la vida musical finlandesa ha sido el tango rioplatense, que se conociera en Finlandia en la segunda década del siglo XX. Éste echó raíces de tal modo y en tal magnitud, que Finlandia se conoce actualmente como un país tanguero, con la existencia de una especie diferenciada de la rioplatense: el tango finlandés. Sin embargo, en los últimos años hay investigadores (por ej., Kärjä 2012), que ponen en cuestión la existencia de un género llamado “tango finlandés”. El tango rioplatense llegó a París en la primera década del siglo XX, donde triunfara en los primeros años de la década siguiente. Desde la ciudad-luz el tango conquistó Europa, que conoció un breve período de “fiebre del tango” entre 1911 y 1913. Desde el punto de vista del estilo musical el tango llegó a Finlandia desde París vía Alemania y Suecia. En este período se componen nuevos tangos en muchos países europeos, y en cada lugar el tango va adoptando paulatinamente características propias. En Finlandia esto comenzó a ocurrir a partir de la década del 30 y especialmente en la del 40. El tango en Finlandia ha conocido seis períodos y dentro de ellos ha habido algunos años de auge del género. La primera fase va desde el arribo del tango a Finlandia (1912-1913) hasta 1928. La segunda se extiende desde las primeras grabaciones de tango realizadas por músicos finlandeses (1928-1929) hasta fines de las dos guerras contra la Unión Soviética (1944). Durante el tercer período –mediados de los 40 hasta mediados de los 60– nace estilísticamente el tango finlandés y se fortalece como el género más dinámico de la música popular finlandesa. Desde mediados de los 60 hasta la primera mitad de los 80 el tango finés vive un período de crisis, especialmente en el volumen de venta de discos. El siguiente –mediados de los 80 hasta fines de los 90– el tango finlandés vive un nuevo período de auge, que influye en otros campos musicales, y durante el cual el tango rioplatense comienza a ser asimilado en una relativamente amplia gama de estilos. Me atrevo a denominar la fase actual del tango finés –la sexta– como pluralista, donde coexisten muchos estilos, y en la cual la influencia del nuevo tango o tango nuevo piazzollano y post-Piazzolla es muy notoria. (...) El tango finlandés tiene presencia también en el jazz. El compositor y saxofonista Paroni Paakkunainen (n. 1943) compuso tangos ya en los 60, y lo mismo ocurre con generaciones posteriores de jazzistas, como Jukka Linkola (n. 1955; CD 1990), el bajista y músico de jazz y fusión Pekka Pohjola (n. 1952-2008; CD 1991 y 1995], el vibrafonista Severi Pyysalo (n. 1967), el saxofonista Jukka Perko (n. 1968; CD en 2000), quien arreglara varias piezas de Toivo Kärki para su cuarteto, y especialmente el compositor y pianista Iiro Rantala (n. 1970; CD en 1995, 1997, 2009). En este período el tango tradicional finlandés comienza a formar parte del catálogo de muchos compositores contemporáneos, lo que evidencia que el tango se consolidó como género identitario de la cultura finlandesa. Numerosos compositores, en marcos genéricos, estéticos y estilísticos diferentes, y para formaciones muy diversas, lo incorporaron a su obra como material musical de base y posicionamiento cultural. (...) La obra de Piazzolla ejerce una enorme influencia en numerosos músicos y compositores de jazz, rock, fusión y de música contemporánea. Esto se percibe en la obra de compositores como los jazzistas Iiro Rantala, Jukka Linkola y Kirmo Lintinen, Maria Kalaniemi, las ya mencionadas Milla Viljamaa y Johanna Juhola. No se trata, sin embargo, de una simple copia de la receta piazzollana, sino que, a partir de allí, han buscado caminos personales, donde se nota, por cierto, el background musical de cada uno de ellos, el jazz en los primeros nombrados, y la música folclórica y popular de Finlandia y otros países, en el caso de las tres últimas. Todas y todos tienen también sólida formación en la tradición docta occidental. Quizás lo más importante que Piazzolla les ha dado, es que en la música no hay fronteras, nada está, en principio, prohibido, hay muchos caminos por explorar. Todo esto ha llevado también a la composición de tangos y obras en colaboración con orquestas sinfónicas de diversos puntos del país. (...) El tango finlandés se ha ido transformando en un elemento esencial de la identidad cultural y nacional en Finlandia. El tango es algo tan finlandés como el sauna o esquiar en el bosque (Gronow 2009:15). El tango finlandés ha conocido etapas de mucho éxito y de gran recepción popular, y otros de crisis serias. Hoy constituye un campo multifacético, pluralista y que se expresa en gran parte del mundo musical con nuevas generaciones de compositores y músicos, que aportan al tango elementos provenientes de su propia formación, que se nutre de fuentes musicales y culturales muy diversas.
Alfonso Padilla - “EL TANGO ES UN OCÉANO PROFUNDO”. LAS TRANSFORMACIONES ESTILÍSTICAS DEL TANGO FINLANDÉS: DIALÉCTICA ENTRE MÚSICA, SOCIEDAD Y CULTURA
Interpretado desde un gusto por la buena música, la habilidad y la sofisticada pasión, el disco se despliega desde el piano de Iiro Rantala (que compate el protagonismo con... un loro!), secundado en gran medida por el excelente trabajo en acordeón de Gil Goldstein, un afamado músico jazzero estadounidense que también le entra muy bian a los sintetizadores. Y creo que aquí ya no tengo nada para agregar, porque lo único que pueden hacer es meterle la oreja para conocer la peculiar visión del tango-jazz-Avant que tienen en Finlandia y alrededores.
Espero les guste!!!
Lista de Temas: 1. Tango Mechanique 2. Nuages 3. The Polka 4. Loro 5. Astorale 6. Danny's Dream 7. Decarisimo 8. Tango Dada 9. Tangonator 10. Waltz 11. Caliente 12. Antonia
Alineación: - Iiro Rantala / piano - Gil Goldstein / accordion - Mark Feldman / violin - Mike Richmond / bass
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Los presentamos apenas supimos algo de ellos, y desde allí no han dejado de crecer y evolucionar, imagino que recuerdan este maravilloso trío que ahora se ha convertido en un quinteto de jóvenes músicos que deambulan por terrenos tangueros, jazzeros y experimentales. Mezclando el tango, la música ciudadana con algo de jazz, de rock y pizcas de clásica en una onda Avant Garde mezcla entre Alas y la Orquesta Metafísica por su experimentación tanguera, jugando con el jazz y el rock, y Aranis por otro por su dulzura y fineza, con muy gusto un gusto y musicalidad impresionante. Los chicos de La Dispirada nos muestran una vez más su versatilidad como grupo, en un nuevo EP con solo dos temas pero mucho talento.
Artista: La Dispirada Álbum: Juncal (EP) Año: 2017 Género: Tango moderno Duración: 6:15 Nacionalidad: Argentina
La Dispirada se forma en el año 2011, los integrantes: Alejandro Comes en piano y composición, Gulliver Markert en batería y Luciano Gismondi en bajo. Este trío indaga y profundiza sus composiciones, tomando elementos del jazz, del tango y de la música argentina, proponiendo nuevas sonoridades que integren y mantengan la esencia de los estilos. En 2013 fue Ganador del Concurso Canal Encuentro, (entre los jurados que lo eligen está Teresa Parodi). En 2015 al conjunto se suman: Cecilia Rezaval en violín y Shinjoo Cho en bandoneon, consolidando el quinteto actual. Luego de 5 años de tocar en diferentes festivales, bares y teatros de la escena porteña deciden grabar su primer CD como quinteto, "Giro Interrumpido". En 2016 son seleccionados por concurso por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, para grabar en el "Proyecto Disco" en Estudio Urbano, siendo seleccionados de grupos de toda Argentina. Las grabaciones se convierten en el EP "Juncal".
Released September 9, 2017
Se los dejo sin más preámbulos, lo pueden escuchar en su espacio de Bandcamp y lo pueden descargar desde ahí mismo. Y me imagino que ya es hora de que empecemos a pensar en un larga duración (sería el primero) de estos fabulosos chicos.
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